Waterclime "Imaginative" (2007)

imaginar

Exclusivamente pergeñado por Mr. V, quien compuso y ejecuta todos los instrumentos, esta pieza es un verdadero deleite para aquellos que buscan las mixturas entre lo progresivo, el jazz y el Rock, todo coloreado con la brillante, única y bella garganta de Mr. V.

Pero, ¿quién carajo es este Mr. V ?

Los que leen el blog desde sus inicios, encontraran el debut de este proyecto justo un año antes, de la mano de "Astral Factor" (2006), y tendrán un poco más de datos.

Si sos medio despistado, bueno...a bucear y encontrar. Para los acostumbrados a escuchar música extrema, y cuentan entre sus bandas a Borknagar, Vintersorg, Otyg, Cronian, ya se habrán dado cuenta que el que se encuentra detrás de esto no es otro más que Andreas Hedlund, conocido simplemente como Vintersorg.

Y acá vuelve a hacer de las suyas, regalando un caudal vocal único e increíble, en canciones que no tienen nada que ver con lo extremo, sino con otra gran pasión de este sueco insomne: la música de los '70, sobre todo eso que fuera llamado a continuación del Gran Miles Davis, Jazz Rock.

Hagan la prueba y déjense llevar por mellotrones, guitarras intrincadas (pero no ultratécnicas) y melódicas, y cambios de ritmo múltiples. No se van a arrepentir. Sino están sordos...o muertos.

Murió Néstor Kirchner (27/10/10)

Lo pensé demasiado la verdad. El de escribir, digo.

Y lo pensé porque no me considero ni militante, ni mucho menos peronista (o lo que ello signifique). Soy bastante escéptico (y un poco anárquico), y desde que apareció le tuve desconfianza..primero por tener como aliado a uno de los traidores y conspiradores más grandes de la historia argentina, Duhalde, ex-vice del presidente constitucional más corrupto y traidor a la patria, el delicuente y entregador Men#m (lo pongo así por la mala suerte).

Siempre me llamó la atención de manera negativa la pusilanimidad articulada con la criminalidad y la incompetencia de la seguidilla de presidentes elegidos con posterioridad a la última dictadura que sufrió nuestro país.

En su momento lo dejaba fuera de esto a Alfonsín, ejemplo de civilidad en todo el mundo, al ser el presidente del único Estado en la historia que propugnó los juicios a sus dictadores, condenándolos. Lamentablemente, y Pacto de Olivos de por medio, termino borrando con el codo ese hito histórico, gracias a las leyes de Obediencia Debida y el Punto Final.

Ni hablar del Turco delincuente y sus vices, y mucho menos de la última gran decepción política seria, la "Alianza", que duró hasta la renuncia del vice Álvarez (¿que distinto del que tenemos ahora, no?).

Vuelvo al tema, entonces.No me decía mucho este tipo la verdad. Y mi idea era: "es rosquero, como todo peronista...". Tendrá que transar con el aparato, seguro.

Y ahí si, no compro ni en pedo la gente con la que pactó. Vamos, los Fernández fueron duhaldistas, y de Vido, Toma, Yoma (adivinen de dónde eran)...y en los '90 fue men#emista. Y eso si es un problema, por lo menos para mi.

Pero me sorprendió que rápidamente Las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo no confrontaran abiertamente con el Gobierno. No hace falta recordar que ninguno de los presidentes anteriores recibió a las viejitas, que solo buscaban que se haga justicia en relación al Terrorismo de Estado.

Y el flacucho las recibió. Y no solo eso. Por primera vez un presidente asumió su rol de Comandante en jefe de las Fuerzas Armadas y dio una orden histórica: Bajar los cuadros de los dictadores Videla, Massera, etc.

Muchos podrán decir que lo hizo para ganarse a un grupo de seguidores...pero lo hizo. Uno de los primeros actos, y tal vez el más importante, junto con transformar algunos centros de detención en Museos de la Memoria. Esos actos (en el sentido más estricto) cambiaron todo el panorama.

Todavía recuerdo al Presidente Kirchner pidiendo perdón en nombre del Estado por los actos de Terrorismo, pasando a retiro a aquellos milicos que todavía defendían esa posición.

¡Un presidente asumiendo que hubo Terrorismo de Estado! Nadie lo había hecho, y ya por eso, el tipo demostró tener un par de bolas enormes.

Es cierto que hay muchas cosas que no me gustan ni me gustarán, pero elijo, decido recordar que un tipo tuvo la decisión de hacer algo que nadie había hecho jamás, y por eso será recordado.

Podría seguir escribiendo horas sobre otras cuestiones, pero no se la verdad.

El tipo no era de izquierda, pero al lado de los impresentables de turno (Bulrich-la gran veleta femenina-, Carrió, Solá, Duhalde, Macri, De Narváez, Cobos -Cobos!!!-) parecía un zurdo combativo.
Espero que ninguno de los mencionados tenga la oportunidad de arribar a ese sillón que desde otro lado, Kirchner devolvió un poco de dignidad para quitarle el olor a De la Rua, al Cabezón, a Puertas (!!!), Men#m, Rodriguez Saa, etc.

Repito, no soy militante ni peronista.

Pero tampoco soy necio, como para no darme cuenta cuando alguien hace algo que vale la pena ser recordado.

Satyricon "Dark Medieval Times" (1994)

satyricon

Recién hacía referencia al Black Metal new school para hablar de "Puritanical Euphoric Misanthropia" de Dimmu Borgir.

Esto es Old School, pero con un entendimiento superior sobre lo que significan los climas.

Otro tipo de maldad, concentrado en otros puntos no tan prolijos, pero me atrevería a decir más cautivantes.

Tal vez sea esa idea mítica, terrorífica de que algo muy malvado se estaba diciendo en esos temas largos, épicos y con melodías extrañas pero con un magnetismo difícil de esquivar.

Encima la imagen tanto de Satyr como de Frost era igualmente rara para la época, porque no eran chicos de la calle, eran guerreros medievales (con sus armas correspondientes) que salían de esos campos, tapados de nieve y maquillados todavía para infundir miedo en sus enemigos.

Por esos años, como la mayoría de los noruegos extremos, el enemigo eran los cristianos; reivindicaban sus raíces paganas, y eso se notaba en su arte.

Sino escuchen el tema que da título al disco y dejénse sorprender por esos momentos acústicos, tan cercanos al folklore noruego que parece una realidad tangible la invocación a los dioses paganos de los poderosos bosques.

Todo esto sin subir demasiado la velocidad, lo que realza más todavía los climas gélidos y épicos.

Otro disco vomitado desde las mismas entrañas del infierno, a través de esa puerta que parece no tener pasador ni llave, y que se encuentra en Noruega.

Dimmu Borgir "Puritanical Euphoric Misanthropia" (2001)

mujer

Ya habían dado un paso importante para despegarse de la segunda camada noruega de música oscura.

De esos primeros discos, primitivos pero con un toque de oscuro romanticismo medieval (emulando algunos climas de los geniales y únicos Satyricon), legaron a esa joyita titulada "Enthrone, Darkness, Trumphant" (1997), en donde se hacía difícil encasillarlos o rotularlos en algún género concreto. Había mucho Death, Black, música neoclásica y metal del clásico.

Después vino esa rareza llamada "Spiritual Black Dimensions (1999), en donde aparecía como uno de los invitados estelares ese bajista que canta como los dioses Vortex, quien por ese entonces estaba en Borknagar.

Pero acá lo moderno te asaltaba por sorpresa, y uno no podía dejar de dsifrutar con el volúmen al máximo, mientras melodías extrañas y composiciones misteriosas sacudían la modorra general.

