Eclipse del alma

Tyranny "Bleak Vistae" e.p.(2004)

2012-01-19T19:19:00.001-03:00

Ya reseñamos hace bastante su primer y único larga duración hasta el momento en este blog...aunque viendo a extensión de este e.p., lo de larga duración sería un eufemismo.

Casi un cuarto de hora para tres composiciones hacen de este primer esfuerzo discográfico de los finlandeses.

En comparación, no hay nada distinto respecto del disco, incluso este suena un poco más a demo, sin la profundidad que le había encontrado al otro, y con muchos menos matices seguramente. Al que me diga que el Funeral Doom no tiene matices que escuche el nuevo de Esoteric antes de decir boludeces.

Cierto es que no hay nada fuera de lo común, pero no por eso voy a dejar de escucharlos.

Amorphis "Elegy" (1996)

2012-01-18T01:38:00.000-03:00

Tantas reseñas citando lo maravilloso y único de este lanzamiento, sin darme cuenta que nunca lo había reseñado.

¿Qué se puede decir de semejante obra que no haya sido dicho en todos estos años?

Todavía recuerdo como nos sorprendimos los que hacíamos aquel programa de radio frente a tanta melodía, proveniente de una banda supuestamente enrolada en el Death Metal. Esto era definitivamente otra cosa, y no se sabía muy bien (nosotros no sabíamos) como catalogarlo.

También recuerdo los comentarios en las pocas revistas de la época, en donde frente a la falta de rótulo para los cambios de varias bandas, no les (nos) quedaba otra que llamarlas experimentales.

Entre ellas aparte de Samael, Tiamat, Sundown...estaba Amorphis.

Y con este disco, porque, aún hoy no hay forma de encasillarlo.

Voces limpias melódicas y épicas por igual, voces bien podridas y al frente cuando hacen falta. Teclados bien progresivos acompañando unas guitarras tan vertiginosas como melódicas, creando climas cuando es necesario, pero siempre poniendo a prueba nuestra capacidad de asombro.

La sección rítmica era descomunal y daba la impresión de sostener cualquier cosa que se les pudiese ocurrir a los demás.

Y la distancia entre el disco anterior, "Tales from a Thousand Lakes" (1994) y este es increíble, mediando solo un e.p. y un split. Lo nuevo, es el aporte de Pasi Koskinen en las voces, Kim Rantala en teclados y acordeón y Pekka Kasari en batería. Asimismo, los demás músicos se encargan de nuevos instrumentos que enriquecen la paleta de colores que ya poseían los finlandeses, dándole incluso un toque psicodélico que no se podía ni sospechar escuchando el cover de The Doors en el disco del '94.

Una obra obligatoria y (extremadamente compleja) no solo para los seguidores de Amorphis, sino para los amantes de los sonidos europeos, y de la música en general.

Imposible dejarlo pasar por alto.

Black Sabbath "Forbidden" (1995)

2012-01-08T16:30:00.000-03:00

Y, siempre es difícil catalogar como basura un disco de la Bruja, pero créanme, es el único de su extensa discografía que entra en esta bolsa de mierda.

Y son muchas las razones. La principal son las canciones, la música...que brilla por su ausencia.

Riffs de descarte (¿que pasó Iommi?) y una base rítmica que parece haber sido grabada a puro desgano: la batería del fallecido Cozy Powell parece haber sido reemplazada por una vieja máquina de coser Singer, y el bajo de Murray tiene menos fuerza que una canción de Airbag.

Lo más llamativo de todo es que la voz de Tony Martin, aquejada de una anemia descomunal y desconcertante. No puedo dejar de recordar que sólo un año atrás este mismo vocalista había grabado "Cross Purposes", increíble disco de los Sabbath, con otra sección rítmica. Si sigo mi camino hacia atrás, no puedo creer que sea la misma formación de "Tyr" (1990), donde lo que faltaba en producción sobraba en canciones. Para no mencionar "Headless Cross" (1989): la conclusión es que Tony Martin no estaba en su mejor momento evidentemente, para este bodrio.

La producción no se queda atrás, en el sentido en que es tan paupérrima y patética como las "canciones". La única que podría mirar con cariño es la que inicia la placa, con un sonido oscuro y un riff lento y denso, pero se va todo a la mierda con Ice-T rapeando como invitado.

Lo demás, ya está dicho: material de descarte que no sirve ni siquiera como rareza, y por eso, esto es basura...casi tanta como la que hay en la contratapa, quemándose bajo la atenta mirada de la Muerte...Y hasta ella tiene una mueca de asco frente a semejante afrenta sufrida por uno de sus mejores discípulos.

Totalmente olvidable.

The 3rd and the mortal "In This Room" (1997)

2012-01-08T04:00:00.000-03:00

Otros que salieron de la camada de experimentos europeos a mediados de los '90.

Es en esta banda donde debuta la hermosa noruega Kari, de la cual reseñamos varios de sus discos solistas. Solo los primeros dos lanzamientos (1 e.p. y el primer disco) son "verdaderamente" metal (doom, para mayores datos), los demás se pueden catalogar de muchas formas: experimental, ambientales, climáticos...pero lejos del metal. Y de nuevo, como con The Gathering, en buena hora.

Ya para "Nightswan", e.p. del año 1995 Kari se había ido, y había entrado Ann- Mari Edvarsen en las voces, dando sobradas muestras de su capacidad para reemplazar a la bella Rueslatten. A este e.p. le siguió "Painting on Glass" (descomunal e inadvertido por la mayoría lamentablemente), para dar paso, solo un año después a esta obra retorcida e inclasificable.

Sí, es cierto que ya puse las etiquetas, pero escuchen y comenten a ver si no se me pasó alguna, porque acá van a encontrar de todo y para todos los gustos. Se me ocurre unos de los discos más difíciles de escuchar que recuerde, por la variedad de climas y estructuras, colores y tipo de vocalizaciones presentes a lo largo de casi una hora de duración.

Hay cosas climáticas que deben haber sido compuestas para el disco anterior, sobre todo el tema que inicia la placa, con una cadencia casi Trip Hop, con unos punteos hipnóticos de guitarra acompañando a Ann Mari en un vaivén descomunal que te hiela la sangre. No menos que esto podemos encontrar si buceamos en ese oscuro viaje de inspiración floydeana titulado "Monody", en donde no hace falta ninguna sustancia para inducir un estado alterado de la conciencia.

Cuando te estás acostumbrando a los susurros, se presenta el primer Trip Hop mala onda de verdad, que rompe con toda la tranquilidad y la paz mental que podrías haber obtenido en los primeros 8 minutos del disco, para escupirte la supuesta y pura alegría de pertenecer a esta galaxia...pero sobre el final te va a faltar el oxígeno y te vas a derretir rápidamente.

las voces más reventadas y locas del disco las encuentro hoy en "Sophisticated Vampires", en donde creo que la sacaron a la cantante de algún hospital monovalente para llevarla al estudio y que haga lo suyo. Perturbador, sobre todo con los jueguitos de guitarra (recordatorio: hay tres guitarristas en este disco).

Otro temita jodido a puro grito pelado, y que empieza muy relajado es "Did You", una especie de Ambient que se va a la mierda muy rápido.

La calma vuelve pero para ese entonces estás tan mareado que no sabés dónde te dejaron estos noruegos locos, que parece que solo quieren jugar con tu supuesto equilibrio mental. Vocalizaciones etéreas y trampas sónicas para desconcertar hasta al más preparado, y por debajo de todo esto, unas sutiles pinceladas del Jazz más volado y la psicodelia más escurridiza, desparramadas por todos los espacios libres, si acaso quedase alguno.

En definitiva, música, pura música, y de la mejor. No dejen pasar esta obra de arte atemporal.

The Gathering "If_Then_Else" (2000)

2012-01-08T01:27:00.000-03:00

Pensar que la etapa netamente perteneciente al metal de los holandeses es la más breve de su carrera, hasta "Nightime birds" incluso...para después abandonar la pesadez persiguiendo la experimentación con distintos sonidos e influencias.

No es extraño entonces que aparezcan climas intimistas y minimalistas sostenidos en la descomunal garganta de Anneke (una debilidad personal, no puedo criticarle nada), con una calidez casi inédita en el género.

El género. Esa es otra cuestión complicada, porque no es seguro que a esta altura los holandeses pertenezcan al mundo del metal...y en buena hora. Con el paso del tiempo ganaron colores diversos que generan obviamente afectos más diversos e inesperados todavía.

Una rockera "Rollercoaster", que posee atractivos pasajes oscuros, obra de la cadencia y el groove, y una distorsión tan fina y delicada como pocas veces hasta ese momento.

Como no sucumbir a los encantos de la belleza única e irrepetible de "Amity", con la fragilidad propia de las objetos de calidad. Y con un aroma a dark wave tremendo. Y si quieren este tipo de fragilidad esperen al himno que continúa, "Bad Movie Escene" para rendirse a Anneke y a su perfecta combinación a la Radiohead.

También podemos disfrutar de un bajo distorsioandísimo, en "Colorado incident", pero solo es un engaño, porque los últimos temas del disco son un viaje sin retorno a la melancolía, despojados casi de distorsión, para dejar que la belleza destaque sobre la agresión (inexistente).

Así se suceden "Beautifull war" (hermoso instrumental), "Analog Park" y "Herbal Movement", cada vez más experimentales y alejados del metal, para meterse en esos climas a los que nos acostumbraron artistas como Radiohead y Bjork, por ejemplo. ¿Música espa(e)cial? Sí, una buena dosis, pero con la calidez del trópico, sin una pizca del vacío y la frialdad reinante allá fuera.

Anneke puede suponer que no la amen o la necesiten todo el tiempo...pero por culpa de este tipo de disco, con estas canciones, se vuelve muy dificil la verdad sacarla de la mente, y no desear un encuentro con ella, aunque más no sea para escucharla cantar "Morphia's Waltz", optimista y melancólica al mismo tiempo.

Con "Pathfinder" podemos incluso encontrar el camino a alguna película perdida en la historia, con esta música incidental maravillosa.

Es difícil superar semejante disco, sin embargo, pocos años después llegaría un impresionante "Souvenirs", precedido por un e.p., un disco en vivo y un compilado con canciones de la primera época.

Por el momento, escuchen esta belleza.

Lacrimas Profundere "Burning: a Wish" (2001)

2011-12-15T22:31:00.000-03:00

Parafraseando a Sui Generis, "hubo un tiempo que fu(i)e hermoso y fu(i)e doomy(libre) de verdad, guardaba todos mis sueños (pesadillas) en canciones(castillos) de cristal..." (jejeje)

Y sí, en una época estos alemanes construían canciones enormes, como castillos, con una fragilidad propia del elemento vítreo indicado.

Y no hablo de antiguos lanzamientos, ya que algunos de los editados en la década del '00 son cachetazos darkies repletos de melancolía y tristeza popy, con canciones gancheras difíciles de olvidar. Claro, alejados ya del Doom que los viera nacer, ese de claras influencias inglesas (My Dying Bride, Anathema). Por supuesto que no incluyo entre sus grandes discos al último editado en el año 2010, que tiene menos fuerza que esas bandas neogóticas y neotristes yankees tan de moda, y a las que actualmente les afana hasta la imagen Lacrimas Profundere.

Este disco es uno de los más logrados, en donde todavía mantienen elementos del metal oscuro y opresivo de antaño, pero ya empiezan a aparecer el gancho y refinamiento de otros géneros (el pop y el Dark a la cabeza), que permiten mover el pie y la cabeza casi instintivamente.

También hay más matices vocales, realzando incluso las voces podridas cuando aparecen para darle una contundencia inesperada a las composiciones.

Justamente, y creo no equivocarme, este es el último lanzamiento en contar con la podredumbre vocal como guía principal en los caminos de la oscuridad alemana. También son las últimas influencias inglesas (metálicas), donde aparece como una negra gema esa maravilla que fusiona lo mejor de Paradise Lost, Anathema y My Dying Bride, titulada "Morning...grey"....

Después ´quedaría todo en manos de Finlandia (H.I.M.) Suecia (Katatonia), para desbarrancar estrepitosamente el año pasado.

Pero, repito, este es un hermoso disco, para acompañar momentos lluviosos y grises, en un atardecer/amanecer de domingo, cuando las lágrimas se resisten a secarse.

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota "Oktubre" (1986)

2011-12-10T18:41:00.000-03:00

Hay discos dentro del espectro local del Rock (y de la música en general) que son sencillamente intocables, que están más allá de la comprensión o el entendimiento del momento en que son editados, y que, como ocurrió con el "Artaud" de Pescado/Spinetta (ya reseñado por otro lado en este blog), luego de tantísimos años de haber visto la luz, siguen generando cientos de comentarios, análisis y teorías sobre como se compuso cada uno de los temas que componen el disco.
Así, "Oktubre" fue editado hace ya 22 años, y marca la cima compositiva de la banda que llegaba así a su segundo disco...realmente increíble que tanta solidez y química se alcance de forma tan temprana en una banda. La explicación la encuentro en el tiempo que llevaban tocando juntos y que los había llevado a ser uno de los números principales del rico underground porteño de aquellos años, junto con bandas como Sumo, por ejemplo.
Aquí nos encontramos con 9 grandes canciones que a se encuentran inscriptas en la mente de todos aquellos que por uno u otro motivo se cruzaron con esta obra, en la que está perfectamente amalgamado el arte y la política (obviamente es una de las lecturas posibles, entre tantas otras). Los culpables de esto fueron: El indio Solari, Skay, Willy Crook, Piojo Abalos, Tito Fargo y Semilla Bucciarelli. Como invitados tocaron Daniel Melero en teclados y Claudio Cornelio (de Don Cornelio) en percusión electrónica. Los nombres de aquellas hablan por si solos: Fuegos de octubre, Preso en mi ciudad, Música para pastillas, Semen Up, Divina TV Fuhrer, Motor Psico (que canción!!!!!!!), Ji Ji Ji (no lo soñé!!!!!!!!! y voy corriendo a la deriva.....), Canción para Naufragios y Ya nadie va a escuchar tu remera, todas canciones "para los desclasados y los expulsados del sistema"...de hecho siempre se asoció a Los Redondos con cierta pertenencia social, casi excluyente....y era un sinsentido que algún cheto siquiera tuviera acceso al universo preclaro que te regalaba el Indio y su poesía callejera.
En esta banda y en los Ratones Paranoicos encuentro el lamentable origen de las bandas de "Rock Chabón"....en el que el público pasa a ser más importante que la banda en si y la música que ella ejecuta. Patéticas demostraciones de la talla de "Callejeros" o "la 25" por citar los ejemplos más vergonzosos, no serían nadie sin la inspiración y las ideas robadas a bandas como "los Redondos". Es el único "reproche" que elevo a esta banda, ya que desde otro punto de vista, están más allá de cualquier crítica (por lo menos en los primeros discos, y desde mi punto de vista).
De este disco en particular me sorprende que marque la casi disolución de la banda, (ya que después de su grabación y presentación se fueron casi todos); por otro lado sirve de mojón para comprender una parte de la historia de las calles porteñas en un momento determinado (los años '80), y que puede ser entendido y/o decodificado por personas que vivimos en el interior del país, o quizás en otro..si así ocurre déjemenlo saber.
Un disco del carajo, de una época del carajo, y con una historia del carajo...disfrútenlo, carajo!!!

Sumo "Divididos por la felicidad" (1985)

2011-12-10T18:40:00.000-03:00

La etiqueta Discos clásicos se puede aplicar a toda la -escueta- discografía de la banda.

Creo que después de Sui Generis y Almendra (primera banda del Flaco), fue la banda que me llamó la atención durante mi preadolescencia.

Si bien yo ya tenía algunos discos encima, de Rock Nacional (argentino), como el primero de Fito Páez, los mencionados Sui Generis (dúo Folk-Rock formado por Charly García y Nito Mestre, en la década de los '70), Pastoral (otro dúo folk argentino) y Almendra, tuve la suerte de escuchar mi primer tema de Sumo a los 12 años...y creo que fue "la rubia tarada" o "Los Viejos Vinagres", y me pareció súper raro que fuera una banda argentina.

Todo en su sonido, entendí años después, remitía a Inglaterra, que fue de donde Luca extrajo la mayoría de su bagaje cultural. Lamentablemente, al poco tiempo de escucharlos por la radio, me entero que El Pelado (es, fue y será el único Pelado del Rock argentino) se había muerto.

Posiblemente haya sido la primera vez que pude experimentar la tristeza de perder algo querido. Tal vez darme cuenta -dolorosamente- que todos en algún momento nos morimos.

Fue esta banda la que me llevó a la parada "...Carlos Gardel...es la estación del Abasto...", porque tenía que conocer ese lugar que había enamorado de alguna forma a un italiano de nacimiento, que estudió en uno de los colegios de élite de Escocia, y que terminó en Argentina...escapando de la heroína y la adicción que seguramente lo habría consumido 7 años antes en Europa.

Me fui un poco por las ramas. Los integrantes de Sumo en este disco fueron
Luca Prodan (Voz); Alberto Troglio (Batería), que había reemplazado a Sokol; Diego Arnedo (Bajo), luego en Divididos junto con Mollo; este y Germán Daffunchio en guitarras y Roberto Pettinato (Saxofón), quien por aquellos tiempos fuera el director de una de las mejores revistas en la historia de la Argentina: Expreso Imaginario.

Por ahora los dejo con el debut oficial de Sumo (sin contar la producción independiente), la más inglesa de las bandas argentinas.

Y sin ninguna dudas la primera en introducir la ironía, la acidez y la extravagancia dentro de la música en nuestro país...sorprendiendo a todo el mundo...músicos inclusive.

Gracias por tanta música.

Pescado Rabioso "Desatormentándonos" (1972)

2011-12-10T18:38:00.000-03:00

Argentina tiene una historia tremendamente importante y rica en bandas de Rock, Jazz y Blues, junto a nuestros hermanos del Río de la Plata, Uruguay (los geniales hermanos Fatoruso inspiraron a varios de este lado del río).
Justamente de acá, y para sonar repetitivo, uno de los pioneros/primeros fue el inconmensurable Flaco (Spinetta , ¿quién más?), con su banda Almendra.
Luego de separarse de sus compañeros de ruta, armó un power trío con Black Amaya en batería y Bocón Frascino, más el invitado Carlos Cutaia en órgano Hammond para la canción "Serpiente (viaja por la sal)", bajo el título de Pescado Rabioso. Y volvió a dar que hablar, con una historia discográfica corta pero de una calidad inigualable.
En este primer disco, nos encontramos de movida con un blues del carajo, "El blues de Cris" que cierra una historia de amor que había comenzado en "Muchacha (ojos de papel)" de Almendra.
Ahí nomás, pegadito, "El Jardinero (temprano amaneció)", con la voz de Luis plagada de eco que recita amarga y oscuramente: "Una mañana amanece el jardinero, y observa la desilusión en todo lo que lo rodea...". Un gran ejercicio que mixtura el blues y la Psicodelia, con enormes sonidos progresivos, elevando a categoría de clásico absoluto esta canción.
Hay también una canción hippie para emocionarse hasta las lágrimas, el hermoso y optimista "Dulce 3 Nocturno", con una voz angelical del Flaco: "Deja tu miedo atrás, alguien te sonreirá...piensa, abre tu mente al sol...(todo irá) todo irá mejor...Antes de despertar, de este, tu cuerpo actual, verás, tu voz sabrá gritar...(todo irá) todo irá mejor...Dulce 3 nocturno, se aparece...mostrando su signo, detrás del diamante, ¿será azul? Dulce 3 nocturno, necesito, que cuentes tu historia, para conocerte...ven hacia mí, ven hacia mí, dulce 3..." Es casi automático, este tema me lleva al descomunal, único e irrepetible "Artaud" (1973), ese proyecto de disolución en plan solista del Flaco...cuando la banda ya no existía.

El Flaco pide, susurra...y vamos hacia él, tranquilos, para que nos estampe en la cara el tema más pesado del disco, "El monstruo de la laguna", y esa declaración furiosa acerca de la falsedad de la caridad del universo, con un grito casi primal, que encierra una furia que casi no se le conocía al Flaco, aquel de Almendra.
Aparte, es muy interesante resaltar el año de edición del disco, que en la Argentina nos remite al preámbulo de los años más oscuros de nuestra historia, con la violencia desplazada a casi todos los ámbitos de la vida, incluída la música (¿ o no forma parte de nuestra vida acaso?). El universo en Argentina, era horrorosamente voraz, y ya había empezado a comerse a unos cuantos jóvenes, incluso antes de la llegada del líder desde España.

