The Beatles "The Beatles"(White album) (1968)

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Cuando a alguien le gusta la musica, tarde o temprano termina yendo para atrás en una especie de búsqueda arquelógica para descubrir vaya uno a saber que origen de qué cosa. En esa búsqueda eterna por el origen (¿de qué? ¿de quién?) uno se termina encontrando con grabaciones que parten en dos la historia de la música, y por qué no, funcionan como mojones en nuestra historia.

Por ahí, y viéndolo restrospectivamente resulta más sencillo ir para atrás una vez que uno se inició en ese camino de ida que es disfrutar del arte, sobre todo en la música-que es con la expresion artística que me siento más gusto, junto con la literatura y el cine-.

Y The Beatles es, en mi caso, uno de esos mojones construidos "por obra y gracia" de unas cuantas bandas nacionales que yo venía escuchando. Obviamente que el anclaje en la historia personal (la mía) es la de un tio paterno (el mismo que me hizo escuchar Pink Floyd, Luis Alberto Spinetta-"Tester de Violencia", "Prive" y "La, la, la", para sermás preciso). Y cuando los Beatles se introducen en tu historia, ocupan el lugar de referencia inexcusable/cuchable.

Tuve que pensar muchísimo para decidir cuál disco de los Beatles podía reseñar. Y digo podía porque son muchos, y hay tanta información contenida en cada uno de ellos que se puede escribir enciclopedias enteras tomando como punto de partida cada una de sus obras.

Siempre me gustaron, aunque con el paso del tiempo comencé a distanciarme de sus primeros discos, aquellos que estaban más ceñidos al Pop (al nacimiento del mismo). Me parecía (y lean bien, digo parecía) que sus primeros discos eran demasiado alegres y tontos....me parecía.

Después apareció la psicodelia y los discos que más me gustan de los Genios de Liverpool comenzaron a salir.

Grandes discos, clásicos de la música popular de los últimos dos siglos.

Y llegó el año 1968. En realidad ya venían distanciados entre ellos desde hacía un tiempo, y aquí está plsamado de la mejor forma. Con música. Y un disco tan extraño como adictivo e indescriptible.

¿Como poner en palabras la ambivalencia que me genera este "doble"? En los dos hay canciones increíbles y pedazos de basura que no termino de digerir a lo largo de los años. Porque ahí reside la peculiaridad y lo maravilloso de este disco. Hay canciones para todos los gustos. Y según pude leer en varias revistas (y mirar en unos cuantos archivos) el concepto estético del disco también era/es bastante increíble.

Canciones. "Back in the U.S.S.R.", un gran rock que te hace mover la cabeza casi instintivamente. "Dear Prudence", una balada tan hermosa como irremediablemente evocativa (que grande Lennon!!). Y "Glass onion", una gran canción de alma beatle. Y hace su entrada triunfal el primer bodrio del disco (aún hoy me cuesta encontrarle la veta a la canción, con su estribillo hiper estúpido....pero sigue siendo beatle.).¡¡Jajaja!! "The continuing history of Bungalow Bill" es realmente divertida y contagiosa. Y la parte lenta es simple y sencilla hasta ese estribillo feo, que me llevará hacia tiempos pasados (más aún) para ver de donde vienen esos sonidos, por quién están influenciados.

Todo sirve de marco para un gran clásico, "While my guitar gently weeps", la participación estelar de uno de los grandes guitarristas de todos los tiempos, Eric Clapton, en esas tristes guitarras que lloran gentilmente. Hermoso.

También podemos encontrar ironía en formato inglés en el título "Hapiness is a warm gun", con otro gran clásico que hace que me pregunte acerca del por qué de esos temas tontillos...y esa ran frase drogona de "...necesito otro pico porque me estoy bajoneando..." (que grande los Beatles!!!jajaja).

Después ese hermoso foxtrot meloso para una perra (¿?), seguido de una hermosa balada que te arrulla y te muestra-como si hiciera falta- lo humano que era el gran Lennon; si te gusta el Folk podés emocionarte con "Blackbird", aunque después te enrostren con todas sus ganas esa gran crítica social relajada llamada "Piggies". Y encima después le pegan ese tema, esa especie de bluegrass titulado "Rocky Racoon", y moés automáticamente tu pie siguiendo el ritmo contagioso de la canción. Todo eso más "Don't pass me by".

Y ese arranque sexual con "Why don't we do it in the road", que nos acerca al final, recién, del primer disco. Es cierto que "I Will" es otra balada tonta, pero es hermosa. Aunque queda sepultada frente a la belleza y la melancolía que se desprende de esa maravilla que cierra el primer disco, titulada "Julia", compuesta por Lennon para su madre (creo).

El segundo disco comienza bien arriba con un gran rock n' roll sacado del arón de los recuerdos, desde la negrura de los orígenes del género. ¡Y ese blues incríble!..que músicos del carajo, por dios.

Este disco -el segundo- tiene mejores canciones (hoy creo eso, mañana no se). Muestras: "Mother Nature's son", "Everybody's got something to hide except me and my monkey" (otro gran rock), "Sexie Sadie", tremenda canción.

Y llega el primer mazazo de ira y violencia en The Beatles-para algunos una canción de Heavy Metal, aunque yo no estaría tan seguro- "Helter Skelter". La banda de sonido del asesinato perpetrado por el clan Manson, cuando se cargaron a Sharon Tate por aquellos años. Realmente una canción violenta. ¿No me creen? Escuchen.

Más canciones hermosas: "Long, Long, Long", la versión semiacústica de "Revolution", salvando los coritos podoros de la misma; otro foxtrot en "Honey Pie", que te lleva a algún cabartet de los años '40. Otro gran rockito en "Savoy Truffle", y una gran balada rockera en "Cry Baby Cry", todo de aperitivo del gran delirio en la discografía de los Fab Four: "Revolution nº9", o como la vanguardia se coló en las mentes de Lennon y compañía, con Yoko como catalizador de ese gran pastiche de cintas pegadas al azar. Una revolución demoníaca con un 6 invertido, para asustar al más extremo de los fans.

Y termina con un relajado y apacible "Buenas noches".

Obviamente, esto es solo la enumeración de las canciones incluidas en esta descomunal obra, que atravezó ya 41 años de nuestra historia, y todavía se seguirá escribiendo por muchos años más. Y acá esta la respuesta al por qué mi primer reseña de esta banda es con este disco. Porque sería más fácil hacerlo con otros, pero el Álbum Blanco es un extracto de lo mejor que ofrecieron estos ingleses en toda su discografía.

El Blanco es un disco único, como la portada que lo presenta en sociedad, con solo un número que lo identifica y no se repite en los otros blancos que millones de personas tendrán a lo largo y ancho del planeta.

Embodiment "Words like Violence" (2006)

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En la Argentina no hay buenos productores de metal, sobre todo este tipo de metal más extremo. Aunque pensándolo bien, si se busca se encuentra. Solo hay que salir de la provincia Buenos Aires, y enfilar para el norte, Tucumán para ser más preciso.
¿Por qué digo esto? Porque el disco tiene unas canciones que son realmente muy buenas y llenas de energía y violencia, de la que se vende desde el título. Pero hay una falla, y es el sonido logrado.
Porque si bien la energía y la intensidad rezuma por todos lados en la placa, falta poder, ese que te da el sonido bien logrado. Entonces, con el correr de los minutos uno termina pidiendo un poco más de variedad en ese sonido, ya que la producción termina aplastando el sonido de las guitarras y, sobre todo, de la batería, que por momentos parece más una máquina de escribir que un instrumento.
Aparte de este aspecto negativo, las canciones son realmente muy buenas y contagiosas, y no me quiero ni imaginar lo que sería este disco con una producción que realce el esfuerzo de la banda por alcanzar un sonido muy cercano a algunas bandas europeas. Y ahí sí, la cabeza te va quedar como la del tipo de la portada.
¿Quien podría lograr esto? El primero que se me ocurre es el "culpable" del sonido logrado en el e.p. de los tucumanos Hate Fusion , Ramiro. Escuchen eso también y avisen a ver si estoy equivocado o no.