¡Qué disco del carajo! Desde esa intro oscura disparada por los deditos de Mustis (tecladista que le diera grandes composiciones a la banda y que fuera recientemente expulsado de la misma junto con el bajista), pasando por ese promer riff asesino de "Blessing upon the throne of Tyranny", y un Nicholas Barker con precisión quirúrgica tras los parches.

Esa precisión se desparrama gratuitamente a lo largo y ancho del disco y de sus músicos (por Nicholes, digo, je), haciendo su entrada triunfal y épica en voces limpias las descomunales e inigualables voces de Simen "Vortex", en esa cosa moderna, agresiva y tremendamente melódica llamada "Kings of the Carnival Creation".

Es impresionante los matices que de pronto adquieren las canciones con la orquesta de la ópera de Gotemburgo, que se amalgaman a la perfección con las intrincadas composiciones de Shagrath y compañía. Sino escuchen "The apostasy" y déjense maravillar por otra intervención gloriosa de Vortex, ya para ese momento convertido en héroe, gracias a su rango y capacidad vocal. Ni hablar por supuesto de el intercambio entre ambos guitarristas y Mustis, más la descomunal humanidad de Barker.

Al llegar a "Puritania" (track 6), el disco ya es un clásico, imposible de despegarlo de tu mente. Si crees que para sonar malvado hay que tener una producción del orto, escuchá este tema y cerrá la boca...pero abrí bien las orejas, que esto es maldad concentrada.

Violento y maldito, irresistible carga de neoclasisismo articulado a uno de los puntos más altos de la escena noruega.

El disco se acerca al final, pero antes...¿se puede sonar melancólico y épico al mismo tiempo, viniendo la música en un formato tan extremo? La respuesta se puede obtener prestando atención a la canción "Sympozium", sobre todo en esa sección que arranca a los 2'20'', simplemente apoteótico.

Música clásica más Black Metal new school de la mano de Dimmu Borgir en "Perfection or Vanity", para finalizar un disco genial que le abrió muchísimas puertas de las que cerró.

La versión japonesa viene con dos bonus: el primero es una versión regrabada de "Devil's Path" que apareciera en ese e.p. del año 1996 homónimo. Y aparte, para quienes dicen que no hay sentido del humor en el metal, un gran cover de Twisted Sister, "Burn In Hell".

Señores puro metal noruego del Siglo XXI.

Cathedral "The Ethereal Mirror" (1993)

etereo

Tranquilamente entraría como un clásico, no lo pongo ahí por capricho solamente.

Otro TREMENDO disco de la mejor encarnación de Black Sabbath.

No me malinterpreten, no es que no tengan personalidad, al contrario, creo que les sobra...sobre todo teniendo en cuenta el disco que parieron este año.

Pero resulta difícil no remitirse a la Bruja cuando los Cathedral abandonaron los toques Death, para llenar de groove esas composiciones que parecían escapadas del túnel del tiempo, y con climas bastante tenebrosos.

La imagen incluso reconocía sus influencias fundamentales en películas clase B de la Hammer, esas que le dieron infinitas satisfacciones a nosotros los cinéfilos.

El sentimiento y la pasión que destilan las 10 canciones son tan gigantes como Júpiter, y suenan tan pesadas y oscuras como creíbles y honestas.

Ya Dave Patchett hacía de las suyas, y de a poco empezaba a ser una parte fundamental en la idea que transmitía la banda a sus oyentes, brindando imágenes tan oníricas como la música que Dorrian, Jennings, Lehan y Warthon (en este disco) creaban.

Aún parece un chiste que este tipo, Lee Dorian, haya prestado sus cuerdas vocales en los inicios del Grindcore a los ingleses Napalm Death, que fuera la banda más rápida del mundo. De allí, a la más lenta, solo un paso, hasta llegar a su primer larga duración "Forest of Equilibrium (1991).

Sírvanse este manjar que con los años supo volverse cada vez más refinado y preciso...y tan hipnótico como la propia imagen en ese espejo...etéreo.

Carcass "Necroticism-Descanting the Insalubrious" (1991)

hachazo

Sorprendente tercer disco de los ingleses más podridos del condado por aquellos años.
Parece mentira que después de esas dos odas a la podredumbre grindcore tituladas "Reek of Putrefaction" (1988) y "Symphonies of Sickness" (1989) asome sus horrendas y violentas fauces esta nueva bestia.
Más adulta también, y con más filo en los bisturís utilizados para disecar sus cadáveres y exponerlos como más le gustaba en ese momento, dos años después del último esfuerzo de estudio.
Y la forma era con riffs más cercanos al Death Metal, alejándose del Grind que habían ayudado a cimentar, y con algunas melodías en los solos que le daban un matiz más retorcido a la música, y no tan cabeza.
Es evidente que la entrada del guitarrista Amott, ex- Carnage, fue determinante para la banda, que suena más suelta y fresca que antaño.
Los chicos le daban otra vuelta de tuerca con esas voces a modo de presentación de enfermos en anfiteatro, que volvía todo más serio musicalmente, a la vez que te permitía disfrutar del enfermizo sentido del humor inglés.
Un disco indispensable para entender no solo la historia de los médicos del estilo, sino la evolución de todo un género que dejó de ser rápidamente un nicho para nerds, y explotó en diversas direcciones.

Los Natas & Solodolor "Split" (2010)

Si señores, una de mis debilidades, Los Natas, sacaron otro split inolvidable junto con una especie de súper grupo llamado Solodolor que va a dar que hablar.

Y si biena hay canciones y covers que ya escuchamos en otras oportunidades, suenan incluso más prolijas y poderosas al mismo tiempo.

El track que abre la placa es con el que cerraron el recital en Tucumán ("El ass de Espadas"-de Motorhead-), cover bestial, con un bajo gordísimo y seco en primer plano, acompañando en las voces a un invitado especial e inesperado, por lo menos para mi: el polémico Ricardo Iorio. TRE-MEN-DA versión, puro metal.

Esa es una característica que se empezó a manifestar en sus últimos discos, aquellos que siguieron a ese experimento único e inolvidable llamado "Toba Trance". El Stoner fue cediendo y dejando paso a otras influencias, como algunas cosas Hardcore que se dejan escuchar.

Y su homenaje a esos sonidos aparecen de la mano de otro cover espectacular de la banda clásica T.S.O.L., con otro invitado que se luce, Nekro (o Boom Boom Kid) de los indispensables Fun People, cantando "No Time".

Todavía sonando Los Natas, otra versión descomunal de Danzig ("I don't mind the pain"), con el Topo Armetta en voces (quien tocara en Massacre Palestina-actualmente Massacre-, y es el actual vocalista de otra banda impresionante de este país: Dragonauta.

También acompañará al trío en versiones de uno de los pioneros del Stoner, Kyuss, ejecutando "Thumb" y "Green Machine".

¿Quienes son Solodolor? Sergio Ch. en guitarras, Gustavo Rowek (de V8 y Rata Blanca) en batería, el Topo Armetta en voces y uno de los mejores productores del mundo, Billy Anderson en bajo. Juntos...un stoner metal compacto y preciso lleno de fuzz y distorsión, agresivos como la mierda, hasta que bajan los decibeles, para regalar ese cuelgue que me hizo acordar a ese proyecto de Sergio Ch. en Ararat.

Si gente. Los Natas lo hicieron de nuevo. Otra perla, otra cucarda en la pared para lucir orgullosos y dar gracias por la existencia de esta entidad amorfa que se ramifica hacia luagres insospechados, pesados e hipnóticos al mismo tiempo.