Entonces, decía, el tema más pesado del disco, con ese riff gordo y violento que se repite a lo largo de los 5 minutos y chirolas de ese Rock entre podrido y poderoso.
Hace rato mencione la psicodelia. Jejejeje!!! Escuchen el viaje de ácido de Castaneda versión Spinetta modelo '72, acompañado por el genial Cutaia (quien después tocaría en La Máquina de Hacer Pájaros, esa banda de Charly maravillosa.
Si bien el disco finaliza en ese trance hipnótico, hubo tres simples que estuvieron rondando durante esos años, uno de los cuales se popularizó con una película argentina que hoy recuerdo con ternura, aunque si la viera hoy diría que es insoportable: "Tango Feroz".
Esos simples son tres canciones tan importantes como las del disco y son "Despiértate nena", "Me gusta ese tajo" y "Post-crucifixión", siendo la segunda censurada en aquellos años. El último tiene un riff por el cual Deep Purple habría pagado fortunas.
Si quieren saber que escuchaba el Flaco por aquellos años, solo tienen que prestar atención y escuchar entre líneas.
Hay un malestar que nos atraviesa y nos implica...y del cual no podemos excluirnos...ya estamos adentro. Ese malestar que nos carcome como un gusano puede ser mediatizado de varias formas, aunque no muchas.
Una de ellas es la música, la que consideramos nuestra música, esa que escuchamos justamente cuando el vacío se nos presenta incomensurable y angustiante.
La música es la forma de desatormetarnos frente a tanta "realidad". Y el Flaco, con discos como este, construyó una "realidad propia" que todos los que amamos su arte adoptamos e interiorizamos como nuestra.
Y así ese vacío, momentáneamente, pasa de largo...hasta que se termina el disco. Perdón por lo extenso, pero con el Flaco pierdo la noción del tiempo.

Los Natas "El Hombre Montaña" (2006)

2011-12-10T18:34:00.000-03:00

Recién escribía la reseña de Twinemen, y hablaba de un viaje. Que mejor para continuar con este viaje (retro) que subidos a la camioneta de este increíble trío argentino de Stoner Rock...bah, que carajo me importan las etiquetas si en definitiva es una de las mejores bandas actuales del Rock Argentino-y si me apuran las ubico dentro de mi Top Ten argentino de todos los tiempos-.

Estoy frente a su último disco de estudio, luego del hipnótico y ya clásico "Toba trance". Para mi fue una sorpresa ya que después de semejante laburo (disco doble y súper experimental), se despachan con este Rock rutero, pesado, con ese sonido analógico que ya los caracteriza, y sin perder un ápice la fuerza demostrada en discos anteriores.

Desde el comienzo con "El Bolsero" y su descripción de la vida en la ruta durante las giras (o eso interprete, y es lo que más me gusta), con un riff tremendamente gordo y preciso; pasando por la canción llena de actitud ("...jamás volver atrás...") "Amanecer Blanco", con ese estribillo melancólico que te atrapa y te llena el alma.

Todos las canciones son maravillosas. "No es lo mismo" me hizo acordar a un viejo tema de ellos de hace unos años, sobre todo al comienzo. Y la primera manada de gliptodontes te pasa por arriba casi sin que te des cuenta, porque empezó a sonar "Humo Negro del Vaticano", y la guitarra es lo de menos, o eso te hace creer la batería de esta bestia emuladora de John Bonham llamada Walter Broide, y si no escuchen después de 4'16'' y me refutan lo que les estoy diciendo (jeje).

¿Te gusta el Thrash? Probalo en clave Stoner en "La Espada en la Piedra", con una gran cuota de influencias Punk también.

Y Sergio Chotsourian que cada día hipnotiza más con sus instrumentos (guitarra y voces). ¿Decís que exagero? Escuchá "El Ciervo"; y el primer rebaje a lo largo del disco, "El Camino de Dios", un acústico que si nadie te dijese, podrías pensar que estás frente a algún chamán que leyó mucho a Castaneda, y después se mudó a su lugar en el mundo, El Bolsón.

Ese trance hipnótico que comenzó en "El Ciervo" se pone más denso y espiritual en "De las cenizas, el Hombre", con una zapada hermosa que te haría olvidar cómodamente a The Doors, abriendo otras puertas de la percepción.

...Muy retro no?...Esperá llegar a "El Soldado" y no vas a poder creer lo que estás escuchando. Una de las mejores canciones de la discografía de esta banda. Y Sergio cada día (cada minuto)me convence más con sus historias. A modo de "aperitivo paradójico", antes del final, está "Lanza ganado", un instrumental que te quita el aliento. Pero esperá, no te quedes sin aire que falta "Sigue, Sigue" para cerrar la maravilla que representa este disco. Disco difícil de digerir como una montaña...pero, una vez que lo escuchaste lo suficiente, no podés abandonarlo.

Como pasa con todos los grandes discos, esos que se quedan grabados a fuego en tu memoria, y que te hacen buscarlos después de años, para volver a escucharlo como si fuera la primera vez.

Es cierto que ya es una sana costumbre después de tantos años, pero gracias por tantos buenos momentos, Natas. Muchas Gracias.

(((O))) "Las Flores del Mal" (2008)

2011-11-10T23:54:00.000-03:00

Nunca el Drone fue algo fácil de escuchar. Y no me vengan con Earth y Sunn O))), porque les apuesto mi colección de discos que a los primeros de ellos no se le animaron todavía.

Este proyecto viene de México, y practican un Drone bien minimalista y psicodélico que no se relaciona justamente con la actualidad de los popes del género, loa antes citados Earth y Sunn O))).

Si bien es breve este lanzamiento, no es para escucharlo en todo momento, ya que -algo común en el estilo- hay que estar en un estado de animo más bien receptivo, aletargado, hasta empepado les diría.

Así, con un estado de conciencia alterado, creo que todos los colores del arte de tapa y libro interno, pueden emerger bajo las formas más perturbadoras y opresivas. Aunque se disfracen de pinceladas mágicas, en esos teclados límpidos que ocultan algún portal hacia el más allá.

Por otro lado, un disco que tiene el título de uno de los libros malditos del genial Baudelaire no debe ser agradable de escuchar.

Pero la música, considero, no debe ser "algo" inerte, sin sensaciones; debe justamente transformarse en un estímulo para generarlas, y ellas pueden ser agradables u horrorosamente dolorosas. Y ahí, en el dolor, se puede encontrar un oscuro placer, bajo el sufrimiento de soportar algo sin forma, sin ser necesariamente indispensable, pero profundamente cautivante.

Como este disco.

Babylon Sad "Kyrie" (1992)

2011-11-08T21:19:00.000-03:00

Un hermoso y breve disco de una banda de Suiza (de los pagos de Samael) que se separó sin dejar rastros luego de este, su primer lanzamiento.

La banda estaba compuesta por Tschösi (Bajo); Peter Haas (batería); Christian Muzik y Dani Raess (Guitarras); Marco Wolf (teclados) y Nenad Dukic (Voces).

Si bien estaban más cerca del Death metal, tenían climas que los acercaban a los primeros Anathema o My Dying Bride, logrando momentos bien lúgrubes con recitados arrastrados y desesperantes, lo que en esa época se catalogaba como Death Doom (de hecho se lo sigue haciendo).

Una buena opción para deprimirse en estos calurosos días, sonde seguro sufrimos más calor que en el propio infierno.

Para redimirnos, escuchemos la tristeza del Death.

Vibrion "Closed Frontiers" (1997)

2011-11-07T19:21:00.000-03:00

¡Que lo parió! Todo el Black que tenía en mente en estos días, y el calor no baja...no hay vueltas, el animismo y el pensamiento mágico resuelven algunas cosas, pero cuando los necesitas de verdad, fallan.

Segundo larga duración de los pioneros argentinos del Death Metal, esta vez grabados en los míticos Sunlight Studios.

No puedo menos que compararlo con sus anteriores lanzamientos, y con, hasta ahora, último e.p. editado. Respecto de este, extremadamente superior, sin ningún lugar a dudas, ya sea en intensidad, en agresión como en composición.

En relación a los anteriores, "Closed Frontiers" suena más pulido, más prolijito, y al mismo tiempo más caótico, restándole en definitiva ese toque final de malignidad, de odio que sí tenían sus primeros esfuerzos discográficos.

Antes no necesitaban demostrar eso que les salía naturalmente y que se transformaba en algo extremo y honesto, violento y disfrutable en partes iguales. En este disco a mi personalmente me suena un poco forzado todo.

Y me sorprende porque habiendo grabado en EL ESTUDIO del Death de esa época el sonido me termina pasando por encima, como si fuera una bola de ruido por momentos. En ese sentido, sus primeros trabajos, grabados acá nomás, son mejores.

Igual hay temas para destacar, los tres primeros son piezas clásicas y parecen una continuación d lo hecho anteriormente, sobre todo cuando hacen esos rebajes y meten el doble bombo a full, regalando maldad metalera sin concesiones.

El cover que cierra la placa está buenísimo y es casi una declaración de principios e influencias: "Toxic Shock" de Agnostic Front, con unas pinceladas crust que le sientan mucho mejor al grupo.

Las variaciones en la formación posiblemente haya sido uno de los factores determinantes, aunque no creo que el cambio de un guitarrista por otro (Giusti por Mangiacavalli) sea la causa.

Simplemente un disco más. Espero que saquen algo pronto, ya que según algunas páginas están activos.

Samael "Lux Mundi" (2011)

2011-11-07T06:41:00.000-03:00

Si sres. Samael volvió al rebaño. Al de la música hecha de forma honesta (mmm...) sin importar las tendencias.

¿Por qué le deberían importar, si ellos allá por el año 1996, crearon una?

Después del bodrio anterior, y el supuesto regreso a las raíces, menos honesto que M*nem y Duhalde juntos, aparece algo mucho mejor. Pero mucho.

De movida, aquello insinuado en el año 2007, con "Solar Soul", acá se vuelve una realidad palpable, tan importante que hace que el lanzamiento del 2009 pase desapercibido.

Climas oscuros y espaciales al mismo tiempo, con letras muy inteligentes y que tienen más de un sentido (no como la del último de Morbid Angel-decepción del año-), y con riffs que no parecen residuos desechados de bandas de cuarta como Alastis.

La percusión no se queda atrás, y trae agradables recuerdos, de como nos sorprendimos todos cuando apareció y se nos clavó en el lóbulo temporal aquel "Passage" del año '96.

Y ese es el único problema, que ese disco existe, y la comparación es inevitable, forzosa. Sobre todo forzosa, para olvidarse de "Above".

Aparte de eso, nada que objetar, Samael volvió con una placa acorde a su historia.

Y eso para mi es una buena noticia.

Vintersorg "Jordpuls" (2011)

2011-11-06T20:51:00.000-03:00

Frente a semejante calor que nos aplasta acá en la Provincia de Tucumán, Argentina, no queda otra que seguir nuestro viaje por las heladas tierras del Norte de Europa.

En este caso, nos fuimos para Suecia, a degustar el último disco de Vintersorg.

Verdaderamente una belleza. A mi me gustó siempre más la vieja época, incluso hasta "Cosmic Genesis" (2001). Los lanzamientos posteriores si bien eran muy buenos, se habían volvado más hacia lo progresivo, perdiendo esa faceta única de furia Black y misticismo Folk que existía entes en sus lanzamientos.

También la música se había vuelto muy compleja, y por lo tanto, más fría (en el peor sentido del término).

Pero se ve que el bueno de Vintersorg (el artista) extrañaba sus viejas melodías folkies y la virulencia black (poca, no tanta), así que volvió a ellas...y nosotros (yo por lo menos) contentos.

Las canciones son mucho más disfrutables y menos intrincadas, y prevalecen las melodías, tanto en los teclados como en las voces. Y es para festejar, sobre todo con este cantante que parece mostrarnos que con sus cuerdas vocales puede romper cualquier límite.

Otra faceta que también reencontró es la vieja y querida melancolía, tan importante para quien esto escribe.

Si hasta el arte del disco recuerda aquellos viajes por bosques encantados, tan llenos de historias y bestias, como de sombras.

Conclusión: Vintersorg sacó un disco que no es uno más...y que será recordado por muchos años.

Solefald "Norrøn Livskunst" (2010)

2011-11-06T02:13:00.000-03:00

No sabía si ponerlo como novedad, porque no me acordaba del año de lanzamiento de este disco impresionante.

Es inentendible como este dúo sigue sorprendiendo con cada obra que compone, y nos pone en la difícil tarea de etiquetar algo que escapa a los rótulos permanentemente.

¿Hay Black Metal? Sí, decididamente. Pero ese no es el punto, porque si solo fuese ese estilo, ¿qué problema sería catalogarla como perteneciente al mismo?

Hay tantas cosas dando vueltas en los 54 minutos del disco que es abrumador.

Un arranque más bien melancólico de la mano "Song Til Stormen", factor siempre presente de una forma u otra en las composiciones de este dúo. Pegado, un riff asesino emerge estrepitosamente, cayendo en el juego de las voces tal vez más bizarras y sugerentes de la escena, para fugarse a otro plano y dejarte paralizado...¿como es posible tanta intensidad en tan poco tiempo?

De repente..a esa voz la conozco!!! Me suena...es casi un mal recuerdo...noooooo!!!!! Es Agnete Kjølsrud, la que cantó en el último de Dimmu Borgir. La diferencia es que en este disco está guiada por dos tipos inspirados, que no se dedicaron a mezclar rejuntes y descartes porque tenían que cumplir.

Siguen las canciones y la intensidad no baja un ápice, sino que sigue subiendo, y creo escuchar estructuras similares a la polca!!!!

Ya estaba extrañando esas cositas jazzeras que habían metido en "In Harmonia Universali" (2003), cuando llegamos a la cresta de la ola y descendemos abrupta y relajadamente, entre colores oscuros, con "Eukalyptustreet" como banda de sonido, y otra vez aquel saxo del 2003 nos pinta unas melodías tensas, acompañadas por ese retorcido recitado, que vaya uno a saber que dice...todo el disco en noruego!!!

Para lo sinfónico también hay lugar en el tema 7, con tecladito psicodélico y todo...estos dos hijos de puta pueden cantar lo que se les cante la gana, hacen que todo parezca fácil.

Algo folky en el comienzo del tema que da título a la placa, para pasados unos breves segundos, la disonancia del viejo y querido black aparece otra vez.

Otro de los invitados, en guitarras, es Vangelis Labrakis, que seguro le da un poco más de aire a los líderes de la banda.
¿Que querrá decir el título del disco? Lo más cercano a un traductor de este idioma está en el mismo Google, y hacia allí voy. Según ese servicio, el título sería algo así como "La vida del arte nórdico".

Entonces para que seguir buscando, si la respuesta esta en este disco de Solefald. Y tiene tantas aristas que lo mejor que puedo hacer es terminar esto y seguir escuchando.

Summoning "Oath Bound" (2006)

2011-11-05T20:46:00.000-03:00

Parece mentira que hayan pasado tantos años desde el último disco de estudio de estos austríacos.

Este hermoso disco sigue a ese breve e.p. ya reseñado en nuestro blog, "Lost Tales" (2003), y continúa con épicas melodías que nos arrastran y pasean por los caminos de la Tierra Media.

Y en un paseo por esos parajes míticos nos podremos cruzar con situaciones agradables, y no tanto.

La melodía inicial es bella y saltarina, aunque al final se torna más oscura, para dar paso a "Across The Streaming Tide", con una línea de teclado de ensueño y una percusión militarista que te taladra el cerebro.

Es impresionante como cambió este proyecto con los años,ya que hoy no hay demasiado que lo ate a la música extrema; no digo que no esté dentro de ella, pero cada vez tiene más influencia de los géneros Ambient y Marcial, lo cual le da muchas más texturas y matices a su arte.

Por momentos suenan etéreos, por momentos oscuros, pero nunca violentos, por lo que las canciones, si bien extensas, son muy disfrutables y para nada aburridas. En "Mirdautas Vras" ("Un buen día para matar" en la Lengua Negra de Mordor), aparecen sonidos pertenecientes a las negras hordas de Sauron preparándose para la batalla.

Las voces son las que dan la nota, que suenan mucho más profundas que en grabaciones anteriores y le dan ese toque distintivo a la banda, con relatos enterrados en la mezcla, pero que suenan más sugestivos y ancestrales de esta forma.

Un disco del carajo, que no aburre, y nos deja esperando el próximo ejercicio musical de Silenius y Protector (que espero que sea pronto).

Satyricon "Rebel Extravaganza" (1999)

2011-11-05T18:17:00.000-03:00

Mierda, suciedad y mucho odio por la especie humana que inunda como gusanos el planeta....eso es lo que me transmitió este disco la primera vez que lo escuché.

Hoy después de tantos años, las vísceras no perdieron su memoria, y la sensación sigue siendo la misma.

Satyricon vuelve a demostrar, luego de tres años, que es capaz de mutar en algo más sucio y violento, y tan oscuro como la guerra misma, sin ceder sus banderas misantrópicas ni abandonar el mundo extremo.

No recuerdo un disco de los noruegos que no me haya producido algo, esa mezcla de adrenalina y violencia que solo se podría mitigar matando a mucha gente...para volver a casita después muy tranquilo y satisfecho!!!

Las letras, como decía en el post de "Nemesis Divina" (1996), son modernas, más abstractas y violentas que antaño. Muestra: "Filthgrinder", y ese verso que dice "...Los mecanismos de los comportamientos destructivos pueden ser una forma de arte en si misma...", y eso es lo que nos vomita Satyr en la cara con cada extensa canción. Es tan cáustico el disco, que se necesita como el agua en el desierto cada instrumental presente, que suman en total escasas tres composiciones, pero sirven para tomar aire y prepararse para la siguiente descarga.

La mística no se olvida tan fácil, y se hace presente en "Supersonic Journey", de casi 8 min. De hecho, salvo los instrumentales, todas los temas superan los 6 minutos, y aquellas que empiezan y terminan la placa se acercan a los 11 minutos.

Uno de los discos más difíciles de escuchar de la leyenda noruega, en donde nos enseñan el camino al futuro, inconformismo mediante: "...rompe con todas las formas convencionales y crea caos para reinventar orden...".

Así, en la primera estrofa del final del disco, encontramos la filosofía oculta de Satyricon. Black Metal del Siglo XXI, así se debe hacer.

Disfruten, que vale la pena.

Satyricon "Nemesis Divina" (1996)

2011-11-05T15:34:00.000-03:00

No puedo creer que no haya posteado esta obra de arte todavía, a menos de 24 hs. de que los míticos noruegos se presenten en Buenos Aires (afirmo, no es Argentina, solo Buenos Aires!).

Y yo acá, a más de 1000 km. sin poder ir a verlos, la puta madre.

Después de haber escupido al mundo su oscuro "The Shadowthrone" (1994), aparece este disco descomunal, que sería referencia absoluta en la discografía de Satyricon en varios sentidos.

Por un lado sacaba a relucir todo lo demostrado en lanzamientos anteriores, intensificando aún más lo épico y misterioso de sus composiciones. También hay violencia y nihilismo, con unas melodías que pueden pasar desapercibidas para los que creen que Satyr solo hace ruido de forma gratuita y caótica.

Un disco que arranca con un párrafo de "El libro de las Revelaciones", con la frase inicial "Esto es el Armaggedon!", no puedo menos que creer que algo interesante va a aparecer. Los riffs son descomunales, y los climas entre épicos y medievales se suceden.

De repente aparece un clásico que no puede faltar en ninguna discografía sobre la música del Siglo XX: EL HIMNO de Satyricon, "Mother North", mostrando como una banda puede sonar violenta, mística, pagana y melancólica al mismo tiempo. Sin palabras después de semejante canción, que fuera acompañada por un video muy interesante.

Otro de los temas que me gustan de forma casi obsesiva es "Inmortallity Passion", con un trabajo en guitarras y percusión antológico. Ese es otro de los puntos fuertes: el trabajo realizado por Frost en batería y percusión puede elevarse a la categoría de INFERNAL.

Otra de las cuestiones importantes de este disco, es que es el último en transmitir esa sensación de maldad ancestral, antigua y demoníaca centrada en aspectos más bien medievales. Por otro lado, la colaboración más interesante en la historia de la banda, ya que en guitarras está ese personaje de culto, Kveldulv, que no es otro que Nocturno Culto, de los Darkthrone.

A continuación editarían una serie de e.p.'s: "Meggido" (1997) e "Intermezzo II" (1999), con claras influencias industriales, que serían el escalón inmediato del acceso de Satyricon a la modernidad, a la sucia, gris y misantrópica ciudad, que habría sus brazos en negra bienvenida para la banda de sonido de los tiempos por venir.

