Pink Floyd "The Final Cut" (1983)

Hacía mucho que no escuchaba este disco....que por mucho tiempo estuvo a la sombra de otras grandes creaciones de esta banda que obviamente sería redundante citar, ya que todos las conocemos.

Ahora, por mas que sea un bello disco, no por ello deja de ser un disco realmente oscuro, aunque creo que es justamente de aquí, de lo oscura que es la temática abordada, de donde emerge la belleza, emotividad y tristeza que nos dejó este "Réquiem para el sueño de pos-guerra"(tal el subtítulo del disco). De eso se trata éste , que hace referencia explícita a la guerra de las Malvinas, ocurrida durante 1982. Aquí escuchamos-y leemos- nombres representantes del patetismo inglés y argentino (y de la estupidez humana en general) como Galtieri y Maggie. Creo que es un heredero directo de la problemática planteada en el disco anterior de los Floyd, "The Wall", donde Waters se despacha con una historia ya conocida por todos, pero que no por eso deja de impactar cada vez que la escuchamos.

"The Final Cut" está íntegramente compuesta por Waters, por sus demonios y fantasmas, que lo perseguirán hasta el final de sus días, y "ejecutada" por Pink Floyd.

Musicalmente, es un disco hermético, difícil de digerir si lo comparamos con otros discos de la banda, al que es obligatorio escucharlo no solo a un gran volumen, sino siguiendo las letras de las canciones. Y aquí se produce la paradoja, en este punto la música se ve relegada a un plano secundario, cobrando importancia los climas generados por las letras.

Y si...si nos ponemos a leer las letras de las composiciones nos llegan y conmueven, nos marcan y no volvemos a ser los mismos (como ocurre con cualquier obra de arte que se precie de tal). Es imposible no estremecerse, emocionarse, frente a cada una de las canciones de este disco, mientras sentimos el bombardeo que sufren los soldados, las explosiones de las bombas al caer, los gritos de aquellos... y ciertas reflexiones políticas muy interesantes: chequeen , por ejemplo, la breve letra del tema "Get your filthy hands off my desert", y pregúntense si la Thatcher no debe haber dicho eso cuando se enteró de la invasión de Malvinas por parte de una dictadura sudamericana que se caía a pedazos. Aunque si de emotividad hablamos, hay que citar obligadamente las canciones "Southampton Dock" y "The Final Cut", casi una suite, donde es imposible leer independientemente dichas canciones, siendo el punto de quiebre la segunda, en donde un soldado se muestra increíblemente sensible e irónico (¿y desolado?):..."hay un niño que tuvo una gran alucinación, haciéndole el amor a las chicas en las revistas, él se sorprende si te duermes con tu nueva fe encontrada, ¿podría alguien amarlo?, o esto es un sueño loco?. Y si te muestro mi lado oscuro, me abrazarás esta noche?. Y si te abro mi corazón, y te muestro mi lado débil, que harías?. Venderías tu historia a la Rolling Stone, te llevarías a los chicos y me dejarías solo?........Sostengo la hoja en temblorosas manos, preparado para hacerlo, pero justo entonces suena el teléfono, nunca tuve el valor para hacer el corte final...".....Aún hoy mientras escucho ese tema se me ponen los pelos de punta con este tema....por Dios!!!!!, ni siquiera puede suicidarse....

Un viaje maravilloso a las miserias y consecuencias de la guerra, que te deja un gusto amargo, pero que es imposible dejar atrás, y te impulsa a escucharlo otra vez, inclusive sabiendo que te vas a amargar profundamente, ya que en este caso, y sobre todo por los mambos del propio Roger Waters, en una guerra (en cualquiera), no se avizora ninguna luz al final del túnel.

Entonces, el sueño aquel de posguerra, hoy (y sobre todo hoy), necesita un Réquiem para que, al son de éste, cerremos de una vez la tapa de ese ataúd hippie, donde descanse para siempre el eterno, imperecedero "paz y amor". Los hombres lo han hecho posible, civilización y barbarie es lo mismo (¿es lo mismo?)

Slayer "Reign in blood" (1986)

Después de mucho tiempo volví a escuchar este clásico increíble del Thrash Metal...en mi opinión el mejor disco del estilo y el que influenció a más bandas a lo largo de los años.

Es impresionante lo que lograron estas cuatro bestias en esta obra monumental de agresión, odio y violencia. Lo que logran transmitir con la música, en extremo agresiva, (aunque con un dejo de melodía que la hace imposible de no disfrutar), es similar a lo que cuentan en sus letras, que ya son también clásicas, y que en su momento hicieron que se los acusara de nazis, sobre todo por la canción "Angel of Death": Un monumento a lo que efectivamente ocurría en Auschwitz, ese espantoso y terrible campo de concentración que era comandado por el médico nazi que experimentaba con los prisioneros y que justamente era llamado "El Ángel de la Muerte": "Auschwitz, el significado del dolor, el por qué quiero que mueras, muerte lenta....destruyendo sin piedad, para beneficio de la raza aria....Ángel de la Muerte, Monarca del Reino de los Muertos, carnicero infame, Ángel de la Muerte!!!!...." Tan solo una porción, un extracto, un recorte de uno de los temas más terroríficos que ha dado el metal en toda su historia.

De todas formas, en este disco es sangre lo que sobra, desde la maravillosa portada, donde aparecen unos cuantos pontífices(entre otros personajes) hundidos en la pez sanguinolenta del Infierno....sí.....sangre..... y música, ya que Slayer nunca dejó de hacer escuela acerca de cuan rápido podía tocar una banda sin llegar a ser una parodia del género.

Los responsables de este engendro son cuatro: Kerry King y Jeff Hanneman en guitarras (que tándem por favor!!!!), Tom Araya en bajo y Dave Lombardo en batería. Eternos como el Infierno, como su Emperador, y como el género que ayudaron a crear, brindándole su joya más preciada. Larga Vida al Asesino!!!!!!!

Aquí

In the Woods... "Strange in Stereo" (1999)

stereo

¿Cómo comenzar la reseña de un disco que escapa a todo tipo de clasificación?

Simplemente indicando que esta pieza es solo para los iniciados. Es un disco hermético, cerrado, oscuro, angustiante...en fin.....no creo que sea disfrutable o accesible para aquellos que recién se acercan a la banda.

In the Woods... comenzó siendo una banda de black metal, con influencias de la mitología nórdica en sus letras y progresivas en su música, lo que hizo que desde el comienzo de su carrera se le adjuntara el calificativo de experimental, o avant-garde. Ya en su primer disco sorprendió con una canción que no tenía nada que envidiarle a "A great gig in the sky" de los maestros Pink Floyd, que dentro de aquel disco brindaba una cuota de misticismo increíble.

A continuación, le siguió una obra tan melancólica y triste como atrapante, con canciones extensas, que no dejaban de lado la furia primigenia que destilaban en "HeArt of the Ages", pero tamizadas con ciertas pinceladas de psicodelia e influencias progresivas que le daban un toque extraño a la música de esta banda, que ya empezaba a ser reconocida por mucha más gente. Suponíamos, los que seguíamos su carrera, que con el correr de los discos se irían masificando, y así diluyendo su personalidad.....pero estábamos muy equivocados.

Fecha: 20/04/99. Por estos pagos lo conseguimos un poco después, y no lo podíamos creer. Lo melancólico del disco anterior ("Omnio") ahora es extremadamente más melancólico. ¿Angustiante? Prueben con "Path Of The Righteous" y después me cuentan. Experimentos casi a capella como "Cell", o extravagancias como "Generally More Worried Than Married", donde uno comprende que está obligado a escuchar esta maravilla siguiendo las letras (poemas) que nos susurra, nos recita, nos canta, nos ruge el vocalista Jan Kenneth "Transit" Transeth acompañado por Synne Diana Soprana en las voces femeninas, que no por ello son menos exasperantes, lacerantes y angustiantes....El apartado lírico de cada canción corre por cuenta del oyente, y es toda una experiencia comprender la filosofía que se desprende de In the Woods..., casi tan misteriosa y atrapante como su propio nombre.