Dolor y placer

Chrisallys "Reborn" (2003)

Interesante banda de Argentina que mixtura de forma pefecta las vertientes más darkies y electro con cositas pesadas y góticas, produciendo canciones súper gancheras y disfrutables 100%, herederas de esos climas sexies de bandas de los '80, como Sister of Mercy, o Bauhaus por ejemplo.
Producto de la colaboración de un grupo de gente que ya venía tocando juntos (en SkinMask), logran una evolución clara en todos los aspectos, tanto vocales y compositivos como en su sonido, más moderno y poderoso.
Los integrantes son Billy SMK (en voces y arreglos), Marín Adolfi y Gastón Fernández (en guitarras, teclados y programación), Rodolfo Ferrari (batería y percusión) y Ariel Sánchez (bajo). Escuchen que vale la pena.
Renacer

Beyond Dawn "Frysh" (2003)

Banda rara de Noruega, que atravesó distintos períodos para llegar a hacer esta cosa amorfa actual.

Si uno los escucha de forma desprevenida no podría llegar a imaginar que en épocas no muy lejanas practicaban un death metal con toques doom más que interesantes.

Creo que el problema se dio cuando empezaron a consumir psicofármacos, y encontraron en los colores sombríos de las grandes ciudades teñidas de lo gris de la monotonía.

En los años en que salió "Reverly" (1998) confesaban en los reportajes haber estados bajo los efectos del Diazepam, aparte de estar embobados por la música del gran Astor Piazzolla.

Su música no tiene nada que ver con la del bandoneonista, pero transmite esa sensación de modernidad decadente que le queda espectacular a sus lanzamientos.

Como dato bizarro hay un cover loco de esa banda pionera del death metal más cuadrado llamada Autopsy, y su himno "Severed survival".

Música que se disfruta estando en un estado de ánimo particular, lindando con lo crepuscular y embotado por algo de alcohol. La hipnosis está asegurada.

De alegre, nada. Péguenle una escuchada.

John Lennon "Imagine" (1971)

Cualquier disco que tenga a "Imagine" y "Jealous Guy" en su tracklist merece ser un clásico automático y eterno. Si encima tenemos a una de las usinas musicales de los inmensos Fab Four la satisfacción está asegurada.

Ya el arranque del disco es simplemente hermoso con uno de los himnos más hermosos escritos en solitario por John: "Imagine", de una sensibilidad apabullante y una simpleza mayor todavía.

Pero no todo es tranquilidad hippie, porque hay un par de blues muy interesantes y bien de barrio, sobre todo "It's so hard", con esas guitarras arrastradas y la voz de Lennon llenando todo.

"Imagine" -el disco- es como un gran compilado de éxitos, que crecieron a la sombra de otras obras, incluso de los propios Beatles. La cuestión es que mientras la discografía de los de Liverpool (no, no Anathema) es impecable, en solitario John tiene algunos altibajos que desdibujan el trabajo.De todos modos, la forma de Lennon de decir las cosas es tan única que cuesta despegarse y encontrarle algún defecto.

Crecí escuchando a este tipo y a los Beatles, entre otras cosas (Rock Argentino, sobre todo), y de ahí fui descubriendo otras.

Pero siempre vuelvo a emocionarme con discos como éstos, sin edad...eternos como las canciones que contienen.

Música eterna

Terrorizer "World Downfall" (1989)

zombies

Seguimos desentarrando cadáveres putrefactos del pasado, siguiendo la guía de "Chosing Death".

Otra de las bandas pioneras en esto de lo que por ese entonces empezó a llamarse "blast beats", de la mano del que con los años se transformaría en una de las bestias percusivas indiscutibles: Pete Sandoval, quien fuese el baterista y percusionista de los satánicos Morbid Angel.

Pero esto fue poco antes de pasar a las filas de estos últimos, y estaba acompañado por Oscar Garcia (voces); Jesse Pintado (guitarras) y David Vincent (bajo). ¡Que nombres, no! Jesse fue guitarrista de otros pioneros, los ingleses Napalm Death, mientras que Vincent ya era el bajista de Morbid Angel desde aquel demo "Thy Kingdom Come" (1987). De todas formas fue el productor de este disco que suena bastante bien, mucho mejor que otra obra producida por Vincent antes de formar parte de la banda, el "Abominations of Desolations" (1986), el supuesto primer disco de los Angel que fuera denostado como tal por Trey Azagthoth, guitarrista y fundador de la banda.

La banda tiene la extraña particularidad de que al momento de ser lanzado el disco, la misma ya se encontraba separada. Sandoval a Morbid Angel, junto a David Vincent (y de allí a la edición de "Altars of Madness" -1989-), y Pintado a Napalm para los inicios de la etapa Death Metal, de la que varios renegaron.

Si la decadencia del mundo es inevitable, tranquilamente este disco puede ser una de las tantas bandas sonoras con ls cuales relajarse y disfrutar.

Simplemente indispensable.

Siege "Drop Dead" (1984)

Hace años que encontré respuesta a una de las primeras preguntas que me hice cuando empecé a descubrir música: ¿para qué sirve leer libros, revistas, reportajes, si en definitiva lo que importa es el sonido, la música misma? Respuesta: sirve para descubrir cosas como esta banda americana de los '80, por ejemplo. O para descubrir Miles Davis, o Frank Zappa.
Porque cuando los músicos se ponen a hablar, nos indican, nos dan pistas de dónde es que tenemos que buscar.
Es cierto que ese movimiento under inglés vomitó al mundo bandas sonoras indispensables para entenderlo y disfrutarlo (o padecerlo) un poco más: pioneros como Napalm Death, Carcass, Extreme Noise Terror son obligatorios a la hora de introducirse en el Death/Grindcore de mediados y fines de los '80.
Pero, ¿de dónde sacaron ellos esa furia sonora, la inspiración necesaria para el puntapié inicial?
Siege es una de esas marcas dejadas para los antropólogos que quieran descubrir los orígenes del Grindcore en el Punk más politizado y anarquista.
Junto con otros nombres que de a poco irán apareciendo en el blog (Crass, Deep Wound, Repulsion -que banda por dios!!-, Doom), se esparcieron a ambos costados del Atlántico y crearon una movida única mediante el intercambio de cintas (cassettes). La forma antigua de intercambiar música, reemplazada actualmente por estos formatos llamados mp3 que tanto placer nos da compartir desde los diferentes lugares en los que vivimos vía los blogs-por ejemplo-, sin los cuales posiblemente no accederíamos a joyitas como esta.
Siege fue una banda de Boston (que tenía una escena tremenda) bastante rara. Si bien la base es evidentemente hardcore bien agresivo, por momentos tienen cosas lentas y experimentales ("Gream Reaper" y "Conform", por ejemplo) que te sorprenden, sin contar por supuesto con unas voces totalmente rústicas y esquizofrénicas.
Sus integrantes fueron: Kevin Mahoney (voces); Kurt Habelt (Guitarra); Hank McNamee (bajo) y Rob Williams (batería)
P.D.: háganse un favor y lean "Chosing Death" (2004), traducido en Argentina por la gente de Jedbagers como "Eligiendo la muerte", es la biblia si les interesa bucear más allá de sus narices.
Punk

"Los Gatos de Ulthar", de H.P. Lovecraft (en Obras Completas-Tomo 1)

Se cuenta que en Ulthar, un pueblo situado más allá del río Skai, nadie puede matar un solo gato; cuestión en la que creo firmemente cuando contemplo al que tengo ronroneando ante el fuego. El gato es enigmático, y está familiarizado con las cosas extrañas que los hombres no pueden ver. Es el alma del antiguo Egipto, y depositario de las leyendas de las ciudades olvidadas de Meroe y Ophir. Es familiar de los señores de la selva, y heredero de los secretos de la vieja y siniestra África. La Esfinge es de su estirpe, y recuerda lo que ella ha olvidado.