"...Open the Gates To Inmortallity...!!"

Ghost "Opus Eponymous" (2010)

2011-10-28T19:29:00.000-03:00

Lee Dorian es cantante y fundador de Cathedral y dueño de un sello discográfico...y la tiene más clara que la mierda.

Cada cosa que pasa por su sello (Rise Above) se te incrusta como un proyectil de 7.62 mm en la cabeza, aunque de originalidad haya tanto como en un puré instantáneo.

Esta banda sueca no hace nada nuevo. Es más, hay tanto olor a Mercyful Fate/King Diamond que te podría espantar. Pero no. Las composiciones son simples y certeras, y tienen un clima oscuro sin ser opresivo que te lleva a sonreír al primer estribillo, que aparece rápido en "Ritual". Pero antes, hay una canción que se escuchará dentro de 20 años cuando se busque entender que pasó con la onda retro en el metal del Siglo XXI, "Con Clavi Con Dio", y esa cabalgata de bajo emulando a los viejos (buenos) tiempos del Heavy Clásico made in England (Iron Maiden a la cabeza).

Hay riffs memorables como los de "Elizabeth" o "Satan Prayer", que hacen que chequeés el año de edición del disco, porque podría haber sido a principios de los '80. Sobre todo este último tema tiene una melodía vocal impresionante. Aparte el pie se mueve de forma inconsciente, como si un mensaje subliminal te obligara bajo pena de estar muerto al segundo siguiente.

Por otro lado, el satanismo nostálgico me puede muchachos...cualquier disco que en su primer estrofa tenga la palabra Lucifer a modo de saludo o invocación merece la escucha.

Dejo la cuestión de la imagen para que la busquen en la red...no podría ser mejor, aparte de obvia.

Tal como esa voz en mi cabeza me dijo, "si no movés la patita y hacés air guitar, estás muerto".

Escuchen muertos.

P.D.: ¿Hace falta decir que es uno de los mejores discos que escuché estos últimos dos años?

Fantomas "Delirium Cordia" (2004)

2011-10-26T23:58:00.000-03:00

Que Mike patton es un cantante del carajo, no hay ninguna duda. El tipo con su voz es capaz de hacer casi cualquier cosa, borrando los límites y el concepto de lo que uno podría entender como cantar.

La cosa es que dada su capacidad y su gusto por la experimentación misma, a veces nos deja rascándonos la cabeza por mucho tiempo.

Fantomas es (¿fue?) uno de sus proyectos más volados y experimentales del cantante, pasando por esa colección de gritos y exabruptos que representó su primer disco "Fantomas" (1999), para después darle forma a ese homenaje espectacular al cine con "The Director's Cut" (2001), ya reseñado en estas páginas.

Justamente este es el disco siguiente, y dispara la locura inyuída en el anterior a terrenos insospechados, logrando momentos íntimos, tensos, bizarros, experimentales, deformes y climáticos.

El problema es que es todo esto junto, por lo que hay pasajes que son realmente olvidables y muy, muy aburridos. Es que para seguirle el juego al gran Mike en este tipo de viajes hay que estar en un estado mental muy particular, y no siempre es posible.

Los dejo con este manojo de nervios arruinados durante la intervención quirúrgica, que lo disfruten.

Elecciones presidenciales en Argentina, 23 de Octubre de 2011

2011-10-24T00:50:00.000-03:00

Los números son aquellos que más nos acercan a la realidad...por lo menos es lo que nos quieren hacer creer ciertos medios cada día más patéticos.

Es verdaderamente sorprendente los porcentajes con los que la actual presidente logró su reelección. Y más sorprendente todavía lo atomizada que está la oposición que no logra encontrar un rumbo siquiera medianamente creíble. En este punto, aplausos para Binner, que bien podría ser una opción para las próximas elecciones.

Otro punto, es una tranquilidad apabullante la que se siente cuando el responsable político de la Masacre de Avellaneda haya sacado tan pocos votos...parece que estamos aprendiendo que los canallas no dejan de serlo nunca, y que justamente "...saben como hacerlo..."

Sin necesidad de escribir mucho más, dejo el postre para el final como corresponde. Lo de E. Carrió ya dejó de rozar la patología psiquiátrica, para adentrarse de lleno también en lo canallesco y gorilesco. Resulta más peligrosas incluso sus palabras totalmente antirepublicana, sancionando este proceso democrático como régimen, erigiéndose ella y sus seguidores en la resistencia al mismo. Me pregunto: ¿no fue ella una de las trabajadoras del último régimen dictatorial en su provincia? No tengo una respuesta precisa, pero creo que si.

Hay cuatro años más para profundizar aquellas cosas que se hicieron bien, y para hacer las que no se hicieron. Sobre todo despegarse de algunos impresentables representantes de lo peor de la política.

Es raro, no soy oficialista, pero este Gobierno (y el modelo que lleva adelante desde el año 2003) hicieron mucho más que todos los gobiernos democráticos anteriores, desde el 83 hacia acá (si Raúl Alfonsín viviese, que de patadas en el culo que le daría a su pusilánime hijo).

Si, es raro...pero me puedo dar el lujo, hoy, de estar contento y tranquilo. Los buitres vendepatrias, los mercenarios (¡que diferentes a los militantes!), fueron derrotados.

Pero cuidado, porque les encanta trabajar en las sombras y atacar por la espalda, después de visitar pidiendo consejos alguna embajada "importante". Así que, hay que estar atentos, no nos olvidemos las operaciones a fines de los '80 de parte de Cavallo, Menem y todo el establishment contra Alfonso.

Por hoy, a festejar.

Charly García "Parte de la Religión" (1987)

2011-10-10T23:58:00.000-03:00

Siempre es bueno recordar a Charly. Sobre todo para los más chicos, y a modo indicativo: antes de tener el cerebro hecho un consomè de psicofármacos que lo dejan un escalón por debajo -dentro de la escala zoológica- de la babosa, el del bigote bicolor era un compositor del carajo, una máquina de hacer hits, un adelantado, y un letrista respetable, por lo menos.

Es cierto, el tiempo pasa para cualquiera, y cuando se hace evidente en pequeñas cosas intangibles e inabarcables como la música, el efecto es peor.

Yo entiendo a los muchos -aún- seguidores de Charly; por ahí no vivieron esas épocas en las que esperar un disco suyo generaba más ansiedad que nada en el mundo, porque sabíamos que venía algo que nos marcaría y nos sería difícil olvidar. Ejemplos sobran: "Como Conseguir chicas", "Piano Bar", "Filosofía barata y Zapatos de goma"...incluso siendo muy benevolente, podría incluir en una extensa lista a "La hija de la Lágrima".

Por supuesto que este que reseño tamién está en mi lista. Y si la memoria no me falla yo estaba en séptimo grado!!! Que disco de la puta madre, por favor!!!

Cada una de las canciones está en el lugar adecuado, cada arreglo parece hecho para pulsar alguna cuerda desconocida en nuestro organismo y provocar sensaciones desconocidas.

Como son todas descomunales, me puedo dar el lujo de elegir las que en este momento me parecen imposibles de dejar de señalar: "Adela en el Carroussel", "El carma de vivir al Sur", "Ella adivinó", y ese hermoso tema que quedó de la colaboración entre Charly y el Flaco: "Rezo por vos".

Si uno chequea el libreto interno del disco, se puede llegar a caer de culo con los músicos involucrados en el mismo: la sección rítmica a cargo de los Fernandos (Lupano en bajo y Samalea en batería) Fabián Quintiero en teclados, Fabi Cantilo en coros (sí, antes Fabi cantaba...o intentaba hacerlo correctamente), Daniel Melingo (saxo), obviamente Charly en teclados, guitarras, efectos, programación, etc. (producción también). Entre los invitados encontramos a David Lebón (los solos de "Adela..." y "Buscando un símbolo de paz") y a Os Paralamas (de Brasil) en "Rap de las Hormigas).

Un disco herrmoso, único, inolvidable...como ninguno de los que editó después del año 93.

The Doors "The Doors" (1967)

2011-10-10T22:43:00.000-03:00

30 años antes que los últimos tres discos reseñados, Jim Morrison, Robby Krieger, Ray Manzarek y John Densmore editaban su impresionante debut autotitulado.

Todavía hoy suena impresionante, con tanta agua que ha pasado debajo del puente del Rock. Pero no solo hay Rock en este disco (ni en los otros de la banda): encontramos fácilmente Blues, mucha psicodelia, Jazz y música clásica, dando forma y acompañando las oscuras poesías del gran Morrison.

Si bien de acá salieron infindad de clásicos (todo el mundo incluye "Light my fire"), nunca me pude sacar de la cabeza la cadencia y el tono sureño de "Alabama Song" o "Back Door Man", con esos gritos cargados de sexualidad que tanto asustaban a los blanquitos por aquel entonces.

El comiezno del disco no podría haber sido mejor, con ese temazo titulado "Break on Through", como un claro índice de que con esta banda no se jode. Sobre todo teniendo en cuenta la calidad de sus músicos: la columna vertebral en donde se apoyan las oscuras, so(m)brías poesías de Morrison (enterrado en París, creo, como poeta, no como músico) era el teclado de Manzarek, y el que le dio el sonido distintivo al cuarteto.

Así como arranca de forma acelerada y rockera, el disco termina con ese opus dramático, oscuro y descomunal de 11 minutos, que contrasta con todas las canciones del disco, y porta una sobriedad y una tensión que nunca pudieron volver a capturar, por lo menos en estudio. La canción en cuestión se titula justamente "The End", y en ella se demuestra todas las sutilezas de las que fueron capaces como banda, y de los límites a los que podía llegar ese instrumento privilegiado que eran las cuerdas vocales de Jim.

Lamentablemente, 4 años después moría en París...pero nos dejó discos como éste, que 30 años después sigue sonando tan actual como imprescindible.

Les dejo el boleto para que se suban a este tremendo viaje psicodélico. No lo pierdan.

Sigh "Hail Horror Hail" (1997)

2011-10-10T21:05:00.000-03:00

Seguimos con los "raritos" del año 1997. Casi sin darme cuenta los últimos tres posteos son de discos editados en ese año. Y todos distintos entre si.

Estos japoneses vienen dentro de la escena extrema desde el año 1990, cuando se carteaban e intercambiaban demos con Euronymous de los noruegos Mayhem.

Siempre tuvieron un sonido propio y un abordaje lírico distinto de las demás bandas de la escena, algo que comparten con otros artistas japoneses.

Este es el tercer disco de Sigh, y donde arranca el cambio radical en su sonido, metiendo más melodías y colchones de teclados que antes, y estructuras propias del Heavy clásico -indispensables al momento de pensar y escuchar sus producciones posteriores- que paradójicamente transmiten una tensa calma: escuchen el final de "Invitation to die" o "Pathetic"; también pueden escuchar cuan cinematográfico pueden sonar si le prestan atención a "Seed of Eternity", que como muestras son más que suficientes de las capacidades compositivas de este trío (actualmente devenido quinteto): Kawashima (voces, programaciones, teclados y bajo); Ishikawa (guitarras) y Fujinami (batería y percusión).

Es impresionante como al rebajar la velocidad, las canciones se tornan más pesadas y con infinitos matices, realzando cada tema como una entidad distinta e identificable por si misma.

Un disco verdaderamente sorprendente, de manos de una de las bandas míticas del Black contemporáneo, y con un sonido que no se deja incluir en las vertientes escandinavas, lo cual es muchísimo.

Angizia "Die Kemenaten scharlachroter Lichter" (1997)

2011-10-10T20:13:00.000-03:00

En el mismo año que debutaba Solefald, Angizia, luego de un demo y un split (1994/1996, respectivamente) sacaban esta obra igualmente difícil de encasillar. Y eso, dentro del ámbito del metal siempre es bueno, por lo menos para generar una incomodidad que permita escuchar la música sin tantos rótulos y libre de categorías un tanto pelotudas (el "metal argento", por ejemplo).

Lo que acá tenemos es una mezcla cruda si se quiere entre géneros totalmente disímiles, pero que logran atrapar al oyente...con el tiempo.

Y es cierto. Hay que dejar pasar unas cuantas oídas antes de empezar a disfrutar, por eso de la incomodidad de la mixtura entre metal extremo (toques doom, gritos black, entre otras cosas) y música clásica, con varias voces operísticas tanto femeninas como masculinas, e instrumentos propios del género, que le dan un aspecto teatral a la música que en esa época pocas agrupaciones poseían.

La rusticidad también es interesante, y ayuda para despegarlos de bandas que suelen mezclar estos dos polos como Haggard, por ejemplo.

Con el correr de los años, la banda adquirirá un toque más cinematográfico y visual en sus composiciones, dejando de lado esta rusticidad en pos de una escucha más fácil, pero este fue el primer paso, y como nostálgico decidido, hay que volver siempre a ese origen para poder disfrutar de la actualidad y no encontrarla tan sosa o aburrida (miren Morbid Angel si no).

Escuchen.

Solefald "The Linear Scaffold" (1997)

2011-10-10T19:31:00.000-03:00

Hace mucho que no posteo algo, y pensé seriamente cual disco sería el elegido, después del bodrio de Morbid Angel del que todavía me estoy arrepintiendo (igual lo etiqueté como basura así que es un pequeño consuelo).

Entre todos los discos pendientes que me propongo postear, casi por azar agarré este, el primer esfuerzo de los noruegos experimentales por excelencia.

Todavía recuerdo la impresión que me causó escucharlos por primera vez, creo que con ese pedazo de metal neoimpresionista y casi juglaresco de "Neonism".

Este disco no es más fácil de escuchar que aquel, muy por el contrario, al estar más del lado del Black Metal (todavía), se volvía difícil relacionarlo con alguna vertiente dentro del estilo. Recordemos que ya´estaba Emperor, Arcturus, Mayhem, Cradle of Filth...Immortal, todas bandas únicas y pioneras dentro del espectro más técnico y extremo del metal.

Este dúo llevaba su locura a lugares que ninguna banda había explorado hasta el momento, y lo más distintivo, aparte de los retorcidos riffs jugando enfermizamente con los teclados, eran las voces puestas en juego a lo largo de la placa, que le dan un toque caótico y vanguardista que se acentuaría en discos posteriores.

Otro aspecto también destacable es la extraña coloración psicódélica que atraviesa cada una de las canciones, lo que también se acentuará en producciones posteriores, llegando al pináculo en "In Harmonia Universali" (2003).

Disfruten este disco, y comenten, que no cuesta nada y nos ayuda a seguir teniendo ganas de escribir.

Virus "Superficies de Placer" (1987)

2011-09-16T06:39:00.000-03:00

Para sacarme la mufa del horrendo post anterior no me quedaba más que volver al viejo y querido....¿jazz?. No. Pop argentino de la década del '80.

Y una de las bandas insignias del movimiento, con discos impresionantes en su haber, entre los que se cuentan los dos primeros ("Wadu-Wadu" -1981- y "Recrudece" -1982)...y esta maravilla, para mi el último gran disco de la banda, de la mano de su cantante y líder Federico Moura, fallecido el 21/12/88, casi un año exacto después de la muerte de Luca, líder de otro emblema de los '80, Sumo.

Si bien el género dentro del cual se movían era el pop, destilaban una intensidad e ironía que pocos poseían. En este disco se palpa una oscuridad subyacente y un sonido profundo y grave, que incluso se reflejó en las sesiones de grabación, que duraron más de lo previsto por una enfermedad respiratoria que aquejaba al cantante, quien poco tiempo después fue diagnosticado como portador del H.I.V., del que no se conocía practicamente nada en esos años.

Un disco oscuro e hipnótico, con canciones inolvidables como la que dan título al album, o como "Transeúnte sin identidad". Pero son solo elecciones momentáneas, porque con las escuchas repetidas, se torna difícil tomar esto como un todo consistente y sumamente disfrutable.

Así que disfruten.

Morbid Angel "Illud Divinum Insanus" (2011)

2011-09-12T15:09:00.000-03:00

Fueron muchos años de espera.

Primero, desde el "Domination" (1995) que no estaba el vocalista y bajista David Vincent. Ese disco fue un punto de inflexión en la historia de la banda, que nunca volvió a sonar tan maquiavélica, malvada, oscura y precisa al mismo tiempo.

También pasaron 8 años desde su último esfuerzo en estudio, con el flojísimo "Heretic" (2003) como índice de algún tipo de agotamiento creativo.

Entonces, recurrir a su antiguo frontman era un recurso que a todos los seguidores de los muchachos de Florida nos había hecho ilusionar. Y hablo en pasado, porque el presente es tan patético que sorprende.

Este año 2011 podría ser recordado por los geniales lanzamientos de Primordial, o de Massacre (a nivel nacional), o de ese bello compilado de Anathema...ni hablar de lo último de My Dying Bride (por nombrar algunos habitués del blog)...pero no, va a ser recordado por el retorno más desesperanzador -en el peor sentido del término- y patético del Death Metal.

La formación para este disco además de Vincent (de pobrísima perfomance), consta de su líder y principal compositor, el guitarrista Trey Azagthoth, acompañado por Destructhor también en guitarras y Tim Yeung en batería, con un sonido maquinal espantoso en su instrumento que no hace sino desconcertar más al oyente. Si hubiese estado esa máquina de asesinar parches llamada Pete Sandoval, creo que se hubiese cagado a trompadas antes de que le metan esos sonidos de máquina de coser en el disco.

No es que no me guste la experimentación. De hecho quien siga el blog, se habrá dado cuenta hace rato que no soy un heavy cabeza de tarro, sino que disfruto de muchos estilos y géneros. Lo que no entiendo es como la banda que sacó muchos de los mejores discos del género, incluyendo experimentaciones que no eran lo esperable para la época, hoy no lleguen siquiera a ser una parodia de lo que fueron.

Un verdadero bodrio metalero de uno de los pioneros del Metal de la Muerte...y uno de los peores discos que me tocó escuchar en muchísimos años.

Esperando que vuelvan los días de gloria, me voy a escuchar otra cosa para sacarme de mis oídos la sensación de asco y vergüenza ajena.

Morphine "Like Swimming" (1997)

2011-08-28T21:45:00.000-03:00

Estaba por comentar uno de los mejores discos de Pop argentino de todos los tiempos, pero navegando por la web me entero que aparentemente esta banda se habría reformado, sin su fallecido líder por supuesto.

No se que creer la verdad, pero si encima la noticia viene acompañada con la probabilidad de que en el mes de Noviembre estén en tierras tucumanas, mi incredulidad se confirma y se dispara hacia otro mundo.

¿Será posible? Una banda de este calibre a menos de media hora de mi casa, ya sea en colectivo o taxi?

Ojalá.

Aunque será difícil pasar por alto la ausencia del maravilloso Mark Sandman, bajista, productor y vocalista de esta banda única.

En este caso voy a dejar el que a mi humilde criterio es el más flojo de todos los discos. No quiero que me malinterpreten, lo que pasa es que frente a sus otros lanzamientos, tanto este como "The Night" tienen muy poco que hacer.

El sonido es al que nos tenían acostumbrados, con ese bajo slide de dos cuerdas bien gordo y repleto de groove y melancolía, acompañados por los sonidos mágicos de Dana Colley en el saxofón, y los precisos y austeros golpes de Billy Conway.

Ahora me pregunto, ¿que irá a pasar con Twinemen, aquella banda formada de las cenizas de esta?

Me fijo y les aviso.

Escuchen y comenten, no sean vagos.

John Coltrane "Stellar Regions" (1967)

2011-08-28T18:49:00.000-03:00

Otro de los genios que brindó al mundo su arte durante esa década casi perfecta del '60.

Hay varios post de este saxofonista único, y llevo mucho tiempo pensando acerca de este disco, el último que grabó antes de morir (5 meses antes de hecho), y en donde está metido de lleno en la experimentación y los sonidos frenéticos y por momentos caóticos del Free.

El disco arranca tranqui, pero con el correr de los minutos se va poniendo cada vez más intenso, y el va dejando caer notas más desesperadas y disonantes sobre sus compañeros de ruta, que son una verdadera aplanadora. El cuarteto: Coltrane (sólo saxo tenor en esta ocasión); Rashied Ali (en batería); Alice Coltrane (piano); Jimmy Garrison (contrabajo). Son cuatro, pero parecen 80. Pura consistencia para generar tanta adrenalina, que algún metalero podría salir sorprendido de tanta intensidad y virulencia.

Esa sensación que se deja oir en casi todos los discos de Trane, la perfecta conjunción y entendimiento entre los músicos aquí queda en evidencia, con batallas campales para ver quien sigue a quien en un esfuerzo casi sobrehumano de destreza y pasión...y los únicos beneficiados en esta loca carrera somos nosotros, quienes nos acercamos cautos, tal vez desconfiados, para salir con la peluca dada vuelta ante semejante viaje por esa montaña rusa mental.

