"¿Cantará el polvo tus alabanzas?" por Damon Knight, en Visiones Peligrosas II

Visiones Peligrosas es una antología de Ficción especulativa llevada a cabo por Harlan Ellison en la década del '60, que reunió a casi 35 escritores para que abordaran diferentes temáticas, y que con el correr de los años se transformó en lectura obligatoria para todos los aficionados a la ciencia ficción, y la literatura en general. El relato que aquí les dejo es una maravilla escrita por este americano llamadoDamon Knight, premiado e sucesivas ocasiones y que te va a dejar sorprendido y estupefacto al final del mismo.


"Y el Día de la Cólera llegó. El cielo resonó con trompetas, angustiantes, ominosas. Por todas partes las secas rocas se alzaron, gimiendo, y cayeron desmoronadas. Luego el cielo se hendió, y en el resplandor apareció un trono de fuego blanco, en un arco iris que ardía verde.
Los relámpagos zigzagueban desde todos los horizontes. Alrededor del trono flotaban siete majestuosas figuras vestidas de blanco, con cintas doradas cruzando sus pechos; y cada una llevaba en su gigantesca mano una redoma que humeaba hacia el cielo.
Desde el resplandor del trono llegó una voz:
-Seguid vuestros caminos, y verted vuestras redomas de la cólera de Dios sobre la tierra.
Y el primer ángel descendió, y vació su redoma en un torrente de oscuridad que humeó por encima de toda la desierta tierra. Y se hizo el silencio.
Luego el segundo ángel voló bajando a la tierra, y planeó de un lado a otro, sin vaciar su redoma: y finalmente regresó junto al trono diciendo:
-Señor, debo vaciar la mía en el mar. ¿Pero dónde está el mar?.
Y de nuevo se hizo el silencio. Porque las resecas y polvorientas rocas de la tierra se extendían ilimitadamente bajo el cielo; y allá donde habían estado los océanos había tan solo cavernas abiertas en las rocas, tan resecas y vacías como el resto.
El tercer ángel exclamó:
-Señor, la mía es para los ríos y fuentes de agua.
Y luego el cuarto ángel dijo:
-Señor, déjame vaciar la mía.
Y vertió el contenido de su redoma hacia el sol; y en un instante ardió con una terrible radiación: y planeó de un lado para otro dejando caer su luz sobre la tierra. Tras un cierto tiempo vaciló y regresó junto al trono. Y de nuevo se hizo el silencio.
Entonces del trono brotó una voz diciendo:
-Ya basta.
Bajo el amplio domo de los cielos, no volaba ningún pájaro. Ninguna criatura reptaba o se arrastraba sobre la superficie de la tierra; no había ningún árbol, ninguna brizna de hierba.
La voz dijo:
-Este es el día señalado. Descendamos.
Entonces Dios anduvo sobre la tierra, como en los viejos tiempos. Su forma era como una moviente columna de humo. Y tras Él avanzaban los siete ángeles con sus redomas, murmurando. Estaban solos bajo el cielo gris amarillento.
-Aquellos que están muertos han escapado de nuestra cólera-dijo el Señor Dios Jehová-. Pero no escaparán al juicio.
El reseco valle en el que se encontraban era el Jardín del Edén, donde el primer hombre y la primera mujer habían recibido un fruto que no debían comer. Al este se hallaba el paso por el que la pareja condenada había sido arrojada al desierto. A una poca distancia hacia el oeste se divisaban las dentadas formas del monte Ararat, donde se había posado el Arca tras el Diluvio purificador.
Y Dios dijo con una gran voz:
-Abramos el libro de la vida; y que los muertos surjan de sus tumbas, y de las profundidades del mar.
Su voz resonó bajo el tenebroso cielo. Y de nuevo las resecas rocas se alzaron y cayeron; pero los muertos no aparecieron. Sólo el polvo se retorció, como si sólo esto quedara de los miles de millones de habitantes de la tierra, vivos y muertos.
El primer ángel sujetaba en sus brazos un gran libro abierto.
Cuando el silencio se hubo establecido durante un cierto tiempo, cerró el libro, y en su rostro hubo miedo; y el libro se desvaneció de entre sus manos.
Los otros ángeles murmuraban entre sí y suspiraban. Uno dijo:
-Señor, terrible es el sonido del silencio, cuando nuestros oídos deberían estar llenos de lamentaciones.
Y Dios dijo:
-Este es el día señalado. Sin embargo, un día en el cielo son mi años en la tierra. Gabriel, dime, según como cuentan los hombres el tiempo, ¿cuántos días han transcurrido desde el Día?
El primer ángel abrió un libro y dijo:
-Sólo un día: un instante. Y sin embargo no se alzan.
El quinto ángel se humedeció los labios y dijo:
-Señor, ¿no eres Tú acaso Dios? ¿Qué secretos pueden haber para el Hacedor de todas las cosas?
-¡Paz!-dijo Jehová, y los truenos resonaron hacia el sombrío horizonte-. A su debido tiempo, haré que estas piedras se levanten y hablen. Seguidme, vamos un poco más lejos.
Vagaron por las resecas montañas y por entre los vacíos cañones del mar. Y Dios dijo:
-Miguel, tu estabas encargado de velar sobre esa gente.¿como fueron sus últimos días?
Hicieron una pausa cerca del fisurado del Vesubio, que en una época de distracción celeste había entrado en erupción dos veces, enterrando vivas a miles de personas.
El segundo ángel respondió:
-Señor, cuando los ví por última vez, estaban preparando una gran guerra.
-Sus iniquidades rebasan todo entendimiento-dijo Jehová-.¿Cuáles eran las naciones que estaban preparando la guerra?
El segundo ángel respondió:
-Señor, eran llamadas Inglaterra y Rusia y China y América.
-Vayamos entonces a Inglaterra.
Al otro lado del reseco valle que había sido el Canal, la isla era una meseta de piedras, en ruinas y desolada. Por todas partes las rocas estaban cuarteadas y sin vigor. Y Dios se encolerizó más, y gritó fuerte:
-¡Que las piedras hablen!
Entonces las grises rocas se desmoronaron en polvo, descubriendo cavernas y túneles, como las cámaras de un hormiguero vacío. Y en algunos lugares resplandeció el brillante metal, dispuesto en capas graciosas pero sin ningún diseño, como si el metal se hubiera fundido y hubiera corrido como agua.
Los ángeles murmuraron; pero Dios dijo:
-Esperad. Esto no es todo.
Y ordenó de nuevo:
-¡Hablad!
Y las piedras se alzaron una vez más, para dejar al descubierto una cámara mucho más profunda. Y en silencio, Dios y los ángeles se inmovilizaron en un círculo en torno al pozo, y se inclinaron hacia adelante para ver las formas que se movían allí.
En la pared de aquella profunda cámara, alguien había grabado una hilera de letras. Y cuando la máquina de aquella cámara había sido destruida, el metal incandescente había brotado y había llenado las letras en la pared, de tal modo que ahora brillaban como plata en la oscuridad.
Y Dios leyó las palabras.
NOSOTROS ESTÁBAMOS AQUÍ.¿DÓNDE ESTABAS TÚ?

Sunn O))) "Black One" (2005)

negri simo

Antes que nada, Sunn O))) es una experiencia física, que sirve para alterar los estados de conciencia y lleva la percepción hasta los límites mismos de su funcionamiento.

Lo que quiero decir es que no hay mucho que explicar acerca de esta "banda", sino que se experimenta directamente en el cuerpo, en el momento en que uno empieza a plantearse que esto es simplemente ruido, y comienza a indagar en donde radica el chiste, allí es donde el trance provocado por el Drone más enfermo del planeta comienza y te arrastra hasta dejarte literalmente exhausto, y tirado en un rincón suplicando para que la tortura termine.

Los músicos implicados en esta amorfa experimentación son Greg Andreson y Stephen O'Malley. Los dos son suficientemente conocidos dentro del espectro de la música experimental asociada al metal más oscuro hijo dilecto del Siglo XXI: Greg se encarga del bajo y guitarras y tocó en innumerables proyectos entre los cuales brillan Thorr's Hammer, Burial Chamber Trio, Goatsnake y Burning Witch (este último un monumento al Doom más sucio, "feo" y depresivo); Stephen también se encarga de los mismos instrumentos, y tocó también en Burning Witch, Thorr's Hammer, Lotus Eaters, y los maestros de la filosofía llevada al formato de un horrendo y antimelódico Khanate, otra banda que DEBE ser experimentada al mayor volumen posible, para potenciar los efectos hipnóticos de la música. ¿Se dieron cuenta no? Son sólo estos instrumentos los que se utilizan en esta banda; sin embargo, en el disco hay ciertas intervenciones de percusiones que se dejan escuchar y que le dan un formato de "canción" a las composiciones, dentro de los parámetros de Sunn O))), por supuesto.

Y este disco posee justamente un efecto hipnótico que no poseía el primero que escuché de ellos, "Flight of the Behemoth" del año 2002. El clima que predomina aquí es el de una maldad inenarrable que pugna por salir, por escupir todo su frialdad y tomar al mundo por asalto, por corromper todo lo bello en un profundo y angustiante vacío que te atrapa y te encierra, y no te suelta aunque grites con toda la desesperación de tu alma (la que te quede). Esa desesperación es la que transmite la banda con sus vocalistas invitados, que pertenecen a sendas bandas expertas en transmitir la antigua frialdad y maldad noruega: Wrest de Leviathan y Malefic de Xasthur, quien siendo claustrofóbico, fue encerrado en un ataúd para grabar las voces del disco.