En Ulthar, antes de que sus diputados prohibieran matar gatos, vivían un viejo campesino y su esposa, que gozaban poniendo trampas a los gatos del vecindario. No sé por qué lo hacían; hay quienes detestan los maullidos por la noche, y no les gusta que los gatos anden furtivamente por patios y jardines al anochecer. Sea cual sea el motivo, este viejo matrimonio disfrutaba atrapando y matando todo gato que se acercaba a su casa miserable; y por lo que se oía después en la noche, muchos de los lugareños sospechaban que tenían un modo de matarlos de lo más singular. Sin embargo, nadie hablaba sobre el asunto con el viejo matrimonio, debido a la habitual expresión de sus rostros arrugados, y a que su casa era muy pequeña y estaba oculta y oscurecida bajo unos olmos corpulentos, al final de un patio abandonado. En verdad, aunque los dueños de los gatos odiaban a estos viejos, el temor que les tenían era mayor; y en vez de señalarlos como brutales asesinos, se limitaban a cuidar que ninguno de sus queridos gatos se aproximara a la apartada casa oculta bajo los árboles sombríos. Cuando por un descuido inevitable, se perdía alguno, y se escuchaban los maullidos por la noche, su dueño lloraba con impotencia, o se consoloba dando gracias al destino por no haber sido uno de sus hijos el desaparecido de esta manera. La gente de Ulthar era simple, y no sabía de dónde vinieron, al principio, los gatos.Un día entró, por las estrechas y empedradas calles de Ulthar, una caravana de extraños vagabundos que procedía del sur. Eran trotamundos de piel tostada por el sol, distintos de aquellas gentes ambulantes que pasaban por el pueblo dos veces al año. Decían la buenaventura a cambio de plata en los mercados, y compraban alegres abalorios a los mercaderes. Nadie sabía de que país venían estos vagabundos; pero observaron que eran dados a rezar extrañas plegarias, y que en los costados de sus extraños carromatos llevaban pintadas extrañas figuras con cuerpo humano y cabeza de gato, de halcón, de león o de carnero. Y el jefe de la caravana llevaba un tocado con dos cuernos y un curioso disco entre ellos.En esta singular caravana había un niño pequeño sin padre ni madre, sino con sólo un gatito negro a quien cuidar. La plaga no había sido generosa con él, mas le había dejado esta pequeña y peluda cosa para mitigar su dolor; y cuando uno es muy joven, uno puede encontrar un gran alivio en las vivaces travesuras de un gatito negro. De esta forma, el niño, al que la gente oscura llamaba Menes, sonreía más frecuentemente de lo que lloraba mientras se sentaba jugando con su gracioso gatito en los escalones de un carro pintado de manera extraña.
Durante la tercera mañana de estadía de los peregrinos en Ulthar, Menes no pudo encontrar a su gatito; y mientras sollozaba en voz alta en el mercado, ciertos aldeanos le contaron del viejo y su mujer, y de los ruidos escuchados por la noche. Y al escuchar esto, sus sollozos dieron paso a la reflexión, y finalmente a la oración. Estiró sus brazos hacia el sol y rezó en un idioma que ningún aldeano pudo entender; aunque no se esforzaron mucho en hacerlo, pues su atención fue absorbida por el cielo y por las formas extrañas que las nubes estaban asumiendo. Esto era muy peculiar, pues mientras el pequeño niño pronunciaba su petición, parecían formarse arriba las figuras sombrías y nebulosas de cosas exóticas; de criaturas híbridas coronadas con discos de costados astados. La naturaleza está llena de ilusiones como esa para impresionar al imaginativo. Aquella noche los errantes dejaron Ulthar, y no fueron vistos nunca más. Y los dueños de casa se preocuparon al darse cuenta de que en toda la villa no había ningún gato. De cada hogar el gato familiar había desaparecido; los gatos pequeños y los grandes, negros, grises, rayados, amarillos y blancos. Kranon el Anciano, el burgomaestre, juró que la gente siniestra se había llevado a los gatos como venganza por la muerte del gatito de Menes, y maldijo a la caravana y al pequeño niño. Pero Nith, el enjuto notario, declaró que el viejo campesino y su esposa eran probablemente los más sospechosos; pues su odio por los gatos era notorio y, con creces, descarado. Pese a esto, nadie osó quejarse ante la dupla siniestra, a pesar de que Atal, el hijo del posadero, juró que había visto a todos los gatos de Ulthar al atardecer en aquel patio maldito bajo los árboles. Caminaban en círculos lenta y solemnemente alrededor de la cabaña, dos en una línea, como realizando algún rito de las bestias, del que nada se ha oído. Los aldeanos no supieron cuánto creer de un niño tan pequeño; y aunque temían que el malvado par había hechizado a los gatos hacia su muerte, preferían no confrontar al viejo campesino hasta encontrárselo afuera de su oscuro y repelente patio.
De este modo Ulthar se durmió en un infructuoso enfado; y cuando la gente despertó al amanecer ¡he aquí que cada gato estaba de vuelta en su acostumbrado fogón! Grandes y pequeños, negros, grises, rayados, amarillos y blancos, ninguno faltaba. Aparecieron muy brillantes y gordos, y sonoros con ronroneante satisfacción. Los ciudadanos comentaban unos con otros sobre el suceso, y se maravillaban no poco. Kranon el Anciano nuevamente insistió en que era la gente siniestra quien se los había llevado, puesto que los gatos no volvían con vida de la cabaña del viejo y su mujer. Pero todos estuvieron de acuerdo en una cosa: que la negativa de todos los gatos a comer sus porciones de carne o a beber de sus platillos de leche era extremadamente curiosa. Y durante dos días enteros los gatos de Ulthar, brillantes y lánguidos, no tocaron su comida, sino que solamente dormitaron ante el fuego o bajo el sol.
Pasó una semana entera antes de que los aldeanos notaran que, en la cabaña bajo los árboles, no se prendían luces al atardecer. Luego, el enjuto Nith recalcó que nadie había visto al viejo y a su mujer desde la noche en que los gatos estuvieron fuera. La semana siguiente, el burgomaestre decidió vencer sus miedos y llamar a la silenciosa morada, como un asunto del deber, aunque fue cuidadoso de llevar consigo, como testigos, a Shang, el herrero, y a Thul, el cortador de piedras. Y cuando hubieron echado abajo la frágil puerta sólo encontraron lo siguiente: dos esqueletos humanos limpiamente descarnados sobre el suelo de tierra, y una variedad de singulares insectos arrastrándose por las esquinas sombrías.
Posteriormente hubo mucho que comentar entre los ciudadanos de Ulthar. Zath, el forense, discutió largamente con Nith, el enjuto notario; y Kranon y Shang y Thul fueron abrumados con preguntas. Incluso el pequeño Atal, el hijo del posadero, fue detenidamente interrogado y, como recompensa, le dieron una fruta confitada. Hablaron del viejo campesino y su esposa, de la caravana de siniestros peregrinos, del pequeño Menes y de su gatito negro, de la oración de Menes y del cielo durante aquella plegaria, de los actos de los gatos la noche en que se fue la caravana, o de lo que luego se encontró en la cabaña bajo los árboles, en aquel repugnante patio.
Y, finalmente, los ciudadanos aprobaron aquella extraordinaria ley, la que es referida por los mercaderes en Hatheg y discutida por los viajeros en Nir, a saber, que en Ulthar ningún hombre puede matar a un gato.

James Plotkin "A Strange, perplexing" (1996)

extraño

James es uno de los enfermitos más prolíficos de la escena extrema mundial.

No solo se encargaba del bajo en Khanate, o de las guitarras y programaciones en O.L.D. (sin contar ese proyecto experimental con Mick Harris de Napalm Death llamado Scorn), sino que tiene muchísimas colaboraciones y producciones en solitario, siendo esta la primera de estas últimas.