Ante cualquier duda, una llamadita al psiquiatra amigo no está de más.

Sino, a viajar muchachos...

Ornette Coleman "Science Fiction" (1971)

2011-08-28T02:21:00.000-03:00

Once años antes había dado al mundo ese experimento mayúsculo llamado simplemente "Free Jazz", de la mano de un doble cuarteto.

Aparentemente durante el transcurrir de esa década, no fue muy considerado por la prensa especializada, que mucha bola no le dio. Digo aparentemente porque no soy un conocedor de la extensa obra de este innovador del Jazz.

Sí conozco algunos de sus discos, y este me parece espectacular. Al igual que aquel de 1960, no es fácil de digerir si uno está acostumbrado a sonidos más calmos, o cool, o suaves o como quieran llamarles.

La música de Coleman desafía siempre a aquel que se acerca desprevenido, pero la sorpresa es directamente proporcional a las emociones desconocidas que dispara.

Los dejo en buenas manos...escuchen.

Charles Mingus "Mingus, Mingus, Mingus, Mingus, Mingus" (1963)

2011-08-28T00:34:00.000-03:00

Este tipo no puede dejar de sorprender nunca con lo que hace en cada disco.

Me pongo a revisar algunas notas anteriores y un par de libros, aparte de la bendita web (un invento del Príncipe de las Tinieblas, según el genial Alberto Laiseca), y no puedo creer que en el mismo año haya sacado esa maravilla titulada "The Black Saint and the Sinner Lady", (ya reseñada en nuestro blog) y este intenso e inolvidable disco.

Arrancando con esas pulsaciones en su querido instrumento en "II B.S." que nos lleva rápidamente con un swing tremendo a algún bodegón de esos circuitos exclusivamente para la música negra donde se cocinaba el jazz del bueno -aunque Mingus y varios más ya giraban por Europa en aquellos años-.

La sutileza de la que era capaz este negro cabrón y malumorado (según varias notas) queda demostrada en composiciones como "I X Love", que puede ser acompañado con una buena copa de vino (o licor, o whisky, o lo que se les cante) y un buen tabaco, todo a media luz.

También está el "temita" nuevo del disco en "Celia", en donde la sección rítmica se luce en compañía de ese monstruo del saxo Eric Dolphy.

Mingus se luce en esa versión del Duke acompañado por pinceladas hermosas y melancólicas de metales y piano, para arribar a la alegría descontrolada de "Better Get it in Yo' Soul" y "Hora Decubitus", que termina a toda locura.

El final es como un hermoso recuerdo de su infancia, esa en la que fue inundado de música de iglesia, más precisamente Gospel, con "Freedom", donde da cátedra sobre raíces tribales africanas y todo.

Y eso es lo que te da Mingus: libertad, sobre todo para disfrutar de la música.

Un disco descomunal y hermoso, para escuchar a toda hora.

Astor Piazzolla "57 minutos con la realidad" (1996)

2011-08-26T22:01:00.000-03:00

Siempre cambiando de rumbo, de acuerdo a las ganas que tenga de ir escuchando algunas cosillas olvidadas.

Y cuando uno llega cansado del laburo, siempre recurre a lo seguro. El Maestro es al que apelo más seguido para esto de bajar las revoluciones y respirar tranquilo.

Y este disco es simplemente espectacular. Todavía no me puedo sacar de encima la melancolía que derrama dulce o agresivamente ese extraño instrumento llamado bandoneón. Y fue Astor el primero que escuché.

Y fue su quinteto (en alguna de sus encarnaciones, no se cual, tal vez en donde estaba Pablo Ziegler) el que más intenso y monolítico sonaba. Bueno, suena, los discos siguen estando, de hecho.

En este caso no estamos frente al quinteto, sino a la última formación antes de que Don Astor muriera, un sexteto, con dos bandoneones. Y suena mucho más oscuro que el quinteto, y por momentos más violento.

Muestra: escuchen detenidamente la composición que abre la placa, "Imágenes".

También hay versiones de temas del Quinteto, como "Mumuki", o el clásico "Adios Nonino", que adquieren más profundidad todavía.

El tema nuevo que disfrutamos aquí es "Sexteto", ya que los otros son ejecuciones en vivo de composiciones anteriores.

Los músicos que deslumbran aparte de Astor, son Gandini en piano, Binelli en bandoneón, Horacio Malvicino en guitarra eléctrica (aquel del octeto), Bragato en cello, Console en contrabajo. También aparecen Ridolfi (contrabajo en "Buenos Aires Hora Cero"), González en contrabajo ("Imágenes" y "Milonga para Tres") y Nozzi en cello ("Imágenes", "Buenos Aires Hora Cero", "Milonga para Tres" y "Pasajes Obscuras Dos Estrellas").

Una grabación indispensable, sobre todo para escuchar como sonaba esta agrupación que no llegó a grabar en estudio.

Pero que importa, si sigue siendo tan genial y sorprendente como si lo hubiesen editado hoy.

Anorexia Nervosa"Sodomizing the Archangel" e.p. (1999)

2011-08-19T22:41:00.000-03:00

No es la gran cosa la verdad esta pequeñez, pero funciona perfectamente como entremés para degustar platos muchísimo más sofisticados de estos franceses, nacidos allá por el año 1995.

Este breve e.p. es como si estuviesen buscando torpemente el nicho donde esconderse y procrear, dar a luz violentamente un Black Metal que suene tan pomposo como agresivo y caótico.

Un par de años después nos volarían la cabeza con una propuesta mucho más refinada, y todavía más violenta y melódica.

Dentro de esta rama del Black, fue una de las bandas más interesantes de Europa, mientras Cradle of Filth comenzaba a naufragar en mares sobrecargados de histeria vampírica para adolescentes.

Sírvanse, y comenten.

Elend "Winds Devouring Men" (2003)

2011-08-18T19:19:00.000-03:00

Definitivamente la obra más difícil de estos franceses.

Hago memoria, y me invaden las horribles sensaciones e infernales alucinaciones encriptadas en esa primera trilogía del Officium Tenebrarum, finalizada allá por el año 1998, de la mano de "The Umbersun", tal vez una de las condensaciones más tremenda de Angustia que recuerdo haber experimentado en la música.

Un largo e incomprensible llamado al silencio de 5 años, para dar inicio a una nueva trilogía titulada Winds Cycle.

Justamente este disco es el que la inicia, y se percibe que si bien las voces y climas opresivos son los que predominan, el foco es muchísimo más moderno que en aquella sacra y violenta, luciferina revolución.

Los ritmos e influencias, como decía en otra reseña, los climas...están más ligados a la música marcial e industrial, con toques noise que meten cagazo de a poco.

De todas formas, y al igual que sus anteriores discos, es tan adictiva la desesperanza y el malestar que genera este proyecto, que con el paso del tiempo, se vuelve tan indispensable como los lanzamientos de la primera trilogía.

Disfruten, que con este post cierro la discografía completa (hasta el momento) de Elend.

Elend "Weeping Nights" (1997)

2011-08-16T00:32:00.000-03:00

Pfffff.....Elend. Cada vez que escucho algún disco de estos tipos aparezco en otra época y edad. En una en la que la música importa casi tanto como la propia vida, y ni hablar de lo que aquella genera.

Todo el clasisismo a los que nos tiene acostumbrados se enriquecen con marcados toques barrocos y sacros, realzando la oscuridad propia de sus composiciones.

Esta joyita tiene la particularidad de que solo los primeros 4 temas son nuevos, mientras que los restantes son remezclas de composiciones ya aparecidas en ese disco único llamado "Les Ténèbres du Dehors" (1996), pero sin las voces podridas, tal vez el distintivo extremo entre lo clásico de la obra.

A primera oída uno podría decir que se extraña en esas canciones la agresiva y cáustica violencia de los diversos matices vocales. Pero luego de un par de escuchas, surgen pinceladas acaso más negras y sutiles, tornándose perturbadoramente bellas esas canciones que antes servían para auyentar visitas molestas, o sumirse en las profundidades de nuestras miserias, disfrutando el viaje. Incluso las voces femeninas alcanzan un grado de belleza angelical tan suprema... que te puede llegar a faltar la respiración.

Los 4 primeros temas son los que llevan el peso barroco a cuestas, con un tono dramático que no es ajeno a la banda, pero con una extraña calma. Dos de esas composiciones están inspiradas (ya sea la letra o una libre interpretación) en composiciones de un músico inglés barroco de gran renombre, Henry Purcell.

El amor, la devoción por lo clásico se ve plasmada en la portada del disco, cuyo original se creyó durante años que pertenecía al pintor holandés Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669), uno de los mayores pintores del barroco justamente. Años después se descubrió que en realidad era un seguidor del mismo, que habría imitando el estilo temprano del reconocido artista.

Disfruten de esta verdadera obra maestra, antes de que el Regaeton nos vuelva sordos e idiotas.

Agalloch "Marrow of the spirit" (2010)

2011-08-08T20:49:00.000-03:00

La verdad que como novedad llega un poco tarde el post, ya que este hermoso disco salió a la luz a fines del mes de Noviembre de 2010. Y todavía no me canso de escucharlo, como si hubiese salido hace 2 horas.

Todo lo expuesto en sus discos anteriores está mejorado exponencialmente en este: el Black es más cáustico, el Neofolk es más hipnótico y cálido que nunca, y esas pinceladas progresivas, menos evidentes, son paradójicamente más certeras.

Los mismos responsables de siempre en este frío pero bello viaje: John Haughm (Voces, Guitarras); Don Anderson (Guitarras, Piano); Jason William Walton (Bajo) y el nuevito Aesop Dekker (batería).

Son pocas las veces que un disco puede ser tan helado como reconfortante para el alma, y ésta es una de esas.

Disfruten y comenten que no cuesta nada. Y es el único precio que tendrían que pagar.

P.D.: esta obra maestra salió elegida entre los 10 mejores discos del año pasado en el importante portal Metal Storm (puesto nº2).

The Beatles "Let it Be" (1970)

2011-08-03T06:53:00.000-03:00

¿Que se puede decir de los Fabulosos Cuatro que no se haya escrito mil veces?

El final de la banda ya había ocurrido, pero tenían un último abrazo antes de dejarnos, el último beso y nos vamos...el último trago y nos vamos.

Y nos dejaron pavada de disco. Nos vamos a encontrar con Folk, Pop, Rock, Blues y psicodelia en formato de canciones, todas ellas definitivamente clásicas e inmortales: "Dig a Pony", por ejemplo...claro, si me pongo a elegir resultaría estúpido dejar fuera a joyas del calibre de "Across the Universe" o "Let it Be", que aún hoy me emocionan como si recién las escuchara por primera vez.

Con un tratamiento en las grabaciones diferente a sus otros discos (según los entendidos por supuesto) y una mezcla que años después sería cambiada, este disco ya estaba grabado antes incluso que "Abbey Road", y para cuando salió a luz, The Beatles-sus integrantes- ya no se podían ni ver.

Pero cerraron una carrera única, que cambió para siempre la forma en la que se entendía la música popular.

Una verdadera obra de arte, por más que muchos se enojen.

Descanso Eterno "Atisbos de Ayer" (2004)-Demo-

2011-07-31T12:21:00.000-03:00

Para despuntar el vicio, voy a dejar este demo de otra banda salteña (norte de Argentina) que es increíble, y a la cual tuve la suerte de ver en vivo en un teatro hace unos años, cuando eran un trio de batería, guitarra y bajo.

La impresión que me causaron esa noche, creo que acompañando a Etnogónica, ni se acerca a lo que logran en este esfuerzo tan oscuro como climático e hipnótico, el primero de sus 3 demos.

No se me ocurren muchas referencias para poder guiarlos hacia ellos. Se me ocurre unos Tool con más depresivos en sangre, más melancólicos...pero no se si estoy en lo cierto la verdad.

Lo que seguro va a pasar cuando escuchen es que se van a sorprender por lo consistente que suenan estos 11 temas.

Actualmente, por lo que pude ver en la red hay una violinista desde el año 2009. En este demo, los integrantes eran Juan Silva (en batería y segunda voz); Emilio Lombardo (guitarra), y Rubén Minola (en bajo y voz).

¿Parecen pocos instrumentos, no? Escuchen los recursos que tienen.

Vondur "Striðsyfirlýsing" (1996)

2011-07-30T22:41:00.001-03:00

Lejos, lejísimo, el peor disco de Black Metal que tuve la desgracia de escuchar...en el caso de que esto se llamara Black Metal.

Perteneciendo a la movida sueca, de donde salieron algunas de las grandes bandas del estilo -Bathory, u Ophthalamia, por ejemplo- no entiendo como alguien puede haber permitido que esto llegue a ser editado. Más difícil de entender se hace si dentro de este proyecto encontramos a dos de los integrantes de Ophthalamia, largamente superiores a este bodrio inescuchable.

Encima ni sentido del humor tienen, poniendo esa tapa ridícula honrando a Darth Vader, que no entiendo que carajo tiene que ver con la aparente oscuridad sifonera que predican estos dos inútiles.

Para que se imaginen, Horna y Burzum, podrían ser los Pink Floyd del estilo al lado de esta porquería. Ninguno de los lanzamientos de este proyecto infame puede ser catalogado de música...y sus integrantes de músicos.

Pero entonces...¿por qué lo posteo? Porque yo sí tengo sentido del humor, y de sobra...porque hay que tenerlo para escuchar esto de un solo tirón y no amargarse en el esfuerzo.

Me olvidaba: el título, en islandés, significaría "Declaración de Guerra". Una guerra al cerebro, a los sentidos, al buen gusto y al mundo de la música.

Pura basura.

Atrox "Contentum" (2000)

2011-07-30T11:14:00.000-03:00

La verdad que llevo mucho tiempo sin postear algo, y como para romper la mala racha voy a dejar una banda que empezó por caminos más tradicionales, y rápidamente encontraron un nicho tan difícil de explorar que allí se quedaron. Y los resultados no podrían ser mejores.

Atrox provienen de Noruega, una de las sucias y heladas zanjas donde Lucifer escupió su odio anticristiano bajo la forma de Black Metal. Pero ellos (Atrox) no pertenecen al estilo...nunca lo hicieron. Con sus primeros demos y el debut se los podía ubicar en el Doom/Death más melódico.

Pero ahí nomás sacaron este disco asociado a lo más volado de The 3rd and the Mortal (otra joyita noruega), con una cantante más loca todavía que Ann-Marie Edvarsen (de aquella), y pariente seguro, llamada Monika.

Gran parte del clima circense y jazzero logrado en este disco proviene de sus intervenciones. Las que sumadas a sutiles pulsaciones le dan un clima onírico a un disco que no llega a mostrar todo el potencial del que son capaces.

Adelante, escuchen algo distinto, y disfruten del frío, que parece que volvió para quedarse.

Anneke van Giersbergen & Danny Cavanagh "In Parallel" (2009)

2011-06-12T21:38:00.000-03:00

Con la calentura que porto, la amargura por un viaje que de no ser por mis amigos, habría naufragado en la más absoluta intrascendencia (y pérdida monetaria), necesito relajarme, buscar la calma para no seguir dándome manija.

Decidí que lo mejor que podía hacer era escuchar algo tranqui, nada de metal...y puse este disco.

El comfort, la calidez y el relax fueron instantáneos, créanme.

Y no podía ser de otra forma, si por tus oídos entra la voz de Anneke y la de Danny Cavanagh acompañados por algunos sutiles arreglos semiacústicos, haciendo temas de Anathema, Agua de Annique, The Gathering y un hermoso cover de Massive Attack.

¿Para que seguir escribiendo, si esto se disfruta en silencio?

Boris with Merzbow "Klatter" (2011)

2011-05-31T21:45:00.000-03:00

Y si, otra de mis debilidades. Los inclasificables Boris, esta vez en compañía de uno de los iconos del Noise oriental, Merzbow.

Cabe aclarar que no es la primera colaboración entre ellos, ya desde el 2002, con "Megatone", un experimento Drone denso y corrosivo como pocos.

Me esperaba la verdad en esta oportunidad, algo tremendamente insoportable, dado la aventura Pop psicodélico-electrónica de "New Album"...y me volvieron a cerrar la boca de la mejor forma, tal vez la única que el trío conozca, con música, y de la mejor.

Desde un stoner repleto de saturación noise (gracias Merzbow, por la magia...negra), hasta acordes y riffs más cercanos al Drone que los viera nacer hace tantos años, pasando por un tamiz psicodélico y mala onda como pocos. Me olvidaba, también hay algún dejo de Blues deforme y horrendo.

"Klatter" sería el reverso perfecto de "New Album", y las sensaciones son siempre inmensas y prontas a inundar tu cerebro.

Es por discos como este (entre la extensísima discografía del grupo), que Boris es una experiencia sonora única, intransmisible, tan bella como horrorosas son las imágenes contradictorias que dispara.

A oscuras, y lo más fuerte posible, surte efectos cuasi-alucinógenos.

The Gathering "Nightime Birds" (1997)

2011-05-29T23:35:00.000-03:00

No falta mucho para que llegue Anathema a Argentina (en realidad, a Buenos Aires, como si eso solo fuese el país-una lástima la verdad). Y viene acompañada por la única y maravillosa Anneke, quien actualmente tiene su banda Agua de Annique, ya reseñada en estas páginas.

Luego del experimental y clásico "Mandylion" (1995), bucearon un poco más en las aristas Pop y progresivas que se dejaban escuchar allí, y tras lanzar algún single y/o e.p., parieron este hermoso disco, repleto igualmente de clásicos imperecederos.

Ya Radiohead empezaba a meter la cola en los holandeses, sino escuchen "The May Song", y me cuentan.

Y Anneke ya dejaba de ser una revelación para estar en el firmamento como una estrella más, y de esas más relucientes y hermosas.

No voy a decir más nada, solo escuchen y disfruten, que con el frío que hace no pueden dejar de combinarlo con la calidez holandesa.

P.H.O.B.O.S. "Tectonics" (2005)

2011-05-09T00:08:00.000-03:00

Estuve en cama por tres días seguidos, sintiéndome bastante mal como hace bastante no me sentía.

Casi ni ganas de escuchar música tenía gracias a mi estado corporal/mental y el desgano generalizado que me había inundado.

Pero siempre hay cosas peores. Miren Japón, por ejemplo.

O estos franceses locos de mierda que se les ocurrió grabar este disco para descomprimir su aletargado cerebro de la hidrocefalia que lo consumía y ahogaba.

Las influencias según ellos son bandas como Neurosis (pero con mucho más paco encima), Voivod y Godflesh, más otras cosas seguramente teñidas del negro más impenetrable.

Recuerdo que cuando los escuché por primera vez me parecieron más dañinos y agresivos que un trago de ácido muriático.

Pero ahora, años después, y en el patético estado en el que me encuentro rectifico: hay que estar en un estado de alegría permanente, casi bordeando la imbecilidad clínica, para buscar como antídoto de emergencia estos pedazos de magma incandecente y tirarlos sin previo aviso dentro de tu cabeza.

Cuando vuelvas a tu estado natural, odies un poco más al mundo y detestes la estupidez humana...entonces escondé este disco para otro caso de emergencia subjetiva.

Hasta tanto, no lo toques de nuevo, puede producir un aburrido acostumbramiento.

Boris "New Album" (2011)

2011-05-08T23:41:00.001-03:00

Rarísimo si se fijan en las etiquetas la cantidad de referencias que hay para aludir a uno de los nuevos hijos de estos japoneses únicos.

Parece mentira también que no haya confusión tampoco en esas diversas referencias. Recordemos que este trío se despachó con varios de los mejores discos dentro del Drone (la colaboración con Sunn O))), "Altar" es memorable); aunque también metió sus sucias garras en el Stoner Rock más colgado, por ejemplo con "Boris At Last-Feedbaker" (2003), con uno de los mejores solos que recuerde de los últimos años.

Pero se ve que a ellos les gusta viajar tanto como a nosotros los que los escuchamos, porque de sobresaturar hasta casi desconar tus parlantes, pueden pasar a esa obra maestra psicodélica con Michio Kurihara, llamada "Rainbow", que es sencillamente conmovedora.

Para esta ocasión, y como vienen haciendo desde hace 4 o 5 años, arrancaron el 2011 con una nueva colaboración con el rey del noise japonés, Merzbow, y menos de un mes después apareció con algo radicalmente diferente, y un título complicadísimo.

Y no podría haber salido mejor la jugada, porque este "nuevo albim" tiene una dosis de J-pop que hace imposible que puedas despegar de tu mente las melodías dulces e infantiles -pero no por eso menos efectivas-de las canciones...que también tienen unas mágicas pinceladas de sutil música electrónica.