Luis Alberto Spinetta "Artaud en vivo en el Teatro Astral" (1973)-Pirata-

teatro

Hoy les traigo un hermoso pirata de la presentación del mejor disco de la historia del Rock Argentino. Obviamente hablo de "Artaud", aquel que salió bajo el nombre de Pescado Rabioso, pero en realidad fue un emprendimiento solista del Flaco.

En el estudio estuvo acompañado por su hermano Carlos Gustavo Spinetta y por dos ex-Almendra (una de las grandes bandas argentinas): Rodolfo García en batería y Emilio del Guercio en bajo.

En vivo, en esta presentación en particular se encontraba solo Luis en guitarra acústica. Y tiene un plus. Las dos presentaciones en ese Teatro fueron históricas, con un músico hablando más que tocando y en ocasiones peleándose con el público. Es muy gracioso como a veces se escucha a este gritarle a Luis que se calle y toque, y el Flaco no se queda callado.

Así que disfruten esta presentación, que por lo que se escucha que dice el músico arriba del escenario, sigue una especie de concepto (como el disco de estudio).

Esta grabación corresponde a la segunda presentación en el mencionado Teatro, ya que la anterior se llevó a cabo el día 23/10/73(el set list es diferente, y será posteado oportunamente). En ambas se realizan proyecciones de películas mudas expresionistas (como "El Gabinete del Dr. Caligari", por ejemplo), y en los intervalos se pasa música de Pink Floyd ("The Dark Side of The Moon" acababa de salir), Hendrix y músia clásica.

Un hermoso documento histórico para entender a este músico tan especial.

Pink Floyd "The Dark Side of the Moon" (1973)

clasico

El lado oscuro de la luna. Se encuentran datos fríos por todos lados en la red. Estuvo 14 en la lista de los más vendidos, volviendo a aparecer en el año 2001 nuevamente.
Las ediciones se esparcen como peste a lo largo y ancho del espacio y del tiempo. Distintas tapas, con o sin sellos de Japón, que si un prisma o la pirámide de Keops en la portada....y en definitiva lo que siempre queda es la música.

La música. Eso es lo que siempre caracterizó a Pink Floyd. Y el sonido incluido en su música. Porque de eso se trata cuando escucho a esta banda. Aparte de las canciones, importan los sonidos, esa perfección lograda tan temprano en su carrera. Sus primeros discos rezumaban psicodelia por todos lados, pero en el excéntrico "Ummagumma" ya comenzaron a demostrar el cambio de rumbo.

Una seguidilla de discos realmente imprescindibles desembocan en este "Dark side of the moon", en donde podemos encontrar grandes canciones, hoy ya inmortales.

Hasta la idea detrás de cada canción sorprendente.

Unas cuantas canciones están atravesadas por voces que son la de su road manajer, Roger "The Hat" (padre de la actriz Noami Watts), y estas simples palabras te disparan preguntas profundamente perturbadoras que no te dejan en paz por el resto de la vida.

Cinismo inglés, más ironía del mismo reino, más grandes composiciones, más experimentos sonoros con nuevos instrumentos (en "On the run", por ejemplo), más improvisaciones dan como resultado un disco tan único como inolvidable.

¿Improvisaciones? Escuchen "The Great Gig in the Sky" y la descomunal performance de Clare Torry; ese tema que ustedes escuchan al entrar al blog es el que improvisó esta cantante en el estudio, salió pidiendo disculpas y diciendo que se avergonzaba. Realmente maravilloso. (Y eso que no me pongo a pensar en los temas restantes, porque es demasiado).

Otra cosa queme acabo de acordar: corran a buscar el documental del "Making of..." que encontrarán detalles increíbles y anécdotas emocionantes sobre esta obra de arte.

P.D.: Podría estar escribiendo meses sobre las sensaciones que me producen cada una de las canciones incluidas en este tremendo pedazo de historia, prefiero que uds. escuchen y me digan que es lo que sintieron.

Dejen de leer esto y adéntrense en la pirámide, para no salir más. Ese es el efecto que te produce este disco y, sobre todo, Pink Floyd.

Thelonious Monk "Brilliant corners" (1956)

genial

Increíble disco de este genial pianista, que la verdad hacía mucho que no escuchaba.

Y con ese paso del tiempo, es como que para mi este disco maduró como un buen vino. Si bien al principio me parecía mucho más alegre que otros discos de él como el "Monk's Dream" (1962), pero como siempre ocurre con los grandes discos, hay que darles tiempo, y volver sobre ellos para escuchar lo que nos dicen.

Y en este disco encontré muchas cosas. Sobre todo mucha música, y de la mejor. No es para menos, con los integrantes de este cuarteto cualquier cosa puede pasar: Monk en piano, Max Roach en batería, Sonny Rollins en saxo tenor, Oscar Pettiford en contrabajo y Ernie Henry en saxo alto. Mientras que en "Bemsha Swing" podemos escuchar al gran contrabajista Paul Chambers, y al trompetista Clark Terry, como para variar un poco, nada más.

Un hermoso disco para compartir mientras charlas con algún amigo que hace muicho que no ves, ahora que estamos pocas horas del día del amigo.

Como en realidad se puede disfrutar cualquier día y a cualquier hora, podés poner como excusa el día del pianista y listo, lo escuchás sin ningún problema.

Astor Piazzolla "The Central Park Concert" (1987)

park

Tremendo disco en vivo del genio Astor. La formación no podría ser mejor: aparte de Astor, Pablo Ziegler en piano, Fernando Suarez Paz en violín, Horacio Malvicino en guitarra (ya había tocado con Astor en el Octeto Buenos Aires, y en otros quintetos) y Héctor Console en contrabajo.
Creo que esta fue una de las grandes encarnaciones del Quinteto, acaso la formación definitiva para ejecutar la música compuesta por Piazzolla.
Temas. Grandes clásicos: una enorme y conmovedora versión de "Verano Porteño"; "Lunfardo" te lleva aceleradamente a alguna esquina porteña de principios de S.XX. A continuación, dos grandes composiciones: "Milonga del Ángel" y su eterna melancolía porteña que te llega hasta el fondo del alma, y la "violenta" "Muerte del Ángel", de la que hay infinidad de versiones y variaciones, y en la que siempre queda demostrado que el ensamble y la química entre los músicos era simplemente perfecto, y donde siempre resulta sorprendente escuchar que tan intensa puede llegar a ser la música de Astor tocada en vivo.
¿Intensidad? Escuchá "La Camorra" y no vas a poder creer que esto sea "nuevo tango", porque está más cerca de tener esa actitud rockera que contagia todo lo que se le atraviesa. Después, y para calmarse un poco (y calmar a quien escucha), el Quinteto te ataca con la tristeza y la desolación de "Mumuki", y te vuelve a sorprender; para cuando entra el bandoneón de Astor a los 3'52, ya te falta el aire, y Suarez Paz te termina de dar la estocada final, para que mueras de tristeza con el hermoso sonido de su violín.
Y así, de a poco, me voy quedando sin palabras...pero antes aparece una de las mejores versiones de uno de los grandes clásicos de Astor, compuesto en honor a su padre (que acababa de morir), "Adios Nonino". Después de este tema, el disco podría terminar y no haría falta decir más nada. Porque lo que logra transmitirse gracias a la música en este caso, es algo difícil, y te lleva desde la tristeza por la muerte de un ser querido, hasta la alegría de despedir a esa persona que fue realmente amada, y que por lo que se deja escuchar, vivió intensamente ( o por lo menos así lo percibió su hijo), atravezado por esa eterna sensación de melancolía tan característica de las obras de Astor.
Bueno, a continuación, la oscuridad se hace presente en "Contrabajissimo" para ser dejada atrás en pos de ese frenesí llamado "Miquelángelo", otra demostración de intensidad y poder. El disco cierra con "Concierto para Quinteto", bajando las revoluciones y sumándole cierta experimentación, cosa que por otro lado Piazzolla siempre procuró, explorar y explotar hasta el límite tanto las sonoridades de los instrumentos como la pericia de los ejecutantes de los mismos. El resultado, está en este disco. Y Astor lo hizo de nuevo.