No hay demasiado para pensar, solo texturas ásperas acompañadas por algunas melodías que hacen más llevadero este denso viaje sonoro por la mente de James, y descubrir como de a poco, y estando en el estado de ánimo adecuado se puede disfrutar de sonidos que no podrían ser catalogados de temas o canciones, pero que se destacan a medida que el tiempo transcurre.

Yo los llamaría escapes sonoros, emulando esas composiciones extrañas pero atrapantes de ese genio de la guitarra (y la música en general) llamado Robert Fripp. Es cierto, no hay tantos colores como en sus trabajos, pero la sensación de estar viajando sigue tan presente que se puede tocar.

Si no les gusta el Drone y el Ambient ni se molesten. Pero si quieren experimentar la desesperación y la hipnosis musical, adelante.

"Across the Universe" de Julie Taymor (2007)

Este es uno de los casos en los que la música está directamente relacionada con la película en cuestión.

Dirigida por Julie Taymor (responsable de una muy buena versión cinematográfica de Titus), está en la línea de otras realizaciones musicales como "The Wall" (de Alan Parker) -gloriosa es poco- y "Hair", con algunas particularidades que con la exposición reiterada van dejando a la vista cuestiones que se vuelven reiterativas.

Detesto los musicales, y este tiene ese formato. Por lo que ya, de movida, tenía cierto prurito para afrontar el desgaste de energía que supondría.

Pero de apoco, y leyendo por la web, me enteré que la banda de sonido era puro The Beatles. Y a eso no hay forma de resistirse.

Primera vez que la vi: pura emoción. No solo la música es extraída de los Fab Four, sino que la historia está articulada a partir de sus canciones, incluso los nombres de los personajes, en donde no se ahorran los Prudence, Jo-Jo, Sadie (sexie y explosiva Dana Fuchs), Jude, Lucy, etc.

Hasta el título de la peli está bien puesto, ya que al inicio de la misma atravesamos distintos universos (paralelos, por el momento), desde el naif y superfluo de Lucy en los Estados Unidos, hasta el crudo de Jude, trabajador en un astillero en Inglaterra.

La etapa adolescente de la historia termina bien rápido, al promediar los primeros 30', que coincide con "I've just seen a face", luego de ese homenaje al cine en la escena del bowling, y después de la cual, la "felicidad" se termina.

No puede ser que todos los actores cantan las versiones (no covers, versiones, y muy buenas) lo hagan bien. Lo que redunda en secuencias más emotivas todavía, generando nuevos sentidos a las palabras evidentemente ambiguas de las canciones de Lennon y compañía. Ejemplos de esto sobran: "I want to hold your hand" en la voz de T.V. Carpio, en una veta homosexual hermosa, y con una melancolía que no tiene la original. Al revés también, con una versión DESCOMUNAL en formato gospel/negrospiritual del eterno "Let it Be", logrando algo incluso mejor que el original.

Versiones. Todas geniales en manos de actores que cantan. Ok, hay excepciones como Joe Cocker (buenísima interpretación de "Come Together" en su triple papel de vagabundo, cafisho (pimp/proxeneta) y hippie loco), Dana Fuchs (varias versiones, sobresale "Helter Skelter" y "Don't let me down" por lo descomunal de su interpretación, y "Oh, darling! a duo con Mc Coy, en un formato hendrixiano hermoso), Bono de U2 en una psicodélica "I'm the Warlus".

Pasa el tiempo y la emotividad se diluye. Tengo que volver a ver la peli otra vez.

Segunda exposición al estímulo: la emotividad sigue presente, pero avizoro ciertos golpes bajos y un poco tontos (lugares comunes) que son fácilmente evitables y que acá se repiten permanentemente, como la estatua de la libertad cargada por los soldados mientras cantan "She's so Heavy", por ejemplo. O las marchas de protesta con discursos antibélicos (para ese momento la peli esá ubicada durante la guerra de Vietnam). Y es ahí donde emerge el mayor problema. De todas las películas relacionadas con el antibelicismo, "Across the Universe" (que no trata solo este tema, aclaro), es la peor de todas.

Vamos, "The Wall", esa ópera basada en el disco homónimo de los únicos Pink Floyd no tiene un punto flojo en ese sentido, y resiste el paso del tiempo y la observación persistente y reiterada sin ningún tipo de problema. Lo mismo con "Apocalipse now" (1979) (de Francis F. Coppola), un hito en la historia del cine (no solo bélico), o "Full metal jacket" (1987) (del genial Kubrick).

A partir de la tercera vez que la vez: descubro que la emotividad que ligaba a las imágenes que dispara la película, en realidad está asociada a las nuevas voces e interpretaciones que nos regala la banda de sonido de este musical. Interpretaciones de canciones que ya pertenecen al acervo cultural universal y que escucho/escuchamos desde que éramos niños...esto es, gemas de The Beatles reinterpretadas que te erizan la piel y emocionan de verdad.

P.D.: el parecido fisonómico que tiene el actor que interpreta a Jude, Jim Sturgess, con Paul Maca (ese bajista que todos creemos segundón de Lennon) es IM-PRE-SIO-NAN-TE.

P.D.2: de todas formas y aparte de las críticas es una linda película para ver, solo que yo en muy poco tiempo la vi más de 6 veces, asi que...

P.D.: hay muchos momentos realmente surrealistas, que vale la pena ver. Si sigo así, borro todos los problemas que fui encontrando, y termino alabando esta historia de amor entre tierna y densa (por momentos)

Y la película termina siendo eso: el soporte visual para la música hermosa e intemporal que se puede disfrutar en versiones que dejo a vuestra disposición en la edición completa, es decir disco doble.

Universo Beatles

Los Natas en Tucumán, Robert Nesta, 23/09/10

Pasaron muchos años desde que conocí a Los Natas, y siempre me pregunté como sonarían en vivo. La respuesta inmediata no podía ser menos que impresionante, pero era solo una hipótesis.
Cuando llegaron a la edición de Rock del Valle, en la ciudad tucumana de Tafí del Valle, no pude ir, por circunstancias varias.
Lo lamenté, y mucho. En el camino pude escuchar a otra gran banda argentina en la Trastienda, Pez, en compañía de un amigo y colaborador del blog, Exequiel.
Después de mucho esperar, el día llegó, y lo tenía que compartir con la gente que comparto la música que me gusta desde hace años, mi familia, principalmente.
Tuve la suerte (gracias a la gente de la Rock & Pop Tucumán) de poder disfrutar la prueba de sonido y de conocer a estos tres músicos geniales.
Las bandas que acompañaron y prepararon la velada fueron de la provincia, en primer lugar Black Caravan From Hell, y después Merkhaba...no muchos datos, solo que me gustaron muchísimo más los últimos, creo que tienen más personalidad en cuanto a sonido y no se notan tanto las influencias.
Para quien se haya perdido la demostración de poder de Natas les digo: ¡¡jódanse!! No se dan una idea lo que tres (si, tres) músicos pueden hacer con sus instrumentos cuando lo importante de verdad son los sonidos que estos pueden emitir, y no la pose de estrella patética que cree que puede cagar más alto de lo que el culo se lo permite.
Los Natas demostraron muchas cosas. Una, que para ser pesados, primero actitud, mucha. Otra es que se puede sonar de verdad pesado sin tener un volumen que lastime y no permita disfrutar de la música.
LA MÚSICA. Así, con mayúsculas.
Una banda que ya lleva unos cuantos años en la ruta (desde 1993), y por donde pasaron algunos músicos tremendos (el Pastor, de Buffalo, por ejemplo), quedando los actuales: Sergio Chotsourian (guitarras y voces); Gonzalo "Crudo" Villagra -(bajo, también hizo coros), y Walter Broide en batería. TRES BESTIAS.
El bajo de Villagra mete miedo, casi tanto como su imagen, que al momento de la llegada de la banda al Nesta, parecía un tipo parco y muy mala onda. Pero nada que ver. Sergio Ch. paso por al lado mio y no me di cuenta. A Walter Broide lo tenía más identificado por algunas fotos. Pero la personalidad de cada uno aflora al momento de empezar a tocar, y ahí sí que se nota que los tres viven lo que hacen.
Tocaron cerca de dos horas, y nos pasearon por muchísimos momentos increíbles de su discografía (imprescindible). Recuerdo imborrable, "Adolescentes" y "Meteoro 2028" del hermoso y árido "Ciudad de Brahman" (1999). También hubo cosa más cercanas en el tiempo, como esos mazazos entre psicodélicos y bestiales de "El Hombre Montaña" (2006), como ser "El Bolsero" o "Amanecer Blanco".
Teniendo tantos discos, uno por ahí se podría desilusionar por la falta de algún tema. Pero no. Es cierto que los cuelgues experimentales de "Toba trance" (2004) quitarían mucho tiempo para otros temas, así que se justifica. Después, puro deleite para los melómanos. Tipos que no tocan para mostrar tipo "...eh!...miren que buenos que somos!!...", TOCAN PARA ELLOS LOS HIJOS DE PUTA. Y tocan pesado y fuerte. Durante las casi 2 hs. de pura música, las aristas más relacionadas con el metal atravesaron oídos y pechos de forma brutal, dejando algunas pinceladas psicodélicas como oscuros matices para saborear.