Encima pareciera que se dedican a este género desde siempre, nada suena forzado, y por momentos, es necesario volver al pasado para ubicarse...y si..¡¡¡son los Boris!!!

¿Que pasa cunado a unos rockeros stoners droners quemados de la cabeza se les mete por los poros la música de la infinidad de animés que están dando vueltas por el mundo?

Pasa que aparecen temas como los que están en este hermoso disco, uno de los mejores de la primera mitad del año.

No se lo pierdan porque se van a arrepentir.

Neil Young "Le Noise" (2010)

2011-04-16T02:17:00.000-03:00

Y si hablamos de música hipnótica y única no podemos dejar de escuchar la última joya parida por esta leyenda mundial, que creo conocida por todos.

Para los despistados, este tipo (canadiense, para más datos), ya formaba parte de los Folk-Rockers Buffalo Springfield, en los '60. Pero no se quedó hay, porque fundó ese hito en la historia de la música, llamado Crazy Horse; y por si eso fuera poco integro Crosby, Still, Nash & Young. Todos, todos proyectos/bandas recomendables y obligatorias para entender la música de mediados del Siglo pasado.

Pero lo que aquí les traigo es el último esfuerzo de este guitarrista, en donde lo encontramos acompañado por...su guitarra y su amplificador...en una iglesia ¡Y nada más!

No se pueden imaginar lo que logra este tipo solo con eso, y con su voz, sin dejar de lado un carisma descomunal.

Suena todo tan real, y tan honesto y despojado, que es difícil sacarse las melodías que van emergiendo de esta combinación minimalista y sutil, y cargada de sentimiento por supuesto.

Si me tuvuese que poner a resaltar alguna canción por sobre las otras sería profundamente injusto. Mientras escribo esto no me puedo alejar de la furia paradójica de la canción de amor inicial, "Walk with Me", aunque tampoco de ese ejercicio melancólico y Folk titulado "Love and War".

Y por capricho nada más otra pequeña muestra de agresividad musical sorprendente en "Angry World", con una distorsión bien grave, garage casi.

Otro lugar reconfortante para recostarse es ese Folk sureño llamado "Peaceful Vally Boulevard", tan hipnótico como las voces regaladas por el mítico Neil.

El clima que respira el disco es sublime, y se siente cierto misticismo imposible de metabolizar y pasar por alto.

Simplemente, uno de los mejores discos de los últimos años.

Earth "Angels of Darkness, Demons of Lights I" (2011)

2011-04-11T06:53:00.000-03:00

Tal vez alguien me pueda explicar que pasa por la cabeza de un músico que varía tanto su propuesta en tan pocos años, logrando la misma intensidad e hipnotismo con tan distintos sonidos.

Earth comenzó con eso de la música abrasiva y sin sentido allá por el año 1990, con una seria de demos, seguidos por varios discos bien extremos, llenos de acoples y distorsión, superponiendo capaz de saturación tras capas de saturación, y logrando unas texturas tan insoportablemente ásperas y abrasivas, que se volvía muy difícil escuchar un disco entero individualizando las composiciones, que pasaban a ser meras ondas de "ruido".

Pero eso cambió, y de a poco empezó a aparecer una belleza inusitada en sus relajadas composiciones, mixturadas ahora con altas cuotas de Rock y Stoner (otra forma más cool de llamar a este estilo), hasta que Dylan Carlson decidió mostrar su admiración por compositores clásicos, de esos que musicalizaban aquellas películas Westerns llenas de climas desérticos y atardeceres áridos...Morricone, por ejemplo.

Así, apareció ese hermoso e.p. titulado "Hibernaculum" (2007), que ya reseñamos, y donde sorprendían con climas que invitaban a un viaje por las alucinógenas tierras de Castaneda, pasando a esa otra obra fundamental del año siguiente, "The Bees made Honey in the Lion's Skull" (2008), donde ya era evidente el abandono por los tonos cáusticos, para encontrar superficies...no se si más coloridas, más agradables, pero seguro que más hipnóticas y muchísimo menos abrasivas y dolorosas.

Ese es el más reciente camino a través del cual llegaron a este descomunal disco, creo que aunque pronto para aseverarlo, uno de los mejores del año, y uno de los mejores de su extensa discografía.

Dylan Carlson y cía. volvieron a demostrar que a veces (la mayoría) meter 500000 notas en 10 segundos es tan al pedo como poco efectivo (Malmsteen y Timmo Tolki, la tienen recontra adentro giles).

¿Puede un disco ser relajado y pesado, oscuro y luminoso, todo al mismo tiempo? Suena contradictorio, pero con Earth todo es posible. Un verdadero y refrescante oasis, entre tanta basura dando vuelta.

No hace falta fumar nada ilegal para viajar con este disco, la música cumple la cuota adictiva necesaria para acompañarnos a ese cálido lugar habitado por extraños demonios de luz.

Basta de palabras, una obra maestra.

Astor Piazzolla and Gerry Mulligan "Summit" (1974)

2011-03-30T23:49:00.000-03:00

El 11 de Marzo de este año se conmemoró el 90 natalicio del genial Maestro Astor Piazzolla, y para festejarlo, y sin muchas palabras, me gustaría compartir este hermoso disco, que grabara en compañía del saxo barítono Gerry Mulligan, durante la década del '70, su período más festejado, visitado y admirado, sobre todo por los rockeros y la vanguardia, con infinidad de referencias a otras músicas distintas a las de los involucrados, paseando incluso por la música neoclásica, y sonidos "progresivos".

Una verdadera obra maestra, de un tipo que nos tiene acostumbrados a sorprendernos siempre que nos acercamos a algunas de sus tantísimas obras.

Un disco hermoso, relajado, melancólico y moderno...gris y triste, pero lleno de luz al mismo tiempo.

Un disco de Piazzolla, para qué más palabras.

Joy Division "Closer" (1980)

2011-03-22T22:49:00.000-03:00

Una forma de variar después de tanto fuzz y acoples y sonidos ultragraves, es viajar hasta Manchester, Inglaterra, para encontrar una de esas bandas que determinaron un cambio musical radical, creando casi sin darse cuenta una nueva escena.

Joy Division es muchísimo más oscura que infinitas bandas que pregonan una oscuridad lindante con la seguera, y lo que los diferencia del resto es que los músicos sabían componer, y Ian Curtis cantaba como pocos, de forma verdaderamente tortuosa y angustiante, y con una carga de agresión aplastante.

De hecho, la colisión de muchas bandas de metal con estos sonidos Post-Punk y protoindustriales darían resultados auspiciosos muchísimos años después. No solo eso, también derramó su oscura e influyente lírica y estética sobre las bandas que una década después serían tildadas/rotuladas de Alternativas, es decir el Grunge y todo lo que girase a su alrrededor.

Incluso hizo ruido en la cabeza de un italiano que estudiaba en Escocia, y cuando se vino para Argentina, formó una banda netamente influída (entre otras cosas), por Joy Division: los únicos e irrepetibles Sumo.

Lamentablemente la endeblez psíquica de su líder no permitió que este pudiese disfrutar del éxito merecido. Ya para la edición de este disco (póstumo), Ian Curtis ya se había colgado en su cocina.

Los restantes integrantes formaron New Order, pero esa es otra historia.

Si con este disco no se sienten incómodos, o angustiados, si no sucumben a esa exhibición atroz de minimalismo denso y cáustico con el que comienza el disco...no se preocupen por atormentarse de otra forma...siquiera por desear la muerte: uds ya están muertos.

Celestial Season "Solar Lovers" (1995)

2011-03-22T19:04:00.000-03:00

Una verdadera obra de arte, llena de dramatismo y música, como pocas veces se pudo escuchar en los '90.

Una banda de Holanda que venía de editar un par de demos y un buen disco debut, en donde había como instrumento fijo e importante un violín (también lo venía haciendo My Dying Bride, dentro del estilo).

Pero para este disco rompieron con varios esquemas preestablecidos, sumando a los riffs arrastrados propios del Doom, melodías y estructuras mucho más pegadizas, propias del Rock (o de lo que poco tiempo después se empezaría a llamar Stoner).

Nunca algo había escuchado, yo por lo menos, algo tan rockero y melancólico hasta ese momento, producto de la notable intervención de los violines y su brillante articulación con las guitarras, que sonaban muy graves o muy lentas, pero siempre llenas de un groove de las que pocas bandas podían hacer gala.

Otro punto que me sorprende enormemente ahora que vuelvo al disco son esos interludios breves cargados de tristeza que daban paso a las canciones más convencionales, por ejemplo "The Holy Snake" (título más stoner no había para ponerle!), que da paso a una de las joyas rockeras de la placa: "Dancing to a Thousand Symphonies", y que a su vez nos entrega una perla hermosa, el cover de Ultravox "Vienna", adaptado perfectamente al estilo romántico de este período de la banda.

Todas y cada una de las canciones, cuando las escuches, demuestran su poder evocador de lugares y momentos, ya sean estos hermosos o trágicos...o los dos juntos, por qué no...

Escuchen, y enamórense de estos sonidos trascendentales.

Boris "Amplifier Worship" (1998)

2011-03-21T19:06:00.000-03:00

Si, estoy enardecido con los sonidos más lentos e hipnóticos, monótonos si quieren, desde que el mes de Marzo arrancó. Es cierto que voy mezclando de a poco con otras cosas para no quedar enterrado entre tanta pared de guitarras distorsionadas y acoples, pero es un mes que demanda tranquilidad y relax, y a eso lo logro con esta música.

Sí, ya sé, me van a decir por qué no ponés un disco de Jazz, o algo más darky, tipo Canaan...pero no...me relajo con esto y punto, no muchas más explicaciones.

Y acá estoy, escuchando el segundo disco de estos prolíficos japoneses (péguense una vuelta por su web oficial y van a ver), hipnotizado tanto por los acoples como por las melodías que fluyen de ese ser diminuto y poderoso que toca la guitarra, y que seguramente está poseída por un antiguo demonio oriental.

Es impresionante la cantidad de texturas que logra esta mujercita con sus deditos pequeños puestos sobre el diapasón, por supuesto que en comunión con sus eternos compañeros de ruta, Takeshi y Atsuo, logrando este último momentos memorables y tortuosos con su garganta acoplada a los sonidos ásperos, rugosos de lo mejor del Drone.

Pero no solo eso, porque también nos topamos con melodías y progresiones provenientes del Rock clásico, hijas directas del Floyd más volado y espacial (o de Hawkind, por qué no).

Ya para esta época había devenido en trío, y sin perder una pizca de fuerza, ganando en sutilezas y climas.

Boris es una banda a la que hay que escuchar tomándose el tiempo necesario, y que vayan emergiendo los variados colores que componen su paleta cromática.

P.D.: ¿Qué se imaginan cuando ven la portada del disco, tan amable y Pop? Bueno, seguro que no es eso.

Entren y adoren los amplificadores usados en este pedazo de disco.

Rigor Sardonicous "Vallis ex Umbra de Mortuus" (2008)

2011-03-21T17:25:00.000-03:00

Absolutamente repugnante y mala onda, no hay nada que siquiera permita considerar que esto podría alegrarte la tarde.

Y no tendría por qué hacerlo, ya que lo expuesto en el disco del año 2005 (ya reseñado aquí), se multiplica por cien, y las revoluciones bajan otro tanto, logrando que sea más molesto y desagradable todavía.

Si bien el "tema" que inaugura el disco me llevó a pensar que sería distinto, con esa tonada calma pero oscurísima, que nos intriduce a una muerte no esperada del protagonista, que da paso a un bajo claro y presente, hasta que irrumpen las guitarras de Fogarazzo, para entorpecer el camino y eclipsar los buenos momentos que se avecinaban (en apariencia).

Al lado de estos yankees, sus compatriotas de Sunn O))) son Frank Zappa, o Pink Floyd, y con tantas variaciones como estos.

Horrendo la verdad.

Pero, y no es para justificar, hay algo que me permite no solo disfrutar, sino considerar a estas amorfas construcciones música. No pregunten que es, porque no lo sé, pero una vez que este estilo te atrapó, es difícil que lo dejes escapar. O tal vez, son los sonidos que te atrapan y no te suletan, y uno no puede escapar, ni aún intentándolo.

Vean, sientan la sombra de los muertos.

Officium Triste "Reason" (2004)

2011-03-20T01:57:00.000-03:00

Una verdadera sorpresa la que me produjo esta banda y este disco, el primero que escuché de ellos.

Recuerdo estar buscando viejos sonidos románticos que me llevaran a la época de descubrimiento del Doom -el mío-, allá a principios de los '90, y de la mano de uno de los mejores músicos que conocí en mi vida: Marcelo Farfán, guitarrista de Skombros.

Él fue el que me pasó un disco que hasta el día de hoy me emociona: "Turn Loose the Swans", de los ingleses My Dying Bride.

Y esos eran los sonidos que yo andaba buscando, un poco cansado ya de la proliferación de bandas neogóticas sin sentimientos, más preocupadas por la imagen que por la música en si misma, y me topé con este discazo.

Depresión y romanticismo asegurados, de la mano de unas melodías increíbles, que adornan los colores más tristes que se les puedan ocurrir.

Como no dejarse llevar a ese paseo inolvidable que ofrecen estos holandeses con esta excelente banda de sonido, cargada de melancolía y tristeza, con unas letras que remiten al instante a sus influencias. Dije My Dying Bride sí, pero no hay que dejar de lado a otros ingleses igualmente importantes como Anathema y Paradise Lost.

El romanticismo parece que fue extraído de sus compatriotas Celestial Season, sobre todo de sus dos primeros discos. Si querés que el sol ya no brille más, si querés hundirte en tus peores soledades y emocionarte con tu propio dolor, no tenés más que escuchar esta obra.

Repito, un hermoso disco, triste y melancólico, casi doloroso...como todo buen disco de Doom que se precie de tal.

Sun Ra "We Travel the Spaceways/Bad and Beautiful" (1956/1961)

2011-03-14T19:06:00.000-03:00

Tipos raros estos Sun Ra, haciendo una extraña mezcla de Free Jazz, psicodelia y ciencia ficción, sin dejar atrás una cuota de funk y humor a raudales, logrando una música que si bien no es fácil de escuchar, sí es divertida y variada como pocas.

Fundada la banda por Herman Sonny Blount (Sun Ra para los conocidos), en Alabama (aunque el manifestaba que venía de Saturno), paseó por varios estilos al comienazo de sus carreras, aunque retrospectivamente se a reconoce dentro del movimiento Free Jazz y Avant-Garde.

Y no hay por qué poner en duda tal afirmación, ya que solo con escuchar este disco, nos podemos dar cuenta de lo variado de su propuesta, y de la inigualable calidad de las composiciones.

Esta edición aparecida en el año 1992 reúne dos épocas diferentes. Aparentemente, la segunda parte, a partir del track 8, correspondería a la primera grabación del período de New York, mientras que la mitad anterior sería del período de Chicago, y si se lo escucha atentamente surgen claras diferencias.

¿Por qué digo aparentemente? Porque no hay indicaciones precisas acerca de los años de grabación en muchos de los discos editados.

Mayor problema, se pueden disfrutar de igual modo las canciones sin prestar demasiada atención a los años en los que fueron grabados.

Un hermoso disco para los que nos iniciamos en esto de escuchar gente que está un poco más loca que los que nos rodean, y lo demuestran con una creatividad apabullante.

Aborym "Psychogrotesque" (2010)

2011-03-09T23:14:00.000-03:00

Un poquito de disonancia e incomodidad en los negros sonidos emanados desde los países escandinavos...pero de la mano de unos italianos bastante interesantes.

Así es, Aborym son italianos y cuentan entre sus filas al controvertido "Faust" Eithun, quien fuera baterista de Emperor hasta el e.p. "As the Shadows Rise" (1994). También en sus inicios había otra figura de la escena extrema noruega, el nefasto demonio húngaro llamado Attila Csihar (en Mayhem y Sunn O))) entre los más conocidos).

Pero ahora devenido trío, dejaron de pedir ayuda, y ya con Faust como miembro estable, con Malfeitor y Paolo distribuyéndose instrumentos varios, llegan a este disco grotesco pero disfrutable al 100%.

Sonidos raros colándose entre la cacofonía blackmetalera le dan otra dimensión a las composiciones, en las cuales es evidente la influencia que ejercieron bandas de otras latitudes, como Ulver y los ingleses enfermos de The Axis of Perdition.

Atrás quedaron los sonidos más ortodoxos de discos como "Kali Yuga Bizarre" (1999), dando lugar a estos 10 tracks sin título (más uno fantasma), que pueden servir de banda sonora para una pesadilla insoportable, anclada en algún oscuro boliche europeo, y en presencia de tu psiquiatra favorito.

Un disco variado y divertido, pero no indispensable.

Morphine "Good" (1992)

2011-03-05T21:13:00.000-03:00

Tengo una particular debilidad por este trío americano tan difícil de encasillar.

Esta dificultad es directamente proporcional a la facilidad con la que se disfruta su arte. Todas las influencias que se les ocurra meter en los espacios que dejan una batería minimalista pero imponente, un bajo slide de 2 (¡si, dos!) cuerdas, y ese saxo que reemplaza de manera tan inesperada como sutil a las guitarras omnipresentes que deberían estar ocupando su lugar.

¿Realmente importan las guitarras? Para quien esto escribe, fanático y enfermo incurable de gente de la talla de Zappa, Gilmour, Page, y por sobre todo ese extraterrestre irrepetible llamado Hendrix, la respuesta inmediata es...¡¡por supuesto, si es EL instrumento del Rock!!...seguro?

Bueno, Morphine en su primer disco se dan el lujo no solo de reemplazarlas, sino que logran que ni las recuerde siquiera. Y esta bien, ya que la estridencia de una guitarra arruinaría los sutiles climas que emergen y salpican como destellos oscuros cada canción.

Una banda oscura, pero refinada y sexy al mismo tiempo. Tal vez una de las mejores para disfrutar de un buen licor, un buen habano o una gran mujer, aunque no tiene por qué plantearse de manera excluyente la ecuación.

El inicio de una discografía breve pero indispensable, sobre todo si sos amante de la música y los rótulos te importan simplemente nada.

Canciones, eso es lo importante en Morphine, y nunca se van de foco. Toques cortos, precisos como un afilado bisturí que te separa la piel casi sin hacerte sangrar. Porque si te pasa de rosca te morís, y si te morís no podés escuchar más Morphine...

Y dejar de escuchar Morphine (o no disfrutar al hacerlo), es muy parecido a estar muerto...y así.

Escuchen y dejen de leer esto ya mismo.

Counting Crows "August and Everything After" (1993)

2011-03-02T22:22:00.000-03:00

Primer disco de esta banda americana alternativa, con un sonido "amable", con todo lo que eso puede tener a favor y en contra.

Los que tienen un poco de memoria y más de 30 seguramente lo recordarán por el video que rotaba por la MTv (cuando era un canal de música y no el de telenovelas patéticas que es ahora), precisamente el track 3 ("Mr. Jones"). Es cierto que era un poco molesto verlo saltar a Adam Duritz con sus rastas/dreadlocks, pero con el tiempo me terminé encariñando con la banda y el disco.

De las bandas alternativas de aquellos años, creo que era la que más influencia darky tenía, y todos los amantes de las bandas clonadas de Radiohead (tipo Keane o la bazofia de Coldplay) deberían escuchar de donde tomaron a escondidas la melancolía y la tristeza (para después agregarles más azúcar y dejar flotando melodías inofensivas que no conmueven a nadie). Canciones simples pero efectivas, con la suficiente intensidad como para dejarte algunas preguntas pendientes.

Una banda honesta y un hermoso disco para dar comienzo a una carrera que vale la pena tener en cuenta.

Killing Joke "Hosannas From the Basements of Hell" (2006)

2011-02-02T00:16:00.000-03:00

Banda fundada a finales de la década del '70 (Siglo pasado) con un montón de integrantes que fueron y vinieron, con dos miembros permanentes y fundamentales: Jaz Coleman (voces, teclados y arreglos varios) y Geordie Walker (guitarras). Otros integrantes pasaron por bandas igualmente influyentes de estilos tan diversos como Prong, Swans o Ministry.

Otra particularidad más que interesante es que no solo son músicos sino que se dedican a la producción: baste como ejemplo ese cerebro enorme de Jaz Coleman quien produjo ese tributo espectacular a Pink Floyd de la mano de la London Philarmonic Orquestra, y considerado como uno de los mejores tributos a los ingleses (considerado por mi, por supuesto).