Miles Davis "Water Babies" (1967)

bebes

Siempre que vuelvo a escuchar algo de Jazz, el disco que sea, termino en algún disco de este extraterrestre que tocaba la trompeta.

Decir tocaba es casi una falta de respeto después de haber quedado durante años conmovido por discos como "Kind of Blue" (1959), o "Nefertiti" (1967) , o las mismas "Bitches Brew-The complete sessions" (1969).

Este disco según la crítica tardó casi 10 años en ser editado, y en él los músicos que intervienen son casi tan increíbles como el mismo Davis: Wayne Shorter en saxofón, Herbie Hancock en piano, Ron Carter en contrabajo y Tony Williams en batería. Esta es la formación de la primera sesión del día 07 de Junio de 1967, de los tres primeros temas.

La segunda sesión data del día 11 de Noviembre de 1968, en donde tocan, aparte de Miles, Shorter, Herbie Hancock y Tony Williams, nos encontramos (o escuchamos) a Chick Corea en piano y piano eléctrico y a Dave Holland en contrabajo, en los temas 4 y 5.

En el año 2002 se reeditó el disco con un bonus, el sexto tema "Splash" en donde toca esta última formación. Es interesante que los músicos que aquí tocan vuelvan a aparecer en las sesiones de las Bitches un par de años más tarde. Y salvo Corea, creo que los demás estuvieron todos en esa maravilla del Jazz llamada "Nefertiti" (1967).

Salvo el tema 5, compuesto por Davis y Tony Williams, y el bonus "Splash" compuesto por Miles exclusivamente, los demás fueron todos compuestos por Shorter.

Un disco a mitad de camino entre las hermosas ejecuciones acústicas de Miles, y las incursiones eléctricas exploradas más tarde en las "Bitches Brew-The complete sessions" (1969).

Lo que si es innegable es la determinación de Miles para adelantarse en décadas a los sonidos por venir, sonando fresco y actual aún después de tantos años.

John Coltrane "Impressions" (1961)

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Mucho no puedo decir. Después de mucho tiempo vuelvo con algo de Jazz, y que mejor que con el genial Coltrane, que tantas satisfacciones me dio a lo largo de los años.

Un disco hermoso y complejo al mismo tiempo. Acá hay tomas realizadas a lo largo de los años '61 a '63, más un bonus impresionante compuesto por Stan Getz.

Los músicos que lo acompañan son la elite del momento, tomen nota: Eric Dolphy en clarinete y saxo alto; Jimmy Garrison y Reggie Workman en contrabajo, Coltrane (¿¡en que va a ser?!); Elvin Jones y Roy Haynes en batería; en piano, McCoy Tyner en piano.

De los 5 temas, el que me gusta más (solo por ahora) es "After the rain" con su ritmo tranquilo y melancólico, que transmite esa bella y refrescante calma que sucede a la tormenta, representada en el monumental "Impressions" de casi 16'.

Otro gran disco de un de los mejores músicos de Jazz de la historia.

Electrozombies "Electrozombies" (2005)

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"...los zombies son lentos y podridos como nuestra música". Toda una declaración de principios de esta banda chilena, frente a la cual no queda más remedio que rendirse ante semejante demostración de poder y convicción.

Su música es realmente lenta y podrida como ellos dicen, pero tan atrapante que por momentos te falta el aire.

Es como si todos los zombies de las pelis del gran George Romero formasen una banda, y se dispusiesen a tomar por asalto tu país. En ese caso el país es Chile, de donde provienen grandes bandas de muchos estilos.
La relación directa de Electrozombies es con Yajaira, tremenda banda de Stoner/doom psicodélico chilena, donde tocaba el bajo "Comegato", actual guitarrista de Electrozombies. La baterista y la bajista son hermanas, Paola y Marcela Zamorano, y tocan de la puta madre.

Temas largos y tortuosos, con letras filosóficas y existencialistas, todo con un hermoso tinte oscuro y pesimista, que hará las delicias de todos los amantes de bandas como por ejemplo.....Crowbar (se me acaba de ocurrir, la verdad). Ese es el sonido que tienen, bien embarrado, pero con la actitud necesaria para hundir 13000 transatlánticos.

Pero no todo es actitud, porque también la música ocupa un lugar importante en este poderoso y nauseabundo trío.

P.D.: el cover de "Jeremías pies de plomo"de la gran banda argentina Vox Dei es simplemente descomunal. Gracias Chile por esta excelente banda.

Celtic Frost "To Mega Therion" (1985)

Hay pocas bandas en la historia del Metal que sean tan importantes e influyentes como esta. Ahora se me ocurre Black Sabbath y Bathory (aunque en pocos minutos más se me ocurrirán otras).

Todas, absolutamente todas las vertientes extremas del metal, y las más oscuras, fueron influenciadas por estos increíbles suizos...(Slayer también fue muy influyente...), que después de dos grandes e.p.'s a modo de debut, llegaron a parir este clásico absoluto de todos los tiempos.

Y encima se dan el lujo de empezar a cambiar su sonido ya en su primer disco, dando muestras de una capacidad de creación descomunal. porque, ¿quien se hubiera imaginado que los mismos músicos que participaron en Hellhammer llegarían a este sonido?

Si bien hubo cambios, el núcleo era el mismo: Tom Warrior y Martin Eric Ain (este último no toca en este disco).

Y en "To Mega Therion" se puede encontrar desde Thrash, pasando por un Death bien sucio, hasta sonidos góticos que después se profundizarán en otra gema de la banda: "Into the Pandemonium" del año 1987, de donde sacaron "inspiración" innumerables bandas de Death Doom de principios de los '90, como Paradise Lost y Anathema, por ejemplo.

Y para cerrar y dar cuenta de la importancia de esta obra, el artista plástico responsable de la estética de Alien, o sea H.R. Giger, da el ok para que una de sus grandes obras sea utilizada en este disco, como portada: "Satan I", descomunal indicador de que el mal siempre tuvo más onda que su contraparte, y que dentro del Rock en general, y el metal en particular, siempre tuvo un papel central, por lo menos desde el punto de vista estético.

Un disco absolutamente indispensable para entender la evolución del género en los próximos 20 años.

Al Gran Dragón

Die Verbannten Kinder Evas "Dusk and Void became Alive" (2006)

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Otro gran proyecto proveniente de Austria, y con grandes y prolíficos músicos. El líder es Richard Lederer-se encarga de la música y las voces femeninas- que no es otro que Protector, quien participa de Summoning, Pazuzu y Iced Ages, entre otros. Las voces femeninas están a cargo de Christina Kroustali, quien sería la nueva cantante del proyecto.
Este es el último disco de estudio de la banda, que ya sorprendiera con el debut autotitulado del año 1995. Y sorprendió porque los involucrados en este proyecto también tocaban en una banda de Black Metal extrema de Austria, los conocidos Abigor.