Otra de las particularidades de este disco es que dos de sus temas son "covers": el tema 3 sería uno de Immortal, y el 7 uno de Bathory, aunque su velocidad se encuentra reducida en un 1000%...en fin.

A continuación, dos temas en vivo, que pertenecen a una edición limitada: este segundo disco se llama "Solstitium Fulminate (live at Roskilde)", y que dan una idea de lo que puede llegar a ser un recital de esta gente un poquito loca, fascinada con el Black Metal más nekro y Kult del espectro y capaces de llevarte al más allá en un abrir y cerrar de ojos (parpadeo que puede durar cerca de 16', como algunos de sus temas).

"La oscuridad es la luz. Y todo está negro". La frase final de "Sin Nanna", el tema que abre esta placa, y que resume fielmente el sentimiento y el aura que transmite evoca la misma.

Suban el volumen al máximo posible, déjense atrapar y sufran, que vale la pena.

"El Eternauta" Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano Lopez

¿Qué puedo decir de esta historia?

No mucho, si tomo como referencia todo lo que se ha escrito a lo largo de los años que pasaron desde que fue publicada. Por ahí que originalmente fue publicada en la Revista Hora Cero Semanal entre los años 1957 y 1959, para ser después reeditada innumerables veces, debido al éxito de la historia.

Hubieron, y hay, un sinfín de ediciones y reediciones, algunas más felices que otras; algunas más o menos completas...pero en los últimos 4 años salieron unas cuantas muy interesantes en conmemoración de los 50 años de esta increíble historia que mezcla hábilmente ciencia ficción, aventura, ciertos pasajes muy tenebrosos, y está plagada de referencias culturales que pueden ser ubicables por cualquier argentino que conozca un poco de historia, (para los que viven en la provincia de Buenos Aires las referencias espaciales son notables).

Los autores de la primera y segunda parte son Héctor Oesterheld y Francisco Solano Lopez: el primero era el encargado del guión y Solano Lopez el dibujante. En el medio de las dos hay una historia dibujada por uno de los más prolíficos y geniales dibujantes que dio la Argentina: Alberto Breccia; sin embargo esta pequeña historia no fue muy bien recibida por la gente ni por la revista que la había encargado, la patética Gente, que cuando vio lo que tenía entre manos, tiró para atrás el proyecto, y así la historia terminó rápidamente.

De todas formas, Héctor Oesterheld (que por ese entonces militaba en la Agrupación Montoneros) fue secuestrado en el año 1977 por la sangrienta dictadura que azotó a la Argentina desde el año 1976 hasta 1983; se supone que fue asesinado en el año 1978.

Obviamente esto es una pequeña reseña para una obra de tamaña importancia, y no es la única obra de referencia ineludible cuando se habla de Oesterheld como guionista, pero eso ya es otra cosa y material de futuras reseñas.

Por lo pronto disfruten de esta historia venerada y reverenciada en todo el mundo como una de las historietas más importantes de todos los tiempos.

Dissection "The grief prophecy" (1990)-DEMO-

demo

Hoy fue definitivamente un día dedicado a los demos de las bandas que dentro del metal extremo hicieron historia.

Como lo hiciera Treblinka, y tantas otras bandas de aquella época, estos demos eran presentados en formato cassette, por lo que en general el sonido no es el óptimo. Sin embargo, tenía un encanto particular, el esfuerzo llevado a cabo por las bandas era recompensado por los que esperábamos y escuchábamos con fanatismo todas esas joyitas, que no sonaban precisamente bien, pero que indicaban que allí había algo realmente bueno, que había que esperar a que maduren las bandas y sus integrantes para llegar a disfrutar de música muy interesante.

Todavía recuerdo los demos de Moonspell, Edge of Sanity, Entombed, Cradle of Filth (en menor medida, no me parecían tan buenos); y en el ámbito nacional no puedo dejar de mencionar los demos de la banda salteña Santuario, que tenía canciones increíbles, y que después sacó un disco maravilloso llamado "Las alas de la libertad y nuestro refugio" en el año 2004; también el demo de Pandemia, banda que sacó una maravilla del Doom Metal llamado "Prana Sempiterno" (1998) ...en fin, en los demos encontramos pequeñas gemas a ser redescubiertas constantemente.

Acá nos encontramos con 3 canciones, de un tinte más oscuro que las bandas de la misma camada, detalle que se encontraría después en sus discos, y que su líder llevase hasta las últimas consecuencias, cuando en Agosto del año 2006, se suicidó.

La canción que abre el demo, llamada "Intro/Severed into Shreds" está evidentemente inspirada en la maravilla del cine de terror británico dirigida por Clive Barker "Hellraiser", ya que la letra es prácticamente el relato de Frank de su tortura/placer producida por la caja extraña de la película. La canción siguiente también aborda esta relación con la oscuridad, la maldad y cierta fascinación con el Demonio/satanismo, terminando en una casi tierna frase que reza "My god has horns" (mi dios tiene cuernos)...más claro que eso es imposible.

Treblinka "The Sign ofthe Pentagram" (1989)-Demo-

demo

Lo que dejo hoy es un demo que particularmente me gusta mucho; por otro lado la banda Treblinka es la precursora de la que unos años después fuera una de las bandas pioneras en fusionar el Death Metal con climas provenientes de la música Gothic-Dark de los '80, estoy hablando de Tiamat.

En este caso, es el segundo demo de Treblinka: 4 canciones de un Death Meatl super sucio (recordemos que por estos años recién asomaba este como un estilo definido, ajeno al Thrash) y "cuadrado".

Es como si 4 primates se hubieran colgado sus instrumentos sin apenas saber lo que iban a hacer y se largaron al ruedo; 3 de estos nos sorprendieron poco tiempo después con el primer disco de Tiamat.

Las canciones que más se acercan a lo que sería el sonido de los primeros Tiamat son las canciones 3 y 4 ("Necrophagous Shadows" y "Mould in Hell", respectivamente), que se desarrollan a lo largo de casi 11', en donde los riffs no son tan caóticos, sino más bien llevan una velocidad media, y con cierto groove...creo que cortesía del productor de esta pieza de coleccionista, que no es otro que nuestro conocido líder de los Entombed, Nicke Andersson, quien también colabora con los coros en la canción que abre el demo "Nocturnal Funeral", que termina siendo la más extrema de las cuatro que conforman esta bella pieza para los amantes de la música extrema de fines de los '80 y principios de los '90. Disfrútenlo, y cualquier cosa consulten por alguna otra rareza.

Kari Rueslatten "Other people's stories" (2005)

otras

Una verdadera belleza lo realizado por esta hermosa noruega que tiene una de las voces más interesantes de la escena.

Es, hasta la fecha, el último disco editado por ella. Pero hagamos un poco de memoria para ver de donde viene esta muchacha, que antes de hacer esta música mezcla de pop, dark, new wave...pertenecía al mundo del metal, más precisamente del Doom Metal más refinado y atmosférico.

En 1994 una banda llamada The 3rd and the mortal edita en el mes de setiembre un E.P., "Sorrow", que inmediatamente llamó la atención sobre aquella. Al mes siguiente salió el primer disco de la banda, y último en el que participó Kari, "Tears laid in Earth", que sorprendió a todos en el mundo metálico (ya reseñaremos esa obra en poco tiempo más).

Así, Kari abandona la banda y graba dos discos para la multinacional Sony ("Spindelsinn" y "Mesmerized"). Deja a la mencionada discográfica y edita "Pilot" en el año 2002 y a continuación este que nos ocupa.

Se trata de un disco relajado en lo musical, con canciones de un tono Popdark, en algunos casos con ciertas influencias industriales-electrónicas que no aportan ningún tipo de distorsión, sino más bien contribuyen con cierto tono de frialdad que Kari intenta transmitir en algunas composiciones, que nunca llegan a ser alegres...lo que no se pierde nunca de vista es la maravillosa voz de la noruega, que es la que demuestra e incorpora con cada nuevo disco más matices y nuevas formas de cantar. En contraposición a lo que por momentos transmite la música, su voz te transporta a otro mundo con una calidez inusitada, y te deja esperando por más.

Las letras de las canciones también pertenecen a ella y simplemente cuentan historias de gente, a veces tristes, otras no tanto (la canción que abre el disco cuenta la historia de un crimen...)...pero siempre disfrutables.

Lamentablemente, la espera ya lleva casi 3 años, así que disfruten de este disco hasta que se digne a sacar otro.