Asimismo Coleman es compositor residente de la Sinfónica de Praga (y trabajó para muchas otras agrupaciones clásicas). Un capo el tipo, creo que comparable a ese otro monstruo fundador de Godflesh, Napalm Death y Jesu: Justin Broadrick.

Justamente, Godflesh tomaron mucho de la intensidad de esta banda en sus comienzos, aunque lograron sobrepasar con creces el nivel de intensidad y pesadez de los Joke, que aún hoy tienen algo que muchas bandas de los '80 tenían y las de ahora no: un estilo personal e inimitable, un sonido particular reconocible en cualquiera de sus canciones.

Acá los dejo entonces con una de las mejores bandas escupidas por el Post-punk, una de las más politizadas y apocalípticas; junto con este, su penúltimo disco (uno de los más enojados e intensos de Coleman y cia.)

Cradle of Filth "Dusk...and Her Embrace-Litanies of damnation, Death & the Darkly Erotic-" (1996)

2011-01-31T23:44:00.001-03:00

Esta es una de las bandas influenciadas entre muchas otras bandas, por Mercyful Fate; sus climas entre barrocos y góticos tienen como referencia a las bandas de Dark/ Gothic de los '80.

Y por supuesto, las melodías que escupen ferozmente las guitarras provienen directamente de la New Wave Of British Heavy Metal (léase Iron Maiden entre otras grandes bandas).

Parece mentira que sea un segundo disco, aunque viendo la calidad del primero y el e.p. inmediatamente anterior a este lanzamiento, no sorprende para nada.

Puliendo al máximo lo expuesto en su primer esfuerzo oficial, y con un sonido no solo mucho más logrado y amplio, sino que dejando de lado la vertiente más extrema y rústica que asomaba sus fauces en el impresionante "The principle of Evil Made Flesh".

La estética también se vuelve más refinada y el sobre interno es un verdadero lujo con ese tono verde entre difuminado y saturado, que también lo utilizó por la misma época Type O Negative en el glorioso "October Rust" (editado el mismo mes y año).

Los que participan de este viaje a los Cárpatos son Dani Filth (en voces); Stuart Anstis y Gian Pyres (guitarras); Robin Graves (bajo); Damien Gregori (en teclados) y esa bestia llamada Nicholas Barker (batería).

También tenemos a otro de los seres vomitados por el Averno para infundir terror y dar clases de satanismo y extremismo allá a comienzos de los '80: Cronos de Venom, recitando una oración apocalíptica, casi a modo de mantra en el final del disco, el tema "Haunted Shores".

Por supuesto que la presencia femenina es importante, y nos deleitam Sarah Jezebel Deva (quien participó también en Therion) y Danielle Cneajna Cottington, ambas en voces y coros (susurros).

Un verdadero clásico, que dio paso a otro tremendo disco y uno de los logros más impresionantes en cuanto a estética.

Y el último post de este Enero que quedará en mi memoria por años...y mañana vuelvo al laburo, la puta madre que lo parió.

Mercyful Fate "Time" (1994)

2011-01-31T13:07:00.000-03:00

Un disco de la puta madre que lo parió, con letras increíbles y el vértigo al que nos tiene acostumbrados el Rey Diamante intacto, junto con una de las mejores formaciones que recuerdo de esta banda: el Rey en voces (lo que es como tener un coro con infinidades de voces); Hank Shermann y Michael Denner (guitarras); Sharlee D'Angelo (bajo) y Snowy Shaw (batería).

De las canciones, y luego de años de no escucharlas, en este momento rescato "Master of Light" (como me gustaba la letra de esta canción, por dios...jejeje) y la oscura "Witches' Dance", con intervenciones gloriosamente dramáticas de Diamond.

Ni hablar de ese clásico titulado "The Mad Arab", inspirado en supuestos textos apócrifos que fueran citados por ese torturado y gran escritor H.P. Lovecraft.

Y así, mientras voy escuchando me doy cuenta que no se puede dejar afuera a otras canciones, como por ejemplo "Time", con climas que meten cagazo de verdad. ¿Y "The Afterlife"? Tremendamente violenta y hermosa, y una gran historia.

Claro, lo que diferenció siempre a Mercyful Fate de otras bandas heavys pedorras (aparte de las gloriosas cuerdas vocales de su líder) fue la música y las letras, mucho más consistentes que sus contemporáneos.

Les dejo entonces a una de las más grandes influencias de la música extrema de los últimos 30 años, con uno de sus discos más representativos de la segunda etapa, después del retorno.

Juan Carlos Baglietto "Tiempos Difíciles" (1982)

2011-01-29T09:49:00.000-03:00

Un verdadero clásico del rosarino, creo que fue el primer disco entero que escuché de él, a partir de una canción escuchada en la radio en mi infancia.

Esa canción no me acuerdo si fue "De Regreso, Mirta" o "Era en Abril", siendo ésta última un shock tremendo ya que pensaba que estos dos desconocidos de verdad habían perdido un hijo.

Con el correr de los años las otras canciones tomaron una relevancia única para mí, siendo las mejores las compuestas por Fito, quien era el tecladista estable de Baglietto en esa época. "Puñal tras puñal", "Sobre la Cuerda Floja", ese hermoso candombe compuesto a dúo con J.Carlos Baglietto llamado "La música del Río de la Plata", y el que cierra este disco, "La vida es una moneda".

Por supuesto que no se quedan atrás las otras (de Abonizio, Fandermole o Goldín), pero como dije, las que más me gustaban eran las de Fito. La zamba de Goldín, "Los nuevos brotes" también es una joyita che, ahora que lo pienso.

La banda se completaba con Silvina Garré (voz), Rubén Goldín (guitarra y coros), Sergio Sainz (bajo) y José Aguilera (batería).

Como señalé al comenzar el post, un clásico.

Charly García "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990)

2011-01-29T01:17:00.000-03:00

Como para sacarse la locura del post anterior, les voy a dejar uno de los últimos discos buenos que sacó Charly.

Y estoy siendo benevolente con "La Hija de la Lágrima" (1994), que si bien lo compré ni bien salió, creo que ya es el comienzo de la debacle compositiva de este músico genial de mi país.

En este lindo disco se encuentran algunas de las melodías más hermosas creadas por Charly, y algunas pinceladas oscuras, dentro de la canción que da título a la placa.

Alguna mirada cínica a su entorno (supongo) en esa canción cargada de bronca "No te mueras en mi casa", situación por la que debe haber pasado varias veces: "...se ve por tu temblor de maxilares que te cargaste un par de bolsas en Cemento..."(genial Charly, jejeje).

Puta, si hasta cantaba afinado en este disco, y en inglés incluso. Y ni siquiera Fabi Cantilo (que lo que hace hoy es un verdadero espanto) desentonaba, haciendo coros para un tipo quisquilloso.

LA perla de esta obra es la versión genial e indispensable del Himno Nacional Argentino, por el cual Charly tuvo que soportar un par de juicios (si mal no recuerdo), antes de poder incluirlo en la edición.

En definitiva, un lindo disco, que como reza su tema inicial sirve para "estimular", sobre todo la búsqueda de otros discos de su autoría.

Cecil Taylor "Unit Structures" (1966)

2011-01-27T02:17:00.000-03:00

Tengo que ir preparando mi mente para el nuevo disco de Earth, que sale dentro de muy poco. Que mejor elección que este enfermo del piano más violento y percusivo comandando un septeto que se dedica al Free Jazz (por ponerle un rótulo).

Actualmente Taylor es una de las figuras del Jazz más raro de todos. Lo del tipo es improvisación de verdad, sonando tan violento e intenso que por momentos se torna imposible soportar estas estructuras sin patrón aparente.

Esta obra es de esas que te llevan a buscar de donde mierda saca las influencias el tipo que toca, porque si no lo pones en contexto no se entiende. Mucha música contemporánea (atonal, para ser más preciso), y lo más volado de gente como Ornette Coleman y Cale.

El papel de cada uno de los músicos que intervienen es descomunal, y llegan a generar taquicardia con sus arrebatos violentos. Hace un tiempo un amigo definió al genial baterista de Natas como un gran pianista (era un halago, se refería a la delicadeza que mostraba en la ejecución y los climas que lograba). Bueno en este caso, este pianista parece casi un baterista, por como usa los recursos de su instrumento.

Una verdadera montaña rusa para los sentidos, comprimida en 5 composiciones repartidas en casi una hora, que es lo que dura el viaje. Suban si se creen capaces...

Charles Mingus "The Black Saint and the Sinner Lady" (1963)

2011-01-23T02:02:00.000-03:00

Me apasiona profundamente el metal, tanto como el Jazz o el llamado Rock Nacional (en Argentina), por lo tanto no tengo un género o estilo preferido, sino que me puedo sentar a disfrutar de un buen disco. Y dependiendo de las circunstancias, elegiré algún género en particular.

Para relajarse, y abandonar ésos momentos tensionantes y agotadores nada mejor que algo de Jazz (aunque también podría ser música celta, o Black Metal...jejeje).

Tengo mis músicos favoritos dentro del Jazz, y no puedo evitar recurrir a ellos para descansar o sorprenderme con las reiteradas escuchas de sus discos. Entre esos músicos puedo nombrar a Monk, a Coltrane, a Miles Davis, Sonny Rollins, Charlie Parker y a uno de los contrabajistas más geniales que dio el género, Charles Mingus.

Es cierto que son pocas las menciones o los post de él, pero me defiendo diciendo que uno de los primeros del blog fue ese recital descomunal en el año 1953 con una juntada de all stars entre los cuales se encontraba Mingus: estoy hablando del histórico "Jazz at Massey Hall" (1953).

Este disco en particular, que fuera publicado por ese monstruo que escupía joyas una atrás de otras (Impulse!), es considerado una de las piezas maestras de la Vanguardia del Jazz, de todos los tiempos, y si te tomás el tiempo para escuchar, no hay razones para desmentir semejante afirmación.

Si buen es cierto que de movida hay tonos afables, melodías de ensueño que incluso invitan al baile, pronto surgen motivos españoles (de los que luego dará cátedra en esa otra obra genial llamada "Tijuana Moods"), y va más allá cuando en esa suite final de casi 20', aparecen vetas de Free Jazz atravesadas por música contemporánea experimental, otorgándole unos matices rarísimos, y borrando esos confortables momentos iniciales, en pos de una carrera más violenta y agresiva, más intensa (recurso que utilizó mucho Coltrane).

Rodeado en este disco de unos cuantos amigos, logra Mingus un nivel que sería difícil de superar a lo largo de las décadas siguientes, al igual que esa otra pieza única titulada "Money jungle", en donde comparte créditos con dos bestias incomparables, Max Roach y Duke Ellington.

Un disco que aún hoy sigue dando que hablar, y que vale la pena disfrutar.

Murió Maria Elena Walsh -10/01/2011

2011-01-10T21:49:00.001-03:00

¡¡¡Puta, que forma de mierda de empezar el año!!!

No se en otros países, pero en Argentina, todos aquellos que tienen más de 50 años, hoy deben estar derramando una lágrima por esa señora petisa, con cara de buenita, que escuchamos desde que tenemos uso de memoria.

Una forma tan hermosa de entender la relación entre las palabras y la infancia, sin tratar a esta (y a los niños)como simples estúpidos o subnormales, sino como personas con una capacidad asombrosa de dejarse inundar y divertirse con esos juegos.

Pero no solo había juegos de palabras, porque era una compositora del carajo, una tipa que en serio se tomaba el oficio de escritora. Libros "para niños", obras de teatros, poemas que luego fueron musicalizados e interpretados por otros artistas (Julia Zenko, Mercedes Sosa, Lito Vitale, Teresa Parodi, Víctor Heredia, Jairo, etc), algunas metáforas logradísimas para metabolizar esa tierra perdida por el exilio:

"Serenata para la Tierra de Uno":

	Porque me duele si me quedo pero me muero si me voy, por todo y a pesar de todo, mi amor, yo quiero vivir en vos. Por tu decencia de vidala y por tu escándalo de sol, por tu verano con jazmines, mi amor, yo quiero vivir en vos. Porque el idioma de infancia es un secreto entre los dos, porque le diste reparo al desarraigo de mi corazón. Por tus antiguas rebeldías y por la edad de tu dolor, por tu esperanza interminable, mi amor, yo quiero vivir en vos. Para sembrarte de guitarra para cuidarte en cada flor,
	y odiar a los que te lastiman, mi amor, yo quiero vivir en vos. Ni hablar por supuesto de "La Cigarra", una de esas composiciones que pueden ser ejecutadas/interpretadas por cualquiera, porque lo importante era lo que decía/dice la poeta:

Tantas veces me mataron,
tantas veces me morí,
Sin embargo estoy aquí resucitando.
Pero si estoy a la desgracia
y la mano con puñal
por qué mató tan mal,
y seguí cantando.

Cantando al sol como la cigarra
después de un año bajo la tierra,
igual que sobreviviente
que vuelve de la guerra.

Tantas veces me borraron,
tantas desparecí,
a mi propio entierro fui
sola y llorando;
hice un nudo en el pañuelo
pero me olvidé después
que no era la única vez
y seguí cantando.

Cantando al sol como la cigarra
después de un año bajo la tierra,
igual que sobreviviente
que vuelve de la guerra.

Tantas veces te mataron,
tantas resucitarás,
cuántas noches pasarás
desesperando.
Y a la hora del naufragio
y la de la oscuridad
alguien te rescatará
para ir cantando.

Cantando al sol como la cigarra
después de un año bajo la tierra,

igual que sobreviviente
que vuelve de la guerra.

Un homenaje un poco tonto, y escueto, para una escritora impresionante y sobre todo honesta.

Chau María Elena, nos estamos leyendo/escuchando, en compañía de mis hijos.

P.D.: Me rectifico, seguramente la gente de mierda, esos culpables de delitos contra la humanidad (Videla, Menéndez, Bussi, etc.), no sentirán esta triste pérdida.

The Cure "Pornography" (1982)

2011-01-10T01:01:00.000-03:00

Lo reconozco, en mi adolescencia detestaba visceralmente a Robert Smith y compañía. No solo no entendía la estética de la banda (¡¿por qué mierda se peina así?!), sino la forma de cantar de él (¡dejá de cantar como quejándote, mierda!).

Pero los años pasaron (dejé de ser un pelotudo intolerante), y de a poco me empecé a interesar en aquellos sonidos que influenciaban a bandas más pesadas (no solo The Cure, Joy Division, The Mission, Sister of Mercy, Bauhaus, Depeche Mode).

Y ya no pude dejar de saborear esas oscuras quejas existencialistas extremadamente minimalistas (en el caso de The Cure).

The Cure emerge del movimiento Post-Punk que agrupaba a todas esas bandas mencionadas más arriba, y que le daban el estiletazo final al viejo movimiento, sumando melodías y gancho al minimalismo Punk.

Este es el tercer disco, son contar una serie de singles y compilados, con la formación clásica: Simon Gallup (bajo y teclados), Robert Smith (guitarra, voz, teclados, y cello) y Laurence Tolhurst (la bestia de la batería, y también teclados).

Lo que aparece en este disco es verdaderamente superlativo. Un sonido seco, frío como el carajo, y tan minimalista que parece que estuviéramos escuchando a unos cavernícolas con sus promeros experimentos sonoros.

También hay, dentro de lo minimalista, unas melodías tan sutiles y cautivadoras como solo en el Pop más entendido se volvería a escuchar.

La percusión tiene un aire tribal que mete miedo y se incrusta en tu cerebro para perseguirte durante las noches de insomnio. Todo en The Cure está realizado en función de las canciones, y creo que siguen esa hermosa filosofía de "menos es más", que fuera aceptada, condensada y hasta parodiada por infinidad de bandas Black (de esas Deppresive). Un disco dark en serio.

Un absoluto clásico, de una banda indispensable para entender la música de finales del Siglo XX, y el actual, obviamente).

Nile "Ithyphallic" (2007)

2011-01-08T11:05:00.000-03:00

Como para ponerle un poco de onda y subir los ánimos después de los últimos 2 post, se me ocurrió volver a escuchar a una de las bandas que propició el renacer del Death Metal más brutal.

Los Nile siguen con esas composiciones ultrapesadas y precisas, cargadas con una dosis épica que ya quisieran para sí bandas como Manowar, o Blind Guardian.

Evidentemente, en Egipto abundaban las huestes del mal, persiguiendo por interminables desiertos a los que osaban enfrentarles.

Para este trío (colaboraron unos cuantos más, pero Nile es un trío), es posible mostrar estas persecuciones en formato musical, así como plasmar en las brutales canciones que componen este disco (y los anteriores), las peores plagas que asolaron las tierras de Oriente.

Cuando bajan la velocidad logran climas tan tenebrosos que se vuelven palpables, y se torna necesario salir corriendo para que los no muertos no te alcancen y te coman...pero sabemos que a la larga, nos alcanzan.

La cuota cinematográfica está al final del disco, con ese tema impresionante titulado "Even the Gods must Die", de 10' de duración en donde pasa de todo: climas grandilocuentes, melodías y percusiones extrañas, velocidad y violencia aunadas bajo la voz de Karl Sanders, quien nos vomita en la cara su "incluso los dioses deben morir". Y si en el funeral este es su réquiem, no queda otra que hacerle caso...por las dudas sus amigos vendados vengan a buscarnos.

Un gran paso adelante respecto de su anterior "Annihilation of the Wicked" (2005), y la antesala perfecta a "Those Whom the Gods Detest" (2009), su último disco hasta la fecha.

The Axis of Perdition "Urfe" (2009)

2011-01-08T10:30:00.000-03:00

Cuando los ingleses nos quieren asustar, se van de verdad a la mierda, y todo queda reducido a cenizas, inclusive la mente de quien se encuentra acostumbrado a escuchar música extrema, o por lo menos fuera de lo mainstream.

El Black Metal es un género que de ejecutarlo de forma ortodoxa, se agota rápidamente. Es cierto que hay muchas bandas geniales que lo hacen (Darkthrone, Horna...), pero también hay demasiadas de las otras, que si bien no molesta escucharlas, cuando hay que pasar al disco siguiente, uno lo piensa dos veces y pone otra cosa.

El caso de estos ingleses es llamativo y extraño. Arrancaron haciendo un Black bien violento con su demo "Corridors" (2002), pero rápidamente se colaron cosas raras en el sonido de su primer disco.

Así fue avanzando este ente amorfo hasta llegar a parir una obra deforme y desesperante como esta (su tercer esfuerzo larga duración).

A lo largo de 90' (es un disco doble), son pocos los momentos que se pueden catalogar o etiquetar como Black Metal, pero como siempre ocurre, el aura, el veneno está presente en los climas y los oscuros recovecos por los que transitamos con esta banda de sonido de la peor pesadilla que te puedas imaginar, poniendo a prueba tu equilibrio mental. Para disfrutar de algo de metal tienen que saltar al cd 2, donde podrán encontrar algo relacionado con el estilo, así que paciencia, que vale la pena.

Como referencia no se me ocurren muchas bandas. Por ahí Ulver, en sus primeros pasos luego de abandonar el metal definitivamente, allá por el año 1998, cuando editaron ese experimento-también doble- titulado "Themes From William Blake's The Marriage of Heaven and Hell", pero lo de The Axis of Perdition no es tan orgánico, más bien trasunta una frialdad comparable a la de los franceses Blut Aus Nord, pero sin el componente de metal de ellos.

La inspiración de la banda actualmente se recuesta sobre uno de los juegos más perturbadores que jugué en mi vida, "Silent Hill", creando la misma tensión con sus instrumentaciones y ruiditos industriales, situándonos casi sin anestesia en una ciudad roída por la mugre y la insanía, donde no queda nada en pie, sino los últimos estertores de una bien merecida decadencia y extinción.

Un disco solo para iniciados.

Forgotten Tomb "Love's Burial Ground" (2004)

2011-01-07T18:46:00.000-03:00

Otra gran banda que lleva el odio y la desesperanza en la sangre, y que pudieron mutar desde un sonido Black Death a este horrendo malestar con tintes doom y pretensiones ambient, de la mano del colaborador de turno, el líder de la banda de ambient sueca MZ412, (Mr. Nordvargr) quien se encargó de las composiciones ambientales "Malus Vivendi", que no solo son el descanso entre tanta violencia, sino lo que nos mantiene cuerdos en este oscuro trance suicida.

El suicidio, el acto logrado por excelencia, es uno de los temas centrales en el disco. El dolor de existir y la miseria imposible de evitar y poner en palabras encuentran aquí la vía de escape perfecta, en el formato de banda de sonido de los últimos minutos de tu vida.