Pero no todo es tristeza, melancolía y angustia en esta obra de arte. Ya que la ira y la furia que nos escupía la banda en sus primeros demos y su primer disco, aquí reaparece atravesando un tamiz que bien podría ser el de un King Crimson, lo que implica que la violencia sea más sutil muchísimo más efectiva que años anteriores. Mencioné King Crimson, y es ésta la banda que podríamos tomar de referencia solo para acercarnos esta propuesta de una de las maravillas noruegas, que abandonó rápidamente las restricciones que le imponía un estilo, simplemente para dedicarse a hacer música.

Lamentablemente, ésta sería su última producción de estudio, ya que con posterioridad editaron un single, un compilado (con versiones de bandas de los '60 y '70) y el disco doble en vivo que señalaría su disolución. Una verdadera lástima, que se vió mitigada por el nacimiento de otra maravilla: Green Carnation.

Emperor "In the nightside eclipse"(1994)

Y al séptimo día se hizo la oscuridad........."teníamos solo 17 años cuando comenzamos a grabar "In the nightside..."..."muchos de nosotros estaban en la escuela y otros por cumplir con el servicio militar obligatorio"....Ishan y su gente jamás pensaron lo que este álbum generaría años después en el castigado metal negro.

Jugándose por sus ideales, plasmaron una pieza fundamental que influenciaría a miles de bandas de black metal, logrando un sonido único, atronador y tan sinfónicamente primitivo y substancial para el género en su época dorada.

Inexpertos pero vehementes, estos púberes pasaron de adolescentes renegados a ser Emperadores del black metal, y fue justo ahí, en ese preciso instante donde eternas tardes de merienda de chocolatada noruega se transformarían en innumerables botellas de vodka, desatándose el horror.

El Inner Circle teñía de rojo la nieve noruega, mientras Emperor forjaba la mayoría de las espadas del black metal sinfonico de hoy. Faust y Tchort fueron a parar a la cárcel por delitos de conocimiento público, en cambio Ishan y Samoth continuaron con la maquinaria hasta el 2003.

"In the nightside eclipse" es "El album de metal sinfonico" que luego desarrollarían Dimmu borgir, Limbonic Art, Anorexia Nervosa etc, etc...,y solo basta con deleitar los oidos con "Into the infinity of thoughts" y tu cabeza rodará por las escaleras de tu castillo imaginario para que el festival de penumbra siga con "Cosmic keys to my creation and times" tan épica y majestuosa, para pasar por "Towards the pantheon" que provocará que tus ojos vean los espectros mas aterrorizantes que hayas visto antes en la oscuridad; "I am the black wizards" es una piedra preciosa, una canción que se hizo hit por su arrolladora melodía, y ni hablar de "Inno a satana" donde seguramente el mismísmo "mandinga" te dará un abrazo y te ofrecerá una cerveza para tomarla juntos y cantar este himno obligado del black metal.

El género explotó sin dudas en la segunda mitad de los '90, y mientras U.S.A. apostaba al shock-rock de Manson y el sonido ultra-grave de Korn, en Europa la cosa se ponía mas oscura con el gótico y al black con Cradle of Filth, Dimmu Borgir y Los Emperadores a la cabeza, sumando una legión de inconmensurables clones.

Si hay algo que realmente se debería reprochar a Emperor, es haberse separado justo en el momento cuando el género más los necesitaba, pero por suerte hubo una especie de reconciliación en el Wacken Open Air de 2007. De ser así, y de concretarse una reunión definivita, se ruega a banditas de clase B que despejen el área, por que en el reino de éste Emperador no hay lugar para los débiles y ellos mismos serán los encargados de rescatar al mismísimo black metal que hoy goza de mala salud y fotocopias baratas.

Aquí

Jorge Luis Borges "La secta de los treinta"-en El Libro de Arena

El MANUSCRITO ORIGINAL puede consultarse en la Biblioteca de la Universidad de Leiden; está en latín, pero algún helenismo justifica la conjetura de que fue vertido del griego. Según Leisegang, data del siglo IV de la era cristiana. Gibbon lo menciona, al pasar, en una de las notas del capítulo decimoquinto de su Decline and Fall. Reza el autor anónimo:

..."La Secta nunca fue numerosa y ahora son parcos sus prosélitos. Diezmados por el hierro y por el fuego duermen a la vera de los caminos o en las ruinas que ha perdonado la guerra, ya que les está vedado construir viviendas. Suelen andar desnudos. Los hechos registrados por mi pluma son del conocimiento de todos; mi propósito actual es dejar escrito lo que me ha sido dado descubrir sobre su doctrina y sus hábitos. He discutido largamente con sus maestros y no he logrado convertirlos a la Fe del Señor.
Lo primero que atrajo mi atención fue la diversidad de sus pareceres en lo que concierne a los muertos. Los más indoctos entienden que los espíritus de quienes han dejado esta vida se encargan de enterrarlos; otros, que no se atienen a la letra, declaran que la amonestación de Jesús: "Dejad que los muertos entierren a sus muertos", condena la pomposa vanidad de nuestros ritos funerarios.
El consejo de vender lo que se posee y de darlo a los pobres es acatado rigurosamente por todos; los primeros beneficiados lo dan a otros y éstos a otros. Ésta es explicación suficiente de su indigencia y desnudez, que los avecina asimismo al estado paradisíaco. Repiten con fervor las palabras: "Considerad los cuervos, que ni siembran ni siegan; que ni tienen cillero, ni alfolí; y Dios los alimenta. ¿Cuánto de más estima sois vosotros que las aves?". El texto proscribe el ahorro: "Si así viste Dios a la hierba, que hoy está en el campo, y mañana es echada en el horno, ¿cuánto más vosotros, hombres de poca fe?. Vosotros, pues, no procuréis qué hayáis de comer, o qué hayáis de beber; ni estéis en ansiosa perplejidad".
El dictamen "Quien mira una mujer para codiciarla, ya adulteró con ella en su corazón" es un consejo inequívoco de pureza. Sin embargo, son muchos los sectarios que enseñan que si no hay bajo los cielos un hombre que no haya mirado a una mujer para codiciarla, todos hemos adulterado. Ya que el deseo no es menos culpable que el acto, los justos pueden entregarse sin riesgo al ejercicio de la más desaforada lujuria.
La Secta elude las iglesias; sus doctores predican al aire libre, desde un cerro o un muro o a veces desde un bote en la orilla.
El nombre de la Secta ha suscitado tenaces conjeturas. Alguna quiere que nos dé la cifra a que están reducidos los fieles, lo cual es irrisorio pero profético, porque la Secta, dada su perversa doctrina, está predestinada a la muerte. Otra lo deriva de la altura del arca, que era de treinta codos; otra que falsea la astronomía, del número de noches, que son la suma de cada mes lunar; otra, del bautismo del Salvador; otra, de los años de Adán, cuando surgió del polvo rojo. Todas son igualmente falsas. No menos mentiroso es el catálogo de treinta divinidades o tronos, de los cuales uno es Abraxas, representado con cabeza de gallo, brazos y torso de hombre y remate de enroscada serpiente.
Sé la Verdad pero no puedo razonar la Verdad. El inapreciable don de comunicarla no me ha sido otorgado. Que otros, más felices que yo, salven a los sectarios por la palabra. Por la palabra o por el fuego. Más vale ser ejecutado que darse muerte. Me limitaré pues a la exposición de la abominable herejía.
El Verbo se hizo carne para ser hombre entre los hombres, que lo darían a la cruz y serían redimidos por Él. Nació del vientre de una mujer del pueblo elegido no sólo para predicar el Amor sino para sufrir el martirio.
Era preciso que las cosas fueran inolvidables. No bastaba la muerte de un ser humano por el hierro o por la cicuta para herir la imaginación de los hombres hasta el fin de los días. El Señor dispuso los hechos de manera patética. Tal es la explicación de la última cena, de las palabras de Jesús que presagian la entrega, de la repetida señal a uno de los discípulos, de la bendición del pan y del vino, de los juramentos de Pedro, de la solitaria vigilia en Getsemaní, del sueño de los doce, de la plegaria humana del Hijo, del sudor como sangre, de las espadas, del beso que traiciona, de Pilato que se lava las manos, de la flagelación, del escarnio, de las espinas, de la púrpura y del cetro de caña, del vinagre con hiel, de la Cruz en lo alto de una colina, de lapromesa al buen ladrón, de la tierra que tiembla y de las tinieblas.
La divina misericordia, a la que debo tantas mercedes, me ha permitido descubrir la auténtica y secreta razón del nombre de la Secta. En Kerioth, donde verosímilmente nació, perdura un conventículo que se apoda de los Treinta Dineros. Ese nombre fue el primitivo y nos da la clave. En la tragedia de la Cruz-lo escribo con debida reverencia- hubo actores voluntarios e involuntarios, todos imprescindibles, todos fatales. Involuntarios fueron los sacerdotes que entregaron los dineros de plata, involuntaria fue la plebe que eligió a Barrabá, involuntario fue el procurador de Judea, involuntarios fueron los romanos que erigieron la Cruz de Su martirio y clavaron los clavos y echaron suertes. Voluntarios sólo hubo dos: el Redentor y Judas. Éste arrojo las treinta piezas que eran el precio de la salvación de las almas e inmediatamente se ahorcó. A la sazón contaba treinta y tres años, como el Hijo del Hombre. La Secta los venera por igual y absuelve a los otros.
No hay un solo culpable: no hay uno que no sea un ejecutor, a sabiendas o no, del plan que trazó la Sabiduría. Todos comparten ahora la Gloria.
Mi mano se resistea escribir otra abominación. Los iniciados, al cumplir la edad señalada, se hacen escarnecer y crucificar en lo alto de un monte, para seguir el ejemplo de sus maestros. Esta violación criminal del quinto mandamiento debe ser reprimida con el rigor que las leyes humanas y divinas han exigido siempre. Que las maldiciones del firmamento, que el odio de los ángeles"...