Antimatter "Planetary Confinement" (2005)

puas

No mucho que decir respecto de este maravilloso dúo, donde encontramos a uno de los compositores más sentidos y honesto que surgió de la escena del Doom Metal de los '90, para después liberarse de sus ataduras estilísticas y regalarnos con algunos de los discos más conmovedores y angustiantes de Anathema: "Alternative 4".
Después de este, Duncan Paterson, abandona a la banda inglesa para dedicarse a Antimatter, con su amigo Mick Moss, siendo este el tercer disco, y el que marca el alejamiento de Duncan de la banda para dedicarse a un proyecto personal muy similar a lo que realizara Dead Can Dance en su período pre-étnico: Ion.
En fin, este disco tiene música muy similar a lo que venían realizando en sus 2 primeras producciones....y las letras son también muy melancólicas y depresivas (búsquenlas y léanlas, después me cuentan), pero de esas que te reconfortan ...la paradójica sensación de encontrar cierto bienestar en la tristeza que nos producen ciertas producciones musicales. Y otra vez un arte de tapa minimalista (como la música, bastante despojado) pero que logra transmitir fielmente lo necesario para absorer el dolor y la desesperanza por este mundo que corre raudamente hacia la autoaniquilación.
Brindo por ello. Hermoso disco de despedida de Duncan!!!

Duke Ellington and John Coltrane (1962)

duque

¿Qué se puede decir de estos dos monstruos que no se haya dicho ya?

La sutileza que logran en este breve pero maravilloso disco no tiene nombre. Ya el Pianista, en este mismo año había editado uno de los discos de jazz más increíbles de todos los tiempos, que se encuentra reseñado en el blog "Money Jungle", junto con Charles Mingus en contrabajo y Max Roach en batería.

Aquí se encuentra acompañado, aparte de Coltrane en saxofón, por Jimmy Garrison en contrabajo (en los temas 2, 3 y 6) y Aaron Bell (quien toca el mismo en los temas 1, 4, 5 y 7); En batería están Elvin Jones (1, 2, 3 y 6) y Sam Woodyard (4, 5 y 7). Obviamente, no son músicos principiantes, ya que Elvin siempre estuvo asociado (y reconocido) al cuarteto de Coltrane, más allá de tener una gran carrera como solista, llegando incluso a grabar con gente de la talla de Miles Davis y Sonny Rollins, y muriendo el 18 de Mayo del año 2004. Aaron junto con Sam fueron la sección rítmica más importante de Duke Ellington (o una de ellas), y tocaron juntos durante muchísimos años, detalle que en este disco se puede apreciar con claridad, ya que es casi palpable el clima de distensión que emana el disco a lo largo de sus casi 35' de duración.

Por otro lado la dupla de Garrison y Jones, fue también la sección rítmica de otros de los genios salidos del Jazz, Ornette Coleman, quien en 1960 grabara la maravilla del Free Jazz titulada justamente "Free Jazz (A collective improvisation)", una maravilla que le diera el nombre a dicho estilo.

Las canciones, tanto de Ellington como de Coltrane, son increíblemente relajadas y profundas, con un feeling casi melancólico, pero no triste...realmente una belleza, todas composiciones redonditas y que transmiten puro sentimiento. Disfrútenlo....esto abre cabezas de verdad.

Taura "Mil Silencios" (2006)

silencio

Hermoso primer disco de esta banda que surgió de una más que interesante banda de la década pasada, Vrede (a la que tuve la suerte de ver en vivo).

De todas formas no hay que guiarse por esta última para tener una idea del sonido que presentan en este disco y que me imposibilita dejar de escucharlos: las referencias, aunque no obvias son Anathema (era post-Duncan Paterson), en su vertiente más alternativa, algunas cosas de Katatonia, sobre todo de los discos "Discouraged ones" y "Tonight Decision"...pero solo una referencia, ya que lo que les sobra es personalidad.

A esta personalidad hay que sumarle un grupo de canciones bellísimas, con las letras más inspiradas y las melodías más emotivas escritas dentro del Rock en mucho tiempo, trayendo un poco de estética desesperanza a este mundillo lleno de posers "rolingas" y "emo's", que plantean solo una cultura del reviente o la "tristeza" totalmente estupidizante, que la verdad no lleva a ningún lado.

Esto es desesperanza y tristeza transformadas en conmovedoras canciones que te llegan a lo más profundo del alma...¿como evitar caer rendidos ante canciones como "Aconcagua"?: "Cada vez que mirés el cielo que imaginamos despiertos. Cada vez que soñés con mares cubriendo arena y viento. Cada vez que matés el tiempo esperando sentir el fuego. Allí estaré para escudarte del dolor. Mi corazón invadirá tu soledad. Los mares no serán distancias al llegar. Nuestra cima cuidaré."

O a "Mil Silencios": "Calma, calma.Soy el fin del mundo.Soy el fin del color.Soles y más soles.Mil silencios.Me soltaré y caeré.Soles y más soles.Mil silencios.Dolor"... o a "Muelle": "Solitario caminaré. Furia sol, furia mar. Paso tras paso, hacia el final. Germinaré esperanzas. Tallo del alma, raíz sin paz. Furia sol, furia mar. Estaré atento, he de esperar señal estrella que guiará. Quisiera llegar al sol, quisiera llegar a vos. Furia sol, furia mar. Me sentaré en el borde del muelle a esperar, a soñar despierto y lentamente tu semilla nacerá. Furia sol, furia mar. Solitario caminaré. Mar del Sur abrigará (mis sueños). Quisiera llegar al sol, quisiera llegar a vos. Furia sol, furia mar".

Esto solo es una muestra de lo sentidas que son estas canciones. Y nunca una tapa me pareció más acorde al contenido del disco, los tonos grises, la tristeza y la pesadumbre puestas en color, y las torres de alta tensión, que me indican que la electricidad esta canalizada y utilizada para generar y disfrutar de un estado de animo, no está puesta en función de la agresividad....Vamos, esto no es metal, para nada....esto es Rock, pero entendido como una forma de expresión artística que no tiene porque ir de la mano con el Rock más complaciente ni fácil de escuchar.

Taura, una banda que se tiene que escuchar y disfrutar. Acá les dejo el disco porque es difícil de conseguir en el interior del país, pero si les gustó, no sean forros y difundan a esta banda.

The Jimi Hendrix Experience "Electric Ladyland" (1968)

mujeres

"Las cosas no se mezclan-dijo él-. Deberían, pero no lo hacen. Ya me he dado cuenta de eso... Ya sabes, magia, tocar música.....pero las cosas no funcionan así. Las cosas no se mezclan"(Ursula K. Le Guin, Cuentos de Terramar-Diamante y Rosaoscura). Esto dice Diamante en un pasaje de del cuento arriba citado. Es por ello que, a pesar de que hay en el mundo cientos de discos que nos emocionan, nos impresionan, nos gustan.....hay pocos que podemos realmente catalogar como mágicos, que están más allá de cualquier estilo y género, y que nos dejan sin palabras al momento de intentar describirlos; entre ellos obviamente esta esta obra de arte mágica, psicodélica, blusera, progresiva, funky....escojan un calificativo y este disco lo llenará sin el menor esfuerzo.

La lista de músicos que participaron en este disco es impresionante, y entre ellos se destaca su baterista incondicional Mitch Mitchel, los tecladistas Steve Winwood, Mike Finnigan y Al Kooper (quien también se encarga del piano) que realizan una tarea titánica, acompañando, dialogando y zapando con la maravillosa guitarra empuñada por EL GENIO.

El disco es una especie de experimento "en vivo en estudio", y dicen que llegaban músicos invitados por el mismísimo Jimi, algunos borrachos, o gente que acababa de conocer en la calle, y participaban de la grabación.

La seguidilla de clásicos es maravillosa, y simplemente basta nombrar dos canciones para darse una idea de lo que esta fantástica mezcla de psicodelia, blues, Rock, y zapadas eternas son capaces de provocar: "Voodoo Chile" (una versión de casi 16' y otra mas corta), "Still raining, still dreaming", y une hermosa versión de una canción de Dylan, "All along the wachtower". Por otro lado, escuchando "Gipsy eyes" no podemos más que pensar y descubrir unas de las influencias más importantes de los Red Hot Chilli Peppers, llevando al Funk a un mix lisérgico solo alcanzado por los increíbles Funkadelic.

Háganme caso y escuchen esta maravilla, que fue el último registro en estudio antes de que Jimi se transformara en mito. La portada originalmente fue censurada por los idiotas de la compañía discográfica.

Bienvenidos a lo que será el comienzo del fin de lo que entiendan por música....y magia.

Mayhem "De Mysteriis Dom Sathanas" (1994)

classic

Dentro de la música y sus diferentes géneros y estilos, uno tiene debilidades que es muy complicado explicar y hacer entender a los demás el porque nos fascina tanto una banda en particular.

Y una de mis debilidades es esta banda noruega: tal vez sea por la historia que la rodeó al comienzo de su carrera (pertenecía al Inner Circle), o por la crudeza y brutalidad de sus primeras grabaciones (a las cuales llegué más tarde, por supuesto)..no se, la cuestión es que todo lo editado por estos trogloditas me parece increíble, y tienen todo el derecho a no estar de acuerdo.

De todas formas en este disco, la maldad, frialdad y repugnancia que transmiten es realmente imposible de poner en palabras. Historias terroríficas que parecían sacadas de alguna historia perdida de Mario Bava, o George Romero (dos maravillosos directores de culto), como en la canción "Freezing Moon": "Todo aquí es tan frío, todo aquí es tan oscuro, lo recuerdo como un sueño en un rincón del tiempo, diabólicas formas flotan fuera de la oscuridad, recuerdo que fue aquí donde morí, por seguir a la helada luna. Es de noche otra vez, hermosa noche, complazco mi hambre de humanos vivos, noche de hambre, siguiendo su llamado, siguiendo a la helada luna. La oscuridad está creciendo, la eternidad se abre, el cementerio se ilumina de nuevo, como en los antiguos tiempos, las almas caídas mueren detrás de mis pasos, siguiendo la helada luna", hermoso, belleza en su estado más puro, una bizarra y oscura belleza,...pero belleza al fin (JAJAJA!!!!!)