El semejante como fuente del dolor, y su eliminación como redención no exenta de consecuencias, hacen de este disco (el último con Adipocere Records) un bocado delicado pero peligroso, solo apto para quienes disfrutan con la desesperanza y la misantropía...o para quienes ven en los otros un obstáculo para alcanzar la eternidad.

Entren al cementerio del amor...y no salgan nunca más.

Leviathan "Tentacles of Whorror" (2004)

2011-01-07T02:34:00.000-03:00

Un montón de mierda misantrópica y desesperante en formato cd (bueno, mp3 para ser precisos), que rescata otros hedores acompañados por imágenes provenientes del otro lado del Atlántico, de esos pioneros situados en las cercanías del Mar del Norte, donde reina el frío y las Ruinas de iglesias incendiadas (gracias Inner Circle).

Aquella aura maldita que seguro se respira en los hielos eternos del Círculo Polar Ártico, se condensó en un grupo de gente situada físicamente en América del Norte, pero espiritualmente donde sus ídolos, hasta secar la tierra bajo sus pies.

La maldad fue absorbida, y una vez que la Madre Tierra no soportó más, canalizó sus insondables abismos en la mente de esa gente, algunos privilegiados que supieron darle forma a lo innombrable, con un sonido que recuerda de forma instantánea a los clásícos del Metal´negro noruego: Ulver, Burzum, Emperor (lo más viejo), Mayhem.

Pero con una novedad, las partes calmas ahora adquirieron una belleza inusitada entre tanto caos y muerte, logrando incluso relajarte. Entre las que se destacan y serán recordadas por varios años más están Xasthur (ya disuelto el proyecto por su único miembro), y Leviathan.

Esta banda consta de un único miembro (por lo menos lo de misantrópico se lo toman más en serio), Wrest, quien se hace cargo de voces e instrumentos. Cuando escuchen este disco (el segundo en la carrera de la "banda"), la voz le sonará conocida si están metidos en este tipo de sub-género. Este alegre señor prestó sus cuerdas vocales en esa obra maestra del Drone más negro titulada "Black One", de los geniales e insuperables Sunn O))). También prestó sus amigables miembros superiores para el último disco de Nachtmystium, el indispensable "Addicts: Black Meddle Pt. 2" (2010).

Si querés odiar más, si necesitás una cuota de misantropía para sacarte toda la basura festiva, tenés que escuchar a un volumen elevado este disco.

Random "Prrimo, The" e.p. (2010)

2011-01-06T17:50:00.002-03:00

Me tengo que retractar públicamente. No me acuerdo cuando fue, pero el donde sí: en ese horrendo espacio llamado El Refugio (tendría que haberse llamado El Tugurio), en la Provincia de Tucumán. Eran muchas las bandas que tocaban, pero la que se quedó incrustada en mi mente, y no por su brillantez compositiva, fueron justamente los Random. El sonido del lugar no ayudó, es cierto, pero era algo sin alma lo que escuchaba, y encima se encargaron de arruinar un tema de Tool. Les hice la cruz inmediatamente, y me encargué de defenestrarlos con cada persona con la que me cruzaba y hablaba de música.

Ramiro Rodriguez, amigo y productor de este e.p. me comenta cierto día que había una banda que estaba sonando muy bien, y cuando me dijo el nombre lo mandé al carajo. (Recordemos que el es uno de los responsables de ese otro e.p. salido de las entrañas de Tucumán, de la mano de Hate Fusion)...Ramiro fue persistente, hasta que yo, casi sin ganas, dije: "ma' si...lo bajo a ver que onda!"

Y la verdad, que todavía no salgo de la sorpresa provocada. Resulta que no solo cambiaron de estilo, sino de músicos, y se nota.

El vuelo compositivo y la ejecución de los instrumentos es descomunal, sonando realmente extremos, pero al mismo tiempo frescos e intensos. Las ideas son muy buenas (no creo que en el norte del país haya alguien haciendo lo de estos chicos), y el vértigo que atraviesa los escasos 22 minutos de extensión de este e.p. provoca volver a escucharlo reiteradamente.

Los datos fríos (y no tanto): Raúl García Posse (voz y guitarra), Pablo Lamela Bianchi (bajo) y Marcos Crossa (batería). La sección rítmica se luce, y le da un respiro al guitarrista, para que pueda viajar tranquilamente por los lugares que se le antoje.

El entendimiento entre los tres es monstruoso, lo mismo que el sonido logrado de la mano de Ramiro (pibe, hay que dar a conocer urgente tu trabajo fuera de la provincia!!); de hecho no parece ser una producción independiente.

Las influencias: Tool, Mastodon, Meshuggah, Dillinger Escape Plan, muchísimo del Rock progresivo de los '70, pero tamizado con cuestiones bien modernas (anoten The Mars Volta), y algunas cosillas de Death Metal Melódico (Soilwork, por ejemplo, cuando meten algunas voces melódicas). Se me ocurre también algunas cosas de Primus, por ejemplo...muchas influencias, la verdad.

Hace mucho que no logro sorprenderme con la música, y Random lo pudo hacer. Logran sorprender a quien, como uno, se acerca para ver que onda, y terminás saliendo todo despeinado y con un gusto a adrenalina en la boca, que solo puede significar algo: esto está bueno.

P.D.: la verdad, lo único que no me gusta todavía es la tapa, pero reconozco incluso cierto toque de humor, de no perder la cuestión divertida del asunto, como lo demuestra incluso el título de este increíble e.p. También cierto gusto, muy por detrás de todo lo bueno al Metalcore que tanto detesto...aunque reconozco que es más bien una impresión mia y no algo muy evidente. Lo de Random es más extremo y mucho menos saltarín.

Así que no sean flojos y/o ñoños (jejeje), y bajen esto que está tremendo.

Sartan "Sepultando las Lágrimas del Señor" (1994)-demo-

2011-01-05T19:07:00.001-03:00

Más de uno de quejará por este demo.

La verdad que si me pongo en quisquilloso y exquisito, lo tendría que tirar a la mierda. Si mal no recuerdo, "tocaron" una vez en la Provincia de Jujuy, allá por la década del '90, y el resultado fue poco menos que desastrozo.

Pero el tiempo pasó.

Y hoy, con mucho más calma, me siento en mi sillón preferido y pongo play en el reproductor. (Nota: lo pasé a digital, teniendo en cuenta que la edición de este demo era en cassete).

Y la verdad, que para la época no solo no suenan mal, sino que tienen ideas musicales bastante buenas, incluso mejores que las de algunas bandas actuales del género. Y Sartan son uno de los pioneros de él, aquí en Argentina.

Directamente enrolados en el Black Metal (aunque comenzaron con un Death Metal bastante brutal), y con un ataque vocal muy interesante (se distinguen por lo menos 3 tipos de vocalizaciones), y con un sonido de bajo bien minimalista pero al frente.

Las guitarras son caóticas y frenéticas, lo que acompaña al paquete en general, creando una pesadilla (ubíquense en la época) desesperante donde el único color que está presente es el negro, con pequeñas motas de rojo sangre (la de los cristianos y demás religiones, por supuesto).

Sí, señores, un gran demo, que demuestra que aquí, en argentina, también se gestaban cosas interesantes por aquellos míticos años.

The Mars Volta "Frances the Mute" (2005)

2011-01-03T11:17:00.000-03:00

Segundo disco de estos monstruos del Rock progresivo, actualmente radicados en México.

Lo suyo es la mezcla perfecta entre lo progresivo, la psicodelia de las bandas de fines de los '60 y '70 y el Jazz y la improvisación lisa y llana.

Las canciones son pura adrenalina, y están repletas de melodías y cuelgues, pero sin perder el gancho que hace que las recuerdes y diferencies entre ellas.

El núcleo está formado por dos ex-integrantes de At the Drive-in, lo que constituiría la sociedad compositiva y motor creativo de la banda: Omar Rodriguez López (guitarra) y Cédric-Bixler Zavala (voz)...de ellos depende lo que vas a escuchar y disfrutar en cada obra.

No se como explicar a que suenan estos tipos sin recurrir a músicos de antaño. Descarto que a Carlos Santana lo conocen (si no, deberían)...bueno imaginen cuando el guitarrista se dedicaba de verdad a la música (y no a ser el esclavo de productores que le "aconsejan" tocar lo que está de moda), por los años de "Abraxas", "Santana", "Borboletta" o de esa descomunal colaboración en vivo con Buddy Miles, pero agréguenle la intensidad y la pasión que se encargó de perder, y tendrán una idea somera de a lo que se enfrentarán cuando le den al play.

El simple de difusión elegido fue la hermosa balada "The Widow" acompañada de un bellísimo y oscuro video vintage, que lo llegaron a pasar por varios canales de T.V. También estaba "L'Via L'Viaquez", pero editada para ser radiable (que término espantoso), a unos patéticos´5 minutos. Es en la versión original de este tema donde podemos escuchar en todo su esplendor las influencias latinas de la banda, con percusiones extraídas de las entrañas del Caribe.

Por otro lado también podemos darnos el lujo de escuchar a invitados de lujo, como John Frusciante y Flea (de los Red Hot Chilli Peppers), con una intervención maravillosa de trompeta de este último.

Guitarras juguetonas y anfetamínicas, que se persiguen entre ellas y cuando se alcanzan, aparece otro instrumento para provocar el enojo y la ira de la batería (que parece haber tomado empuje desde arriba del Aconcagua), que desciende alocada tratando de pegarle a los vientos, que siguen burlándose y jugando a las escondidas entre ellos, e incluso con nosotros.

Intensidad, vértigo y muchísima pasión de la mano de una banda que le tapa la boca a todos los estúpidos que auguran la muerte del Rock.

Uno de los mejores discos de la década pasada, y una de las mejores bandas.

Godflesh "Us and Them" (1999)

2011-01-02T11:37:00.000-03:00

Tremendo mazazo en la frente con uno de esos combos de ´camioneros. Originalmente llamados Fall of Because, esta banda pronto cambió de nombre a Godflesh, dando a luz discos que se transformaron en la influencia de oras luminarias como Fear Factory.

Pero Godflesh tiene algo/alguien que otras bandas no tienen. Y eso, ESO se llama Justin Broadrick ...la mente detrás de proyectos como Jesu, por ejemplo, y el creador/fundador de Napalm Death, del cual se fue atento a la orientación Death Metal que tomaba la misma.

Y se fue para Head of David, para después formar este proyecto influenciado por grandes bandas de principios de los '80 como Killing Joke, o los mismísimos Swans, ya reseñados en el blog.

Los sonidos encriptados en esta placa (sexta y penúltima de la banda) son pesadísimos de verdad, como si una fábrica de Birmingham (donde nació La Bruja) se desplomara sobre tu cabeza, sin que`puedas hacer nada para evitarlo...y eso son ser una banda extrema en el sentido acotado del término.

Si uno escucha con cuidado se pueden encontrar afanos varios, desde "Control Freak" (sutilmente "prestado" a Tool), hasta el robo de Perpetua -argentinos ellos- del tema que abre la placa.

El disco más experimental de la discografía de los ingleses, y uno de los tantos en donde Justin sorprende con su mentalidad visionaria y profética.

Obligatorio para todo amante de la música pesada.

Solefald "Neonism" (1999)

2011-01-01T16:06:00.000-03:00

Terminamos el año con algo verdaderamente cabeza y extremo, sin ningún tipo de sutilezas, y empezamos el nuevo con esta maravilla noruega atemporal.

La verdad que suena arriesgado darle el estatuto de clásico a un disco que tiene menos de 12 añitos. Pero no me queda otro camino que ese. Pero lo es para mí, y eso es suficiente.

Es impresionante la diversidad de climas y estilos que hay en este viaje de 50' 11''. Es cierto que el Black Metal es la base sobre la que se construye su sonido, pero no es el común y corriente.

Como para hacer memoria, por aquellos años ya existían bandas de la talla de Mayhem, Borknagar, Satyricon, Marduk, Impaled Nazarene, Immortal, Enslaved, Primordial, Cradle of Filth, Dark Funeral, Behemoth, ...And Oceans, Taake, Kampfar, Summoning, Emperor, los In the Woods... se estaban separando...o sea, el espectro del estilo ya estaba diversificado y no había una única referencia al Raw Black.

Música clásica contemporánea, convive sin problemas con el Black más cabeza y pizcas de un industrial tan cáustico que te hace abrir los ojos y levantar las cejas: pero, ¿que carajo es eso que está sonando? Gritos que bien podrían pertenecer al Death más cuadrado y distorsionado (tipo Mortician), con recitados a modo de discurso político (y hay muchísimo de política en la banda y en las letras).

El vértigo que produce cada tema es proporcional a la sorpresa con cada cambio de ritmo y estilo dentro de la misma canción. Escuchen sino el drum'n'bass meterse de prepo en "Speed Increased to Scaffold", que al mismo tiene una dosis de psicodelia gracias a la cual no hace falta ningún papelito de colores para hacerte volar.

Seria locura condensada en menos de una hora, pero que te abre la cabeza a nuevos estilos y a una nueva forma de entender la forma de hacer música extrema. Locura dije, y el track mental salta directo al nº3, "CK II Chanel Nº6", con unas de las intervenciones más reventadas que haya escuchado de los sintetizadores de este dúo noruego.

¿Puede el Rap mezclarse con el Black y la música progresiva, sin que nos de un ataque de caspa? De acuerdo a Solefald y a la canción "Proprietors of Red" no solo se puede, sino que es altamente recomendable.

Como para darnos un breve espacio de respiro, nos enseñan en menos de 2' como sonaría un experimento con Morricone o algunas de esas bandas de sonido Western climáticas y fumonas que había décadas atrás.

Si las instrumentaciones son raras, no se pueden imaginar lo que hacen con sus cuerdas vocales, que parecen de otro mundo.

Sin dejarse influir todavía por el Acid Jazz de forma evidente, también hay colores que recuerdan a ese estilo, y que no hace que agrandar la paleta de matices de este dúo de maniáticos musicales, cuyo delirio se articula a los sonidos más extraños que te pudieras imaginar.

Las influencias se multiplican exponencialmente, porque surgen sabores prestados del genial Frank Zappa o de los proyectos más volados de Mike Patton (sobre todo por los distintos rangos vocales cubiertos hábilmente por los dos integrantes).

Como para confirmar el diagnóstico, el neologismo del título, que explica perfectamente que esto, este pedazo de obra de arte, solo tiene sentido para quien lo hizo, mientras que nosotros nos dejamos sorprender ante cada nuevo sentido que aparece en la escucha continua.

Si sos un purista de los géneros y los estilos, y pensás que no se deben mezclar, te jodés, porque este disco no es para vos.

Ahora, si nos leés desde que arrancamos hace unos años, y tenés la mente abierta a nuevas experiencias y sonidos, no podés dejar de escuchar este disco, por más raro o bizarro que pueda parecer al comienzo. Dale tiempo, que vale la pena el esfuerzo.

P.D.: la contraportada es un gran homenaje a esa serie de aventuras y ciencia ficción con marionetas animadas cuadro por cuadro que había hace años, y que ni recuerdo el canal y el nombre de la misma. Así que si quieren ponerse nostálgicos busquen información y veanla que estaba muy buena.

¡Feliz Año a todos!

Mayhem "Dawn of the Black Hearts" (1991)-Bootleg-

2010-12-31T22:35:00.000-03:00

Después del relax de Coltrane, por qué no terminar el año con el mítico disco en vivo de los noruegos pioneros, en el que se usó la foto supuestamente realizada por Euronymous del suicidio de Dead (paradójico, no?).

Dice la leyenda que Dead se cortó las venas, y mientras se desangraba, se voló la cabeza con la escopeta que yace a su lado.

Lo que nos regala aquí Mayhem es un recital crudísimo en su tierra natal durante el año 1990, repleto de clásicos como "Funeral Fog" o "Freezing Moon" (tremendas versiones!).

Ni hablar de los covers, uno de Celtic Frost y uno de los ingleses Venom ("Welcome to Hell", no podría ser otro).

Un testimonio de lo que era en aquellos la banda más polémica del Black Metal.

Que sus corazones negros se alzen y destruyan la cristiandad, al ritmo de los carniceros noruegos, y con esta demostración de mugre y sangre como banda de sonido...sírvanse.

John Coltrane "The Complete Africa/Brass Sessions" (1995)

2010-12-31T18:29:00.000-03:00

Reedición de aquel disco de 1961, con ambas sesiones incluidas.

Tremendo es poco la verdad. Encima es el punto de inflexión en la carrera de Trane, que por otro lado marca el inicio de una relación inolvidable: la del saxofonista con el sello Impulse!, hito en el mundo del Jazz y de la música en general.

Estoy leyendo justamente la historia de este sello, y es atrapante y casi pornográfico los artistas que pertenecieron al mismo.

Pero lo importante en este caso es Coltrane, y el como hizo semejante disco. Dejemos que nos lo cuente: "Tenía un disco africano donde cantaban esos ritmos, algunos ritmos nativos, así que agarré varios de ellos y se los pasé al contrabajista y a Elvin...McCoy se las arregló para encontrar los acordes adecuados...y yo tuve que construir la melodía para seguirles".

Esos nombres nos llevan a la formación que participó en esta belleza: McCoy Tyner (piano), Elvin Jones (batería), Paul Chambers (contrabajista), Booker Little y Freddie Hubbard (en trompetas), sin contar otros nombres en metales, por ejemplo, formando una orquesta descomunal, que seguía una idea rectora, y comandados por Trane.

Hubbard recuerda: "él (Trane) no estaba muy interesado por las composiciones del disco...la cosa era sencillamente el groove. El quería ese sonido africano".

Si tenemos en cuenta lo que recuerdan los músicos, es difícil despegarse de canciones como "Greensleeves" y tomar en serio lo que Freddie dice, pero aparentemente todas lo que se escucha aquí serían ensayos llevados a cabo por los músicos.

Como siempre ocurre, no creo que ellos se estuviesen dando cuenta de lo que hacían al momento de hacerlo, pero resulta un viaje de ida este disco. Originalmente "The Damned don't cry" no estuvo incluido en la versión original, pero con los años y gracias a la tecnología, podemos disfrutar de este tipo de ediciones (doble en este caso), con tres versiones distintas de "Africa".

El Jazz siempre va a estar ahí, y que mejor que terminar el año disfrutando de uno de los compositores más geniales que dio el estilo a la música moderna.

Saboreen los sonidos del continente negro.

Neptune Towers "Transmissions From Empire Algol" (1995)

2010-12-27T00:59:00.000-03:00

No se pueden quejar la verdad, ya que tardamos un poquito más de 2 años en recorrer 1500 años luz, desde que saliéramos acompañando aquellas caravanas que se dirigían a este lejano y misterioso imperio ubicado en el Cinturón de Orion.

Es cierto que las comparaciones son odiosas, y en este caso más, porque este segundo y último lanzamiento de Neptune Towers es casi lo mismo que el anterior, reseñado acá.

Y lean bien, dije casi, porque en este hay más noise y más psicodelia, pero en proporciones tan diluídas que habría que recibirse de bioquímico para encontrarlas.

Algo me dice que la influencia más grande de estos dos capítulos perpetuados por Fenriz (de Darkthrone...de dónde si no?) es el compositor griego Vangelis, pero no en su vertiente más melódica y amable, sino en esa faceta experimental, la de "Beaubourg" (disco rarísimo), en donde juega con la distinta gamas de matices y sonoridades que le posibilita la utilización de los sintetizadores, generando climas etéreos, espaciales y terroríficos por igual, sirviendo de banda de sonido de algún film de terror de bajo presupuesto.

Bueno, acá esos climas no llegan al terror, pero si te llevan hacia el espacio vacío, hacia la mismísima nada y la desolación más absoluta, en donde ni siquiera hay tiempo para sentir frío...porque en el espacio, el tiempo no existe.

Y si escuchás este disco, posiblemente te pase lo mismo...te pierdas en el espacio-tiempo, y no puedas regresar, olvidándote la dimensión a la cual pertenecés.

Cathedral "In Memoriam" (2000)

2010-12-26T21:41:00.000-03:00

Un "grandes éxitos" de los ingleses que volvieron a poner en la escena al Doom Metal, allá a comienzos de la década del '90.

Como todo compilado, tiene sus altibajos, pero estos dentro de los parámetros de la banda logran que por lo menos el disco sea bueno y divertido.

Los temas incluidos en "In Memoriam" son los del demo "In Memorium" (1990), y algunos de ellos serían de la partida en el puntapié oficial de la banda: "Forest of Equilibrium" (1991).

Las canciones que van del track 5 al 9 son grabadas en vivo en el año 1991, en Holanda.