También pasaron gemas de ese mojón oscuro reciente llamado "Nuevo orden de la libertad" (2009), como el que le da título a la placa.
Como para resaltar aún más este presente más metalero cerraron la presentación con ese cover descomunal de Motorhead titulado "Ace of Spades", de su último split con Solodolor, que tiene (en el disco) a Ricardo Iorio (de V8, Hermética y Almafuerte) en voces. Pronto será posteado en el blog, como no puede ser de otra manera.
Gente, los que fuimos pagamos para presenciar el "ensayo público" de una banda que fue varias veces a Europa y a E.E.U.U.(siendo comparados con bandas de la talla de Black Sabbath, Nebula, Fu Manchu, etc)... y que esa noche disfrutamos en Tucumán.
Los que no fueron...se perdieron lo mejor que le pasó al Rock Nacional en los últimos 15 años. Y hoy lo puedo decir tranquilo porque lo confirmé, viéndolos y escuchándolos (en compañía de mi hija, con unos cuantos recitales encima ya). La 25, Jóvenes Pordioseros, Viejas locas/Intoxicados, la mierda impresentable y patética de Callejeros...toda esa camada de banditas rolingas que son pura pose, no tienen nada que hacer al lado de la MÚSICA de Los Natas...NADA.
Los que no fueron...repito: que se jodan...mejor, más para nosotros (los que fuimos). "La aplanadora del Rock n' Roll, son Los Natas la puta que lo parió...!!! Yo podría corregir, tienen la contundencia de una galaxia entera aplastándote. Y yo quedé roto durante una semana. Glorioso es poco.
Y mi falta de objetividad es abrumadora.
Ojalá vuelvan pronto, tengo que repetir la experiencia, lo necesito.

The Bad Plus "Give" (2004)

Estuve dando vueltas para reseñar este disco de este trío de chiflados, porque simplemente no sabía en donde meterlos.

Hacen Jazz, eso seguro, pero con influencias tan disímiles como el Rock, el Pop y la música clásica contemporánea, logrando momentos desconcertantes y hasta difíciles de escuchar. Por momentos el Free es llevado al extremo...

Obviamente que no dejan de lado otras cuestiones más convencionales para sumar diversos colores a las composiciones, dándose el lujo de interpretar canciones de otros con su propia lectura de las mismas.

El primer disco que compre de ellos por recomendación del ingeniero que grabó a Hate Fusion fue "For all I Care" (2008), en donde había versiones de Nirvana, de "Confortably Numb" de los Pink Floyd, y otras perlitas que tienen que descubrir por si mismos, o esperar a que suba el disco dentro de poco.

En este hay canciones propias, compuestas tanto por Reid Andersson (bajo), David King (batería) o Ethan Iverson (piano), y también se destacan versiones de otros artistas. Entre ellos podemos disfrutar de la complejidad de un Ornette Coleman ("Street Woman"), los arreglos más secos o rockeros en "Velouria" (que pertenece a los geniales Pixies, y al disco "Bossanova"), guardándose un golpe final para los amantes de lo más oscuro. La versión de "Iron Man" de Black Sabbath es simplemente descomunal, y genera una adicción difícil de resolver, porque es disonante y moderna, pero tan pesada y opresiva como la original.

Simplemente tuve que empezar a escuchar una y otra vez a este trío para llegar a la conclusión que todavía hay cosas que nos pueden sorprender.

Tengan

Hermética "Ácido Argentino" (1991)

acido

Un clásico indiscutible del metal Argento, nuevamente de la mano del controvertido bajista Ricardo Iorio, en la última agrupación que formó a la que le presté atención, antes de separarme de su ideología y su resentimiento recalcitrante.

Todavía no entiendo como un tipo que escribía tan bien en estos años, con letras verdaderamente honestas e inolvidables, terminó decantando por una postura tan fascista e intolerante.

Posiblemente uno haya crecido, mientras que él se quedó en el tiempo, mostrando lo peor en reportajes diversos, por ejemplo.

Pero como no creer a los 15/16 años, en un tema como "Memoria de Siglos", cuya letra reza: "En lo que digo nadie se engaña, Nos libramos del vencido. Todos barremos con saña a los ídolos caídos. No serás siempre el primero, la humana limitación, Cambia a capricho al puntero de toda competición. Olfateamos muchas cosas entre prisas diariamente. Son verdades deliciosas, y verdades pestilentes. Nadie da nada de balde, sabelo. El candor últimamente esta muy bravo, Aunque la verdad escalde, sobran cadenas y esclavos. Libertad y sus vestigios, Mas vale ponerse a salvo. Muchos calzan gorro frigio, Solamente por ser calvos. Cubre el cuerpo cualquier capa, El placer también demacra. Todo ser busca una tapa, Cada cual cubre su lacra. Cada cual su lacra oculta. Aunque en virtudes abunde y se juzgue inobjetable, Cuando el humano se hunde siempre busca un responsable. A menudo nos engañan escondidas apetencias. La culpa ajena es barata Regalarla no nos cuesta, nada nos cuesta. La hipocresía propasa, Todo ejemplo en esta tierra. Al asesinato en masa, los hombres lo llaman guerra."

Y eso es solo una muestra, porque todos los temas incluidos e este segundo disco de la banda son clásicos automáticos, a pesar del sonido, a pesar de la voz de O'Connor (y de la de Iorio en "Del Camionero" y "En las Calles de Liniers").

Hoy escucho el disco y no puedo dejar de admitir que se me dibuja una sonrisa en la cara, repleta de melancolía, admirando de paso la increíble portada que acompaña ese arte intangible que es la música. La formación clásica del grupo: Iorio (bajo y voces), O'Connor en voces, Pato Strunz en batería y el Tano Romano en guitarra.

La última banda de culto que surgió en la escena del metal en Argentina, que sigue generando seguidores y fanáticos aún después de 16 años de haberse separado en muy malos términos.

Bienvenidos a la H.

