Dimmu Borgir "Death Cult Armageddon" (2003)

culto

La verdad que después del impresionante "Puritanical Euphoric Misanthropia" (2001), era una tarea más que difícil hacer un disco a la altura de las expectativas, que eran muchas.

Y cuando salió, yo por lo menos no lo podía creer. A la primera escucha me pareció, en comparación excesivamente extremo y agresivo, no le terminaba de agarrar la vuelta.

Eso hasta la tercera escucha...después, esa duda casi existencial por el vuelco sonoro, se transformó en una adicción que duró casi un año entero, en donde no podía dejar de escuchar y disfrutar de las canciones de estos noruegos.

Es cierto que algunos temas suenan todavía extremos para lo que venía siendo la segunda etapa de la banda-a partir de 1999-, pero las canciones "melódicas" eran tremendas, comenzando por ese gran himno titulado "Progenies Of The Great Apocalypse", en donde la violencia se conjuga a la perfección con melodías de corte clásico escupidas por ese genio maléfico del tecladista Mustis, quien lamentablemente ya no forma parte de la banda.

Otro que tiene una participación limitada pero magistral es el también ex-bajista Vortex, tanto en la canción citada arriba, como en "Allehelgens Død I Helveds Rike", ya que con sus épicas voces le da un toque distintivo a la banda que difícilmente puedan reemplazar.

Empiezo a revisar y me acuerdo que éste es el último disco en el que participó esa mole robótica de Nicholas Barker en batería, quien participara en los mejores discos de Cradle of Filth.

Por último, el mítico Abbath (de los noruegos Immortal) presta su arte vocal en las canciones 2 y 11 -que cierra el disco- como para adornar la declaración de principios de este violento y melódico pedazo de arte.

Por cierto, declaración paradójica que se nos señala casi al final de la obra, con un "Gentleman, destroy...!!!

Elegeion "The Last Moment" (2005)

gris

Otro disquito que rezuma tristeza y melancolía desde sus primeras notas. Lo escuché hace tiempo ya, y lo primero que pensé fue "esto se le escapó de las manos a Agalloch"...Bueno, no era tan así, pero casi.

Canciones no tan largas pero tristísimas, de esas que hay que estar con un estado de ánimo muy particular y receptivo para poder disfrutar como corresponde este tipo de arte.

Pienso en otra particularidad de la banda, algo que me aclare porque me resultan tan bellas sus canciones (todas, las del disco anterior y e.p.'s también). La respuesta está en lo simple de las composiciones, y lo clásicas. No hay nada rebuscado ni tecnicismos al vicio. Lo que en Elegeion importa son los sentimientos, y si estos lastiman hasta las lágrimas mejor.

Escuchen la fragilidad de "Scars" y díganme si no les hace recordar a esas baladas pop de la década del '80.

Busco sus influencias, solo para ver que escuchan estos australianos. Se me ocurre que entre ellas tiene que estar The Jesus and Mary Chain y sus guitarras Pop refinadas, aunque mezcladas con cosas del Doom clásico tipo Candlemass, o Saint Vitus (no es tan metal como los primeros). También me hacen acordar a ciertas cositas más noise como My Bloody Valentine (que gran disco "Loveless").

Hasta ese sonido medio rústico y amateur le queda a la perfección en cuanto al clima buscado (y logrado).

Si están tristes y creen que la vida perdió sentido desde hace rato, endulcen sus oídos con los sonidos de la desesperanza australiana.

Lacrimas Profundere "...La Naissance d'un Rêve" (1997)

asiera

Gran banda alemana, que actualmente están más metidos dentro de la movida Gothic, sin ningún vestigio del oscuro Death de antaño.

Ese pasado que se hace presente en este disco, el segundo de su carrera. Todavía se puede palpar el romanticismo que destilaban las bandas de Romantic Doom, con esos teclados/pianos tan sentidos y los tristes colores aplicados desde ese precioso y clásico instrumento de cuerdas, el violín.

Gracias a esas instrumentaciones por aquellos años la banda se asociaba a otras bandas que comenzando un poco después del comienzo de la década del '90, había metido estructuras pertenecientes a la música clásica junto con cantantes líricas (idea por supuesto "tomada" de los pioneros Paradise Lost). ¿Y qué bandas eran por aquellos años las que daban la nota? The 3rd and the Mortal, Theatre of Tragedy, The Sins of Thy Beloved, Tristania...por nombrar algunas de las más sobresalientes y con las orquestaciones más increíbles.

También podemos encontrar en este disco el hermoso sonido de una flauta traversa que le da un toque aún más melancólico y depresivo al álbum.

La formación de la banda para este disco es Christopher Schmid en voces; Oliver Schmid (guitarras), Markus Lapper (bajo), Anja Hötzendorfer en violín y voces; Eva Stöger en flauta, Christian Steiner en teclados y Stefan Eireiner en batería. Así es, un septeto. Aunque actualmente el único que está de esta formación es Oliver Schmid.

Un disco realmente interesante, aunque no lo catalogaría como increíble ni mucho menos indispensable. A mitad de camino del Death más climático, el Doom primitivo y rústico de comienzos de la década, y el Gothic en el que años después se meterían de lleno.

Escuchen.

Emperor "Emperor e.p." (1993)

¿Cómo llegó esta banda noruega, de las pioneras, a su primer disco?

A través de unos demos y un split compartiendo el espacio con los vikingos Enslaved (es este mismo e.p., editado conjuntamente con ellos). El primer esfuerzo y edición oficial de la banda es este pequeño e.p. con un par de canciones nuevas y un par de regrabaciones de su demo "Wrath of the Tyrants" -demo- (1992).

Siempre me pregunto lo mismo con esta gente tan cercana al polo norte: ¿qué les pasa? ¿De dónde viene tanta agresión y violencia?

Cuando la banda nació ellos tenían recién 16 años. ¿Quienes son ellos? Una de las mejores formaciones de la historia del Metal extremo, de esas irrepetibles: Ihsahn (en voces, teclados y guitarra líder), Samoth (en guitarra), Mortiis ( bajo-encargado también de las letras) y Faust en batería.

No hay que olvidarse tampoco que es durante estos años, que la movida noruega de Black Metal se hizo conocida al mundo más por cuestiones extramusicales-policiales que por capacidad artística, quemando iglesias (¡¡¡hermoso!!!) y matando gente (realmente estúpido). por esos hechos hubieron varios encarcelados, entre los que se contaban Samoth y Faust.

Hasta el arte de tapa concuerda con el clima horrendo transmitido por estos genios malignos, con la ilustración del artista Gustave Doré titulada "Death on the Pale Horse", que también fuera utilizada poco tiempo después en el mencionado split con sus compatriotas Enslaved.

Pero me desvío del tema. Como serán de violentos los primeros dos demos de la banda que este primer e.p. es un avance descomunal, sonando sinfónico y extremo al mismo tiempo.

El primer escalón, indispensable, para llegar a esa pieza clásica de la historia de la música llamada "In the nightside eclipse"(1994).

Efectúen este primer paso, no podrán dejar de subir.