En esa época estaban más relacionados a la música medieval, mientras que ahora se puede encontrar mucho más de la música clásica contemporánea, tornándose más dramáticas y teatrales las composiciones....por lo que no resulta difícil imaginarse como sería la presentación en vivo de una "banda" como esta, simplemente una delicia para los oídos.

Suena tan honesta y hermosa, a la vez que oscura la música que hacen que se vuelve imposible-una vez que conoces la banda- dejar de escuchar por lo menos uno de sus cuatro discos.

Si querés empezar por alguno en especial, te recomendaría que lo hagas por "In Darkness Let Me Dwell " del año 1999, tal vez el más "accesible. Si ya los conocés.....entonces adelante

Burzum "Hlidskjalf" (1999)

Hablando de minimalismo, acá está el último disco de estudio de este noruego loco.

Todavía recuerdo las entrevistas que daba por aquella época, diciendo que nunca volvería a tocar música heavy ya que provenía de raíces negras, y como él era un ario puro no se podía dar ese lujo....en fin un montón de boludeces que harían parecer a Ricardo Iorio como si fuera Ana Frank.

Evidentemente el estar en prisión le impedía utilizar instrumentos "normales", por lo que utilizó solo teclados en esta ocasión.

Y la música es exclusivamente instrumental, y más allá que hay letras dando vueltas, solo son para entrar en clima de acuerdo a lo que esté sonando en un momento determinado. Por ejemplo, el tema "Der Tod Wuotans", en donde por momentos suena un ritmo marcial, y en otros se presenta un clima apesadumbrado y melancólico que te transporta a algún campo de batalla en el cual la quietud de la muerte se instaló para no irse.

Uno de los temas más hipnóticos es "Die Liebe Nerþus'" y uno de los más minimalistas de todo el disco, en donde una melodía se repite incansablemente a lo largo de los 2'14'' que dura la misma.

Ese es el punto que te atrapa de este disco, esos patrones melódicos que se repiten durante el mismo, y que con la escucha continua, te transporta a ese oscuro bosque de la portada, para estar en presencia de algún espíritu maligno, o por lo menos tan oscuro como el bosque.

Acá

Aelia Capitolina "Antichrist e.p." (2007)

Banda rusa de Ambient ultra minimalista y politizada, que aburrirá a muchos, de hecho a mi me llegó a aburrir.

Es una lástima que no haya por ningún lado de la web las letras de estos locos rusos antisionistas, que lo dejan plasmado en cada arte de tapa que pueden.
Incluso no tienen página web oficial, y supongo que será por una cuestión política. Aelia Capitolina fue una ciudad creada por el Emperador Adriano en el año 131 D.C., sobre las ruinas de la antigua Jerusalem, y los judíos tenían prohibido regresar a dicha colonia, para lo cual Adriano había dispuesto una Legion sobre una de las laderas para que eviten el regreso de los mismos.
En base a esto es que supongo de que van las letras y el concepto de la banda.
Una rareza la verdad, que tienen muchos discos e.p.'s y demos, aunque no llegan a alcanzar la profundidad y calidad musical de otras bandas del estilo, como por ejemplo Elend o Dargaard.
Solo si querés probar algo raro.
Acá

Solstice "Halcyon e.p." (1996)

Solstice mantiene en alto la calidad de bandas inglesas, con un sonido que recuerda a bandas del Doom más clásico, (de la talla de Candlemass, Saint Vitus, etc.), aquellas que rescatan el sonido de la oscura banda de la que todo lo oscuro en el metal surgió: Black Sabbath.
Este e.p. salió a continuación de su primer larga duración "Lamentation", y realmente es muy bueno, con un sonido claro y con ciertas melodías celtas-en un tema, son bastante claras estas influencias-.

Uno se podría preguntar de donde salió esta banda, y les puedo decir que por acá pasaron músicos que tocaron en bandas como Cradle of Filth, My Dying Bride y Anathema.

Actualmente el guitarrista Tom Phillips toca en otra gloria del Classic Doom épico melódico: While Heaven Wept.

Grandes canciones-4-, más una intro y un cover de Manowar para un disco divertido y fácilmente escuchable.

Acá

Wehmut "Wehmut" (2008)

muuuyyy

Si bien está catalogada como una banda de Black Metal, en realidad el sentimiento que destila esta banda tiene otro ingrediente importantísimo, casi fundamental, el Doom, y del más rústico que se puede encontrar.

Este es su primer disco y todos los instrumentos están ejecutados por el único integrante de este proyecto, que se llama Till.

El sonido es más bien apagado y "low fi", con canciones extremadamente lentas y gritos desesperantes, que parecieran estar hechos desde dentro de un féretro, lleno de gusanos que se están comiendo a la persona que grita, y que escucharás si prestás atención.

Por momentos se torna aburrido, pero si estás con el humor adecuado, te parecerá un muy buen disco. Por momentos me sonó parecido a otra banda alemana muy buena, llamada Bethlehem, que utiliza los mismos elementos, aunque tiene un sonido más gordo y pulido.

Katatonia "Discouraged Ones" (1998)

corazon

Katatonia siempre me pareció una banda especial. Hay bandas en las que se puede ubicar en su discografía el momento preciso en el que cambiaron. Ejemplos hay de sobras. Metallica, Megadeath, Ulver, In The Woods... Pero esta banda no. Porque tiene momentos Black, góticos, Doom....pero fueron mutando de forma tan imperceptible que para cuando llegó este disco, era natural el estar acostumbrados a los continuos cambios en el sonido y estilo. Pero el aura que se desprende de cada canción sigue siendo la misma.
Un punto importante fue que las influencias rockeras se volvieron más evidentes, sobre todo el Dark de las bandas inglesas como The Cure por ejemplo.
Y entonces terminaron abandonando las voces podridas que venían utilizado hasta el disco anterior. Incluso el logo de la banda mutó, dejando atrás el tópico Black Metal para darle un toque más legible y acorde con el nuevo estilo.
Un disco realmente hermoso y atrapante, que después sería mejorado con los siguientes lanzamientos de la banda. Un disco tan melancólico como esa imagen de la tapa del disco, con ese ángel retirándose a las profundidades insondables de algún limbo extraño, o quizá rindiéndose y volviendo al fondo de algún abismo. Con Katatonia las dos opciones son posibles.

Pappo's Blues "Vol.1" (1971)

carpo

Después de abandonar a Los Gatos, Norberto "Pappo" Napolitano le dio forma a uno de los mejores tríos de la historia del Rock en toda latinoamérica (y nada que envidiarle a los grandes de la historia), formado por Davies-David Lebón- en bajo y Black Amaya en batería.

Recién en la reseña anterior hablaba de los clásicos, y en este disco son absolutamente todos. Ni vale la pena que diga los nombres de las canciones, solo tienen que escuchar el disco completo y ya está.