El fin del manuscrito no se ha encontrado.

Balckfield "Blackfield 2" (2007)

leyenda

Cuanta necesidad existe en el ser humano de transparentar sentimientos o emociones, y que por situaciones o estadios que atravesamos en la vida no nos lo permitimos?. Cuanto amor y desamor embriaga el alma o cuanto amor no correspondido envenena el lado mas oscuro de nuestro ser?. Bueno, de esto se trata (en gran parte) esta obra de arte llamada Blackfield 2.

Debo reconocer que cuando vi el arte de tapa me imaginé un material mas denso y por que no mas pesado respecto de su anterior entrega("Blackfield 1"); pero cuánto me equivoqué,aunque debo reconocer que cualquier cambio hubiese sido recibido con enorme expectativa.

No hay cambios radicales en la música, pero si hay una intencion de sonar quizás mas directos y no tan melancólicos como antes; de hecho"Once" abre el disco de una manera alternativa que luego decantaría en un bellísimo pop-rock sinfónico y aquí comienza la odisea.

Steve wilson es un angel que te canta al oído; Aviv Geffen es la voz de tu conciencia y juntos te llevan de viaje a lo infinito, donde el amor se transforma en dolor y viceversa. Que esto no es amor o desamor?, simplemente lean las letras de "Once"(un himno al amor en si mismo),"1.000 people"(un viaje a tu interior), "Miss you"(un abrazo partido en lágrimas), "Epidemic"(un sufrimiento placentero) o "The end of the world"(un final épico de desesperanza).

Blackfield 2 posee todo, pop, rock, atmósferas, melancolía(que no desapareció), frescura, pero por sobre todo rock sinfónico de primerísimo nivel decorando cada arista de cada track.

No busques complexiones ni ritmos matemáticos en Blackfield, porque ellos son tu banda sonora del mea culpa que te eriza la piel y te congela cada vaso sanguíneo de tu corazón dejándolo totalmente cuestionado y tratando de buscar respuestas en vos mismo, o quien sabe, en alguien que te ame verdaderamente, y que por sobre todo, ese alguien tenga la capacidad de escuchar toda esa incontinencia emocional que esta dentro tuyo atrapada, para que al fin..........la puedas soltar.

El fin del mundo:

No te olvides lo que te dije, por tantos años, estamos sin esperanza y esclavos de nuestros miedos, somos un accidente llamado seres humanos.

No estés furioso por amar a tu amada, y dí que esto es irreal, tantas vidas se transformaron en sal, como rosas quienes esconden sus espinas.

Es el fin del mundo, el fin del mundo, es una prisión para sueños y esperanzas, y todavía creemos que hay Dios. Es el fin del mundo , el fin del mundo, estamos muertos pero simulamos estar vivos, llenos de ignorancia, tontos disfrazados.

En tu cuarto sin hacer nada, pero mirando pantallas titilantes de tv, las calles estan vacías, pero todavía puedes escuchar la alegría de los niños transformándose en lágrimas.

La enfermedad se esconde a la vuelta de cada esquina, silenciosa, se queda inmóbil,para esperar el momento de escuchar, olvidamos que es tocar, que es sentir.

Toma esta pastilla que te pone de la cabeza, y luego te da alas, rápido nene, quedarás dormido, sin pesadillas,sin ningunos temores.

Si te despiertas en el infierno o en el cielo, hasta en el fin tu todavía estás aquí, esperando por debajo de un sueño, aquí en el jardín del pecado.

Anathema "Judgement"(1999)

Anathema

Acaso uno de los discos mas hermosos y tristes, melancólicos y depresivos de la historia de la música pesada. Y no se si le hago suficientes honores a esta absolutamente genial obra de arte.

Resulta que la banda ya venía demostrando sus capacidades para componer música lo suficientemente oscura, profunda y melancólica desde por lo menos "The Silent Enigma" del año 1995. A esta maravilla del Doom ingles de los '90, le siguió un clásico de la banda (que será reseñado pronto), "Eternity" (1996), y a continuación "Alternative 4" (1998), que para la prensa especializada fue casi un paso en falso, aunque el paso de los años le dieron una dimensión al disco que nadie esperaba.

Asi, la banda venía de editar, consecutivamente, 3 discos excelentes, y en diferentes estilos: partiendo desde el Doom opresivo hasta llegar a una especie de Dark/Trip Rock. El listón lo tenían bastante alto y todos los que veníamos siguiendo a la banda estábamos espectantes acerca de lo que la misma haría.

Y vaya si lograron sorprendernos. Se despacharon con una maravilla que está a la altura de consagrados como Pink Floyd, The Cure, Depeche Mode....¿pero no era de la música pesada?....Y...si y no.

Por un lado mantenían la intensidad lograda en discos como "Eternity" o "The Silent Enigma"; y por otro, le daban una vuelta de tuerca a ese toque alternativo de "Alternative 4", logrando los mejores climas en toda la historia de la banda (sin desmerecer a Eternity, por supuesto).

Las canciones son perfectas, con estructuras cercanas a las usadas por las bandas dark/pop de los '80, donde hay 1° estrofa, estribillo, 2° estrofa....y así.

Si estuviese obligado a dar una descripción del sonido logrado por la banda, sería como una mezcla (no una yuxtaposición, suenan muy originales), entre The Cure y el Pink Floyd de los '70, aunque sin esos temas extensos de estos ultimos.

Destacar una única canción sería una falta de criterio absoluta, aunque por la emotividad y la tristeza que transmite, que destila......bah....me voló la cabeza, deberían escucharla mientras leen la letra en "One last Goodbye"....bellísima.....te deja sin palabras.