Acá

Ophthalamia "A Long Journey" (1998)

viaje

Hay bandas que amás o que odiás. No hay término medio. Si te gusta, ya nunca podrás dejar de escucharla. Ejemplos: Darkthrone u Ophthalamia. Así de claro.

Procedente de Suecia, lo de ellos se podría describir como una mezcla perfecta entre un lento y cáustico Black Metal, más melodías de Heavy clásico, y una pizca de climas bien doomsters.

Su debut discográfico ocurrió en el año 1994 con el disco "A Journey in Darkness", producido por el genial Dan Swanö (de Edge of Sanity, entre otros).

Este disco es la regrabación con otra formación de aquel debut. El líder indiscutido sigue siendo el guitarrista It, acomañado por Bone en batería (cumplía esa función en Dissection también), All en voces (participó en varios proyectos ultraoscuros), Mist en bajo y Night en guitarras y bajo.

Se encuentran los mismos elementos que en sus otros discos, aunque no hay tanta melodía ni pasajes lentos como en el maravilloso "Via Dolorosa" (1995), definitivamente su mejor producción.

Comparado con la versión original, no hay demasiadas diferencias, solo que el primer producto poseía un misticismo particular, que tal vez este nuevo esfuerzo no tiene.

Aparte de eso, otro disco más de las canteras suecas para disfrutar, sin llegar a ser una obra gloriosa.

Íon "Madre, protégenos" (2006)

madre

Duncan Paterson tiene una sensibilidad especial, como si supiese que cuerda sensible tocar en cada uno para despertar sensaciones y sentimientos tan profundos que no existen hasta que son activados por la obra de este inglés.

A ver...imaginen que a Antimatter lo transforman en algo más minimalista aún, reduciendo la instrumentación eléctrica a lo mínimo indispensable, y resaltando aún más todavía aspectos climáticos que ya fueran utilizados por bandas de culto como Dead Can Dance, sobre todo en el período más étnico.

Eso es lo que destaca en este proyecto, esas influencias étnicas que resaltan por otro lado todo el misticismo puesto al servicio de sonidos, creo, más optimistas que las bandas anteriores en las que participara Duncan.

Puede sonar contradictorio, sobre todo después de escuchar la música. Pero la sensación que me da es que hay más paz interior en este artista luego de haber atravesado diversos caminos y corrientes musicales. Es cierto también que las percusiones tribales tampoco ayudan a generar un clima alegre, pero justamente aquí radica la cuestión. Que sea más optimista no significa más alegre.

Como canción a resaltar está "Goodbye, Johnny Dear", compuesta por el tatarabuelo de Duncan, un reconocido compositor Folk. Obviamente que la canción que da título al disco es tan sobrecogedoramente hermosa, con las diversas lenguas utilizadas para recitar ese título, que te mete en clima y te hipnotiza rápidamente.

Disfruten de esta obra frágil y etérea, emociona hasta las lágrimas.

Vox Dei "La Biblia" (1971)

biblia

A continuación de "Caliente" (1970) , el cuarteto se concentró en lo que sería considerado por la crítica EL disco de Vox Dei: "La Biblia".
Rodeado de controversias desde el comienzo, aparentemente no iba a ser un disco fácil de editar. Inclusive la patética iglesia se metió a consultar y revisar las letras de lo que sería la obra. Imaginen que en Argentina había un gobierno de facto que había llegado al poder por un golpe de estado de la mano de Onganía, quien "Revolución Libertadora" mediante había derrocado a uno de los pocos presidentes honestos que tuvo el País: Arturo Illia.
A lo largo de la obra-obviamente conceptual- se puede escuchar desde Folk, la base de esa mezcla de Blues y Rock tan particular que tuvo la banda, y la inclusión de nuevos sonidos acordes a la importancia de la edición, que podría ser interpretado como música progresiva.
Es impresionante lo bien que suena el disco a pesar de las limitaciones técnicas de la época, teniendo cada instrumento su lugar preciso y el brillo adecuado en cada canción. La tensión también está manejada de forma magistral, y las canciones no llegan a aburrir en ningún momento, sobre todo las más largas.
Para el momento en que fue grabado no era muy común escuchar canciones extensas, y en el disco había dos de más de 10', y tres que superaban los 6'.
A pesar de que el tema que más me gustó a lo largo de los años fue el que da inicio a la placa, "Génesis", ahora al escucharla nuevamente después de mucho tiempo emergen como dos perlas el Hard rockero "Las Guerras" (escuchen y díganme si no parece Deep Purple), y ese Blues progresivo maravilloso titulado "Cristo-Muerte y resurrección", justo las dos canciones más extensas de esta obra.
Me olvidaba. La formación clásica que venía del disco anterior, con Rubén Basoalto (batería), Willy Quiroga (bajo y voces), Juan Carlos Godoy (guitarra y voces)y Ricardo Soulé (guitarra y voces)termina separándose, atento a la decisión tomada por Godoy de abandonar la nave.
Así todo, el disco se terminó editando, y hoy constituye parte de la historia grande la música popular argentina, adquiriendo con el paso de los años el estatuto de clásico.
Escuchen, no se pierdan este pedazo de historia que vale la pena.

Bloody Panda "Summon" (2009)

panda

Es impresionante el daño que logró hacer en la mente de las sucesivas generaciones la caída de la bomba atómica en Hiroshima y en Nagashaki en Japón, y que dio fin a la Segunda Guerra Mundial. Sobre todo en relación a la radiación que durante décadas quedó dando vueltas por allí.

Esa es la explicación que encuentro para poder darle un sentido al extremo arte vocal de Yoshiko Ohara, otra petisa loca del país oriental, que en este disco te deja sin aliento.

Las consabidas estructuras repetitivas del estilo, con algunas variaciones más relacionadas al Sludge y uno de los bajos más distorsionados del momento....si todo puesto en su lugar...pero lo que realmente asusta es la voz de la japonesa.

Los climas que podrían ser solamente opresivos, se tornan -con los alaridos de ella, más la ayuda de los demás integrantes- desesperantes y claustrofóbicos. Creo que del 2009, es lo más logrado de la música oscura, lenta y retorcida, junto con lo de Sunn O))) por supuesto, que al momento de citar influencias es imposible pasar por alto.

La composición por excelencia de este segundo esfuerzo de Bloody Panda es el monolítico y extenso "Miserere", con una duración de 21'. Aquí es donde se dedican a explorar la mayor cantidad de climas experimentando con algunas voces limpias que meten miedo de verdad....es como si estuviésemos en presencia de la versión femenina de Attila Csihar, mítico cantante de Mayhem.

De hecho, por momentos rozan los climas de Black Metal vieja escuela, volviendo más interesante aún este extraño proyecto. La banda es de New York, cuna de unos cuantos enfermitos del Noise-drone, que se dedican a destrozar tímpanos utilizando un sinnúmero de recursos disonantes y perturbadores. Igual característica tienen los dibujos del libro interno, realizados por la misma cantante, quien es una reconocida artista plástica.
No les voy a decir que lo disfruten porque si lo hacen, estaría dudando de su estabilidad mental.

Sufran, mucho.

Falkenbach "...Magni Blandinn Ok Megintiri..." (1998)

black

Y si ya entramos en Alemania nos quedemos un tiempo más para disfrutar de una gran banda, pionera dentro del movimiento Pagan en la música extrema, brindando un nuevo sentido a lo épico dentro del Black Metal, por lo menos para la primera vez que tuve contacto con su música.