Todas las letras siguen estos tópicos. ¿ Y la música?. Black Metal de elite que te hiela la sangre y te obliga a mirar para atrás por las dudas haya algún psicópata comehumanos que se tome la cuestión demasiado en serio. Todo aquí está en función del clima a transmitir, los riffs hiperveloces y ríspidos, la batería (gracias Hellhammer), que no deja ni un segundo de taladrarte la cabeza, el bajo totalmente low frequence (de nuevo gentileza del baterista, por expreso pedido de los padres de Euronymous, que se negaban a que el líder de Burzum aparezca siquiera en los créditos).....y las voces......¡¡¡¡¡¡¡¡por dios....esas voces.........terroríficas!!!!!!!!: Attila es unos de los vocalistas más menospreciados de la historia de la música extrema, pero es uno de los pocos capaz de evocar tan solo con un susurro todo el frío glaciar del polo norte y sus alrrededores, ni que hablar cuando pega esos alaridos que ya son marca registrada, y que lo llevaron a ser invitado por bandas tan diversas como Aborym, Sunn o))), Burial Chamber Trio, y un larguísimo etc.

Todo esto se encuentra rematado por uno de los artes de tapa más oscuros de la historia del metal (recuerden que esta banda es una debilidad personal y no puedo ser muy objetivo), solo alcanzado tal vez, por el de Sunn o))) en "Black One"....un edificio (Iglesia?...Mausoleo??....wow!!!)

No se..... una obra incomprendida en su momento, que casi 15 años después sigue provocando el mismo frío y transmitiendo el mismo terror primigenio. GRACIAS MAYHEM!!!!

Satyricon "The Shadowthrone" (1994)

satyricon

Un grito, de desprecio, de furia, de odio hacia la humanidad y todo lo que ella representa. Junto con unas cuantas bandas más (entre ellas Emperor, Mayhem, Burzum, Immortal, de las pioneras por supuesto), Satyricon logró plasmar en su música toda la misantropía que destilaba la escena por aquella época y que tanto costó entender a principios de la década del '90.
Por aquellos años estábamos acostumbrados al extremismo planteado por el Death Metal, pero esto...definitivamente era otra cosa. Es verdad que no se entendía nada (En general las letras estaban en noruego), pero había algo en el estilo, en el Black Metal, que nos decía, o que intuíamos estaba más allá del Death, Thrash, y toda la música más extrema.....y sonaban enojados en serio, la ira, la oscuridad, el desprecio era realmente honesto, y nos cautivó....Creo que a todos aquellos que nos metimos en el Black Metal, de a poco, nos fue absorviendo.....hasta no dejar un resquicio de luz por donde se pudiera colar algo de alegría......y así fue que descubrí que el Black no era (hoy por hoy no lo afirmaría rotundamente) un estilo "jodón", o alegre.
Este disco en particular tiene tantos detalles a los que prestarles atención, que en el momento en que uno se enganchó con él, es necesaria una nueva oída para ver que más hay detrás de la supuesta "bola de ruido" que sistemáticamente denuncian los detractores del estilo. No me vengan con acá no hay melodía, estos tipos no saben tocar o es fácil hacer lo que ellos hacen.....presten atención a los majestuosos teclados que llenan de oscuras melodías las extensas y épicas canciones de este hermoso disco, perteneciente a la época dorada del Black Metal, aquella de donde provienen las obras que sentaron las bases de lo que sería unos de los movimientos que renovó la música extrema a fines del siglo pasado, y de donde siguen sacando influencias todas las bandas que hoy por hoy pertenecen a ese sub-estilo llamado Kult Black.
En "The shadowthrone" nos encontramos con oscuros recitados acompañados por chirriantes guitarras, más algunos acordes de la vieja y querida "criolla", empuñada por uno de los músicos más carismáticos dentro del metal de los últimos 20 años, Satyr, líder y alma mater de la banda, que se ocupa de guitarras, voces y teclados, acompañado en este disco por su eterno compañero de ruta Frost en batería (es increíble lo que este tipo puede hacer con sus manos y pies), y por uno de los músicos de Emperor, Samoth, en bajo y guitarras. También podemos disfrutar de una de las voces más odiosas y misantrópicas que había en esos momentos, solo superada en frialdad y maldad por lo realizado por el húngaro Attila Csihar en Mayhem, otra joya noruega pronta a ingresar en el panteón de los discos clásicos.
Respecto de su disco anterior, es un gran paso adelante, tanto a nivel compositivo, como de producción, sonando mucho más consistente y menos disperso, centrándose a veces en una forma clásica de composición, llevando adelante un lei motiv al que de apoco le van agregando detalles y nuevas sonoridades, como es el caso de "Woods to Eternity". A este disco también pertenece uno de los temas clásicos de la banda "Dominions of Satyricon", aunque sería injusto mencionar solo esta canción, ya que todas tiene su peso propio y ninguna se destaca por encima de las demás.
Así que aquí les dejo una de las glorias del Black Metal de la primera camada para que disfruten y vayan preparando los paladares (oídos), que se viene una avalancha de misantropía noruega y sueca muy pronto. ¡¡¡¡¡¡¡¡HAIL SATAN!!!!!

Soda Stereo "Dynamo" (1992)

Supe entender muchas cosas en la vida, como el hecho de que todo tiene que ver con todo o quizás nada tiene que ver con nada.Pero la cuestión acá es tratar de, por lo menos por esta vez, entender la actitud de los medios de prensa especializados en música (desde Pelo, Rock and Pop, etc., etc.) al analizar un cambio compositivo de una banda de rock.

Recuerdo que corría el año 1991 y los mismos tendenciosos medios de siempre preparaban la guillotina para Soda Stereo diciendo que Cerati desplomaría el grupo en pedazos y que la banda no duraría mas allá del 92.

Es evidente que la función de los medios de prensa musicales para lo único que sirven es para defenestrar obras maestras y para crear falsas expectativas o falsos testimonios para venderle a la gente quilombos mediáticos con el propósito de incrementar ventas.

¿Y de lo musical?, no leí nada relevante en esa época con respecto a Dynamo, es más, Dynamo fue enterrado en un horrendo campo de concentración como lo peor de Soda Stereo.

Recuerdo que en los 90 el cd no estaba en su máximo esplendor, ni mucho menos el dvd , y para quien suscribe, conseguir un material tanto de discográficas populares o under, era toda una odisea. Odisea en el sentido de que había que juntar moneda por moneda para comprar el material de tu artista favorito, y más difícil aún si de ese formato se trataba, ya que el vinilo estaba en extinción , y lo que se conseguía eran cassettes en su mayoría.

Soda Stereo no les dio con el gusto a los buitres de los medios y arremetieron con "La joya", el diamante en bruto jamás realizado por la banda.

Una vez me puse a pensar seriamente que tal vez lo que los llevó a los críticos de música a defenestrar "La joya" fue el mal funcionamiento de sus cerebros debido a que en el 92 estaban mal alimentados por la crisis inflacionaria del 89.

Por otro lado, en este país, como todo es amiguismo, los medios están dominados por incompetentes e ignorantes que no saben analizar profundamente el arte de la música y sus cerebros estan muy bien capacitados, pero para criticar discos de Bandana, Chaqueño Palavecino, Daniela Romo o Patito Feo.

"Sequencia inicial" te levanta de la cama y te estampa en el techo por que la atmósfera sónica te anestesia el cerebro con la mejor droga que hayas probado en tu vida, después te vas por una ruta siniestra mientras "Toma la ruta" es decorado por los exquisitos teclados de Daniel Melero.

Debo confesar que "En remolinos" me provocó múltiples orgasmos hasta el día de hoy, es una bella agonía donde Cerati se ve envuelto en una estridente pared de sonido.

Los tracks de Dynamo van in crescendo y luego te dan un descanso y así sucesivamente, la tormenta te moja con "Primavera 0","Luna Roja","Ameba" donde se nota claramente la astucia de Cerati al momento de componer tomando lo mejor de la moda de la época,tanto estética como musicalmente, y seguro descubrís a EMF,Jesus Jones, o hasta el mismísimo U2 de Atchung Baby. La electrónica "Nuestra Fe" es tan hermosa que podría escucharla cientos de veces hasta quedar sordo. "Claroscuro" es tan bailable, tan preciso, tan moderno....... tan sónico en si mismo.

Soda no se separó en el 92, lo haría en el 97, pero "Fue" predecía el triste derrumbe del sueño estéreo, un himno agridulce lleno de subliminal despedida.

Podés hecharle la culpa a Soda Stereo de haberse reunido en el 2007 por el dinero, podés decir que la carrera solista de Cerati jamás será como la de Soda, podés decir todo lo que quieras de ellos excepto que su legado musical es único, versátil, actual y por sobre todo osado. Todo lo que llega hasta arriba vuelve a caer, toda banda de rock que llega a un punto máximo de expresión y éxito debe ser excluída para darle lugar a la grasada popular, y cuando una banda o artista solista explora territorios musicales nuevos para enriquecerse compositivamente son destruidos.