¿Qué decir de los músicos?. Que con este disco, no importa que hagan de aquí en más, ya pertenecen a la historia de la buena música. Ellos son: Los hermanos Cavanagh (Daniel y Vincent) en guitarras y voces; John Douglas en batería; Martin Powell en teclados (quien fue uno de los miembros fundadores de My Dying Bride) y Dave Pybus, (quien fuera el técnico de guitarras de la banda, actualmente en Cradle of Filth) en bajo. Entre ellos la química funcionó en este disco a la perfección, todo puesto en su lugar, canciones hermosas, tristeza, dramatismo, depresión asegurada....

A veces es hermoso sufrir y entristecerse mientras uno disfruta de buena música....acá tenemos 13 canciones para encontrar en lo mas profundo de nosotros esa tristeza que siempre nos acompañará.......Escuchen, disfruten, lloren, sufran......Inolvidable!!!

Hermoso

Dino Saluzzi "Cite de la Musique" (1997)

musica

Fue el primer disco que escuché de este maravilloso bandoneonista salteño, nacido en Campo Santo, y que vive en Francia desde hace muchos años ya.

Disco increíblemente melancólico como no había escuchado por lo menos desde "Suite Troileana" del Maestro Astor (todos sabemos que es Piazzolla).

Sutiles arreglos, que nos transportan efectivamente a la "Ciudad de la Música", donde (si estas 9 composiciones son las canciones que rigen y ordenan la misma), todos querríamos vivir. Nueve canciones, de las que por puro capricho resaltaría la 2 "Introducción y milonga del ausente", la 4 "Zurdo" y la 9 "Canción para mi pequeño y lejano pueblo" (acaso Campo Santo).....pero sólo caprichosamente, porque todas son hermosas.

La primera vez que escuché el disco, me recordó a los temas de Earl Klug Trio, por lo relajado de las canciones y los variados, diversos y emotivos climas creados con tan pocos instrumentos. Los músicos que acompañan a este genial argentino son: José María Saluzzi en guitarra acústica y Marc Johnson en contrabajo. Les recuerdo que éste último tocó con, entre otros Stan Getz, Bill Evans, Bill Frisel, y un larguísimo etc. Lo que se dice un extenso currículum.

Aparte podría decir que no puede ser encasillado dentro de un género en particular, ya que podemos encontrar desde Tango (aquel de Astor), Folklore (del Norte argentino) y por supuesto una gran influencia del Jazz (recordemos que casi todos los discos de Dino son editados por ECM Records).

No hay mucho más para decir acerca de este disco: solo escúchenlo y disfrútenlo tantas veces como quieran, no se pueden aburrir con un disco tan bello y cálido como éste.

Moonspell "Under Satanae" (2007)

robo?

Este comentario va a ser realmente corto. Admiro a esta banda portuguesa desde el aclamado "Wolfheart" de 1995. A partir de éste disco me interesé por sus comienzos, por como sonaban al principio. Así llegué a sus producciones anteriores, "Under The Moonspell" y "Anno Satanae", segundo E.P. y demo respectivamente.

Bien, lo que tenemos aquí son estas dos piezas de colección más un track promocional del año 1992, regrabados para ésta ocasión; casulamente la regrabación se llevó a cabo en los estudios que están utilizando los músicos para grabar el próximo disco "de verdad" de esta banda.

Convengamos que la música no está para nada mal, ya que las composiciones originales, para la época en que salieron ya eran consideradas futuros clásicos, pero hay algo que huele mal: No solo perdieron esa rusticidad y maldad primgenia, sonando en extremo pulcras para lo que fue la banda, sino que esto suena más a estafa que a otra cosa... Vamos, si ni siquiera se molestaron en realizar un arte de tapa nuevo, solo le agregaron una luna llena de fondo al ya de por sí tenebroso arte que tenía el E.P. "Under the Moonspell". Todo suena demasiado lindo y puesto correctamente en su lugar, a diferencia de la honestidad cruda de antaño.

Si hasta los gemidos que se escuchaban en la grabación original de la canción "Tenebrarum Oratorium (Andamento II/Erotic Compendyum)", que daban la impresión de que la mujer estaba realmente gozando dándole un toque de fresco erotismo inédito para cualquier banda de Black Metal de aquella época, ahora parecieran hechos por una actriz porno de cuarta, interesada más en cobrar el cachet que en transmitir siquiera un atisbo de dicho erotismo. Sólo para los fanáticos más acérrimos, que no están interesados en ver la mosca en la leche.

"Masters of misery-The Earache tribute to Black Sabbath" (1997)

Había sentido hablar de este tributo y me propuse encontrarlo. Bueno al final lo encontré y después de escucharlo me quedó un gustito raro. ¿Por qué? Porque tiene versiones realmente increíbles y otras que son un bodrio imposible de escuchar sin tener ganas de matar a los músicos responsables. Entonces, vamos por parte.

Abre el disco Cathedral con una bella versión de "Wheels of confussion", perteneciente al "Vol. IV", y lo cierra interpretando "Solitude" del disco "Master of Reality", con la presencia (en este tema), como en su primer disco, de una flauta traversa que le da un toque melancólico bellísimo; y no hay mucho más para decir, salvo que esta banda no defrauda nunca.

Como segunda canción tenemos "Snowblind" también del "Vol. IV", interpretado de una forma más sucia por Sleep,(aquella banda de Stoner de principios de la década del '90) aunque siguiendo la estructura original de la canción, y con una voz similar a la de Ozzy.

El tercer tema es uno de los platos fuertes de este tributo: Los dioses Godflesh (con Justin Broadrick como líder) realizando "Zero the Hero", que apareciese en "Born Again", aquel oscuro disco de los homenajeados en el que canta Ian Gillan. La versión es pesadísima, con esa pared de sonido tan característica de la banda (Godflesh), que te aplasta y casi no te deja respirar. Gran, brillante interpretación.

Sigue una correcta versión de la banda americana de Doom Clásico Confessor, del tema "Hole in the sky" que abriera el disco "Sabotage" del año 1975.

He aquí el primer bodrio insoportable: "Killing yourself to live" del "Sabbath Bloody Sabbath" perpetrado por los insoportablemente ruidosos y patéticos Anal Cunt, que destrozan la canción escupiendo unos berrinches inentendibles sobre un fondo sucio...(y eso que me encanta la música caótica y ruidosa). Horrendo, total y obligatoriamente olvidable.

El tema siguiente lo pude identificar gracias a los teclados "puestos" al comienzo y final de la canción por Alex Newport, líder de la banda industrial Fudge Tunnel, (y que participara de aquel maravilloso proyecto llamado Nailbomb)que versiona "Changes" del "Vol. IV"; no está nada mal, pero es un tema propio al que le puso Changes como nombre y le puso los conocidos teclados para que creamos que es una versión (JA!!!!).

La siguiente canción pertenece al disco "Sabbath Bloody Sabbath", y es interpretada por una banda que conocí no hace mucho tiempo, unos locos totales, que suenan a una mezcla entre el Drone, el Sludge....bien pesada: Old Lady Drivers haciendo"Who are you?", no está mal, pero es rara y muy oscura.

Acá tenemos dos bodrios seguidos, quedando realmente sorprendido, ya que la primera de estas bandas me gusta mucho: Brutal Truth destrozando "Lord of this world" y Ulraviolence haciendo una versión electrónica de "Paranoid" realmente espantosa y falta de toda gracia, groove, gancho....horrendo es poco.

A continuación se homenajea al primer disco de La Bruja, "Black Sabbath", siendo Pitch Shifter quien interpreta una Rockera e industrial "N.I.B.", que le agrega mucha más agresión de la que originalmente tenía, y le quita casi todo el sentimiento y oscuridad característico de la banda. La otra banda es Scorn tocando una extensa, oscura, lentísima (casi Drone) versión de "The Wizard" de casi 12 '. Muy interesante la verdad, sobre todo ésta última banda.

Por último, la penúltima banda en participar son los Iron Monkey, haciendo una versión musicalmente correcta de "Cornucopia", aunque la terminan arruinando con esas vocalizaciones a mitad de camino entre el Hardcore y el Sluge.