En Falkenbach se entrelazan sabiamente los mitos nórdicos y los relatos épicos consecuentes, conjuntamente con una profunda influencia religiosa, ya que el líder y actual único miembro de la banda pertenece a un culto denominado Asatru, que rescata los valores y la cosmovisión de los antiguos pueblos nórdicos, en profunda alianza con la naturaleza.

También por esto es que no resulta extraño escuchar tonadas y cánticos que parecieran extraídos de esas culturas y que le dan un toque Folk a algunas composiciones, aunque sin llegar a ser tan saltarinas como por ejemplo, lo realizado por Finntroll.

Hablaba en la reseña de Empyrium acerca del poder de su música para generar sensaciones. Falkenbach te lleva a antiguas e innumerables batallas llenas de sangre, muerte, y orgullo, tal como reza el título del disco, segundo dentro de la discografía de la banda.

Empyrium "A Wintersunset..." (1996)

Así como Noruega es una máquina de parir bandas, Alemania no se queda atrás para nada, con un número oficial de 7331 bandas (ya sean estas activas, separadas o con el nombre cambiado, según metal-archives).

Empyrium son de Alemania precisamente, y lo de ellos roza lo poético, emocionando hasta las lágrimas a quienes se acercan por primera vez a su obra.

Y si encima tuviste la suerte de encontrarte con este disco en particular (el primero) cuando ya fuiste tocado por la música extrema, la sorpresa y la emoción se pueden multiplicar de tal forma que se puede transformar en un disco adictivo y maravilloso como pocos.

Encima todo lo hecho en el disco ayuda a crear un clima en donde la naturaleza tiene tanta fuerza y poder que puede hacer con vos lo que quiera: "Nosotros, los miembros de Empyrium, queremos agradecerles por mirar esta marca como una expresión de la sobrecogedora belleza de la naturaleza...lo que inspira tan fuertemente nuestro arte. Así, decidimos dedicar completamente nuestro trabajo a nuestra poderosa madre tierra. Solo aquellos que cultivan los frutos pueden cosecharlos. SALVEN AL PLANETA". Toda una declaración, y una guía absoluta para entender la discografía completa de la banda.

Y parece mentira, pero hasta se pueden respirar los olores del atardecer mientras escuchás el disco. Creo que me paso solo con otra banda, y esa es Agalloch.

Con Empyrium probé durante un viaje a Bariloche, al suroeste de Argentina (si quieren fotos de esos paisajes los subo, no hay problema). Llevé los tres primeros discos, y el trance fue instantáneo, los bosques parecían tener no solo otros colores, sino nuevos sabores y texturas, el agua de esos arroyos y de los lagos eran más claras y puras....un bálsamo para el alma...el lugar y la música que me acompañaba.

Incluso las voces te llevan a creer que es la misma poderosa madre tierra que te habla con dolor, y te infunde el temor a desaparecer. Y así lo cantan en uno de los versos de la canción "The Yearning: ...mi dolor es infinito, donde estáis quien sanará mis heridas?..."

Con el arte de Empyrium, vale la pena sufrir un tenue dolor a ser restañado por la música del dúo alemán.

Otro disco indispensable para disfrutar durante algún atardecer entre los árboles de algún bosque cercano. Van a ver como cambia la cosa. Una obra de arte sensible y sencilla. Emotiva. Bella.

Shhhhh....escuchen el sollozo de la naturaleza.

Acá

Ulver "Bergtatt - Et Eeventyr i 5 Capitler" (1994)

himnos

Y seguimos con Noruega, otra gran cantera de bandas inolvidables.

En este caso, una banda conocida para los lectores del blog, con su disco debut. La verdad que ni me acuerdo cuando lo escuché la primera vez, aunque si de donde surgió la recomendación: en el librito interno del primer disco de Cradle of Filth estaba el nombre de esta banda a modo de agradecimiento, por lo que me dirigí al encuentro de unas cuantas sorpresas.

Entre ellas, que una banda tan extrema pudiese sonar tan melancólica y violenta al mismo tiempo. O que las voces oscilaran entre el alarido primigenio de un lobo lleno de odio, y el canto de un duende de los bosques festejando la vida rústica y pagana, con sus rituales correspondientes.

Ulver era una banda pagana en aquellos lejanos y míticos tiempos. Aunque luego cambiaron los oscuros, nevados y grises bosques plagados de lobos y duendes por la gris ciudad, la modernidad que también aliena al individuo transfomándolo en un animal tan o más violento que el lobo que habita en él.

Este primer disco forma parte de la trilogía Black Folk Metal, completada por otras dos gloriosas ediciones: "Kveldssanger" (1995) y "Nattens Madrigal - Aatte Hymne til Ulven i Manden" (1997) .

Escuchen esta trilogía, en el orden cronológico, y entenderán porque Ulver no puede ser ubicado dentro de ningún estilo en la actualidad.

Al igual que los otros dos, este disco es indispensable.

Enslaved "Eld" (1997)

vikingos

Y si venía hablando de influencias vikingas, no se puede pasar por alto el legado de los viejos Enslaved, aquellos en los que el sonido rústico, la agresividad y velocidad adornaban líricas relacionadas con dicha cultura. De hecho los entendidos dicen que estos noruegos eran uno de los pocos que hablaban seriamente del tema (creo que los otros citados eran los geniales In The Woods...)

De hecho el disco comienza con sonidos épicos y místicos en el tema que lleva por título "793 (Slaget om Lindisfarne)", una suite de casi 17' en donde tiene lugar la batalla de Lindisfarne: este era un pequeño monasterio ubicado hacia el este de Inglaterra, y fue uno de los primeros objetivos atacados por los vikingos hacia el año que indica el título del tema, que reza: "Los trazos de los remos se podían oír, hermosos barcos surgieron desde el mar como un viento del norte, hombres desde Hordaland, Rogaland y Adger reunidos por la batalla en común, orgullosos hombres sin miedo, los golpes de las espadas destrozando los cráneos de los cristianos. Por mucho tiempo mandamos, reyes del Norte, muchas batallas ganamos en las costas de Midgard, pero traicionados por nuestros propios hermanos, fuimos obligados a arrodillarnos. Ahora, cuando de nuevo sopla el viento, nuestros pensamientos vuelven finalmente hacia casa, nos alzaremos en nuestra gloria, la horda blanca de un escalofrío seguro, morimos como hombres entonces nunca desaparecemos, débil es aquel que el enemigo ama, nunca traiciones tu origen"

Toda una declaración de principios en formato de canción rescatando el valor y la gloria del antiguo pueblo de la tierra nórdica.

A lo largo de las 7 extensas canciones nos trasladamos a las heladas y grises tierras de los vikingos para compartir y conocer sus valores, de la mano de la música más agresiva y épica del momento. Y tienen muchas cosas más en común con sus compatriotas In the woods, ya que por ese entonces también utilizaban voces limpias de carácter épico e instrumentaciones raras para aquella época, como rasguidos de guitarras limpias y gran cantidad de teclados desparramados por todos lados en las canciones.