Por lo que acá tenemos es una muestra de los orígenes de la banda, más asociados a sonidos crudos y podridos se se quiere....paradójicamente porque ya se habían adentrado de lleno en las influencias sabathianas. Incrustrado en el compilado hay un cover de los relegados Pentagram (que también apareció en aquel primer demo).

Un divertido pasatiempo, mientras preparo la reseña del compilado del club de fans que es monumental.

Jimi Hendrix "First Rays of the New Rising Sun" (1990)

2010-12-26T18:32:00.000-03:00

Mañana se cumplen 40 años de la muerte de uno de los músicos más brillantes de la historia.
Con la Jimi Hendrix Experience produjo tres discos descomunales en una carrera tan breve como imprescindible para la música moderna, los cuales ya fueron reseñados en el blog oportunamente.
En "solitario" dejó discos igual de interesantes y adictivos que los que grabó con su eterna banda, de una consistencia que haría avergonzar a más de uno con ínfulas y pretensiones de artista (que no le llega ni a la mugre de los talones a nuestro extraterrestre de turno).
En esta época estaba acompañado por su amigo del ejército Billy Cox, quien demuestra una solvencia y precisión descomunal acompañando en las zapadas al Gran Jimi. En batería seguía Mitch Mitchell (quien estaba con el desde la Experience), más unos músicos que se habían ido acercándose a Jimi desde diferentes épocas, sobre todo por su creciente adicción a las diversas sustancias que consumía. Entre ellos Juma Sultan en percusión, y los Guetto Fighters en coros.

Con estos músicos, la música que Jimi creaba se acercaba mucho más a las raíces blueseras negras, a la vez que sumaba matices de carácter casi tribal.

Muchas de las canciones que se escuchan en este hermoso disco póstumo fueron grabados durante varias sesiones entre los años 1969 y 1970 en los estudios de Jimi, los Electric Lady, y los Plant también, mientras la banda se encontraba de gira.

Período híperproductivo de Jimi, que cada vez que disponía de tiempo se metía en el estudio a dejar sus marcas para que nosotros las disfrutemos más adelante.

¿Se habrá dado cuanta, él y sus amigos de lo descomunal del legado? No tengo la respuesta. Y no me importa encontrarla tampoco, porque en la búsqueda uno va encontrando joyas como este pedazo de historia, que para más datos fue reeditado hace poco, remasterizado por el ingeniero de sonido original (Kramer, sos un fucking genio!!!), y acompañado cada disco por su DVD correspondiente, en una edición de lujo, con libreto de 35 páginas y todo.

Por cantidad de veces escuchadas, creo que es uno de los discos preferidos de los últimos 2 años. No puedo dejar de escuchar esta seguidilla de perlas, que se suceden a lo largo de casi 70'.

El disco arranca bien arriba con una declaración de principios: "Freedom", con un riff inicial hipnótico, y diciendo "...libertad es lo que quiero ahora...", que si se lee a la luz de la biografía de Jimi ("Room full of mirrors"), tiene mucho más sentido la canción.

La presición de Cox en el bajo hace maravillas en "Izabella", demostrando que la sección rítmica que conformaban con Mitchell, más la percusión fue una de las mejores que acompañaron en su viaje por este planeta al Maestro.

"Angel" es una de las baladas más hermosas del disco, dedicada a su madre, con una letra hasta tierna, e inspirada en las viejas baladas de fines de los '50 y principios de los '60. Como dato de color, esta canción empezó a ser ideada, compuesta en Octubre de 1967, cuando se grabó el primer demo. Pero no lo convenció a Jimi y fue dejado de lado.

En "Room Full of Mirrors" -la canción, no el libro-, tiene en batería a Buddy Miles, con un ritmo frenético y casi voodoo, con guitarras zigzagueando entre el bajo y la batería. Impresionante es poco.

Otra de las canciones hipnóticas es "Dolly Dagger", escrita por la novia de ese momento de Jimi, Devon Wilson (una junkie medio peligrosa, parece)...puro vértigo, la verdad. En "Ezy Ryder", vuelve a aparecer Miles, mientras que Billy Armstron está en percusión, y en los coros otro viejo conocido, Steve Winwood (de Traffic) y Chris Wood.

Otra gran balada es "Drifting", relajada y sutil, entre tanto ímpetu guitarrístico, demostrando -como si hiciese falta- que la cuota de sutileza de la que Jimi era capaz superaba las expectativas de cualquiera.
El pasado aparece de la mano de "My Friend" grabado en 1968 en New York, con una formación totalmente distinta, presentando un Blues de esos que solo Hendrix podía dibujar. Este ultimo en guitarra, bajo y voces; Ken Pine en guitarras de 12 cuerdas; en harmónica Paul Caruso; en piano Stephen Stills y en batería Jummy Mayes, todos amigos de la época de Greenwich Village, para este tema que ya apareció en el "Cry of Love".

Parece que de a poco, el gran Mago iba encontrando nuevos sonidos y texturas que agregar a su arte, pero...mañana se cumplen 40 años desde que se volviera a su planeta y nos dejó con muchas preguntas que hacerle.

Este disco es una respuesta a alguna de ellas.

Elend "Sunwar the Dead" (2004)

2010-12-26T12:57:00.000-03:00

Que mejor para festejar la alegre navidad que sometiéndose a un trance hipnótico en manos de los únicos e irrepetibles franceses.

Recordemos que en el año 1998, con "The Umbersun" habían finalizado la primera trilogía. Pasaron 5 años hasta que emergió de las profundidades el primer movimiento de la segunda trilogía, "Winds Devouring Men" (2003), en donde descolocaron a más de uno, con sonidos extremadamente abrasivos de evidente corte industrial, rozando el Noise.

Ese disco se tornaría, por lo menos para mi, el más difícil de escuchar.

Pero llegó este, y la desesperanza resurgió como el Ave Fénix. Y de la mano de las antiguas influencias, abandonadas (es una forma de decir) en el disco anterior.

Hay elementos industriales, por supuesto, pero son sólo una anécdota frente a los renovados aires neoclásicos, que te atraviesan violentamente, cortándote la respiración.

Otro gran detalle: si antes usaban toda clase de sintetizadores para generar esos climas apocalípticos, ahora nos regalan por primera vez en su historia un ensamble clásico completo que generan más desasosiego que toda la industria moderna y sus molestos ruiditos cayendo sobre tus oídos.

Una verdadera obra de arte oscura y violenta, acorde al Siglo XXI. Como lo dicen explícitamente en "Ardour", "el final de toda fe".

Eso es lo que representa Elend, este disco es uno de los escalones para lograr ese estado ideal.

Tristania "Beyond the Veil" (1999)

2010-12-25T13:15:00.000-03:00

Todo lo expuesto en ese primer disco (indispensable), se potenció con este nuevo lanzamiento.

Lo gótico aún más gótico, y lo clásico mostrado de una forma tan bella e impactante como pocas bandas del estilo pudieron hacerlo, incluso hasta el día de hoy.

Es increíble como se valoriza la buena música. Cuando recién salió era un gran disco, a la altura de las circunstancias y, por que no, de las necesidades del mercado.

Las voces limpias son aún más dramáticas que antaño, y los coros nos arrastran a la Europa clásica y nos depositan con delicadeza en algún teatro importante para presenciar lo nuevo que está llegando.

Pero nos damos cuenta que no estamos en épocas antiguas, que esto es música contemporánea, y de la mejor.

Los matices, y como estos resaltan al bajar la velocidad es tan agradable al oído que no parece que estuviésemos disfrutando de música extrema, sino más bien de alguna banda de los '80, de esas con temas bien gancheros.

Otro gran disco de los noruegos, tan bueno como el anterior, que los terminó de ubicar en el mapa metálico mundial, dejando de ser la revelación anunciada para convertirse en algo tangible y disfrutable, tanto como su música.

Epica "Consign to Oblivion" (2005)

2010-12-21T06:34:00.000-03:00

Un poquito de Metal Gótico y sinfónico para levantar el ánimo, y de la mano de estos holandeses formados a principios de la década.

Justamente fue el vocalista Mark Jansen, luego de su partida de After Forever. Y siendo muy cercanos con Simone Simons, la llamó para que se haga cargo de las voces líricas, y el resultado, por lo menos por estos años, fueron muy buenos.

Aquí estamos frente al segundo esfuerzo de la banda, sonando más sinfónico todavía y recostándose en las bellas melodías que salen de esa belleza llamada Simone. Es impresionante las diferencias de rango que alcanza esta holandesa, pasando del susurro cómplice a la fuerza y la intensidad que solo ella le puede imprimir a las canciones.

Si me pongo en quisquilloso, si no hubiese sido por Therion, todas estas bandas no hubiesen sido lo que hoy son. Y si nos vamos más atrás todavía, aparecen los suizos por excelencia, Celtic Frost...pero no le restemos importancia a los suecos, que mucho hicieron por esta forma de metal ultra sinfónico (al revés del bodrió finlandés Nightwish-excepto su hermosa cantante).

Como para darle más énfasis a la veta clásica, una orquesta de cámara de cuerdas (violín, viola y chelo) le dan más dramatismo todavía a las hermosas canciones incluídas en este disco.

Summoning "Lost Tales" e.p. (2003)

2010-12-18T03:22:00.000-03:00

Un breve aperitivo de otro subestilo tan amplio y multifacético como el Black Metal.

Estos austríacos son una de esas bandas que se mantiene influenciadas desde sus comienzos por la saga inigualable e irrepetible de Tolkien, "El Señor de los Anillos".

Con su primer lanzamiento (recuerden el genial "Lugburz") estaban claramente situados dentro del Black Metal, con tintes bien rústicos, si quieren.

Pero a medida que los años pasaban, surgían nuevas influencias que se metían en los sonidos y en los productos finales. Así fueron pasando grandes discos, y la banda (yo le llamaría proyecto, en realidad) fue consolidando su propuesta y logrando una identidad definida, sobre todo con "Dol Guldur" (1996), considerado como lo mejor de la discografía por los fans (y citado en la web oficial de la banda).

En este caso, las dos composiciones de este mini-cd datan de aquella época. La primera es una "sobra" de "Dol Guldur", con un clima melancólico y cinematográfico que se repetiría en otros temas, pero solo después de manera más importante y significativa.

"Saruman" es en realidad una canción que iba a ir a parar a un proyecto dark wave de Silenius que se llamaría "Mirkwood", pero nunca salió a la luz...hasta este regalito.

Este disco es el paso previo, la antesala a "Oath Bound" (2006), que hasta ahora es el último lanzamiento de los austríacos.

Kampfar "Mellom Skogkledde Aaser" (1997)

2010-12-17T21:22:00.000-03:00

El calor sigue, por lo que creo que haber invocado a los dioses del pantano fue una idea desacertada.

Pienso a quien podría recurrir para que mitigue la insoportable sopa crema en la que se transforma esta ciudad para esta época y, por lo menos, hasta el mes de Mayo próximo.

Habrá que apuntar a Noruega de nuevo.

Gelidez y frío eternos asegurados, en donde nos encontramos con un viejo conocido del blog. Uno de los post más viejos fue de una gran banda, y de un gran disco: Kampfar.

En este caso traigo como ritual de invocación al primer disco larga duración de estos dioses paganos que se dedican a la mitología vikinga.

Si bien el olor y el clima de sangre y muerte se siente desde la intro escalofriante, no por eso los climas helados pierden protagonismo.

Y si nos centramos exclusivamente en la música, y la época en que salió este disco, el sonido es grandioso, violento y épico al mismo tiempo, con una cuota altísima de melodías y voces que hacen juego, porque no solo podemos entretenernos con las típicas voces desgarradas del Black Metal, sino que aparecen de repente cantos entonados (tan típicos dentro del estilo) que le agregan matices y climas a este breve pero intenso disco de Black Pagano.

Las huestes noruegas no defraudan nunca cuando se trata de generar música agresiva e inolvidable...como la que podés escuchar acá.

Goatwhore "A Haunting Curse" (2006)

2010-12-15T19:28:00.000-03:00

Mierda, volvió el calor a esta fucking aldea, y que mejor para sufrir todavía más que ponerle banda de sonido.

Y que mejor que esta banda proveniente de la cuna del Jazz (o de uno de los lugares más representativos) y del periqué.

Los culpables de la mezcla Death/Black con altas cuotas de mugre del pantano son músicos que se dedican a esto del extremismo musical en otras agrupaciones, como Soilent Green, Crowbar o Nachtmystium, o sea, Grind, Black y Sludge (¿por dosis iguales?).

Si señores, la podredumbre se cierne sobre nosotros, amenazando con hacernos sufrir el extremo calor del averno en vivo y en directo, y sobre la mismísima Tierra, enlodados y tapados de espesos y viscosos líquidos que parecieran emanar de las innombrables profundidades.

Maldito sea el Sol, y todo lo que de él se desprende.

Si te gusta maldecir, y asumir las consecuencias, arrancá este viaje de la mano de la Cabra Puta más conocida de Norteamérica, y su eterna e inquietante maldición.

Vinterland "Welcome my Last Chapter" (1996)

2010-12-12T23:35:00.001-03:00

¿Se acuerdan cuando en el Black había misticismo? ¿Cuando suponíamos que detrás de ese sonido extremo había algo importante que contar?...¿se acuerdan cuando éramos adolescentes e ingenuos?

De esa época proviene esta banda, dejando un aura violenta y melódica al mismo tiempo, como aquella que nos regaló durante tantos años sus compatriotas de Dissection.

También comparten la presencia de uno de esos tipos privilegiados de la escena, que estuvieron donde tenían que estar en el momento preciso, poniendo sus dedos y manos (y oídos) al servicio de gente que dejó una marca en el mundo del metal: Dan Swano (líder y fundador de los geniales y ya extintos Edge of Sanity).

Son 9 canciones que transmiten ante todo desesperación y frío (como las mejores placas de metal Negro), pero con unas melodías que envidiarían los cultores del Pagan y el Viking más fanáticos.

Otra particularidad de esta banda que ya lleva inactiva más de 10 años: lo de ellos no es el satanismo, sino que se concentran en la oscuridad y el orgullo de su naturaleza, disfrutándola de noche por supuesto.

Con dos demos anteriores, este es el primer y último disco de la banda.

Bienvenidos al primer (y último) capítulo.

Francesco Banchini "Amore & Tradimento" (2004)

2010-12-12T19:21:00.000-03:00

Difícil de catalogar esto.

Para los que no lo conocen, este señor es el líder de un proyecto increíble llamado Gor, en donde se dedica a su pasión, la música medieval.

Si bien esto no se puede incluir estrictamente en ese género, está muy relacionado con aspectos antiguos de la música, sobre todo con culturas como la griega y la gitana, de donde Francesco se nutre permanentemente.

Multiinstrumentista inquieto, no solo se dedica a escribir para él, sino que también ayuda a otros músicos que transitan por lugares similares al suyo. Colaboró con los italianos Ataraxia en vivo, y escribió para el conjunto de música medieval yankee The Soil Bleeds Black.

En este disco se encarga de instrumentos de viento varios, así como de la percusión, logrando unos climas hipnóticos, y activando chacras que uno creía que no existían.

Poco tiempo después, estas mismas canciones fueron editadas oficialmente bajo el título "Ciganko (A Mediterranean Adventure)". Por lo que este es un primer esfuerzo (por fuera de Gor), que se vendía como CD-R, sin sello intermediario alguno.

Una rareza que se puede disfrutar en cualquier momento.

Subterranean Masquerade "Suspended Animation Dreams" (2005)

2010-12-12T13:28:00.000-03:00

Y este es el primer y último -por lo menos por ahora- disco de los norteamericanos que presenté en este post reciente.

Aquí se deja escuchar todavía con más fuerza las influencias progresivas, pero con más Pop y algunas pinceladas Dark, logrando canciones más cortas y con más gancho que las del e.p. anterior.

Una de las razones de esto podría ser modificación en la alineación de la banda, que ahora funciona como trío: Paul Kuhr (en voces); Tomer Pink (en guitarras) y Jake DePolitte (en guitarra y bajo).

Hay también músicos invitados que le suman otro color a la placa, parte de la "Trilogía X", entre los que encontramos a Steve Lyman (en batería), Ben Warren (teclados), Brownwean Beecher (violín), la cantante Susan Naud y Willis Clow (guitarra).

Salvando las distancias, me hizo acordar a ese proyecto progresivo que tenía Dan Swano (de Edge of Sanity) llamado Moontower, aunque con más variantes y matices. Del lado de las melodías Pop, me llevó hacia Iona, una especia de Dark Pop atrapante con una voz femenina preciosa.

Un disco más fácil de escuchar que su e.p. debut, y la promesa de que en cualquier momento tiene que llegar el cierre de la trilogía.

Winds "The Imaginary Direction of Time" (2004)

2010-12-11T22:18:00.000-03:00

Pura magia lo que hacen estos noruegos (para variar). Ya los había presentado con el que hasta ahora es su último disco, "Prominence and Demise" (2007).

Había dicho en esa reseña, que el del 2007 era el peor disco de la banda, habida cuenta de sus lanzamientos anteriores.

Este es el segundo, y es inmensamente superior al citado más arriba, por muchos motivos...aunque el único que cuenta es el gusto personal: me gusta más, tan simple como eso.

Acá, encima, está todo decorado con un ensamble de cuerdas sesionista compuesta por viola, violines y cellos, que realza aún más la veta clásica que le imprime el líder y principal compositor de la banda, Andy Winter (encargado de los teclados).

Lars Eric Si suena, si tal cosa es posible, más épico y dramático con sus voces, logrando composiciones delicadas y vertiginosas por igual. De nuevo, Hellhammer es un ser humano mezclado con alguna especie de terminator baterista, si no, no le encuentro explicación a lo que puede hacer con sus pies y manos.

Noruega es un país en donde la música ocupa un lugar importante entre los productos exportables, y Winds en un claro ejemplo de ello.

Si quieren saber cual es la dirección imaginaria del Tiempo, no tienen más que escuchar estas tristes melodías, y serán transportados al punto donde se curva Cronos, y perdemos noción de donde estamos.

Subterranean Masquerade "Temporary Psychotic State"e.p. (2004)

2010-12-09T00:32:00.000-03:00

Gran banda americana, que nació como un proyecto de integrantes de otras mentes brillantes del país del Norte.

¿Quiénes son? Paul Kuhr (de los November's Doom, entre otros); Tomer Pink (guitarra); Jake DePolitte (guitarra); Jason William Walton (bajo, quien también formara parte de Sculptured y Agalloch) y Tino LoSicco (batería). Ellos le dan forma a dos temas en menos de 20', que toman influencias no solo de Pink Floyd, sino de las vertientes mas extremas de la música, en las que Paul navega desde hace un tiempo. También se dan el lujo de dejarse influenciar por popes más modernos de la música progresiva, como Porcupine Tree y Riverside, por ejemplo. Más algunas cuerdas neoclásicas que se dejan oir, puede que si ya tenés oídos entrenados, escuches algo de Winds también. Tremendo cóctel, no?

También se puede escuchar algunas melodías más relacionadas con el Pop, que le dan un gancho muy interesante a las dos canciones.

Un debut atrapante, que dió paso a su primer y, hasta ahora, último disco.

Ornette Coleman "Free jazz" (1960)

2010-12-07T14:48:00.001-03:00

Che, y seguimos con los pioneros, pero esto de cool no tiene nada.

Ornette Coleman. ¿Les suena?

Si alguna vez leyeron algún reportaje al gran Lou Reed (Velvet Underground), sabrían, por ejemplo, que el tipo es capaz de largarse a llorar de solo escucharlo.

Por ahí tienen la escusa de no haber leído alguna vez una entrevista a ese músico. Está bien, les puedo conceder eso.

Pero en la era de la ultratecnología, en donde se consiguen discos meses antes que su lanzamiento oficial, no puedo concebir que no hayan escuchado por lo menos uno de los más significativos o representativos de la vertiente más improvisada y experimental del género.

Un doble cuarteto improvisando una única pieza de 37' puede sonar poco más que caótico...y revolucionario. No nos olvidemos de los experimentos de King Crimson en el mismo sentido.

Acá no hay melodías complacientes y fáciles de digerir, sino ejecuciones frenéticas buscando el límite no solo de los ejecutantes y sus instrumentos, sino del oyente mismo, o sea, nosotros.

Aparte de Coleman en saxofón, pueden escuchar a Eric Dolphy (en clarinete, flauta y saxo); Ed Blackwell y Bily Higgins (en batería); a Don Cherry y Freddy Hubbard (en trompeta) y a Charlie Haden y Scott LaFaro en contrabajo.

Para una apreciación mayúscula de este experimento tremendo, escúchenlo con loa auriculares puestos y a un gran volumen.

Un disco único.