En definitiva, si sos seguidor de estas bandas, (o de las vertientes mas oscuras y sucias del metal) te va a parecer, simplemente, un disco divertido de escuchar. Si tu caso es que sos fanático de La Bruja, solo es rescatable por las versiones de Cathedral, Godflesh y Scorn, todo lo demás es relleno.

Aquí

Cathedral "Hopkins (The witchfinder general) (1996) E.P.

ep

"El amor es el pecado que llamamos salvación": una de las frases de este bellísimo e.p. el editado por estos doomsters ingleses, con las consabidas influencias que vienen arrastrando desde hace 15 años, cuando se acercaron al stoner alejándose de sus comienzos doom.

Aquí nos presentan 5 canciones muy rockeras, siendo "Fire"(Track 2) un cover de Arthur Brown editado en el año 1968. La canción 5 "Devil's summit"es un extenso rock de casi 10', en donde musicalmente toman prestadas muchas cosas de la música disco de la década del '70, siendo fundamental el sonido del saxofón dentro de esta canción, y dentro de la banda en general, que le da un toque aún más psicodélico todavía.

Las letras de las canciones siguen también por los conocidos carriles por los que transita la banda: una interesante mezcla entre ciencia ficción, política y crítica social, relatando oscuras historias donde en este caso, aparecen brujas que hacen el amor con el Demonio, cazadores de brujas que empalidecen frente a la belleza de aquellas, máquinas de amor, y el Dios del Infierno quemándolo todo y llevándote al Infierno para que aprendas y para que ....¡¡¡ardaaaassssss!!!!!, todo en un poético, bello y cobre atardecer donde las brujas salen a hacer lo suyo. Dorrian, Jennings, Smee y Dixon lo hicieron de nuevo: Un excelente aperitivo para "Supernatural birth machine".

Los Natas "Toba trance" (2004)

I II

La verdad que no tengo palabras. Desde que escuché esta obra de arte allá por finales de 2004, principios de 2005, mi cabeza no es la misma: y no digo que tengo menos pelo ni que esto más cabezón....no. Este disco cambió mi forma de escuchar, de sentir, de percibir la música en general. Son contadas las bandas que pueden lograr eso, y a escala nacional muchas menos: en este momento se me ocurren a nivel nacional Los Redondos con su maravilloso "Oktubre"; Invisible (TODA su discografía), Almendra (bueno, en realidad todo lo dibujado por nuestro gran Spinetta), Pescado Rabioso....en fin...no son tantos artistas....sí son muchos discos.

Acá en Argentina fue editado como disco doble, mientras que en Europa se editaron por separado (por fin un privilegio!!!!!JA). El primer disco tiene tres canciones de 20' aproximadamente: las tres increíbles!!!!!¿Que puedo decir? "La tierra delfín" (del fin......) se extiende por 20 jodidos minutos y aún así se hace corta!!!!!. En el segundo disco tiene seis canciones, entre las que se encuentra una de mis preferidas del disco: "Tomatito", una especie de homenaje a los cantaores flamencos y a este estilo, pero tamizado por la mente de estos tres MÚSICOS. Aparte viene con un regalito para nostálgicos: un cover de la banda Hawkind, "Tormenta mental".

Un viaje hacia los años en que experimentar con la música era todo un arte.....sonidos espaciales, psicodelia, música progresiva entendida en su mas amplio sentido, climas oníricos, arranques rockeros que hace años no se escuchaban por estos lugares (no vale contar a la misma banda)...Que se yo: ya al final del disco me pierdo con la cantidad de influencias que se podría citar: Los natas oficialmente dicen que sus influencias son Black Sabbath, The Doors, Pink Floyd, The Who, Hawkind; yo podría agregar a bandas locales como Pescado Rabioso, Vox Dei, Almendra....

Por cierto casi lo olvidaba, los perpetuadores de esta maravilla son: Sergio Ch. en guitarras , flauta, bombo, laúd, voces y artwork; Walter Brodie en batería (no es un baterista, un amigo lo describió como un pianista que toca la batería), programaciones y percusiones y Gonzalo Villagra en bajo, laúd y charango: Suenan extraños todos esos instrumentos aquí no???? No se imaginan lo que son capaces de hacer estos tres con todo esto!!! Súbanse a este viaje que no se van a arrepentir, va a terminar gritando ¡¡¡otra vuelta, otra vuelta!!!.

P.D.: Me olvidé de agregar el último detalle, unos de los mejores discos de los últimos 15 años, de la mejor banda de rock de la Argentina.

Meshuggah "I" E.P.(2004)

ep

Esta banda no tiene comparación. Desde hace exactamente 18 años que viene haciendo música, y desde el año 1995 que nos sorprende con cada uno de los discos y ep's que fueron editando (precisamente con "Destroy erase improve").

Aquí nos brindan un solo tema de 21', que fue la preparación para la maravilla de "Catch 33" del año 2005. El título del e.p. es un juegos de palabras (que ya había utilizado por la banda sueca Dark Tranquility en su disco de 1997), que hace referencia tanto al Yo(como instancia psíquica), como al ojo de la tapa, que ve el despedazamiento del mundo al que se hace referencia en la letra de la canción que nos ocupa. La formación para el e.p. fue: Thomas Haake en batería; Marten Hagstrom y Fredrik Thordendal en guitarras y Jens Kidman en voces... Se preguntarán ¿dónde está el bajo? Bueno, estos suecos locos como tocan con guitarras de 8 cuerdas, dicen que no lo necesitan, y lo mejor de todo es que parecen tener razón a juzgar por lo que escuchamos en este ep.

Musicalmente la banda recibe influencias de monstruos de la escena más técnica del metal mas agresivo como Cynic, Atheist o Pestilence, como así también influencias de bandas "industrialosas" como Fear Factory.

De todas formas, la influencia más notoria proviene del jazz, sobre todo por las estructuras de las canciones, que son sincopadas y resultan "raras" para los que en su momento estábamos solamente acostumbrados a escuchar Metal u otros subestilos. Esto es metal, pero a la larga va más allá del estilo. Hay que destacar que también se están dejando influenciar (y se verá en el disco que le sigue a este e.p.) por la música ambiental, logrando unos climas realmente hermosos, entre tantos riffs machacantes.

Acá lo que encontramos son unos músicos muy virtuosos, que no tienen temor a experimentar, sonando muy precisos, supertécnicos, pero con muchísimo groove y gancho en sus canciones(en este caso una sola).

Black Bile "Cloacal meditation" (2006)-DEMO-

Para todos aquellos que tienen más de 27 años: Todavía yo disfruto de los demos de bandas que nos muestran a través de ellos lo que son capaces de hacer, por mas que no tengan una discográfica detrás.

En este caso, una banda de la que no poseo más información que son de Cyprus, no se cuántos integrantes tiene la banda ni nada....aunque escuchando se puede decir que por lo menos hay dos vocalistas que se reparten los desgarradores, lacerantes y angustiantes lamentos/gritos/recitados...Se puede decir que Black Bile practica un estilo emparentado tanto con el black metal, como con el drone/ambient/funeral doom...aunque no llega a ser aburrido.

Si alguna vez te imaginaste estar en una alcantarilla atrapado y sin poder moverte, con excrementos que te llegan hasta el cuello, y una persona está al lado tuyo verdugueándote, y diciéndote que sos una reverenda mierda y que merecerías que la bosta que te circunda, en realidad te tape.......ésta es tu banda. Ja!!(Tampoco es para tanto....un solo tema de casi 29'....pasan rápido) Espero que toda esta misantropía se vuelva algo tangible en algún próximo dosco....aunque este demo no suena para nada mal, logrando transmitir esa miseria y misantropía tan característica del estilo.

Acá

George Orwell "1984"(1949)

Son pocos los libros que uno puede llegar a leer y que le cambian la forma de pensar o ver las cosas, y desde mi humilde punto de vista, todas son obras extremadamente pesimistas respecto de lo realizado a lo largo de la Historia por la Humanidad. Anoten entre dichas obras: "Brave new world"(Un mundo feliz) de Aldous Huxley, "Fahrenheit 451" de Ray Bradbury (también del mismo autor, "Crónicas marcianas"), y este 1984.