En esta placa la formación era estrictamente un trío, conformado por Grutle Kjellson en voces y bajo; Ivar Bjørnson en guitarras y teclados y Harald Helgeson en batería; sorprendente si se tiene en cuenta la complejidad de la música de este disco, que sería el tercer larga duración de la banda, sin contar con los e.p.'s y demos.

Norditual "Exodo" (2009)

Pavada de debut escupieron las oscuras entrañas del Norte argentino (Salta para ser más preciso), conjuntamente con la provincia de Córdoba (donde puntúan el origen de la banda).

Es auspiciosa realmente la calidad lograda para ser el inicio discográfico de una banda formada hace escasos 2 años (2008). Y evidente que los integrantes tienen muy en claro la cuestión del ensayo para lograr un ensamble ajustado de todos los estilos puestos en juego, y que incluye entre muchísimos otros el Black Metal, el Heavy Metal, algunos toques de Hard rock preciosos (el solo de viola en "Same Clouds, Different Horizons" es sentimiento ochentero puro, y lo escribo como un halago), y pinceladas de velocidad y furia Thrasher. Pero no solo eso.

A lo largo de la placa vemos como van fluyendo sutilmente entre las canciones, influencias que no pertenecen al género pesado, pero que fueron articulados al mismo a lo largo de la historia por sinnúmero de grupos. Ejemplos: música celta (las melodías de dicha cultura se repiten a lo largo de toda la obra) recordando lo realizado por bandas como Summoning.

La sorpresa me atropella al momento de llegar al tema "Broken Chains", en donde podemos escuchar ejecutada en piano una parte-diría que la más vertiginosa- de "La Muerte del Ángel", del genial Piazzolla. Así, no solo los bosques están presentes, sino su articulación con lo netamente urbano.

Pero los colores siguen apareciendo. Hay algunas estructuras que ya aparecieron en bandas del llamado Rock espacial (con Hawkind a la cabeza), sonando realmente muy bien junto con pasajes progresivos extraídos de las manos de gente como Rick Wakeman. El Power también se hace presente, fusionado con el Gothic Metal más moderno y el Death Metal Melódico, resultando patente esto en "Lifthrasir". Más Death Metal, del técnico en el riff principal de "My name on the wall", que deriva hacia un black vieja escuela más que interesante, "mechadito" con voces limpias en el estribillo...un tema bien ganchero, la verdad.

A medida que se suceden las canciones, tienen el suficiente tino de meter instrumentales cortos que generan un bello clima de rélax, como para presentar la nueva descarga, un poco más violenta por cierto.

Por ahí el único "defecto" para mi gusto sea la duración del disco, que para el estilo es demasiado. Sobre todo teniendo en cuenta que la información y los colores mostrados son muchos. Si hubiese sido 10 minutos más corto, creo que estaríamos ante un disco incluso superior.

La balada "My Winter Cry" es muy linda y relajada, y el outro final te deja con la puerta abierta a otro disco, que funcione como clausura del éxodo iniciado a fines de 2009, donde muchos géneros y estilos partieron de sus seguras tierras con la meta de encontrarse en algún lugar común, logrando esto al arribar a Norditual...

Tal vez la historia del éxodo mismo sea el del viaje y sus peripecias para poder llegar a lo que es Norditual, por lo que la historia entonces estaría terminada, y tendríamos que esperar solo buenas noticias desde esta oscura tierra nórdica, inscripta en lo más profundo del interior del territorio argentino.

Acá

My Dying Bride "The Thrash of Naked Limbs e.p." (1993)

La verdad que después del viaje de Earth, necesitaba algo más terrenal que me devolviera la poca cordura que había dejado la miel consumida del cráneo del león.

Y que mejor que buscar una antigua joyita de los '90, corta pero efectiva, de los geniales ingleses. Y es este e.p., el anterior al clásico "Turn loose the swans" (1993), cuando todavía no había indicios de ese viaje que emprenderían por sonidos un poco más convencionales y etéreos, un par de años después.

Acá, con la excepción de ese interludio extenso llamado "Le Cerf Malade", tenemos brutalidad a raudales, con algunas de las voces más podridas de la carrera de My Dying Bride...pero matizadas por arrastradas, funerarias y negras apesadumbradas melodías, escupidas con desazón ya sea por las guitarras de Calvin o de Andy, o por los sonidos depresivos característicos del violín de Martin Powell, quien sería miembro estable durante bastante años. Ahora que le presto atención, detenidamente, el tema instrumental me recuerda "demasiado" a la intro de otros cultores de los sonidos lentos y oscuros de los belgas Pantheist, en su segundo larga duración "Amartia" (2005).

Este e.p. sería reeditado un par de años despues en el maravilloso "Trinity", que prontamente trataré de postear.
Escuchen a un sonido alto, para que el dolor de existir sea realmente reconfortante.

Acá

Earth "The Bees Made Honey in the Lion's Skull" (2008)

abejas

¿Qué hubiera sido de la música pesada si no hubiese existido Black Sabbath? O más aún, ¿qué hubiese sido de la música, en general?

Lo primero que se me ocurre frente a esta cuestión es que, por ejemplo, no hubiese existido Earth, y como consecuencia inmediata, tampoco Sunn O))).

Porque Earth nació en honor a los de Birmingham, ya que este fue originariamente su nombre. Y los Sunn O))) son la banda formada en honor, justamente, de los primeros.

Si bien comenzaron siendo una banda Drone, hìper saturada de graves y distorsión chorreando por los cuatro costados, lo que hacen ahora está tan lejos de eso, que .....no se la verdad.

Decir que este disco es sorprendente sería casi estúpido, y estaría indicando una falta de vocabulario de mi parte preocupante, pero frente a este tipo de obras, es bueno quedarse sin palabras.

Estoy buscando las palabras pero no las encuentro. Solo me acuerdo de la situación en la que escuché por primera vez este disco. Estaba lloviendo y era un día tan gris que la alegría se presentó casi de forma inapropiada.

Pero no tenía que ver con el día en si. Era lo que -accidentalmente- había puesto para escuchar en el reproductor. Claro. La música me arrastró seguramente hacia un viaje tan alucinante como inolvidable.

Esas guitarras....por dios!!!!, son realmente hipnóticas, y ahora que las escucho nuevamente comienzo a salir del cuerpo para efectuar otro recorrido...diferente...como cada vez que escucho Earth. Y vamos encontrando matices...digo vamos...mi cuerpo y Yo. El hammond es ahora el culpable, que asociado a las melodías, y a los punteos, te embrujan....ya no estoy acá.

Casi una hora después se produce el regreso. ¿Qué paso? ¿De qué me perdí?

La tapa del disco!!! Recién ahora me doy cuenta, es como si Castaneda nos lo hubiera advertido años atrás mediante el disco proyectado en el futuro....Castaneda seguro que tiene algo que ver con esa especie de Blues desértico psicodélico titulado "Rise to Glory". La gloria que estos americanos ya alcanzaron. Y "Engine of Ruin"...con ese piano al comienzo, seguro fue arrancado de algún sueño o pesadilla del Gran Jim Morrison.