Yo no les hecho la culpa a Soda Stereo de nada, si bien no son perfectos (bueno, nadie lo es); pero si de hechar culpa se trata, sin dudas la culpa de tanta chatura musical en boga es de ellos, los eruditos críticos de música.

No se si Soda me dará la alegría de escuchar material nuevo, pero estoy seguro que "La joya" quedara grabada como una de las bandas sonoras de mi corazón.Soda Stereo por siempre.

Aquí

Opeth "Watershed" (2008)

agua

No puedo comenzar esta reseña mas que diciendo que Opeth acaba de sacar unos de los mejores discos de los últimos 5 años....sorprendiendo a más de uno (entre los que me incluyo).

Atrás quedó ese disco que remitía automáticamente a la banda americana Tool, y que le quitara a la banda todo ese mágico y místico dinamismo que tuvieron a lo largo de su extensa carrera. Aquel disco (me refiero a "Ghost Reveries") marcó también el alejamiento de su compañero y fundador Peter Lindgren, el otro guitarrista, quién formara junto con Mikael un tándem único que fuera nombrado en muchas revistas especializadas de música como uno de los 100 dúos de guitarristas más importantes de la historia.

Ese alejamiento, sumado a la sección rítmica uruguaya ( baterista y bajista-este último retornó a la banda), nos/me hizo pensar lo peor, ya que el nivel de entendimiento y química que había logrado la banda en discos anteriores era muy difícil de superar.

Pero, como esta banda siempre nos sorprendió, me hizo callar de la mejor forma posible, de la única forma que Opeth puede hacernos callar a todos los que amamos la música: con su arte, con su forma de entender que la progresión y la evolución no implica una renuncia a la forma de hacer y exponer su arte, la Música (así con mayúsculas).

Los nuevos integrantes se ensamblan de una forma que parece que estuvieran en la banda desde hace 10 años: Fredrik Åkesson en guitarras y Martin Axenrot en batería logran realmente sorprendernos a lo largo de las 7 canciones de esta maravilla parida por Opeth.

¿Canciones?....son más que eso, se te inscrustan en la mente y es imposible dejarlas de escuchar. La canción "Coil", es una especie de intro un poco más extensa de lo habitual con una voz femenina invitada que no hubiera desentonado para nada en "Damnation"(otra obra maestra de la banda), al igual que la cautivante y melancólica "Burden", llena de mellotrones, y hammonds y un clima que destila tristeza, de esa que provoca alegría cuando te inunda.

También se encuentra presente la fascinación de Mikael por Morbid Angel, con canciones que por momentos rozan las estructuras del Brutal Death Metal. Los 2 primeros minutos de "Heir apparent" son realmente pesados y oscuros....oscurísimos....casi una reminiscencia de "Dirge for November" de "Blackwater Park", aquel increíble lanzamiento del año 2001.

Y hacia allá nos lleva "Watershed", hacia el año en el que Opeth dejó de ser un secreto guardado del underground que no muchos compartíamos, para ser una banda que tomaba por asalto la escena en base a una producción increíble (gracias Steven Wilson) y canciones maravillosas que se te hacía imposible dejar de escuchar.

Junto con "Blackwater Park" y "Damnation", lo mejor dentro de la fantástica discografía de este ente amorfo, originado en las frías tierras de Suecia.

Agua de Annique "Air" (2007)

aire

Todavía no me repongo de la triste noticia de que Anneke van Giersbergen, (cantante de The Gathering hasta hace unos meses), dejaba dicha banda...según ella para dedicarse a su familia. Todos pensábamos (yo de hecho lo sigo haciendo), como van a hacer los restantes integrantes de esa maravilla holandesa para reemplazar semejante caudal emotivo generado por unas de las gargantas femeninas más personales y mágicas de los últimos 30 años.

El disco en cuestión que me ocupa ahora es el primero de la nueva agrupación de Anneke, que es acompañada por Rob Snijders en batería (su esposo), Joris Dirks en voces y guitarras y Jacques de Haard en bajo.

Creo que debe haber ocurrido algún problema entre los demás miembros de The Gathering y su cantante, porque lo que practica esta banda es muy, pero muy similar a lo que viene haciendo la primera en sus últimos dos discos: o sea, música que ya no es tan intensa ni oscura, aunque lo que perdió en intensidad lo ganó en melancolía y en climas que, estando más relacionados con Pop, no dejan de sorprender por la profundidad que logran transmitir.

Las letras son escritas casi completamente por Anneke, que en el primer tema "Beautiful one", le escribe una conmovedora canción a su hijo (por lo menos a mi me gusta creer que es así), mientras que en "Witnesses", se despacha con una canción llena de enojo por la actual situación de este patético mundo que nos toca vivir....realmente escribe muy bien.....y la música definitivamente se te mete en el alma y no te suelta......se hace difícil dejar de escuchar "Air", la verdad.

Si te gustó "Home" y "Souvenirs" de The Gathering, no dejes pasar este disco que es realmente hermoso y te puede hacer compañía en una tarde lluviosa y fría de invierno, como así también en una cálida mañana otoñal, mientras disfrutas de una buena compañía que disfrute tanto como vos la música.

Entombed "Wolverine Blues" (1993)

lobos

Otro disco que partió en dos la historia del metal más extremo de fines de los '80 y principios de los '90. Yo venía de escuchar cosas como Metallica, Anthrax, Slayer, el "Draconian Times" de Paradise Lost (dentro de una veta mucho más melódica por supuesto)...en fin una serie de discos, que por esa época-años 1995/1996-los escuchábamos por la agresión, la violencia, la tristeza que transmitían...pero esto era definitivamente otra cosa: era terriblemente ganchero, muy rockero, pero, al mismo tiempo, muy violento....no dejaba de ser Death Metal, ese que había escuchado meses antes en el disco anterior de la banda, "Clandestine", que me había sorprendido por su tecnicismo (faltaban unos meses para escuchar Cynic y Atheist).

Un disco que se podría haber titulado sin ningún problema "Greatest hits".....son todos clásicos instantáneos, esos que al primer acorde ya estás moviendo la patita y agitando la cabeza, por más de que el estilo no te atraiga en absoluto...pero podés seguir el ritmo....cosa que en ese momento no era lo deseable: cuanto más podrido y sucio era el Death mejor...recuerden que por esa época estaba Cannibal Corpse, a quienes no era fácil seguirlos,¡¡¡¡¡¡ ni siquiera entenderles las letras teniendo el libreto interno en la mano!!!!!!!!!

¡¡¡¡Las letras!!!!!!!!!Por dios!!!!!!!!!!!!!!!Eran las cosas que tenía ganas de escuchar en ese momento de una banda: porque descuartizar bebés para añadirlos a tu colección personal era divertido.....pero alguien que berrea con todo el odio y la furia que se te pueda cruzar por tu podrida cabeza "...Humanity is the biggest cancer ever to be seen...", merece ser encumbrado como uno de los letristas más honestos del metal extremo (gracias Nick por tantos años de buena música!!!!).....

Creo que eso es lo que me volvió un adicto a la música de Entombed: desde que comenzaron hasta la actualidad, permanecieron honestos y consecuentes consigo mismo, haciendo lo que tenían ganas de hacer en el momento que se les daba la gana....inclusive abandonando el Death Metal para darle vida a un nuevo estilo: El Death 'n' Roll, que nació justamente con esta obra de arte sueca de escasos 35 minutos, con 10 canciones que no sobrepasaban de los 5' (la primera edición en realidad tenía 2 temas menos, el cd tenía un cómic del personaje de la Marvel, Wolverine,...y entraba en un lado de un TDK de 60'!!!!!)

Grabado por cinco suecos en los Sunlight Studios a las órdenes de Thomas Skogsberg, que ya eran considerados en Europa como el lugar y el productor para este tipo de bandas, generando un sonido de guitarras tan característico, que era identificable desde la primera escucha de un disco, y que era sinónimo de calidad; Nick, los dos Lars, Uffe y Alex: la mutación definitiva de un estilo y el nacimiento de otro, un clásico instantáneo para la música extrema

europea.

Solefald "In Harmonia Universali" (2003)

armonia

¿Qué pasa cuando a un par de noruegos se les ocurre que los límites entre los géneros y los estilos son una convención que hay que destronar/expulsar del mundo de su música? La respuesta es simple y compleja al mismo tiempo, por paradójico que parezca y sea: pasa Solefald, y este disco es sólo una excusa para escribir acerca de esta banda que no tiene ningún punto de comparación en el mundo de la música.

Sólo el primer disco puede ser catalogado como netamente Black Metal, ya que a partir del segundo "Neonism" del año 1999, todo cambió. Todavía cuando escucho ese disco, salgo un poco descolocado, sorprendido....pero exhausto ante una especie de maremoto musical que te pasa por arriba y frente al cual no hay posibilidad de escape (de todas formas, si la hubiera no la tomaría). Después llegó "Pills against the ageless ills" del año 2001, un disco muy duro y al cual me resulta todavía difícil de entender, por lo que para mi es el "peor" de la banda.