La acción transcurre en Londres en dicho año, perteneciendo esta ciudad a un superestado llamado Oceanía. El mundo que describe la novela se encuentra dividido en tres superestados: el anteriormente mencionado, Eurasia y Asia Oriental. Oceanía se encuentra bajo un régimen totalitario que se autodenomina El Partido(siendo el líder El Gran Hermano), que dirige el destino de todos los habitantes, así como las formas de pensar consideradas correctas por el mismo, la forma de hablar, el pasado, el presente y el futuro (en forma de predicciones que irreversiblemente se cumplen), gracias a uno de los principios del Ingsoc, el Pasado es reversible: esto se lleva a cabo en uno de los Ministerios de este superestado: el de la Verdad, que se encarga de reescribir constantemente la historia y de tergiversar los sucesos pasados (o simplemente crearlos), para que se lleven a cabo las predicciones realizadas por El Partido.

Esto es solo la punta del iceberg de esta novela monumental, pesimista y profundamente anticipatoria. Se la podría abordar como una crítica al comunismo, sobre todo por el vocabulario utilizado, y por la extracción política de su autor, aunque creo que no sería una lectura completa: Si estamos al tanto de lo que ocurre en "el gran país del norte", capitalista al extremo, vemos que esta ocurriendo practicamente lo mismo que en este "futuro" 1984. Las fuerzas de seguridad están autorizadas por ley a ser de hecho, "policías de pensamiento", que se encargan de vigilar y perseguir a todo miembro del partido, con el fin de controlar el crimental.

Winston y Julia son sus protagonistas que creen pertenecer a una Hermandad fundada por el Enemigo del Partido, E. Goldstein, que busca derrocar al partido, para que los individuos vuelvan a ser libres....pero...... no todo es lo que parece. El Partido, por medio de su ideología,(el Ingsoc), es capaz mediante torturas, lavado de cerebro, el manejo completo de los medios de comunicación-y de la historia- de hacer creer hasta las cosas que contradicen toda la lógica.....y así hacer sucumbir, incluso antes de que comience, cualquier intento de oposición.

Un tratado sociológico acerca del poder y sus mecanismos, más que una simple novela: y que nos devela que en ambos sistemas, los mecanismos son los mismos, solo cambia el Amo: en el capitalismo es el mercado, en el comunismo el Estado, los dos igualmente "omnívoros". Un deber leer este libro.

Acá

Porcupine Tree "Fear of a Blank Planet"(2007)

Porcupinetree

Cómo puedo estar seguro de que estoy aquí?, las pastillas que he tomado me confunden, necesito saber que alguien ve que ya no queda nada, simplemente no estoy aquí........... reza una de las estrofas de ¨Fear of a blank planet¨ del homónimo y tan esperado, prolijo, etéreo y angustiante nuevo trabajo de uno de los referentes más significativos del rock progresivo actual.

El puercoespín sabe cambiar de espinas disco a disco de una manera asombrosa, contundente y por sobre toda las cosas, sorprendente...... tan soprendente que el solo hecho de analizar su riquísima discografía nos provoca cada vez mas admiración.

Miedo a un planeta en blanco: mentes en blanco, sociedad en blanco, individuos en blanco.................... adolescentes en blanco; Steve Wilson emite un juicio mordaz y ácido sobre la actualidad de la juventud de hoy y sus terribles aristas como la violencia adolescente, la despersonalización a través de la tecnología,el uso indiscriminado de las drogas y la intolerancia familiar.

No puedo soportar la mirada y la compasión.... y no quiero preguntas..... como te sientes?, como te va en la escuela?, quieres hablar de eso?..... son las palabras de un atormentado adolescente cuestionado por su padre en la bellísima,moderna,pesada y atmosférica¨Way out here¨ donde el mismísmo Robert Fripp asoma con su colaboración.

Geddy Lee lo hace en ¨Anesthetize¨, una obra compleja y excelente que solo los maestros son capaces de crear. ¨My ashes¨ es un ejemplo claro de que el puercoespín puede sonar retro sin perder frescura en un tema donde el mismísmo Pink Floyd despliega sus alas (influencia importantísima en la banda). ¨Sentimental¨ te calma luego del caos, te hace cerrar los ojos, te hace sentir escalofríos....... te hace llorar.

Fear of a blank planet fue criticado alrededor del mundo como un disco demasiado corto (no supera los 60 minutos), aspecto en el cual podrías o no estar de acuerdo, pero lo importante que el poco o mucho contenido que este álbum contiene es lo suficientemente perfecto para ponerlo en un reproductor y dejar que suene por siempre en tu vida.

Angustia, incertidumbre y por sobretodo miedo, desparrama esta obra de Porcupine Tree, pero supuestamente nada esta perdido todavía.

Quizás las letras de Steve Wilson hagan reflexionar a muchos o a pocos sobre el destino del mundo y sus complicadas sociedades tan llenas de falta de entendimiento, tan intolerantes, tan llenas de odio, tan llenas de miedo..... miedo a un planeta en blanco.

Autor:Luis Mansilla

Charly Garcia "Piano bar" (1984)

piano

¿Se acuerdan cuando Charly hacía música? ¿Cuando uno esperaba que saliera el nuevo de él para salir corriendo a comprarlo, o en su defecto, por ser niños aún, pedirle a nuestros padres que nos lo compren?

Yo me acuerdo y extraño muchísimo esos años, ya que hoy por hoy, y desde hace exactamente 14 años que no edita un disco inolvidable...si me pongo más quisquilloso, creo que serían 18 los años: con "Filosofía barata y zapatos de goma", ya que "La hija de la lágrima" del año 1994, comparado con todos los discos editados anteriormente podría ser definido como basura, iniciando la decadencia compositiva del que fuera uno de los músicos mas increíbles que diera Argentina.

Este disco es, a mi entender, una de las obras maestras no solo de Charly solista sino de la historia del rock nacional. Sólo ver la lista de las canciones incluidas es una muestra de lo que éste artista era en esos años capaz de hacer, rodeados de una selección de músicos que cualquiera envidiaría: Fito Paez en teclados y coros, Daniel Melingo en saxofón, los G.I.T. en pleno como banda soporte (guitarra, bajo y batería), y Charly en teclados, guitarras y voces.

Un disco increíble, realizado por músicos increíbles, que se podría haber llamado "Grandes éxitos", ya que las canciones son todas clásicas de nuestro rock, cantadas inclusive en cualquier fiesta donde pasen alguna canción de rock nacional: siempre alguna de éste disco entra en la selección.

Waterclime "The astral factor" (2006)

factor

La verdad que habría que hacerle un mapeo cerebral Andreas Hedlund, Mr. V, Vintersorg o como él quiera llamarse, porque la cantidad de proyectos en los que participa o que lidera lo pueden llegar a marear a uno; debe ser una persona que vive en un mundo paralelo en el que los días tienen 72 horas, porque sino no se explica que pueda estar en tantas bandas al mismo tiempo, y en todas destacarse de una manera increíble, ya sea cantando o componiendo.

Repasemos: Líder y compositor principal de Vintersorg, Cronian, Fission y Otyg (este último está por ahora suspendido), todas estas bandas en actividad. Fue miembro fundador de Cosmic Death y de Havayoth (ya no pertenece a ninguna de éstas bandas) y es el actual vocalista de Borknagar.