Si alguien tuviese que investigar de que iba la Psicodelia a comienzos del Siglo XXI en este planeta, tendría que escuchar -entre otras cosas- este disco. También los Acid Mothers Temple, por supuesto.

El título. Allí está contenido lo mejor de la psicodelia de estos últimos 10 años. Y en la portada, por supuesto.

Un disco hipnótico, descomunal, gigante, maravilloso. Como la tapa que lo decora.

Un disco iniciático.

¡Que disco! 

Obituary "World Demise" (1994)

Hacía un montón que no escuchaba este disco de los americanos, pilares en esto de sonar podridos y particularmente oscuros.

Si bien es cierto que no estamos frente al apabullante "Cause of Death" (1990), no por ellos es un disco para descartar.

Incluso suena dentro de todo moderno aún hoy. Los sonidos típicos de las guitarras gordas y chillonas, ancladas en el Thrash de Peres y West, quienes les proporcionan el marco perfecto para una de las voces más personales del Death Metal clásico: John Tardy.

Simplemente un buen disco, que vale la pena escuchar incluso 16 años después de haber sido editado.

Y eso es ya un logro.

Acá

Acid Mothers Temple "Magical Power from Mars" (2003)

marte

Escribo esta reseña a modo de advertencia.
¿Advertir qué, se preguntarán? Respondo: la locura no solo proviene en formato finlandés, o americano...también de Japón.
Y cuando llega desde allí, parece ser que los resultados exceden incluso los formatos de la locura cuyos niveles son aceptables para occidente.

Estos tipos están totalmente chiflados, y hacen quedar a los más psicodélicos que se te ocurran como bebés de pecho frente a sus explosiones experimentales.

Siempre liderados por el gurú de la psicodelia Makoto Kawabata, resultan una figura extravagante dentro de la escena musical actual, dejando en evidencia sus influencias y/o preferencias musicales incluso desde el título mismo del disco: en este caso resulta tonto indicar la referencia al genial disco del camaleón Bowie, por ejemplo.

Yo dejo de escribir acá, porque la dosis de ácido esta perdiendo su efecto y necesito otro disparo de los japoneses más locos de la actualidad.

¿No me creen?

Escuchen.

The Mothers of Inventions "Weasels Ripped My Flesh" (1970)

Disco de rarezas de estudio de este súper grupo comandado por el genial e imprescindible Frank Zappa. Acá podemos encontrar temas en vivo, "sobras" de estudio, algo de experimentación, jazz...en fin todo aquello por lo que Zappa pasó a lo largo de su carrera. De todas formas todo el material pertenece a los Mothers...con excepción de "Directly from my heart to you" de Little Richard. Sería el blues del disco, y es difícil dejar de escucharlo.
De todas formas el gran Frank no puede con su genio ahí nomás arranca con una deformidad ultramoderna titulada "Prelude to the Afternoon of a Sexually Aroused Gas Mask", con risas y gritos incluidos que no pueden dejar de sorprenderte.
También te podés sorprender con grandes rock clásicos como el intenso "My guitar want to kill your ma", con experimentación y bluegrass dentro.
Lo que tenían los Mothers era eso, justamente, un impulso por experimentar tan extremo que no sabías si te estaban tomando el pelo o no.

Si te preguntás de donde provienen las ideas de algunas bandas pertenecientes a la movida liderada por John Zorn (saxofonista de New York impresionante), escuchá el tema que da título al disco y después charlamos.
La respuesta que yo me hice fue que en realidad, y más allá de tomarte el pelo, lo hacían con tanta altura y tan cínica y ácidamente que teminabas disfrutando sus discos (en pasado no... disfrutás sus discos).
Dejen que las comadrejas te arranquen la piel, y sobre esa herida aplicá suavemente este disco.
Escuchen.
Acá

Cryptopsy "And Then You'll Beg" (2000)

reza

Descripción más que simple: este disco es tan brutal como ese tren que, intuyo, va a arrollar al tipo de la portada. No creo que le queden muchas ganas de suplicar después de eso.

Me quedé enganchado con la reseña del Conde Garfield sobre el último disco de los canadienses, y automáticamente volví a escuchar los viejos discos, aquellos que dejaban escuchar nuevas influencias en la música extrema.

Y obviamente este es uno de ellos.

Aparte de la máquina inhumana de Flo Mournier (batería y percusión, y algunas voces), hay que darle crédito al otro pilar de la base rítmica de esta máquina de picar oídos, el bajista Éric Langlois , que debe vérselas bastante negras a la hora de seguir los múltiples cambios de ritmos y de velocidades del líder de la banda, el genial Flo.

Aparte cabe aclarar que este fue el último disco en el que participó en vocalista Mike Di Slavo.

Mención de honor para el sampler inicial del disco, que pertenece a la película The Matrix, cuando Neo y Mr. Smith están por comenzar la pelea en el subte.

Escuchen el sonido de lo inevitable...la muerte nos llega a todos, y es mejor disfrutar de los momentos que nos quedan.

P.D.: cuidado con el tren.

"Mort Cinder" Hector German Oesterheld-Alberto Breccia (1962-64)

Hacía demasiado que no posteaba una historieta, y por fin me decidí por una de las más impresionantes historias creadas del género.

Mort Cinder es considerada como una de las obras cumbres de la Novela Gráfica mundial. Escrita por el genial Oesterheld y dibujada por el viejo Breccia, quien a partir de esta obra comienza a mutar su estilo.

Recordemos que German Oesterheld fue el guionista de otras obras igual de interesantes: "El Eternauta", "El sargento Kirk", Ernie Pike" (el corresponsal de guerra), "Sherlock Time (con Alberto Breccia también encargado del dibujo)...en fin, un escritor sumamente prolífico (y comprometido políticamente). Este compromiso tuvo como resultado que los genocidas asesinos militares que llevaran a cabo el Golpe de Estado en el año 1976 en la República Argentina lo "desaparecieran" al año siguiente, presumiéndose que habría muerto en el año 1978.

En esta obra, se presenta al inmortal Cinder en una breve historia a modo de prólogo llamada "Ezra Winston, el anticuario", quien sería compañero de aventuras de Mort. El mismo es dueño de una casa de antigüedades en Londres, y es quien se topará en primera instancia con el inmortal, indicándonos con una frase final el suspenso que atraviesa toda la obra: "¿Está el pasado tan muerto como creemos?".

Esto da entrada a una historia titulada "Los ojos de plomo" repleta de tensión, donde Ezra será conducido ante un Mort Cinder, pero no de manera casual, ya que los indicios que el anticuario ve a su paso lo están volviendo loco prácticamente.

Las historias se suceden y tienen la virtud de no ser tan largas como para llegar a agobiar al lector.En cada una de ellas se puede ver las diferentes encarnaciones de un hombre que vivió el suficiente tiempo como para ver desde la construcción de la Torre de Babel, los efectos de un extraño vitrial maldito, la venta de esclavos...o la batalla de las Termópilas.

Es un relato cargado de más dramatismo y angustia que el creado por el genial Frank Miller, bajo el título de "300" (1998). En este (el de Oesterheld) la resolución, el final de la historia no está articulado solo a la legendaria batalla ocurrida durante la segunda Guerra Médica, sino a la aceptación por parte de Jerjes (líder persa) del valor y el significado de un hombre que no teme morir por una causa.