¿Y si encima de ser un tipo sensible fuese un filósofo oculto en territorios urbanos, en modernas ciudades, tras la apariencia de un genial guitarrista de la Paternal? Es muy probable: "El viejo (Pappo) Qué nos ocurre después de tanto tiempo,reflexionamos al vernos al espejo;qué es lo que pasa, me estoy viniendo viejo,no se ya qué pensar, si ya no se qué es lo que pienso.Yo soy un hombre bueno,lo que pasa es que me estoy viniendo viejo;trataré de hacer las cosas a su tiempo,o sino no le daré importancia al cuerpo, oh no.No puede ser que esto me preocupe,si estoy naciendo, que bueno, que bueno;para qué tantos años de experiencia,si justo ahora me doy cuenta que no tengo.Yo soy un hombre bueno,lo que pasa es que me estoy viniendo viejo;trataré de hacer las cosas a su tiempo,o sino no le daré importancia al cuerpo, oh no."

Genial, absolutamente genial. Y para disfrutar de la ironía a la que nos acostumbraría años después esta el hermoso y cínico "¿A dónde está la Libertad?.

Uno de los mejores discos que escuché en mi vida por lejos.

No sean amargos y escuchen.

Pappo's Blues "Vol.2" (1972)

carpo

Según decían muchos Pappo era un cabrón, un tipo con muy pocas pulgas...pero un músico tan sensible y creíble que nadie reparó en todos estos años que su producción discográfica es poco menos que increíble.

Y si hablamos de sus primeros discos, lo único que se me ocurre decir es que estaba al nivel de guitarristas de afuera, de Inglaterra o Estados Unidos, y acá no nos dimos cuenta hasta muchísimos años después.

Muchos decían que el tipo era un insensible, pero teniendo en cuenta lo que escribía, me atrevería a afirmar rotundamente lo contrario: "Ese monstruoso que caminando va,no se da cuenta que no tiene lugar;y con el tiempo desaparecerá,ese monstruoso, desaparecerá.Las facultades y la electricidad,en muy pocas personas las puedo encontrar,y sin tu lamento podría continuar,y en las estrellas podré resucitar;sin pedir nada, sólo poder pensar;que si nos ponemos todos de acuerdo,llegará la paz." ("Llegará la paz")

Este disco está lleno de clásicos, desde el "Desconfío de la vida", versionado innumerable

cantidad de veces, hasta "El Tren de las 16", pasando por ese Blues impresionante titulado "Blues de Santa Fe".

Un trío buenísimo, que no llega a compararse con el de "Vol.1", y que tiene aparte de Pappo, a Black Amaya en Batería (también a Luis Gambolini) y Carlos Piñata en bajo.

Hace un momento escribí sensibilidad. Miren el arte de tapa y díganme si no se les llena la cabeza de recuerdos de su niñez. Cierto que si.

Un clásico absoluto. Gracias Carpo por tanta buena música.

Astor Piazzolla y el Quinteto Nuevo Tango-Jorge Luis Borges-Edmundo Rivero-Luis Medina Castro "El Tango" (1965)

Tremendo disco que aúna y demuestra la "colaboración" de dos grandes figuras iconográficas de Argentina, como son Piazzolla y Borges, que se destacaron para quienes no los conocen en música y Literatura, respectivamente. De hecho Jorge Luis Borges es uno de los escritores más increíbles de la historia de la literatura universal, con innumerables títulos editados, todos de excepcional calidad.

En este caso, le pone letra a la música escrita por Astor para esta obra considerada capital dentro de la historia de la discografía del músico (por lo menos para mi). Lo que pasa es que la música de Astor pareciera adecuarse a la perfección a los textos de este gran escritor.

La música. Por momentos se torna tan violenta y perturbadoramente maravillosa que se impone detener la reproducción para poder respirar y tranquilizarse.

Las voces son memorables. Está el locutor y actor Luis Medina Castro, casi como un relator que observa la historia o que cuenta lo que a su vez le contaron a él.

Y también está uno de mis cantantes de Tango preferido: Edmundo Rivero, quien hizo del lunfardo su mejor expresión tanguera (todavía me acuerdo la primera vez que escuché el tango "La Gayola", cantado por él, impresionante!), acá está al servicio de la erudición literaria de Borges, y queda realmente más dramático que de costumbre.

No puedo decir mucho más. Todas las canciones son gigantescas e inolvidables, aunque destaco tres: "Jacinto Chiclana" (casi una milonga, hermosa), "Alguien le dice al Tango" y "A Don Nicanor Paredes".

Párrafo aparte para "El Hombre de la esquina rosada", una suite de 7 partes de casi media hora, donde la experimentación dentro del género llega a un extremo jamás alcanzado de nuevo.

Piazzolla lo hizo de nuevo, y la ayuda que tuvo fue inolvidable.

P.D.: El arte de tapa no es el que venía en la edición original, sino en la colección editada por el diario argentino La Nación, referida a Astor Piazzolla.

Escuchen y lean.

Acá

Anibal Troilo y Roberto Goyeneche "El Gordo y el Polaco" (2004)

pichuco

Con semejantes artistas no puede durar mucho la reseña.

Este es un compilado que presenta grandes clásicos que fueran grabados a lo largo de muchos años por esta dupla fantástica de la música popular porteña.

Roberto "Polaco" Goyeneche fue el cantante que mejor interpretó, para mi gusto, grandes composiciones como "Garúa", "Sur" o "La última curda", incluidas en este disco. Aparte, fue quien se encargó de cantar en la Orquesta de "Pichuco" a lo largo de 10 años, y obviamente que esta selección de 20 tangos es (como en cualquier compilado) aparte de arbitraria, escueta. Pero sirve para mostrar en mejor forma a un cantante con todas las letras, que por ahí para los más rockeros se hizo conocido en su última etapa, cuando era más un "decidor" que un cantor.

Pichuco. ¿Qué se puede decir de el Gordo que ya no se haya dicho?

Fue el descubridor de luminarias de la talla de Piazzolla, Kicho Diaz (quien tocase con este), o grandes cantantes como Francisco Fiorentino, Alberto Marino, Floreal Ruiz y Roberto Goyeneche, quienes se lucieron gracias a los arreglos de este gran bandoneonista. Ya que lo mencioné al principio, el gran Astor fue uno de los arregladores estrellas de la Orquesta de Pichuco al comienzo de su carrera, hasta que dejó ese puesto para comenzar su propio camino.

Anathema "Hindsight" (2008)

acustic

Después de mucho andar por el mundo presentando espectáculos acústicos por Europa, terminaron copándose con el formato, y editaron un "nuevo" larga duración.

Bueno, lo de nuevo está por verse, porque son todos temas clásicos, más una canción nueva verdaderamente hermosa.

Las canciones tienen nuevos arreglos en ciertas ocasiones, y suenan tan frágiles que te pueden llegar a lastimar si no estás preparado para semejante demostración de sensibilidad artística.

Yo sabía que la reseña la tenía que hacer después de verlos en vivo, cosa que ocurrió el día 31 de Mayo de 2009, y la verdad, no me lo voy a olvidar nunca. Hermoso.

De este disco hicieron algunos temas, en las versiones indicadas, y no se puede creer lo que se puede lograr solo con un teclado minimalista y una simple guitarra acústica.

La canción nueva es la que cierra, se llama "Unchained (Tales of the Unexpected)" y es hermosa...también la tocaron en Buenos Aires esa inolvidable noche de finales de Mayo, junto con 2 canciones nuevas más. Muy en la vena de "Judgement", ojala vaya por ahí la cosa.

Lo único negativo es que ya estoy necesitando un disco nuevo "de verdad" de estos ingleses, y no me conformo con un "Grandes Éxitos" acústicos (que por otro lado, m´s de la mitad de las bandas que escuché matarían por tener por lo menos 2 de esos éxitos).

Hasta que salga "Horizons", tienen esto para ir despuntando el vicio, ese que causa Anathema y que es imposible abandonar una vez iniciado.