Este nuevo proyecto está muy influenciado por el Rock Progresivo y el Jazz Rock de la década del '70. Aquí no van a encontrar voces podridas, ni riffs pertenecientes al gélido universo blackmetalero: Todas las canciones resuman sentimiento progresivo, con un sinfín de teclados, mellotrones, etc, dando rienda suelta a la creatividad de Andreas (quien se encarga de todos los teclados en éste disco), acompañado por un bajo bien gordo (también/tan bien ejecutado por él) y por las guitarras que nos brindan riffs melódicos, técnicos pero sin llegar a la pirotecnia a la que nos tienen acostumbrados bandas mucho mas técnicas, pero que carecen de sentimiento o de la capacidad para transmitir algo entre tanto tecnicismo. Canciones hermosas y, por momentos, melancólicas que nos llevan desde el Rock (que en algún riff me hacen acordar a Deep Purple) a un relajado Jazz (del eléctrico), todo condimentado con el enorme y épico caudal vocal de Vintersorg. Como todos los demás proyectos de éste, no hay que dejarlo pasar, disfrute asegurado.

The morningside "The Wind, the Trees and the Shadows of the Past" (2007)

arboles

¡¡Que disco increíble, por favor!! Es uno de los mejores discos de Doom que escuché en el último año. Para ser mas preciso, es un doom extremadamente melancólico, con muchísima melodía y temas bien extensos. Las voces por ahí le dan un toque de agresividad que no se relaciona mucho con la música: son mas bien para una banda de black, esas voces tipos gritadas o chillonas, pero después de escuchar el disco un par de veces te acostumbrás y hasta le agarras el gustito.

The Morningside es una banda de Moscú(Rusia), y se podría decir que tiene la épica romántica de Celestial Seasons y la melancolía de While Heaven Wept, solo que las voces no son limpias. Por otro lado, el arte de tapa es hermoso y dispara cientos de imágenes que, para los que soñamos algún día conocer Rusia, nos sirve de aperitivo (Ja!!). Las canciones que componen el disco son 3 más una Intro y un Outro, y salvo estas últimas, son de más de 10 minutos. Así, el disco es apenas de 40 minutos, los que nos deja con ganas de más música de estos melancólicos rusos. Esperemos que no tarden mucho entre disco y disco, sino la espera será terrible.

El viento se halla presente a lo largo del disco en constantes intervenciones de los teclados, los majestuosos árboles de la portada da la sensación de que te están acompañando durante todo el tiempo, llevándote a la gloriosa Rusia de tiempos pasados, a esa sombra que todavía persigue al ex-coloso, hoy desmembrado en muchos países.

Funeralium "Funeralium" (2007)

debut

Álbum editado en Julio del 2007, lo estaba esperando particularmente, ya que el demo de la banda ("Ultra Sick Doom") era interesante sin ser nada nuevo dentro de este estilo (Funneral Doom), dentro del cual surgen cada vez más bandas, sin que ninguna de las más nuevas alcancen la profundidad ni el extremismo logrado por las primeras en surgir, entre las que se pueden/deben mencionar: Skepticism, Evoken, Mournfull Congregation, Shape of Despair, Thergothon, Thorr's Hammer...sólo por mencionar algunas.

Justamente Funeralium es una de las tantas bandas de la escena francesa, las que comparten integrantes entre si: Marquis en voces y guitarras, que también pertenece a Ataraxie (y fue integrante de Despond y de Bethlehem); Berserk en voces y guitarras y que toca en Ataraxie; Toxine en bajo, que toca en Mourning Dawn y Yskithyrwynn en batería. En su página web dicen hacer exclusivamente ultra sick doom metal, sin tonterías románticas, ni voces femeninas, ni teclados, y no podemos hacer otra cosa más que creerles.

Para aquellos que disfrutan del estilo tendrán una nueva banda a la que prestarle atención. Para aquellos que no (esto va para vos Fede), tendrán otro argumento para defenestrar al estilo: puede que les suene muy monótono, con temas muy largos y voces que no hacen mas que regurgitar podredumbre y loas a la muerte (unas de las canciones tiene por título Let the people die) distribuidos en 76'43'' a lo largo de 6 temas. Un disco "divertido" dentro de lo que permite el estilo, de una banda que por ahora no es una luminaria, pero a la que hay que prestarle atención en los próximos años.

J.R.R.Tolkien "Los hijos de Húrin" (2007)

Acabo de terminar de leer la trágica historia de Húrin y Morwen y sus hijos: Túrin, Urwen y Nienor. Me dejó una sensación contradictoria. La historia ya aparecía en El Silmarillion, aunque aquí el autor se explaya más en algunos puntos. Cabe indicar que en realidad está editado por su hijo Christopher en base a unos escritos perdidos de su padre: o sea que no es de lectura indispensable, aunque esté muy bien escrito. Y es esto lo que me huele mal, la verdad, ya que suena a negocio por parte de este Sr., al que todo el mundo tiene entre ojos. Más allá de esto, la edición es muy prolija y viene con unas increíbles láminas a las que ya nos tiene acostumbrados el artista Alan Lee, que participó, junto con Howe, del diseño artístico de la adaptación al cine de El Señor de los Anillos, realizada por Peter Jackson, hace ya unos años.

Yendo a la historia propiamente dicha, el que haya leído El Silmarillion, sabrá de que va la cuestión. Para los que no lo leyeron les cuento que Húrin y todos sus descendientes son maldecidos por Morgoth (el Señor oscuro), uno de los Valar: éstos eran grandes espíritus que entraron al mundo al principio del Tiempo, y de los cuales aquel era uno de los más poderosos.

Así, la Casa de Hador se ve envuelta en todas las tragedias posibles que le puedan ocurrir, mientras Húrin permanece prisionero en Angband, la fortaleza en donde residía Morgoth al Noroeste de la Tierra Media. Los designios acerca del destino de los hijos de Húrin se van cumpliendo inexorablemente, por más que Túrin Turambar (a lo largo de la historia va teniendo muchos nombres) hace lo imposible por escapar al destino que le fue impuesto por uno de los Poderes (Morgoth).

Hasta aquí llego con esta reseña, sin dejar de indicar que es fundamental la lectura (para todos aquellos que gustan de la literatura épico-fantástica) tanto de El Silmarillion como de El Señor de los Anillos, obras insuperables de Tolkien, que inspiraron a cientos de escritores a continuar con la Historia de Elfos, Enanos, Hombres y Orcos, como así también a muchos músicos a internarse en la Tierra Media y seguir en sus aventuras a algunas de estas razas.

Acá

Duke Ellington-Charles Mingus-Max Roach "Money Jungle" (1962)

Todavía recuerdo cuando un amigo me ofreció este disco: le dije "no, la cuestión de las Big Bands no me gustan mucho, prefiero otro tipo de Jazz...". Él me dijo " no, llevalo y escuchalo....después hablamos". Llegué a mi casa puse el cd en el reproductor, y hasta el día de hoy no puedo dejar de pensar que si lo hubiese devuelto sería el pelotudo más grande sobre la faz de éste patético mundo.¡Que disco increíble, magnífico, superlativo, irrepetible, elegante, complejo, y que se yo cuántos epítetos calificativos más!.

Claro, yo venía escuchando, efectivamente, otro tipo de Jazz: Branford Marsalis(que es mucho más interesante y divertido que el imbécil de su hermano Wynton), John Coltrane, Charles Mingus, etc.; y tenía escuchado a Ellington en un disco con una Big Band. Pero esto era otra cosa: Un refinamiento....no se, era (es) algo distinto. De inmediato me metí en internet para obtener mas información y mi sorpresa fue mayor: éste disco en el que yo creía que había tocado una orquesta (escúchenlo y después me dicen), "solo" fue grabado por...¡¡tres personas!!, a saber: Duke en piano, Max Roach en batería y Charles Mingus en contrabajo.

La química que se percibe entre estos tres extraterrestres es similar a la que se puede encontrar en los primeros 4 discos (bah!! en realidad en toda su discografía) de los maestros Led Zeppelin: Composiciones brillantes realizadas en el mismo estudio de grabación, una sensación de diversión permanente en los ejecutantes, y un disco que una vez terminada la reproducción, es necesario, imperioso, indispensable volver a pulsar el bendito botón que dice Play para volver a experimentar las mismas sensaciones una y otra vez.