De hecho la particularidad de este inmortal llamado Mort Cinder es que para resucitar debe morir. Y es así que lo vemos a lo largo del libro, aceptando el destino que continuamente debe cumplir.

Tómense el trabajo de leer esta increíble obra de arte, y no se arrepentirán en lo absoluto.

Acá

Sepultura "Chaos A.D." (1993)

La puta que lo parió, que disco impresionante. Después de tantos años, lo escucho y sigo sin poder creer lo sólido y coherente que suena.

Parece increíble que lo que hagan ahora resulte tan insulso y falto de bolas, por llamarlo de alguna forma. Porque no importa si cambiaron de estilo, lo que importa es que ya no generan esa adrenalina y esa furia que generaban antaño. Y parte de ello es que hay músicos que ya no están.

¿Quienes eran los músicos por aquellos años? La formación clásica que venían tocando desde el disco "Schizophrenia" (1987): Max Cavalera en voces y guitarras; su hermano Igor en batería; Andreas Kisser en guitarras yPaulo Jr. en bajo.

Fíjense que estoy hablando de gente que venía haciendo Death Metal bien rústico y agresivo, que luego pasaron sutilmente por un tamiz sus influencias Thrashers, y siguieron sumando matices hasta llegar a esa cosa rara, repleta de sonoridades modernas e indígenas titulada "Roots" (1996).

Pero 3 años antes, apareció el monstruo que todos quisimos apresar y atesorar como lo más extraño que habíamos escuchado hasta el momento en una banda extrema. Influencias: no solo los diversos estilos que se podían encontrar dentro de la música pesada o el Heavy en general, sino punk, industrial, y un larguísimo etc. Y las raíces culturales de la banda aparecían en "Kaiowas", un instrumental inspirado en la tribu indígena de igual nombre quienes cometieron suicidio masivo cuando el gobierno brasilero intentaron quitarles sus tierras.

Si en un tema puede caber tamaña carga emotiva, imaginen si les digo que también podemos leer una letra escrita por una de las figuras más importante de la incorrección política dentro de la música: Jello Biafra, vocalista de los Dead Kennedys, para ser más preciso, en "Biotech Is Godzilla". O los latidos del corazón del primer hijo de Max en el comienzo del disco, como intro de "Refuse/Resist".

Los temas pueden seguir, porque el nivel alcanzado en esta obra, no volvió más...ni siquiera en el mencionado "Roots", ni que hablar de los discos que continuaron editando...poco más que horribles bodrios sin gracia.

Encontramos también una maravillosa declaración de principios: "We who are not like others", sonde Max experimentaba con nuevas vocalizaciones, un tanto más oscuras y casi recitadas, que tampoco volvió a realizar.

Lo que este caos musical produjo por aquellos años es tan difícil de explicar como único resultó ser con los años. Y hasta el año 1996, Sepultura eran realmente únicos, no eran como nadie más.

¿No me creen ? Escuchen.

P.D.: les dejo la reedición del año 1996 con 4 bonus muy interesantes.

Acá

Joni Mitchell - Travelogue (2002)

Hace un tiempo, en la página www.allmusic.com, leyendo la presentación y biografía de Joni Mitchell me encuentro con esto: "When the dust settles, Joni Mitchell may stand as the most important and influential female recording artist of the late 20th century". Dos reacciones: en primer lugar se puede decir "es verdad, a pesar de las modas pasajeras de Alanis Morisette y demás inventos, quedará entre las grandes en serio". Pero reducirla a las "female recording artist(s)" es diezmar su lugar en el siglo veinte y un poco del veintiuno. No me parece que solamente se trate de la más importante artista femenina sino que quizás dispute el lugar de una de las mejores artistas de la música en general. Muchos podrán discutir y mencionar a Bob Dylan, Beatles y otros top 10 de listas renovadas mínimamente desde hace muchos años por la "crítica especializada", pero me parece que algunos de sus discos al menos demoran cualquier discusión. Ser de una minoría, y las mujeres en el rock lo son, implica que si sos talentoso vas a ser de los talentosos de determinado grupo, no del rock en general. Si una mujer hace música de esta categoría es simplemente una “female recording artist”, mientras que difícilmente se hable de algún músico varón como un “male recording artist”. Algunos discos de Joni Mitchell (Blue, Mingus, Court and Spark, etc.) están entre los mejores del género (aunque sea un poco difícil saber de qué genero se trata).

En el año 2002 Joni Mitchell decidió sacar un último álbum y retirarse del negocio de la música, algo que finalmente no hizo (sacó otro, que no escuché, en 2007). Este disco, sin embargo, podría perfectamente ser el último. Se trata de un recorrido por toda su carrera compositiva, una especie de compilado reinterpretado con una selección de canciones que, con alguna excepción, no están entre las más conocidas. No por casualidad algunos tracks de Misses, un disco de temas que según ella deberían haber sido hits y no lo fueron, están en este disco.

La forma de hacer los temas responde por un lado al cambio de voz de Mitchell –a causa de los años y el cigarrillo- y por otro al gusto por la sutileza en el sonido de su música. El registro de la voz pasó del soprano a casi un contralto, lo cual limita los excesos de agudos de los primeros discos y acentúa la influencia jazzística que se instaló en los últimos setentas. Sin embargo, a diferencia de esos discos, no hay nada cercano al jazz fusión de Jaco Pastorius o Pat Metheny, estaría más bien cerca de las armonías de un Gil Evans o de su homenajeado Mingus.

El sonido del disco es expansivo y sofisticado al mismo tiempo, grabado con una orquesta de setenta músicos -y coros, en algunos casos- arreglados de tal manera que nunca llega a ocupar todo el espectro. Entre los músicos invitados están Herbie Hancock y Wayne Shorter (dos quintos de la banda de Miles Davis en los sesentas) y otros jazzistas de las primeras filas que demuestran su impecable musicalidad limitándose a acompañar sin ninguna intención de robar la escena con sus solos.

La música está totalmente alejada del sonido de los álbumes de principios de los setentas, no solo por la forma de cantar las canciones sino también porque está ausente la guitarra de JM, lo cual da el tono a muchos de los temas de su época más “folk”. Siempre que se habla sobre la Joni Mitchell guitarrista se menciona la cantidad de afinaciones que usa para suplir una dificultad en la mano izquierda relacionada con la poliomielitis que padeció de niña. Lo que quizás sea más notable aún es la perfección de su mano derecha, marcando un ritmo exacto y nunca monótono para acompañar las canciones. Esta ausencia, por el estilo del disco, no es sentida como tal ya que se trata de otra cosa.

Este disco doble deja en claro que a Joni Mitchell no está entre ningunas de las categorías en las que la ubicaron (folk, jazz rock, rock adulto, etc.) y este disco es una muestra de lo poco que le importa.

Acá, acá y acá.

Insomnium "Above the Weeping World" (2006)

mega

Otra vez la helada Finlandia dando cátedra. En este caso mostrando humildemente como deberían sonar los discos de In Flames en lugar de los bodrios post-"Colony" que estuvieron sacando.