Jimi Hendrix "Valleys of Neptune" (2010)

Y si, 40 años de su muerte, y el muy hijo de Puta, desde el planeta en el que se encuentre, manda a uno de sus emisarios con un nuevo disco (póstumo) bajo el brazo, y nos deja tan sorprendidos como si estuviese entre nosotros.
Simplemente genial. Ya aburre que el tipo te sorprenda, cuando deberíamos saber por donde viene la mano con el Gran Zurdo (no, no Maradona).
Pero no hay caso.
Ya desde el arranque, con el clásico "Stone Free" de su primer disco con la Experience, la mano se presenta por lo menos como digna de escuchar.
El tema que da título al disco es hermoso y simple al mismo tiempo, con la guitarra de Jimi casi, digo casi, limpia, sin distorsión.
Hay dos grandes covers, que suenan DE PUTA MADRE: El clásico de Elmore James "Bleeding Heart", y el de uno de los tríos más impresionantes de la historia, Cream, con "Sunshine of Your Love", pasado por el tamiz del tipo que hizo la versión definitiva de "All Along the Watchtower" de Dylan, que ya habían aparecido en el "Experience Original Soundtrack" (1971).
Una de las perlas está en "Hear my Train A Comin", un bluzacho de esos que solo el Negro podía hacer y tocar, con un diálogo permanente entre la voz de Jimi y su guitarra, logrando uno de los puntos más altos de su carrera.
Lo bueno del disco es que si bien los temas ya eran conocidos para los seguidores de Jimi Hendrix, no por eso dejan de ser nuevos, porque con cada ejecución le agregaba algo distinto que llevaba al tema por carriles distintos, con diferentes texturas y colores.
Una edición de lujo como todas las nuevas del catálogo de este guitarrista único, que se transformó ya, en un punto obligatorio en toda discografía que se designe a si misma como completa.

http://krknmn.link-protector.com

Daemonia Nymphe "The Bacchic Dance Of The Nymphs" (1998)

baco

Debería haberlo sabido.

Cuando escuché por primera vez este disco, me encandiló, paradójicamente, por la oscuridad que destilaba mientras me paseaba por la música hipnótica de la antigua Grecia, ejecutando instrumentos antiguos incluso.

Investigando un poco para poder entender sus orígenes, encuentro una banda "hermana" que se dedicaban al...Black Metal.

No quiero que mal interpreten lo que digo. No hay una pizca de extremedidad en este primer disco de los griegos, pero el aura maldita que los cubriera al iniciar esa primera experiencia todavía persiste concentrada en los oscuros recitados, que te colocan automáticamente en un trance adictivo.

No tengo más palabras para describir esto más que ARTE. Puro y auténtico ARTE, en una de la más honesta y creíble forma, y al cual no podés abandonar una vez que te tocó.

De las tierras de Septic Flesh, Necromantia, Rotting Christ...llegan los herederos de los adoradores de la naturaleza, inspirados por letanías y cantos paganos de sátiros y ninfas en honor de sus dioses.

P.D.: pongo el título traducido al inglés, que es mucho más entendible que "Ο Βακχικός Χορός Των Νυμφών", que es el título original, mucho más místico, pero incomprensible para este simple mortal.

Escuchen y comenten, cuando regresen del viaje.

Buried at Sea "Migration" (2003)

Lento, sucio, viscoso...como salido desde las profundidades del pantano más hediondo del Norte.

Y es de allí de donde vienen estos tipos que debutaron con este breve disco de menos de 40', y que consta de 3 composiciones sin título.

Por supuesto que no llegan a tener los matices y las texturas de los genios del estilo (Earth, Sunn O))) ), sino que lo suyo transita las superficies más ásperas y molestas del Drone, con algunos escasos descansos repletos de acoples y mala onda.

Como si siguiesen las direcciones trazadas por aquellos pioneros del pantano, Eyehategod, los sonidos son gordísimos, y el bajo parece taladrarte la cabeza con cada pulsación.

La batería es por momentos tan minimalista que pareciera sacada de un ritual indígena, con momentos percusivos que no hacen que hundirte más todavía en ese líquido negro saturado de alquitrán.

Las voces son bien ásperas, aunque no puedo encontrar acerca de lo que cantan, no hay letras aparentemente.

Pero al fin y al cabo no hacen falta, es solo la sensación de ir ahogándose de a poco lo que vale, y en este caso, se logra rápidamente.

Una lenta migración hacia la muerte, de donde seguro no volveremos.

Enterrados

Monumentum "In Absentia Christi" (1995)

opaco

Hace tiempo que vengo escuchando este disco y las sensaciones no solo no se van sino que se acrecientan y van transformando mi umbral de tolerancia, y temo no volver a sufrir escuchando música.
Lo opresivo adquiere otro nivel con estos italianos liderados por Roberto Mammarella, quien también es el dueño de ese gran sello llamado Avantgarde Music, poseedor de un catálogo admirable.
Los músicos que lo acompañan en esta ocasión son: Andrea Zanetti (Voces); Francesca Nicoli (de los únicos Ataraxia, voces); Paulo Mauri (samples, producción artística y "sabiduría"); Roberto Mammarella (en cuerdas y teclados) y Max Cristadoro (percusión).
Ellos encontraron la forma de lastimar el alma de manera tan efectiva, que el viaje que comienza con ese título colocado sabiamente "Battesimo: Nero Opaco" no deja lugar a confusión: será oscuro y tan denso, que pocos discos se le acercan en este sentido. Y en muchos otros también.
Planteado como el producto de 6 tormentosos años, el primer disco de estos italianos es un compendio de misantropía y miseria absoluta que pone a prueba la capacidad de resistencia o tolerancia del que escucha.
Las punzantes intervenciones de la cantante de Ataraxia, cual hechicera maldita, no hace más que producir más dolor y temor, sobre todo acerca de nuestra (mi) salud mental.
Aviso, no es un disco para cualquiera...solo para aquellos que disfrutan al regodearse en la miseria más absoluta, hundido en una pila de su propio excremento, en la más eterna e insondable oscuridad.
Originalmente iba a ser editado a través de Deathlike silence Productions, el sello de Euronymous (Mayhem), aunque su asesinato traslado la decisión hacia Misanthropy Records (que fuera la casa de un gran número de bandas geniales: entre ellas In The Woods...)
Una belleza, de esas que duelen, el disco. Nunca la ausencia de cristo produjo tanto placer.
P.D.: escuchar a solas, a oscuras y a un volumen que lastime...el efecto es TREMENDO!!

Caprice "The Evening of Iluvatar's Children (Elvenmusic Vol.2)" (2003)

Ya había presentado a este ensamble de músicos rusos, con su disco "Sister Simplicity" (2004), en donde adornaban con su etérea música poemas de autores clásicos ingleses y norteamericanos, como Byron, por ejemplo.

Este es el segundo volumen de "música de los elfos", y es parte de la trilogía élfica que compuso la banda.

Está basado completamente en "El Señor de los Anillos" del genial e irrepetible Tolkien, describiéndose a si mismos como ilustraciones musicales de la obra tolkeniana. Y por los resultados obtenidos no resulta difícil obtener imágenes de ese libro hermoso y esa historia épica, buceando en los matices y las texturas que estos rusos nos regalan en la obra.

Cuando quieren sonar angelicales y etéreos lo hacen con facilidad, y cuando la historia requiere un toque de oscuridad y melodrama, nos estrujan los sentidos con climas tan bellos y fríos, como hipnóticos (escuchen "Galadriel's Message To Aragon"), con esa percusión de fondo que no puede menos que dejarte advertido.

El toque medieval y más oscuro, como corresponde aparece en los momentos en los que la mención de las hordas de Saurón son nombradas...y te podés perder en esa torre si no conocés el camino, o si no leíste el libro por lo menos.

El final del disco es bien melancólico, y muestra el cambio radical que se experimenta en la historia, desde el tono aventurero con el que comienza hasta la partida de los puertos grises...

Si les gusta el arte de tapa de este disco tienen que visitar la web oficial de la artista que lo realizó, dedicada al mundo de las hadas y a la belleza de la naturaleza y la femenidad: la srta. Sabine Adelaide.