Y así llegamos al cuarto disco de esta orquesta noruega de dos MÚSICOS, que se reparten, batería, bajo voces, guitarras, sintetizadores, más unos cuantos invitados que le dan con sus instrumentos unas pinceladas tan bizarras como atrapantes: Kjetil Selvik en saxofón y voces es de lo más relevante en la discografía de Solefald, otorgándoles pincelas experimentales y jazzeras que por momentos me hacen acordar a lo más climático del Ulver de "Perdition City"; los otros invitados en las canciones 3 y 5 son Kristian Krüger, Kjetil Selvik, Sigurd Høye, encargados de los coros, siendo la canción 5 del disco una de las mejores de toda la carrera de la banda, pasando por todos los climas imaginables, divertida, oscura, críptica, progresiva, psicodélica.......

La psicodelia es otro de los elementos fundamentales a resaltar en este disco haciéndose presente bajo las formas de Hammonds B3 que dibujan unos viajes dentro de las mismas canciones que solo se deben experimentar para poder entenderlos. Es increíble la variedad musical que brinda Solefald, y de la que toma sus influencias, entre las que se debe nombrar: la música clásica contemporánea, la escena avant-garde jazzera de Nueva York (es imposible que no hayan escuchado con atención al genio John Zorn), obviamente el Black Metal y sus vertientes más técnicas y la música progresiva y experimental más moderna.

El trabajo en las voces es extremadamente intrincado y rico en colores extraños....y las guitarras pueden sonar muy rebuscadas y melódicas, como así también hipnóticas y vertiginosas acompañadas por esos Hammonds B3....y las guitarras criollas (como se las llama en Argentina) le dan un toque "raro"....son una voz más dentro de este coro plagado de locuras llevado adelante por Cornelius y Lazare.

Las letras son un mundo aparte, y lo único que puedo decir es que a los integrantes de esta banda se los va a recordar por su ironía casi inglesa, y por escribir letras que no resultan típicas para el ámbito del metal, donde no queda lugar a dudas que las cuestiones políticas pueden ser tratadas de una forma metafórica y divertida, para evitar el panfleto.

Me olvidaba: el sugerente arte de tapa es creación de un notable artista checo llamado Jan Kristofori, búsquenlo en la red que realmente vale la pena ver parte de sus obras en la misma.

Ya llegará la reseña de su viaje a la mitología nórdica en los dos discos siguientes, hasta entonces!!!!!!!

Cradle of Filth "Midian" (2000)

midian

Tal vez éste disco sea el último lanzamiento realmente importante de esta banda inglesa que supo ser un referente del Black Gótico de pricipios de la década de los '90. Ya venían de una serie de lanzamientos muy interesantes, aunque sin poder llegar al nivel compositivo de los 2 primeros discos "The Principle of Evil Made Flesh"(1994), "Dusk...and Her Embrace"(1996) y en menor medida "Cruelty and the Beast"(1998)...el mayor logro estético de la banda.

Luego del disco del año 1998 la tensión entre los miembros de la banda llegó al extremo, lo que se vio en la siguiente grabación "From the Cradle to Enslaved", un e.p. que contenía 2 canciones nuevas y otras 4 más (entre reversiones y covers de Anathema y Misfits), en la cual había tres bateristas tocando, ya que aquí es donde se va/expulsan el baterista histórico Nicholas Barker, e ingresa el ex-baterista de At the Gates. Todo esto hizo suponer a los seguidores de la banda que la música ya no sería la misma.

Esta suposición se confirmó a continuación de "Bitter Suites to Succubi", y ya nada volvería a ser lo mismo.

Pero con este lanzamiento, contando ya entre sus filas con Adrian Erlandsson en batería y a Martin Powell (Ex-My Dying Bride y ex-Anathema) en teclados, realmente sorprendieron a muchos, y aún hoy se puede disrutar de clásicos como "Her Ghost in the Fog", "Cthulhu Dawn"....y 9 canciones más, que sin ningún tipo de dudas, atravesarán el tiempo y se escucharán con nostalgia en los próximos 10 ó 20 años.

¿En dónde radica parte del encanto del disco? Más allá de lo extrictamente musical, el concepto que rodea esta obra es tanto o más atrapante que la música misma: está inspirado en la novela "Cabal" del increíble Clive Barker, autor también de "Libros de Sangre", (que revolucionó el género de la literatura de terror hace ya unos cuantos años, y director de "Nightbreed", inspirado en la misma novela, que incluyera música original de Danny Elfman.)

Obviamente, las letras aquí puestas al servicio de una historia tan fuerte, tienen peso propio, y merecen cierta atención que este breve espacio no le puede brindar.

Los músicos suenan ajustadísimos, sin dejar la agresión propia del estilo, y produciendo una atmósfera tan agobiante, que por momentos da la sensación de estar participando de la historia misma, de estar incluídos en la macabra novela "Cabal".

Así, una banda de sonido fue creada por estos vampiros ingleses, adoradores de la época victoriana, para los descarriados, expulsados, para los antiguos, actuales y siempre presentes enemigos de la luz.....Bienvenidos, atraviesen las puertas de este maravilloso cementerio, e intérnense en el inframundo de Midian, donde las criaturas más increíbles y míticas pueden aparecer.

Dimmu Borgir "In Sorte Diaboli" (2007)

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La verdad que este nuevo LP de los noruegos me sorprendió gratamente. Con el disco anterior "Death Cult Armageddon" (ya que la regrabación del maravilloso "Stormblast" no entra en consideración como nuevo disco) me habían dejado con un gusto un poco amargo: las canciones no eran malas, pero se echaba de menos la voz de Vortex, el maravilloso y chiflado vocalista (aquí también bajista) que también participa en Arcturus, Lamented Souls, etc....y formó parte de, entre otras bandas, Borknagar. Justamente las mejores eran aquellas en las que él participaba....Por otro lado la producción no me pareció lo suficientemente buena para el disco, ya que a la larga los temas terminaban sonando todos iguales dentro de un sonido mas bien chato y un poco desbalanceado en la mezcla (algo que ya les había pasado con "Spiritual Black Dimesions") y la verdad, mas allá de que en conjunto no era un disco malo, te hacía rascar la cabeza preguntándote que era lo que no terminaba de cerrar.

Ahora, con esta nueva obra, los hombres de negro se superaron, y parieron una obra casi tan descomunal, maléfica, épica, extrema, bizarra, oscura, y con ese toque de groove que tan bien les queda, como el lanzamiento del año 2001 "Puritanical Euphoric Misanthropia". Las intervenciones son soberbias, y no hay un punto específico para resaltar: Las guitarras están donde y como deben estar, el bajo de Vortex se escucha bastante y le da otra dimensión a la banda, lo mismo que su voz: es increíble lo que este monstruo puede hacer con sus cuerdas vocales, que seguramente se las robó a algún dios noruego, porque sino no se explican sus intervenciones en casi todas las canciones de este fantástico disco. Obviamente del baterista no se puede decir nada nuevo, ya que, creo, Dimmu Borgir era unas de las pocas bandas en la que no había intervenido: estamos hablando de Hellhammer, quien toca en Arcturus, Mayhem, Winds, Age of Silence, etc.........y creo que estuvo metido en la composición del disco y no sólo participando a modo de invitado, al igual que Vortex, que sacó un par de ideas de su otra banda Arcturus para jugar e intervenir con sus voces épicas en "In Sorte...". ¿Qué puedo decir de Mustis, el tecladista?. Que desde que entró en la banda, la música cobró unas dimensiones cinematográficas (y no me vengan con el "Hollywood metal" de los tanos Rhapsody!!!), y épicas que antes no tenía bajo ningún punto de vista: es el hombre que ayudó a Dimmu Borgir a salir de esas antiguas canciones, que si bien eran excelentes, no había mucho más para explorar en ellas.

Las canciones hablan por si solas, sonando mucho más extremas y thrasheras que las del disco anterior, pero muchísimo más gancheras y, al mismo tiempo, oscuras, realmente oscuras. Me gustaría destacar la que abre el disco con su introducción épico-sinfónica (¡que capo Mustis!!!!!!!!), el tema 3, que tiene un riff que podría pertenecer tranquilamente a algunos de los tres primeros discos de Immortal, y el tema 8 que es una nueva forma de escuchar en una sola canción al Dimmu Borgir de "Puritanical..." y al Arcturus más pesadillesco y burlón.

Otro punto a favor es la duración del disco, que puede parecer corto, pero no: los casi 43' que duran los nueve temas, los vuelven mucho más disfrutables, y al ser ésta una obra conceptual, se vuelve más sencillo seguir la historia, que le hace honor a la oscuridad y el extremismo del planteo actual de los noruegos; no voy a hacer hincapié en las letras pero hay una frase de la 1° canción, que resume el concepto del disco: "...I am hatred, darkness and despair..." ("...Soy odio, oscuridad y desesperación..."). Y aquí encontramos el punto que une a éste disco con la anterior discografía de la banda: siguen sonando y transmitiendo tanto odio como antaño, tan oscuros como en aquellos viejos buenos años...eso sí, ya perdieron esa cuota de romanticismo que poseían en los dos primeros discos, como así también su misticismo y rusticidad....pero lo reemplazaron por una calidad musical que pocas bandas del estilo poseen en la actualidad.