Esta banda viene dando vueltas desde el año 1997, con su primer demo grabado en el 1999. La verdad que yo los encontré recién para su segundo disco, el impresionante "Since the Day It All Came Down" (2004), donde ya mostraban sus garras y sus ganas de mantener vivo el Death Metal Melódico sin los aditamentos e influencias made in Korn, como si lo hicieran los citados In Flames.

El vértigo que se desprenden de esas guitarras gemelas te impulsa a mover la cabeza incansantemente, pero aún más: si fuera por mi, fundiría una buena cantidad de hierro y me lo inyectaría para levar nuevamente el metal en las venas (si acaso alguna vez dejó de estar).

Las canciones son gancheras y melódicas por igual, pero en ningún momento se advierte la necesidad de sonar débiles o Pop incluso. para nada.

Incluso en las partes lentas, de tranquila tensión, las guitarras y los teclados se destacan y brillan con luz propia, dejando claro que, de nuevo, es posible sonar pesado y melódico al mismo tiempo...conformando por igual a fans del Heavy Clásico, como a los de la música más extrema.

Deicide "Legion" (1992)

legion

¿Que tanto se puede decir de este descomunal segundo disco de los satánicos Deicide?

Si venimos posteando cosas Death Metal, no puedo olvidar de uno de los pilares que le dieron forma a estilo en los tempranos '90.

Los primeros tres discos de la banda son fundamentales a la hora de entender el sonido de la misma, sobre todo la brutalidad del debut, y la violencia sin matices de este que estoy reseñando. Y también es donde encontramos la formación clásica: Glen Benton en bajo y voces; los hermanos Eric y Brian Hoffman en guitarras y Steve Asheim en batería. Más que suficiente para uno de los discos consideados más violentos del estilo.
El título del disco hace referencia al Cap. 5 del Evangelio según San Marcos, en donde Jesús enfrente a un loco que estaba poseído, y cuando le pregunta su nombre este le dice: "...Me llamo Legión, porque somos muchos", en referencia a la la cantidad de demonios que lo poseían. Pues bien, según Benton declaraba en aquellos años, los fans de Deicide serIan la Legión que destruiría a Jesús en su segunda venida.

Lo divertido es que esta locura se ve reflejada en la música; incluso el propio Benton parece estar poseído por algún espíritu demoníaco.

Un clásico, de una época plagada de clásicos.

Nile "Those Whom the Gods Detest" (2009)

egypt

Así como el Conde Garfield adora Cryptopsy (y yo coincido con él plenamente, una banda del carajo, la verdad), yo no puedo dejar de disfrutar y sorprenderme con estos americanos.

Es increíble que después de tantos años de carrera, y de grandes discos, sigan sorprendiendo. Porque no pasa con todas las bandas. Cannibal Corpse lo hacía antes, aunque desde hace 8 años aproximadamente, no me producen nada sinceramente.

Pero Nile, ellos son distintos. Siguen imbuidos de ese sentimiento que te lleva de viaje por el antiguo Egipto, con cantos de extrañas tonadas orientales, que quedan más que bien en toda la antiquísima violencia que destila el trío. Violencia...más esa aura épica que tiñe todas y cada una de las composiciones, y que le agrega el toque de mítica oscuridad que casi ninguna banda del estilo tiene. De nuevo una especie de interludio instrumental al medio del disco sirve para descomprimir la tensión, aunque genera otra, con esas vocalizaciones extrañas que acompañan el ritual desértico-oriental.

La bestia que se encarga de la batería es el griego George Kollias, realizando un trabajo casi sobrehumano, como el que realiza el guitarrista y líder de la banda, Karl Sanders. Hoy por hoy es uno de los músicos más sorprendentes de la escena Death Metal.

Si quieren seguir escuchando Death Metal con mucha actitud, y extremadamente técnico, y al mismo tiempo para nada aburrido, anoten a Nile (y a Cryptopsy, por supuesto) dentro de los primeros 5 de la lista.

Aquellos a los que los dioses detestan, se vengaron y editaron uno de los mejores discos de su carrera, ofrendando el mismo a la ira politeísta egipcia.

Un gran logro que dichos dioses no reclamen por el momento más sangre humana.

Cryptopsy "The Unspoken King" (2008)

rey

Recuerdo vívidamente cuando en mis años de baterista solía buscar incansablemente a bateristas que realmente me dejaran con la boca abierta cual retardado mental!!!, su excelencia Mr. Flo Mounier es uno de los mejores del mundo sin duda, con solo escuchar su legado en Cryptopsy o ver sus videos de clínica en you-tube se me pone la piel de pollo.

Cryptopsy tiene ganado su lugar hace rato ya en este cruel e incansable mundo del metal extremo y sin dudas ese merito le corresponde a Flo, por que él, y solo un par mas, son los pocos miembros originales que quedaron.

Han pasado muchos músicos por la banda y tambìén los discos tienen un sabor y una textura diferente, pero sin lugar a dudas, "The unspoken king" es una de las máximas máquinas destripadoras y decapitadoras del nuevo death metal-o death core como se llama ahora.

Don Lord Worm siempre fue cualquiera en las voces, hasta a veces sus vocalizaciones eran divertidas, su rango era demasiado limitado pero su actitud era arrasadora, comía gusanos en vivo, el tipo ponía huevos al cantar y grabó varias joyas como "None So Vile"; pero el cantante que se encarga de vomitar ahora es 100 veces muchísimo mejor que Don gusano, una verdadera máquina gutural que junto con los riffs absolutamente descontrolados mas la precisión matemática de Flo, te dan un terrible electro-shock capaz de destruir los vidrios de tu cuarto mientras haces pogo con el guardaropas.

Alex Auburn es la nueva mascota de Cryptopsy y es la elección mas lógica que pudo haber hecho la banda, él tiene un rango de voz del tipo Mike Di Salvo, la otra bestia infernal que cantó en dos de sus grandes obras:"Whisper supremacy" y "And then you'll beg"¡¡¡¡dos joyas que seguramente si los ponés en la fiestita de quince de tu hermana, volará en pedazos hasta la tortita!!!!.

En resumen, Cryptopsy es una de mis bandas preferidas sin dudas y sea El señor gusano , el maestro Mike Di Salvo o mi nuevo ídolo Alex, siempre me partirá la cabeza en mil pedazos por que su técnica y su precisión son totalmente alienígenas.

Para terminar, estaría bueno que alguien se decida a traer a estos demonios a tocar a Argentina no?, y por último, ¿alguien sabe la vida de Mike Di Salvo? nunca más supe de su vida musical post-Cryptopsy¡¡¡¡si alguien sabe algo por favor escriba en el blog, gracias!!!!!!

Penitent "Songs of Despair" (2002)

meet

Si bien los primeros discos de esta banda entraban dentro de la categoría de Dark Ambient, algo pasó en el camino que viraron hacia una música mucho más agresiva.

Para ser más preciso, las influencias que afloraron y flotan en el ambiente son las del Black Metal y donde más se nota es no solo en los riffs de guitarra, sino en las desesperantes y agónicas voces del cantante.

Para los que estaban acostumbrados a sus anteriores discos (como ser "Melancholia" (1996)), olviden este disco, que para mi gusto y en relación a esas antiguas perlas oscuras, es de mediocre para abajo.