Un disco verdaderamente hermoso, poético, y lleno de grandes momentos, que desde que lo escuché por primera vez no pude abandonarlo...y eso no ocurre todos los días.

Música de los elfos

V8 "Un Paso Más en la Batalla" (1984)

nomurio

Y si dejé el de Rata, como no voy a dejar el de V8!!!???.
Una de las bandas pioneras e históricas de la Argentina, que generó un culto por la figura de sus integrantes que llega hasta nuestros días.
En este caso es el segundo disco, y está lleno de clásicos que hoy, después de años de no escuchar el disco, me sorprende que suene tan oscuro (por momentos), con las letras típicas que por aquellos años se escuchaban en el mundo del metal argento, y de sudamérica, por supuesto (Sepultura en su primer disco los cita como una de sus influencias).

Habían arrancado con su primer registro titulado "Luchando por el Metal" (1983), toda una declaración de principios, en donde incluso se enfrentaban en recitales masivos (como el B.A. Rock) con los hippies, mandándolos a la mierda de frente, de la mano del siempre polémico Iorio (bajo). A él lo acompañaban Civile (Q.E.P.D.), en guitarras, Rowek (que después pasaría a Rata Blanca) en batería y el "Beto" Zamarbide en voces: la formación clásica, la de los dos primeros discos, y la que generó ese culto que se trasladó a las bandas que después formarían los integrantes una vez separada esta.
Ese estallido provocado por la disolución vomitó a Hermética (por el lado de Iorio), a Logos (por el lado de Zamarbide) y a Horcas (por el lado de Civile), aunque fue Ricardo Iorio quien se llevó el carisma y la mística para su nueva banda.
Esa mística, ese reconocimiento y lealtad absoluta por este músico (con el que actualmente no concuerdo absolutamente en nada -ideología y música-, aclaro) se comenzó a forjar en estos años, para continuar con ese otro clásico, la Gran H, pero eso será otro capítulo, justamente un paso más en la batalla por el metal.

Rata Blanca "Rata Blanca" (1988)

clasico

La puta madre, que disco impresionante. Aún hoy escuchándolo no puedo creer la calidad de cada una de las composiciones.

Si bien es cierto, como se darán cuenta los que siguen el blog de manera asidua no soy lo que se dice un amante del heavy que practica la Rata, pero se reconocer un buen disco aunque no me guste el estilo.

Y este disco es del carajo, che!!!

Posiblemente me manden a la mierda unos cuantos, pero creo que estamos ante EL disco de Rata Blanca, en donde si bien sus influencias se dejaban escuchar, no se podía catalogar de robo descarado a Blackmore y compañía.

Y encima está lleno de clásicos, entre los que se puede elegir. Amén de los dos instrumentales espectaculares...confieso que estuve muchos años sin escucharlos porque me habían llegado a empalagar con tanta demostración de notas y velocidad insulsa. Pero hay los volví a escuchar y me volaron la cabeza, sobre todo el que cierra el disco.

Y para todos los amantes de las canciones de barrio, dos de las mejores de toda la discografía de la banda; por un lado "Chico Callejero": Callejero, eres dueño de tus sueños, tu vida, tu libertad. Tus caminos son eternos, aunque busques un punto donde llegar. Sólo vos sabés cómo y dónde se tranza, que la calle es tu verdad, porque vos siempre serás un chico callejero. Tu familia te reprocha esa forma de vida que vos llevás. No te aflijas, ellos piensan que la vida se basa en sociedad. Puedes ver que el mundo sirve de poco, en la calle aprenderás, verás la vida real de los hombres en serio. Callejero, hoy seremos compañeros y amigos una vez más. Callejero, nuestros sueños nos convierten en amos de la ciudad. No podrán sistemas ni policías, arrancar de tu alma ya ese gusto de ser un chico callejero."; por el otro, un tema extenso y emotivo, con una sensación de tristeza que atraviesa toda la canción y unos teclados acojonantes, mientras Saúl Blanch nos lastima cantando sobre la Guerra de las Malvinas..."Gente del Sur": La soledad no es mal camino, en este mundo todo está mal. La sociedad sigue mostrando que es solamente parte del mal. Puedo contarte tristes historias que en estas tierras viví. Puedo sentir hondas heridas que mortifican mi ser, por ver tanta injusticia. Madres de hoy lloran sus hijos en una plaza de la ciudad. Y el gran imperio bebió la sangre del que pedia su libertad. No se muy bien cuál fue la gloria en esta guerra del sur. Hoy puedo ver miles de cruces en estas islas que Dios nos dió a todos los hombres. En soledad hoy los recuerdo, gente valiente del sur. Y la verdad sólo es divina, sólo es cuestión de esperar que Dios haga justicia." Este tema en particular suena mucho al Black Sabbath de los '80, sobre todo por esos colchones de teclados, acompañados por precisos punteos de Giardino (venía de tocar en la emblemática V8, de Civile y Iorio). Aparte de pasarle por arriba a la pedorrada de Porchetto sobre el mismo tópico.

Es cierto que las letras pueden sonar un poco ingenuas para los más grandes, pero para alguien de 11 o 12 años son un mazazo en la nuca (como el riff de "Rompe el Hechizo"), y eso significaron para mi. Me parece que fue la primera banda de metal que escuché, y la que me llevó de a poco a otras cosas, como la música clásica (de quien Giardino es fanático- o de algunos de sus compositores más emblemáticos-).

El único defecto que hoy le encuentro es la deficiente tarea de producción y masterización, con un sonido realmente malo. Pero era lo que había.

Actualmente sigue en actividad, aunque no me suenan tan intensos como hace 24 años.

Un disco imprescindible, con una formación única.

Nachtmystium "Assassins: Black Meddle Part I" (2008)

Todavía no salí de mi asombro y sorpresa frente a este disco, y ya sacaron el "...Part II", descolocándome más todavía.

En este disco se puede encontrar de todo, partiendo del claro homenaje a los Pink Floyd desde el título y el tema inicial psicodélico en negativo: "One of these Nights", sumado a ese riff monumental extraido de las entrañas mismas de La Bruja, de ese ancestro deforme del Stonerllamado "Master of Reality" (1971), con el himno "Children of the Grave"...genial, una muestra de que el sentido del humor no se perdió en la música extrema, y de que las raíces siguen intactas.

Pensar que recién los descubrí hace poco, y con un retraso mayúsculo, en "Instinct: Decay" (2006), y si bien me pareció un discazo, no me llegó a sorprender tanto como este, en donde el mote de Psychedelic Black Metal no le queda grande, y el temor a la experimentación brilla por su ausencia, como queda demostrado en el tema 2, "Assassins".

"Ghost of Grace" te hace sentir culpa incluso, con ese gancho casi Pop, y movés el piecito casi con vergüenza, pidiendo permiso a tu cerebro que ya no se resiste. Y eso que estás en el tercer tema de 10...y ni siquiera te preparaste para esa composición tenebrosa y black metal en serio que te deja respirar solo para hundirte más al fondo, "Away from the Light"

Y se que sueno repetitivo, pero es impresionante como se logran climas opresivas y claustrofóbicos bajando las revoluciones, gracias a esas afinaciones que te enrostran bandas no solo como esta, sino esas francesas que curten una onda similar en cuanto a oscuridad y experimentación, como Deathspell Omega o Blut Aus Nord (aunque éstos últimos buscaron más en el universo industrial que los yankees). La prueba la podés sufrir si ponés a un gran volumen "Code Negative".

Para terminar nos regalan una especie de suite hermosa dividida en 3 partes y titulada "Seasick", en donde dan rienda suelta a toda la capacidad de experimentación y todo el amor por las bandas progresivas de los '60 y '70.

Aparte, con la portada que nos regalan, nunca la muerte estuvo tan linda...jejeje

Una de las mejores bandas que escuché en años.

Obligatorio