Morgion "Solinari" (1999)

solari

Increíble primer disco de esta banda norteamericana de Doom/Death (en realidad sería el segundo, contando el E.P. inicial "Among magestic ruins"). Canciones superprofundas, sin muchas complicaciones, pero con unos climas tan majestuosos que las melodías que hilvana este cuarteto casi pueden palparse y respirarse mientras disfruto de la música.

La música. Eso es lo importante aquí, no la imagen, no las declaraciones estúpidas....la música es la principal protagonista. Las guitarras tejen melodías hermosas, por momentos oscuras, por momentos luminosas, pero nunca olvidables. Haciendo una comparación un poco tonta, los dos guitarristas se entienden a la perfección, jugando con dobles armonías al modo que lo hacían los ingleses Iron Maiden. Es increíblemente hipnótico el trabajo realizado por Dwayne y Gary, con arpegios calmos y arranques de furia que te paralizan. Las guitarras se entretejen con los teclados, que a modo de colchones muy eficaces, rellenan todo el espacio, dando la impresión de estar escuchando al mismo universo respirar, crecer, expandirse frente de uno. Los golpes del baterista le terminan de dar la profundidad necesaria, siendo sus aportes fundamentales aunque no por ello complicados, ya que están ubicados en el momento justo de cada canción.

Podría estar días describiendo la música de Morgion (y no sólo la de éste disco, sino toda su obra, que al no ser muy larga, se vuelve más imprescindible para entender este estilo en la década pasada)...cada tema tiene vida propia, siendo el más sorprendente (por lo menos para mi) el 4, "Nightfall infernal" con sus 11' de profunda e incontenible miseria, y el tema que abre la placa "The Serpentines Scroll / Descent to Arawn"...aunque es inapropiado o egoísta destacar solo una canción ya que todas podrían ser elegidas por uno u otro motivo. Las estructuras elegidas son similares: momentos calmos, de reflexión, de introspección, donde la angustia está en un lugar preponderante, seguidos de pasajes más violentos donde lo que predomina pareciera ser cierta furia antes contenida.....belleza pura. Todo adornado con arreglos casi progresivos.

Las letras abordan la misma temática que evoca la música: Introspección, la inmensidad del cosmos...Muestras hay un montón: "Camino entre este panteón, para recoger las estrellas, bendiciendo la encerada luna, y tragándome el sol, pues puedo adivinar la llegada de Dios, ascendente Cielo, descendiente Infierno, pues seré un elegante rey, y la víspera será mi recompensa, así como está escrito, así será hecho, la caída del padre, la caída del sol"(Canticle). "Está atento, pues podrías ser hechizado por su presencia, por su encanto. En lo profundo del cosmos, en su trono de estrellas y vacío, cada palabra hablada, invocando. Cada sílaba, una runa. Por cada emoción serás responsable, como las arenas del tiempo desde que cayeron. Un ahumado sobre la pálida carne, para formar la oscuridad creciendo dentro del corazón, dentro de la mente, como la caída de mil dioses.Solinari"(Solinari)..... también podría seguir....unas letras tan oscuras y crípticas como la misma música que las sostiene.....

Un hermoso viaje a tierras llenas de oscuros recovecos, tinieblas hirvientes, anocheceres infernales, océanos sin costas, una naturaleza tan majestuosa e imponente que paraliza la respiración, y un cielo tan desoladamente hermoso como el arte que ilustra la portada del disco. Disfruten esta maravilla y nos vemos en "Cloaked by Ages, crowned in Earth"

Boris "Boris at Last-Feedbacker" (2003)

Hace tiempo que tenía ganas de reseñar un disco de este trío de japoneses locos, que sorprenden y mutan disco tras disco, con la particularidad de que editan un promedio de 4 discos al año, sin contar los ep's que puedan sacar en colaboración con otros artistas.

Definir o clasificar la música que hace Boris es extremadamente difícil, no porque el estilo sea muy complicado sino porque varían muchísimo entre cada disco, y los artistas con los que colaboran tampoco ayudan: desde el drone mas enfermo que haría quedar a los Sunn O))) como si fueran una banda glam de los '80, hasta el stoner mas rutero que te hace recordar a bandas como Kyuss ...pasando por experimentaciones sonoras cuasi terroristas ayudados por enfermitos del Japanoise como Merzbow....con Boris todo puede ocurrir.

En este caso nos encontramos con un único tema de casi 44' en el que comienza con puro feedback durante casi 10'...luego hace su aparición la mágica, majestuosa, épica guitarra de esa pequeña monstruita diminuta llamada Wata, capaz de lograr extraerle a su instrumento sonidos que van desde los más espaciales (a la mitad del disco hace un solo que parece compuesto por David Gilmour) hasta los acoples más enfermos...pasando por sonidos ultragraves y deformes que te aplastan y no te dejan respirar; ya sobre el final el sonido se va esfumando y esparciendo por el espacio a medida que el sonido se aleja en un fadeout que te transporta hasta el infinito.

Recursos infinitos parecieran tener estos tres japoneses y todos sus amigos, ya que, como dije, no nos dejan de sorprender con cada experimento que editan.

Un último dato: Hay una edición que viene dividida en 5 track con el mismo nombre, aunque el efecto logrado dista de ser el óptimo, que es el que aquí tenemos: 44' de rock crudo, atmosférico, espe(a)cial, para disfrutar y degustar de corrido y sin interrupciones.

Acá

Ophthalamia "Via Dolorosa" (1995)

A medida que pasa el tiempo éste disco adquiere, al menos para mi, cada vez más relevancia. Todavía recuerdo la primera vez que escuché este disco, y puede resultar raro, pero me atrapó desde el primer arpegio del primer tema, una intro calma con las palabras susurradas por IT, donde describe este mundo de fantasía llamado justamente Ophthalamia, de grandes y maravillosos árboles, eternas lluvias que caen de un gris y frío cielo, debajo del cual encontramos también grandes montañas, entre las que se puede escuchar el llamado de tristes e infernales vientos. Lo mejor de todo es que a través de su melancólica y oscura música logran transmitir el sentimiento y la sensación de estar atravesando estas vastas y desesperanzadoras tierras, regidas por una diosa que se encuentra acompañada por dos demonios y que se llama Elishia.

Musicalmente enrolada dentro del Black Metal (con un aura de Doom) escandinavo, esta banda sueca no obstante no practica el estilo de las bandas icónicas y pioneras del estilo (Emperor, Satyricon, Enslaved, Mayhem, Immortal, etc.), sino que está fuertemente influenciada por los climas oscuros que solían transmitir los primeros Black Sabbath, es decir que la música es más lenta que la que desarrollaron las bandas anteriormente citadas, con riffs más arrastrados que portan hermosas melodías; sin embargo, las canciones no pierden fuerza, al contrario, ésta se ve realzada e impulsada por los precisos arranques de violencia que poseen los temas, cuya duración es lo bastante extensa como para desarrollar diferentes climas a lo largo de las mismas. Estos se construyen no solo con los acordes, o los riffs de las guitarras de IT, sino tambien con las diversas vocalizaciones utilizadas tanto por éste como por los otros tres integrantes de la banda: Night, Winter y Legion, todos ellos pertenecientes a luminarias del metal oscuro como Dissection, Vondur, Abruptum y Edge of Sanity (Winter era el baterista de dicha banda).

Las letras son un viaje de ida a ese mundo de fantasía, de majestuosos e imperecederos parajes, poblado también de guerreros "medievales", que no temen morir bajo los cielos de esta tierra, y merecen ser leídas mientras se escucha el disco, para lograr así una atmósfera más creíble.

Mención aparte para Dan Swanö, el ingeniero de esta grabación, que después de escuchar el compilado llamado "To Elishia!", es para sacarse el sombrero por lo que logró con la banda.

Mención aparte II: la dedicatoria en los créditos, que para aquellos que siguen la escena black metalera desde hace por lo menos 12 años, hará que se les dibuje una maléfica sonrisa de aprobación en su cara:"...To the Horde & The Black Circle, let the world burn"....."A BIG Fuck off to Count Grishnackh (Cunt Krishna).....We'll get you", JAJAJAJA!!!!: UN SALUDO AL CÍRCULO NEGRO Y UNA AMENAZA A Burzum (que en ese momento se encontraba en prisión, por el asesinato del líder de Mayhem). Justamente el disco cierra con una versión cruda y sucia(como debe ser por otro lado) d el clásico de esta banda noruega llamado "Deathcrush".

"Me maravillo acerca de la vida aunque la muerte esté cerca"....Y yo también, sobre todo si tenemos discos como éste para que nos acompañe durante el camino.

Aquí

Diadema Tristis "Ways of relief" (2005)

¿Qué es Diadema Tristis?.¿Quiénes lo forman?.¿Qué hacen?. ¿De dónde vienen?. Después de escuchar a esta joyita pueden surgir cientos de preguntas más...Trataré de ir respondiéndomelas de a poco, y conforme vayan apareciendo.

Aquí vamos: Diadema Tristis es una banda salteña formada por dos hermanos, Alejandro y Fernando Medina, siendo este último el que formó la banda y su hermano el líder de otra banda salteña (que pronto será reseñada en este blog) llamada Ecliptic Sunset.