Si estás buscando algo más de lo mismo dentro del Dark Black europeo, pueden darle una oportunidad que no se van a aburrir.

Nada más.

Manes "Vilosphe" (2003)

angst

Rarísima la evolución de esta banda noruega. Comenzaron haciendo un Black Metal muy sucio y extremos. Pero a poco de arrancar, y luego de su primer disco del año 1999, comenzaron los cambios que se verían reflejados en este disco.

De corte netamente experimental, no es posible hablar de Rock, ni de Jazz, ni nada por el estilo. Si se puede decir que el disco es bastante intenso y que las voces son cautivantes, formando parte del ambiente entre electrónico y experimental, sin dejar de lado algunos toques que te generan cierto vértigo y frialdad al mismo tiempo.

Es como si a Arcturus le quitaran los genes que contienen la raíz black, y le injertaran algún sucedáneo de Trance y House climático. El resultado sería este disco de los noruegos.

No te podría decir que el disco es genial, pero si que te sorprende desde el momento que empieza a sonar en el reproductor.

Después dicen que los músicos que se dedican a hacer arte extremo no saben tocar...que hacen puro ruido.

Por favor, a sorprenderse.

Darkthrone "A Blaze in the Northern Sky" (1992)

mega

¡Qué años aquellos! Para generar climas y frío extremo en la música no hacía falta ni teclados, ni efectos especiales...solo la música más cruda escupida desde las entrañas de ciertos jóvenes que adoraban a las bandas de metal de los '80 (sobre todo a las más under, Bathory sin ir más lejos).

Una guitarra que parecía que en lugar de ser tocada con una púa, habían conseguido una hoja de afeitar bien oxidada...y con eso tocaban.

El bajo no tiene presencia practicamente, pero no importa. La batería suena como la mierda; el mismísimo Fenriz dijo hace años que por su batería no le darían ni dos latas de gaseosa, así que imaginen.

Pero las voces....¡¡miiiiiieeeerrrdaaaaaaaaa!!. Esto es actitud. Destilan tanto odio que es imposible pasarlas por alto o que no te produzcan algo...no importa que, aunque sea asco, pero nunca generan indiferencia. Si querés morir de un infarto masivo ponés la intro de "Kathaarian Life Code" y listo (como nos divertíamos con el Conde Garfield con esas voces). Ahora si lo que querés es sufrir de un shock de adrenalina en formato Black Metal, y desesperarte hasta llegar a tu límite físico escuchá a un volumen altísimo "Where Cold Winds Blow", y avisá si quedás con ganas de más.

Así, si objetivamente el disco suena como la mierda, el sentimiento que emana este dúo noruego es tan oscuro y minimalista que casi nadie se les pudo acercar a lo largo de los años. Y eso que hubo cientos de bandas que intentaron copiar el sonido, la "mala producción", etc., pero no había caso. La esencia en realidad esta contenida y concentrada en las mentes de dos malignas figuras noruegas: Fenriz (miembro fundador de muchos proyectos, entre los que cabe mencionar Neptune Towers, Isengard y Storm), que también se encargó de realizar varios compilados de música oscura y under de bandas de los '60 y '70 muy recomendables (también de bandas de metal extremo de los '80); y Nocturno Culto-ese nombre lo dice todo-, quien participó en Satyricon y tiene una nueva agrupación llamada Sarke.

Son ellos dos los creadores de la música de esta banda de culto viva y jadeante. Son ellos los responsables de algunos de los discos más emblemáticos de la década pasada, conformando una trilogía perfecta para todo amante del Black Metal crudo: aparte de este disco que inicia la trilogía, también podemos deleitar nuestro enfermo sistema nervioso con "Under a Funeral Moon" (1993) y "Transilvanian Hunger" (1994). Realmente sublime, como para destrozar los oídos vírgenes de miles de personas que creen que la música pesada puede sonar en los grammys.

Aquí esta Darkthrone para desmentir dicha afirmación. E iniciando su actividad Black metal, abandonando al Death Metal originario a su suerte. Escupiendo suciedad y odio con desesperantes gritos de agonía. La agonía de una vida que termina al enfrentarse a esta llama que asoma desde el oscuro trono noruego.

Kari Rueslatten "Mesmerized" (1998)

kary

El segundo disco de Kari para una multinacional, completando por ahora con la discografía de la noruega más hermosa que conozco.

En realidad me falta un single (e.p.) que salió antes de "Pilot" (2002), pero ya lo postearé.

Lo que nos muestra y nos hace escuchar la cantante es su progreso como compositora, plasmando el mismo en este hermoso disco que mezcla un Pop muy refinado con algunos toques darkies, más las últimas reminiscencias del Folk que hiciera en sus primeros lanzamientos.

También se escuchan en algunas canciones ciertas pinceladas de Trip Hop, que también ocuparía un lugar importante en el futuro.

Un disco de quiebre, donde Kari comenzó a ser otra, sin temor a expresar sus influencias más modernas, logrando canciones con una sensibilidad especial, súper emotivas y disfrutables.

Música para oídos sensibles, y amantes de las sensaciones agradables.

Brujería "Matando güeros" (1993)

Este es una de las bandas que los músicos de Skombros me hicieron escuchar. Y la verdad era demasiado para mi en ese momento.
Me shockeó sobre todo el sobre interno del disco, en donde había fotos de lo que quedaba del cuerpo desmembrado del tipo cuya cabeza aparecía en la tapa. Aparte eso: ¿¡Qué carajo le pasaba a esta banda por la cabeza!? Acá no había dibujitos zarpados, era una foto posta....y mi viejo cuando vió el disco casi se cae de culo (jejeje).
Ahí dije, como todo adolescente rebelde, esto es lo mio...si no le gusta y le produce asco y rechazo a mis viejos, es lo que tengo que escuchar.
También era reloca la mezcla en las letras, entre narcos, satanismo y reclamos y reivindicaciones sociales, con los consecuentes rechazos viscerales a los gringos del norte.
La conclusión que saqué en el acto fue: esto tiene mucho poder, no hay que dejarlo pasar.
Son 19 canciones en 30'. Y hay de todo, desde la intro graciosa, hasta Grindcore híper extremo en castellano (yo no había escuchado algo tan extremo y que se entendiera hasta esa fecha). También podés encontrar temas gancheros, como "Narcos-satánicos" y su instructiva letra: "El norte quiere nuestro cosecha de oro. Güeritos y negros esperan el hombre. Mando mis indios, pinches mojados locos. Cargados con yebras, polvos, y chiva. Traficando drogas, coca, y mota. La bendición satánica, quien nos para. La camioneta se llena Con un chingo de mota, los indios locos con el olor de la coca. Ciento - viente millas por hora, ciento - trienta kilos por troca. Somos narcos - satanicos, yello y juanita. La bendición negra nos da plata. Una misa negra al rey de lujo. Cortamos el polvo, lavada de miada. Que se chinga los negros y se mueren los güeros. Somos narcos - satanicos traficando drogas.

Si no tenés humor y sos medio amargo, esta banda no es para vos. Si el caso es lo contrario, adelante, encontrarás acá grandes momentos de diversión.

Acá