Alcest "Souvenirs d'un Autre monde" (2007)

mundo

Bellísimo y emotivo disco debut de esta banda francesa. La banda es en realidad un proyecto en solitario de Neige, que también toca o canta en otras bandas como Peste Noire o Forgotten Woods, o sea, bandas de Black Metal.

La "banda" se formó en el año 2000 y editó un primer demo titulado "Tristesse Hivernale" en el año 2001, e el que la dirección musical era netamente Black Metal, con algunos toques depresivos.

Luego de un e.p., llega esta belleza, con una música inclasificable pero hipnótica al mismo tiempo. Lo que se me ocurre en este momento, para que se den una idea de la orientación es como si Empyrium (el de la primera época) acentuara aún más sus influencias celtas, y a eso se le sumaran bandas como Mogwai, My Bloody Valentine y demás artistas relacionados con el Pop más interesante y "profundo", sobre todo por el sonido de guitarras logrado y las voces etéreas utilizadas.

El arte de tapa le hace el juego a la música estupendamente, ya que la música de Alcest evoca casi automáticamente recuerdos que uno creía que habían quedado sepultados por el paso de los años, bellos recuerdos, casi tanto como el arte contenido en esta obra.

Simplemente un disco bellísimo, considerado por el portal especializado metalstorm como el mejor álbum debut del año 2007.

Xasthur "Subliminal Genocide" (2006)

subgnocidio

Imagínense que de repente se quedan sin ropa, sin carpa, sin fuego...si nada, en el medio del Polo Norte y, literalmente, en bolas.

Bueno, ahora trasladen eso al plano musical y van a tener una idea sobre lo que propone esta "banda", integrada por Malefic-en todos los instrumentos-.

Para los que no lo recuerden, o no hayan leído la reseña, este músico es el que colaborara en ese impresionante disco de Sunn O))) llamado "Black One" (2005), logrando climas tenebrosos y enteramente gélidos.

Y es desde las oscuras y gélidas tierras noruegas de donde toma inspiración este proyecto, para provocar diversas reacciones en quienes escuchen.

Desde lo más Kult y Nekro de Burzum, Mayhem y Darkthrone, como de fríos y desconocidos proyectos Ambient (como por ejemplo Neptune Towers) relacionados con la música más extrema, llegan melodías y climas atrapantes e hipnóticos....pero nada originales.

Ese es el único problema en este tipo de bandas norteamericanas: si bien es bueno lo que hacen por el Black Metal más under y vieja escuela, mezclándolo con buenos climas, si escuchaste las bandas originarias de la movida, no te van a decir nada nuevo.

Igual, es divertido y vale la pena escucharlo.

Cathedral "The Garden of Unearthly Delights" (2005)

jardin

Si estás aburrido y no sabés como sacarse ese horrible estado, en el que no sabés que carajo hacer para pasarla bien, podés recurrir a Cathedral...a cualquiera sus discos en realidad.

Si hay algo que en esta banda de freakys nunca faltará, es onda. Y mucha. Las canciones tienen ese groove y gancho "setentero" que te atrapa y hace que tu cuerpo reaccione casi instintivamente y comience a moverse y a producir adrenalina.

Incluso hay momentos en los que te podés llegar a asustar, como esos coros macabros de niños en la canción "Beneath a funeral sun" a mitad de camino de los coros floydeanos en "The Wall", y ese recitado tenebroso de un niño en Slayer, si mal no recuerdo en "Dead Skin Mask".

Obviamente que la perla del disco es esa suite de casi media hora llamada "The Garden" es donde se encuentran condensadas todas las influencias musicales de Mr. Dorian y compañía.

Digo musicales, porque las literarias siempre fueron claras, y se encuentran en la mejor ciencia ficción y horror paridos por la humanidad. Las estéticas, son más clásicas y deberían descubrirlas ustedes mismos.

Aquí radica lo maravilloso de esta banda, es que es una fuente inagotable de placeres, de esos "no terrenales", para ser mas precisos.

Así que este es el Jardín. Entren.

Sunn O))) "Dømkirke" (2008)

miedo

Acá no hay nada para disfrutar, en el sentido que comúnmente se le da a dicha palabra. Hay pocas cosas tan mala onda como un disco de Sunn O))), posiblemente uno de Boris, no se....

Para colmo de males, esto es un recital en la Catedral de Bergen, en Noruega, a pasitos de la catedral de Fantoft, aquella que Varg Vikernes (líder de Burzum) quemara completa.

Aparte de los trastornados integrantes de siempre, encontramos a otro loco que siempre los ayuda en vivo, y que se destaca por encima de los climas opresivos y funerarios que ofrece el disco: estoy hablando de Attila Csihar de Mayhem en las voces. Y uno no puede más que declarar que el tipo es realmente un artista, con todas las letras.

Lo que hace con sus cuerdas vocales es algo tan increíble como único, transmitiendo tanto terror y desasosiego con sus cantos y letanías, que por momentos se torna de verdad imposible no asustarse. Es como si la peor de tus pesadillas se transformara en un único sonido, y ese sonido fuese escupido desde lo más profundo del infierno.

Por supuesto que el resto ayuda. Las guitarras más enfermas del planeta están secundadas en este caso por un órgano de viento de la citada Catedral, que (me olvidaba) tiene 900 años de antigüedad.

Así que imaginen un oscuro e insondable vacío, de donde salen los peores sonidos, y los más antiguos, aquellos de los que nadie quiere saber. Más los recitados rituales más desquiciantes y deformes....y tendrán una idea de lo que les depara este viaje de más de una hora, distribuidos a lo largo de 4 extensas "canciones" (¿experimentos?), que al comienzo te preguntan: "¿Por qué os escondéis entre nubes"?

La respuesta está acá.

The Blood Divine "Awaken" (1996)

Intenso. Esa sería la característica principal del disco debut de esta banda. También triste, y muy rockero. Con mucha actitud (gótica) por otro lado, que se sienten en las letras, la música y las voces mismas.

Los integrantes son músicos que habían formado parte de dos bandas inglesas conocidas: Cradle of Filth y Anathema. Darren White fue vocalista de ésta última hasta el año 1995, y dejó la banda después del e.p. "Pentecost III". También cantó como invitado en el primer larga duración de Cradle of Filth. Paul Ryan era el guitarrista en la misma banda y disco, al igual que Paul Allender.

De todas formas, esta banda no tiene nada que ver con el Black Metal. Está más relacionada con la música gótica y Dark de los '80, aunque con un ingrediente que años después un montón de bandas utilizarían, riffs e intensidad extraídos desde las profundidades del Metal más oscuro.

Y el resultado es simplemente maravilloso y muy disfrutable.

Las canciones son todas muy gancheras y te transmiten esa sensación de tristeza y desazón que bandas como Bauhaus, The Mission o Sister of Mercy sabían transmitir.

Canciones dije. Temazos: "So serene" dura más de 9' y es la que abre la placa con un aire místico que te hiela la sangre. Lo mismo para con "Wilderness", hermosa, triste y melancólica canción. ¿Triste? Escuchen "These deepest feelings" y ese recitado profundo que duele en el alma.

Dolor e ira es lo que traduce "Aureole", reforzada por "Oceans Rise" y su monolítico y susurrado lamento que hiere aún más. Puedo seguir así con cada una de las 11 canciones, todas con un sonido y personalidad distintas.

Lo único que podría llegar a aburrir es la voz de Darren, que después de varias escuchas se vuelve un poco monótona. Pero bue....es lo que hay.

Incluso la misteriosa vocalista femenina que cantaba en "Serenades" (Anathema), Ruth, acá se encarga de las voces femeninas.