El estilo dentro del cual estaría la banda es Dark Folk; aunque en algunos temas aflora una voz gritada que la encasillaría dentro de los estilos más extremos del metal...pero....su fuerte definitivamente está dentro de la vertiente cultivada por los maestros Empyrium, sobre todo en los discos acústicos de ellos.

En el disco encontramos una variedad de instrumentos que le proporcionan a la música de éste dúo unas tonalidades y unas texturas que los acercan a las composiciones típicas del folklore del norte argentino y de toda la zona andina; así encontramos sonidos etéreos, melancólicos, por momentos muy tristes, (aunque muy disfrutables), proporcionados por: charango, toyo, quena, quenacho, sikus, violín, cello, bombo....etc., ejecutados por músicos sesionistas que realmente realizan un trabajo maravilloso. Hay canciones que gracias la presencia del bandoneón logran un clima similar, en melancolía, a los que lograba Piazzolla, o en la actualidad, Dino Saluzzi.

Para aquellos que conocen el norte argentino les cuento que es impresionante como Diadema Tristis logró capturar con su música el paisaje, la soledad, la quietud y tranquilidad que transmiten todos sus cerros, valles y quebradas. Para los que no lo conocen, prueben de ésta forma: consigan en internet (Google) fotos del norte argentino y después de haberlas absorbido, escuchen éste disco y se sorprenderán.

Mención aparte merece el apartado del booklet interno del cual no puedo decir más que una cosa: soberbio...bellísimas fotografías del norte argentino (prueba de esto es la foto de tapa)-creo reconocer una en la Quebrada de San Lorenzo-, imágenes superpuestas con otras más transparentes, todo en un papel satinado que realza la producción; realmente hermoso, y le da el toque final a un producto que (de verdad), no parece realizado en nuestro país (de hecho, es la únioca banda del estilo en Argentina).

Entonces, surge una nueva pregunta:¿Para cuándo el disco nuevo?. Espero que sea pronto, la espera se hizo muy larga.

Thergothon "Fhtagn nagh Yog-Sothoth (Demo)" (1991)

demo

Aquí, en este demo (y con esta banda) podemos señalar el nacimiento de uno de los géneros más opresivos y oscuros dentro del Metal: el Funneral Doom, que tantos adeptos supo cosechar hasta la actualidad; género que por otro lado nació en las gélidas tierras finlandesas, como tantas otras bandas (fíjense en la cantidad de bandas salidas de ese país y después me dicen).

Obviamente estamos hablando de una banda de culto que luego de este Demo saco uno de los discos más emblemáticos de todo el género: "Stream from the Heavens".

De todas formas, lo que nos ocupa es esta cruda, desoladora, lenta y fría obra de Funeral Doom. Cuatro canciones que suman 25', y que te transportan a un fantástico sitio de olas gigantes, de terribles vientos que congelan los huesos, de seres que nos llaman desde las profundidades del océano, de malignos abismos....¿alguien dijo Lovecraft?. Pues estos muchachos finlandeses son fanáticos de este maravilloso escritor, logrando un clima que se asemeja mucho a la opresión y a lo extrañamente ominoso que trasmite aquel con sus relatos. De hecho, esos abismos parecen estar ubicados en aquellas tierras lovecraftianas.

Más allá del pésimo sonido que tiene este demo, y que para el disco no mejora demasiado, si te gustan los climas opresivos, profundos y oscuros de bandas como Skepticism, Evoken, Morgion, etc., es un deber escuchar a esta banda maravillosa.

Pink Floyd "The Final Cut" (1983)

Hacía mucho que no escuchaba este disco....que por mucho tiempo estuvo a la sombra de otras grandes creaciones de esta banda que obviamente sería redundante citar, ya que todos las conocemos.

Ahora, por mas que sea un bello disco, no por ello deja de ser un disco realmente oscuro, aunque creo que es justamente de aquí, de lo oscura que es la temática abordada, de donde emerge la belleza, emotividad y tristeza que nos dejó este "Réquiem para el sueño de pos-guerra"(tal el subtítulo del disco). De eso se trata éste , que hace referencia explícita a la guerra de las Malvinas, ocurrida durante 1982. Aquí escuchamos-y leemos- nombres representantes del patetismo inglés y argentino (y de la estupidez humana en general) como Galtieri y Maggie. Creo que es un heredero directo de la problemática planteada en el disco anterior de los Floyd, "The Wall", donde Waters se despacha con una historia ya conocida por todos, pero que no por eso deja de impactar cada vez que la escuchamos.

"The Final Cut" está íntegramente compuesta por Waters, por sus demonios y fantasmas, que lo perseguirán hasta el final de sus días, y "ejecutada" por Pink Floyd.

Musicalmente, es un disco hermético, difícil de digerir si lo comparamos con otros discos de la banda, al que es obligatorio escucharlo no solo a un gran volumen, sino siguiendo las letras de las canciones. Y aquí se produce la paradoja, en este punto la música se ve relegada a un plano secundario, cobrando importancia los climas generados por las letras.

Y si...si nos ponemos a leer las letras de las composiciones nos llegan y conmueven, nos marcan y no volvemos a ser los mismos (como ocurre con cualquier obra de arte que se precie de tal). Es imposible no estremecerse, emocionarse, frente a cada una de las canciones de este disco, mientras sentimos el bombardeo que sufren los soldados, las explosiones de las bombas al caer, los gritos de aquellos... y ciertas reflexiones políticas muy interesantes: chequeen , por ejemplo, la breve letra del tema "Get your filthy hands off my desert", y pregúntense si la Thatcher no debe haber dicho eso cuando se enteró de la invasión de Malvinas por parte de una dictadura sudamericana que se caía a pedazos. Aunque si de emotividad hablamos, hay que citar obligadamente las canciones "Southampton Dock" y "The Final Cut", casi una suite, donde es imposible leer independientemente dichas canciones, siendo el punto de quiebre la segunda, en donde un soldado se muestra increíblemente sensible e irónico (¿y desolado?):..."hay un niño que tuvo una gran alucinación, haciéndole el amor a las chicas en las revistas, él se sorprende si te duermes con tu nueva fe encontrada, ¿podría alguien amarlo?, o esto es un sueño loco?. Y si te muestro mi lado oscuro, me abrazarás esta noche?. Y si te abro mi corazón, y te muestro mi lado débil, que harías?. Venderías tu historia a la Rolling Stone, te llevarías a los chicos y me dejarías solo?........Sostengo la hoja en temblorosas manos, preparado para hacerlo, pero justo entonces suena el teléfono, nunca tuve el valor para hacer el corte final...".....Aún hoy mientras escucho ese tema se me ponen los pelos de punta con este tema....por Dios!!!!!, ni siquiera puede suicidarse....

Un viaje maravilloso a las miserias y consecuencias de la guerra, que te deja un gusto amargo, pero que es imposible dejar atrás, y te impulsa a escucharlo otra vez, inclusive sabiendo que te vas a amargar profundamente, ya que en este caso, y sobre todo por los mambos del propio Roger Waters, en una guerra (en cualquiera), no se avizora ninguna luz al final del túnel.

Entonces, el sueño aquel de posguerra, hoy (y sobre todo hoy), necesita un Réquiem para que, al son de éste, cerremos de una vez la tapa de ese ataúd hippie, donde descanse para siempre el eterno, imperecedero "paz y amor". Los hombres lo han hecho posible, civilización y barbarie es lo mismo (¿es lo mismo?)

Slayer "Reign in blood" (1986)

Después de mucho tiempo volví a escuchar este clásico increíble del Thrash Metal...en mi opinión el mejor disco del estilo y el que influenció a más bandas a lo largo de los años.

Es impresionante lo que lograron estas cuatro bestias en esta obra monumental de agresión, odio y violencia. Lo que logran transmitir con la música, en extremo agresiva, (aunque con un dejo de melodía que la hace imposible de no disfrutar), es similar a lo que cuentan en sus letras, que ya son también clásicas, y que en su momento hicieron que se los acusara de nazis, sobre todo por la canción "Angel of Death": Un monumento a lo que efectivamente ocurría en Auschwitz, ese espantoso y terrible campo de concentración que era comandado por el médico nazi que experimentaba con los prisioneros y que justamente era llamado "El Ángel de la Muerte": "Auschwitz, el significado del dolor, el por qué quiero que mueras, muerte lenta....destruyendo sin piedad, para beneficio de la raza aria....Ángel de la Muerte, Monarca del Reino de los Muertos, carnicero infame, Ángel de la Muerte!!!!...." Tan solo una porción, un extracto, un recorte de uno de los temas más terroríficos que ha dado el metal en toda su historia.

De todas formas, en este disco es sangre lo que sobra, desde la maravillosa portada, donde aparecen unos cuantos pontífices(entre otros personajes) hundidos en la pez sanguinolenta del Infierno....sí.....sangre..... y música, ya que Slayer nunca dejó de hacer escuela acerca de cuan rápido podía tocar una banda sin llegar a ser una parodia del género.

Los responsables de este engendro son cuatro: Kerry King y Jeff Hanneman en guitarras (que tándem por favor!!!!), Tom Araya en bajo y Dave Lombardo en batería. Eternos como el Infierno, como su Emperador, y como el género que ayudaron a crear, brindándole su joya más preciada. Larga Vida al Asesino!!!!!!!

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