Sin ir más lejos, el primer disco que escuché cuando compré el Home con todos los parlantitos y que se yo, fue Money Jungle. (ahora hay una edición extendida con outakes, discusiones en estudio, etc).

Otro dato a tener en cuenta y que sirve como aperitivo: En unos de los primeros números de LA Revista Fierro, no recuerdo si el 1 o 2, hay una pequeña historia que intenta retratar como vió la luz esta obra de arte que atravesó el tiempo, y llegó a nosotros, habiendo sido grabado hace ya 45 años. Todo fanático del Jazz (y de la música), DEBE tener este disco. (Gracias Vieja por el disco).

Aquí

Astor Piazzolla "Octeto Buenos Aires" (1958)

En el mundo de la música hay discos que marcan un antes y un después, que producen un quiebre no solo en la forma de entender el género al que pertenece dicho disco, sino que trascienden al mismo.

A lo largo de toda su carrera, Astor Piazzolla grabó muchísimos de estos discos, revolucionando el Tango como género, y entrando de lleno en la denominada música contemporánea. Los músicos que lo acompañaron en este disco, que es el segundo y último de esta agrupación (como Octeto Buenos Aires)-y grabados los dos el mismo año- son todas figuras reconocidas dentro del Tango y el Jazz: Enrique Francini y Hugo Baralis en violín; Atilio Stampone en piano; Leopoldo Federico en el otro bandoneón; José Bragato en violoncello; Juan Vasallo en bajo y Horacio Malvicino en guitarra eléctrica, quien sería su guitarrista "fetiche" durante muchísimos años, y que en palabras del maestro Astor, "ofrece un timbre no acostumbrado en este tipo de orquesta", y un color distinto en los temas originales gracias a las improvisaciones del mencionado guitarrista.

En este disco encontramos 4 de los 10 temas compuestos por los integrantes del Octeto, mientras que los otros son ya clásicos consagrados del estilo.

Astor Piazzolla dijo que el único propósito del Octeto era renovar el Tango popular, mantener su escencia introducir nuevos ritmos, sacarlo de la monotonía que lo envolvía y jerarquizarlo musicalmente. Más allá de que dicha monotonía sería discutible, ya que no hay que olvidar la presencia de Troilo, donde Piazzolla tocó y fue arreglador durante un tiempo, se puede afirmar que no solo logró lo que se propuso, sino que fue mas allá y creó un estilo reconocible e imposible de imitar (lo lamento por Leopoldo Federico y por Marconi), que es marca registrada y admirada a lo largo del mundo (de hecho el músico japonés Yo Yo Ma es un fanático del maestro, y grabó un lindo disco con temas de Astor ). Hasta el próximo disco de Astor.

Acá

Pelican "March into the sea E.P." (2005)

mar

En un comienzo la música de Pelican podía relacionarse con el Stoner, con canciones llenas de groove y sentimiento, y con la particularidad de ser una banda netamente instrumental. Con el correr de los años, fueron recibiendo influencias más metálicas, sobre todo de bandas que le cambiaron la cara al metal mas agresivo, incorporando estructuras del rock Progresivo, mas cierto toque ambiental, como ser Neurosis e ISIS. De hecho, Pelican viene editando sus discos a través del sello del líder de esta última banda Aaron Turner, Hydraead.

Editado ya hace un par de años, este E.P. marca un nuevo rumbo en la banda de Chicago, signado por un marcado vuelco de su música hacia sonidos un poco más etéreos, influencia recogida de las bandas anteriormente mencionadas y de la que lidera unos de los últimos genios de la escena de la música en general: Jesu, de Justin Broadrick, quien fundó entre otras bandas a Napalm Death, HEAD OF DAVID, GODFLESH, y un interminable etcétera. Bien, Justin es el que interviene en la mezcla del tema "Angel Tears", que apareciera en el primer album de la banda "Australasia", y que es una justa muestra de como el sonido Jesu le queda como anillo al dedo a Pelican. El otro tema se llama "March to the sea" y es un trance rock Progresivo de casi 20'.

En fin 33 minutos de Rock instrumental, volado, experimental y extremadamente climático; un buen aperitivo para entender(y disfrutar) lo que la banda logró con su nuevo disco editado en el 2007, "City of echoes".

Watain "Sworn to the dark" (2007)

sworn

¡¡Increíble!!. No me queda otro calificativo para recibir el nuevo disco de esta banda sueca. Para los que conocen, es una mezcla entre los dioses Mayhem y los extintos Dissection, sobre todo de la época del disco "Storm of the Light's Bane" (1995) . Se ve que mantener miembros estables a lo largo del tiempo finalmente rinde sus frutos. Watain se formó en el año 1998, y desde entonces permanecen los mismos músicos: Erik Danielsson en voces y bajo; P. Forsberg en guitarra y H. Jonsson en batería; aparte los acompañan en vivo 2 músicos más: Set Teitan en guitarra y Tore Stjerna en bajo.

Maravillosos, oscuros, melódicos pero violentos (violentísimos) riffs de guitarra que nos transportan a la primera mitad de la década del '90, donde se mostraba desde este estilo (tan criticado por muchos, el Black Metal), que era posible ser extremadamente violento y gélido, sin dejar de tener un toque de melodía que hiciera a las canciones gancheras e inolvidables.

"Sworn to the dark" es el tercer disco de esta banda dispuesta a devolverle aquel viejo y querido misticismo del black de principios de los 90, aunque sin sonar "Grim", sino apuntando a esa vuelta de tuerca que le aportó al género bandas como Emperor o Enslaved, con un toquecito progresivo que le da una profundidad a la música de este trio que realmente lo catapultan, con éste disco, al centro de la escena extrema mundial. Otra vez las huestes del mal demuestran que la sangre negra sigue fluyendo dentro de las venas del género más negro del metal. Si el mal nos brinda periódicamente expresiones artísticas como éstas, ¡¡¡larga vida al mal!!!

Miles Davis "Blue moods" (1955)

¿Que se puede decir de este genial trompetista que no se haya dicho ya? No solo revolucionó el jazz, sino que se lo considera el fundador de diversos estilos dentro del género; por mencionar algunos de los discos más representativos de Davis, podría citar EL clásico del jazz rock Bitches brew (1969), recientemente reeditado en un disco !cuádruple¡, que cuenta con unos cuantos músicos destacados no solo del jazz, sino del rock y de lo que luego se llamaría World Music; también In a silent way(1969), igual de importante tanto en la discografía de este genio como en el Jazz.

Este disco se grabó para el sello Prestige Records en el año 1955, y cuenta, aparte de Miles Davis en trompeta con: Elvin Jones en batería, Britt Woodman en trombón, Charles Mingus en contrabajo y Teddy Charles en vibráfono, todos ellos músicos consagrados dentro de la escena, siendo Elvin Jones uno de los bateristas mas influyentes del género, participando de clásicos como "A love supreme" de John Coltrane. Woodman tocó con otro de los músicos más reconocidos, inclusive fuera del ambiente del Jazz, como Duke Ellington, como así también con Charles Mingus. Teddy Charles es aparte de vibrafonista, baterista y pianista, con una extensa carrera tanto como sesionista como arreglador de un sinfin de bandas y orquestas.....De Mingus, al igual que de Davis, ya se ha escrito mucho, y su extensa discografía habla por si sola.

El disco en cuestión, tiene una duración de "escasos" 27', ya que se disfruta tanto que realmente se hace muy corto y te deja con ganas de más. De todas formas, me parece que es un disco que para el que está acostumbrado al estilo más experimental de Miles, le sorprenderá..., es decir, tiene un desarrollo más tranquilo o relajado, pero aún así extremadamente profundo, donde por momentos parece que estás escuchando un disco en el que lleva la batuta es Mingus, cuyo contrabajo te envuelve no te suelta hasta el final del disco. Un excelente disco que se puede escuchar acompañado por un buen licor, o una copa de vino tinto, con un buen tabaco y a oscuras, para ser transportado a esos antros subterráneos donde éstos músicos se foguearon antes de conocer la gloria.

Acá