Un disco bello, aunque no indispensable.

Penitent"Melancholia" (1996)

meet

Gran proyecto Dark Ambient de este noruego que hace de todo. Su nombre es Karsten Hamre, y se dedica a la fotografía y al periodismo, aparte de ser el cerebro musical de Penitent y otros muchos proyectos más (Arcane Art, Veiled Allusions, Defraktor, Dense Vision Shrine y The Flux Complex), siendo este el más renombrado.

Se lo podría relacionar con artistas de la talla de Arcana, por ejemplo, sobre todo por el oscuro tratamiento melódico instrumental que tienen sus canciones.

Aquí estamos frente a su primer disco, no podría haber sido mejor. Rescata ese oscuro misticismo que tenían en común las bandas que estaban fichadas para ese gran sello de la música ambiental llamado cold meat industry, de donde salieron muchas bandas más que interesantes.

Acá no vas a encontrar coros angelicales, ni melodías celestiales. El camino elegido a lo largo del disco es el del poético e hipnótico dolor, la belleza de la muerte, el encanto de la tristeza.

No en vano se llama el disco de esta forma, ni la banda.

Por momentos pareciera que asistimos a un ritual musical militarista, sobre todo por las afirmaciones que parece proferir Karsten en un tono grave e impostado. Pero no. No es militarismo. Es solo la celebración de la melancolía que arriba con la muerte, inevitable.

"En lo profundo de los bosques nórdicos, reunidos alrededor del fuego, bailamos en honor de la Muerte. Solo en la oscuridad de la noche, bailando alrededor del fuego, saludamos a los demonios de la Muerte. Es la sinfonía de nuestro destino, nadie entrará en nuestras tierras, la Muerte espera a quien lo hace. Es la danza de los hombres blancos, bailamos con nuestros demonios, Los demonios en nuestra carne. Este es el éxtasis final, nada se compara a él, nos convertimos en uno con la Muerte" (The dance of demons)

Así de alegre es la música de Penitent, y una dolorosa y triste melodía se va incrustando en nuestra mente, lenta pero inevitablemente. ¿Como la melancolía?

No, como la Muerte.

Lux Occulta "The forgotten arts" (1995)-Demo-

demo

Polonia. No conozco muchas bandas de este país, solo Behemoth, Riverside, Krabathor, Hefeystos...no recuerdo otra la verdad.

Pero todas, en lo suyo, son impresionantes. Y Lux Occulta lo es.

Lo presentado en este demo es sencillamente de otro mundo. Un mundo evidentemente negro y malvado, pero con un toque de oscuridad y romanticismo que te hace preguntarte si la belleza no se disfruta más en este tipo de bandas extremas que en otras un poco más melódicas.

Y eso que acá no falta la melodía, al contrario. El tratamiento melódico de los temas les proporciona un sentimiento a la música de la banda que te permite volar a un pasado mítico donde los tópicos que importaban a la humanidad eran el amor, la creación y la guerra (tales los nombres de tres de las canciones).¿Black filosófico?

Este primer y único demo fue reeditado en el compilado del año 1998 titulado "Maior Arcana", con un sonido evidentemente superior.

Black dije recién. Otra de las etiquetas es el Doom. Pero no estoy tan seguro. Hay demasiadas influencias de distintos tipos de música dando vuelta en este corto pero súper recomendable demo de Lux Occulta.

Como su nombre, sus influencias están ocultas bajo las apariciones de instrumentos que no son los típicos en la música extrema, como por ejemplo la flauta traversa en "War", un hermoso y melancólico tema de casi 10'.

Igual, la duración de las canciones no importan, por lo menos en este caso. Como tampoco importan las etiquetas que se le pueda achacar, ya que a medida que escuches, saldrán muchos estilos a la superficie.

Y eso es lo que hace de esta banda, hoy separada, algo tan interesante. Escuchen y sorpréndanse. (avisen si quieren más de la banda)

While Heaven Wept "Sorrow of the Angels" (1998)

doom

Darío pedía Doom, y acá tenemos una gran banda norteamericana del estilo. Y para ser más preciso todavía, de ese Doom clásico que cultivaban los herederos suecos directos de Black Sabbath, Candlemass.

Y el resultado es simplemente hermoso. Este es el primer larga duración de la banda, que anteriormente había editado un e.p., precedido por su demo.

Melancolía, tristeza, un sentimiento de desolación tan profundo como hermoso. No es posible que esta banda no te produzca un impacto tremendo en la memoria auditiva; así, escucharás por todos lados esas dulces y tristes melodías, incluso dentro de tu cabeza.

Y no significa que te estés volviendo loco, no. Lo que pasa es que es demasiada emoción y sentimientos en los escasos 4 temas, distribuidos en 39', que se hacen eternamente cortos.

Tres músicos (si, es un trío en este disco) haciendo música emotiva y honesta, como en su segundo disco "Of Empires Forlorn" (2003), otra demostración que para sonar pesados no es necesario voces podridas o afinaciones ultragraves, solo melodías y ganas de hacer lo que uno tiene ganas de hacer.

"Mientras el cielo lloraba", tal el nombre de la banda. "Tristezas de los Ángeles" el del disco. Si no te transmite tristeza, y tu estado pasa en el acto a ser el de una melancolía general, perdiste el corazón mientras leías la reseña.

Disfrute asegurado.

The Gathering "Always..." (1992)

siempre

Increíble debut de esta banda holandesa, repleto de climas opresivos y majestuosas melodías, acompañadas por unos teclados que harían escuela, y una de las voces más cavernosas de la época.

Estamos frente a una de las bandas fundamentales de la segunda camada del Doom, aquella que comenzó emparentada con el Death Metal, y al que le fueron agregando melodías y estructuras provenientes de otros estilos, al tiempo que bajaban las revoluciones y priorizaron los climas por sobre la extremidad misma. Así, cortito, empezaron a componer canciones del carajo.

En este disco la formación está compuesta por: Frank Boeijen (teclados y piano); Hugo Prinsen Geerligs (bajo, flauta y triángulo); Hans Rutten (batería); Rene Rutten (guitarras eléctricas y acústicas); Bart Smits (voces); Jelmer Wiersma (guitarra eléctrica y acústica de 12 cuerdas); Marike Groot (voces femeninas) y Henk van Koeverden (efectos varios). Como se podrá escuchar, una formación que logró plasmar un gran disco, y que lamentablemente no volverían a repetir en el bodrio inmediatamente posterior "Almost a dance" (1993), que rozaba lo vomitivo, pero que posee el valor de ser el disco anterior a la obra de arte donde debutara Anneke, hoy en Agua de Annique.

La impresión es aún mayor si el camino es justamente inverso, o sea, de "Mandilyon" hacia "Always", descubriendo la calidad musical de este último, que resaltan aún más los del primero.

Escuchen el disco y (como siempre digo) disfruten. Mucho.

David Bowie "The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars" (1972)

marte

Frente a semejante aluvión de melodías y canciones perfectas no hay mucho para decir, solo disfrutar.

Un disco perfecto, incluso si lo situamos históricamente.

David Bowie venía de editar tres discos impresionantes: "The man who sold the world", "Hunky Dory" y "Space oddity", y para este no se quedó atrás, superando, a mi gusto, al último de ellos.

El disco gira en torno a una historia conceptual sobre un andrógino alien con pretensiones de Rock Star que le canta a la humanidad y su decadente y terminal sociedad consumista. Una feroz y ácida (inglesa en definitiva) crítica en formato de Pop-rock, con una de las cuotas de glam más fantásticas y honestas de la historia.

Todas las canciones son realmente hermosas, y una de las más conocidas es justamente "Ziggy Stardust", (en donde nos presenta a Weird y Gilly, las arañas de Marte) quien toca la guitarra con la zurda, lo que lo hace un hombre especial.

Es cierto, Bowie siempre fue un poco extraterrestre, pudiendo adelantarse incluso a las modas antes de que se presenten. Así también, siempre es revisitado constantemente por artistas surgidos 20 años después, y que son reconocidos por la crítica como los creadores de una nueva estética, no siendo sino una relectura de los postulados del Glam Rock de los '70 (de la mano de Marc Bolan y sus T-Rex, y de Bowie): el ejemplo más claro es Marylin Manson, que pasó a mediados delos '90 de su Rock industrial híper ácido de "Antichrist Superstar" (1996) a su Glam de "Mechanical Animals" (1998).

Para que entiendan la importancia de este disco, solo basta con mencionar los integrantes de la banda y/o colaboradores que le dieron forma al mismo: Trevor Bolder (bajista) reemplazó a John Wetton en Uriah Heep en el año 1976; Mick Ronson, quien fuera miembro de los Mott the Hoople y The Hype, y uno de los guitarristas más influyentes de la época; Rick Wakeman en teclados (¿hace falta decir quien es este tipo?). O sea, ninguno era un improvisado....

Entren al mundo Bowie, y prepárense para un viaje sin retorno, con suficientes paradas como para estar entretenidos durante muchísimos años.

Autumn Tears "Love Poems for Dying Children - Act I" (1996)

lagrimas

Sin tiempo...sin edad...etérea belleza, concede tu oscuro embrujo. Maravillosa Muerte, así comienza la danza de otoño. Los despierto. Con mi beso, ellos serán por siempre Uno conmigo. Sueña conmigo, mi niño. Así como abrazo su pena y tomo en mi mismo sus lágrimas. Los despierto. ¿Me sostendrían mientras lloro? ¿Secarían mis lágrimas sin fin? ¿Me besarían si muero?¿ Me amarían como soy? (Ellos miran con ojos cerrados).

Un disco que empieza así, no puede ser menos que triste y melancólico. Esta banda se formó en el año 1995, constituyendo en la actualidad una de las mejores bandas del género, creando canciones tan sombrías como cautivantes.

Las voces están a cargo de los dos fundadores de la banda Ted Tringo y Erika Swinnich (quien actualmente no está en la banda), y son de corte lírico, sin llegar nunca a las voces desgarradas que utilizan otras bandas, como Elend. Solo hay una excepción, y es el último tema "Carfax Abbey", en donde Ted ruge al mejor estilo Black Metal, logrando un cambio de texturas muy interesante.

Hay una reedición del disco al que se le cambió el arte de tapa, y se le agregó una canción al final, titulada "The intermission", aunque no está en esta versión aquí posteada.

Este disco es el que inicia una historia conceptual que se desarrollará a lo largo de 3 obras, cerrándose el círculo en el año 2000, con el disco "Love Poems for Dying Children: Act 3 - Winter and the Broken Angel".

Soledad, belleza, tristeza, melancolía...y música de la mejor. Esto es lo que encontrarán en el disco inicial de estos americanos.

Sculptured "Apollo ends" (2000)

apollo

Una banda realmente rara. Todavía recuerdo la primera vez que escuché su primer disco, del año 1998 "The Spear of the Lily is Aureoled ", con esas intervenciones de trompeta dentro del sonido más bien extremo de la banda.

Porque Sculptured es una banda de Death Metal, pero extraña, ya que no se la puede meter dentro de un estilo particular. Tiene influencias del Jazz, de la música progresiva de los '70, del cine (siempre hay samplers), del Heavy y del Doom Metal más clásico; en definitiva, es una de esas bandas que se hace difícil catalogar, pero no disfrutar, ya que no llega a ser excesivamente técnica, más bien su música está repleta de texturas y climas hermosos, sumamente sugerentes.

Las voces limpias son realmente interesantes, y hacen un contrapunto más que interesante con las voces podridas. Las letras te hacen viajar a hermosos pasajes (parece ser que la naturaleza, y sobre todo los amaneceres/atardeceres ocupan un lugar importante en las preferencias estético-trascendentales de la banda) donde la luz te puede hacer apreciar la belleza de la naturaleza en todo su esplendor.

El único experimento extraño lo encuentro en la canción "Apollo destroys, Apollo creates" donde por unos cuantos minutos estamos frente a un episodio noise atravesando el matiz de la banda, para dar lugar a una de las melodías más lindas de la banda.

Me olvidaba de decir algo importante: algunos de los integrantes de la banda también tocan en otra banda americana muy interesante, Agalloch, en donde el rol de líder se intercambia: en esta ultima, el que comanda la banda es John Haughm, mientras que en Sculptured, el mandamás es Don Anderson.

Una banda ideal para disfrutar en algún atardecer, para revivir toda la melancolía de la agonía del Sol, disfrutando la llegada de la reina noche.

Sunn O))) "Monoliths & Dimensions" (2009)

tahondo

Gente que no está bien de la cabeza, y que se dedica a desparramar su enfermedad mental como si de un virus se tratase. ¿Quienes son los portadores de este virus incurable? Dos tipos que vienen dentro de la escena extrema desde hace muchos años, y que no parece tener límites a la hora de infectar las mentes de sus víctimas: Greg Anderson y Stephen O'Malley.

En este caso acompañados por otros seres que probablemente fuesen infectados hace un tiempo, encargados de instrumentaciones y efectos diversos (encontraremos acá experimentaciones con instrumentos de cuerda, que se suman a la ya de por sí opaca música de Sunn O))) ). Uno de los invitados de lujo en este trabajo es Attila Csihar, que sería como tener a otro teclado más en la banda, solo que agregando sonidos espectrales y recitados tenebrosos, como solo el vocalista de Mayhem puede hacerlo.

Todo en este disco, y en la discografía de la banda en general, está hecho para provocar algún efecto en el oyente; si ese efecto se traduce en algún malestar físico o mental, mejor todavía.

Así como vemos en la portada del disco, es imposible escapar de estos sonidos monolíticos, que te transportan a otras dimensiones, que por momentos son tan o más claustrofóbicas que ese pozo sin fondo opresivo y tenebroso.

¿Pensaban que el Drone Metal no podía sonar cinematográfico? Escuchen en tema (el tema ja, ja, ja!!!) "Hunting & Gathering (Cydonia)" en donde las guitarras se mezclan con las voces del húngaro, y se presentan unos teclados y unas cuerdas que meten miedo, dibujando figuras tan negras que podrían tragarse toda la luz circundante, mientras esos coros "celestiales" le dan el poco de tono esperanzador, para no caer de pronto en el abismo. Y me vuelvo a preguntar ¿que demonio habrá poseído a Attila para que pueda hacer lo que hace con su garganta?.

"Alice" en sus primeros 4' bien podría ser la banda de sonido de alguna película de terror, de esas con onda y medio clase B, pero que siempre cuentan algo interesante. Es en esta canción donde encontramos los sonidos más "limpios" y "bellos" de todo el disco, con trompetas y cuerdas diciendo presente frente a tanto sonido opresivo.

Si la caída al fondo de algún abismo infernal se pudiese medir en tiempo cronológico, dicha caída duraría exactamente 53'40'', lo que dura este nuevo disco de los maestros del Drone americano.

Gracias por tanta oscuridad.

P.D.: prueben escuchar este disco leyendo al maestro del Horror, H.P. Lovecraft, y encontrarán una nueva dimensió a la lectura, y a la música, por supuesto.