Frank Zappa "Jazz From Hell" (1986)

infierno

Frank Zappa es un ser de otro planeta, tal vez de otra galaxia, como tantos otros (Miles Davis, Jimi Hendrix, Piazzolla, John Coltrane, etc.). Todos sus discos son experiencias increíbles, y difíciles de metabolizar, pero una vez que lo hiciste, es como si hubieses estado en un curso intensivo de historia de música contemporánea.

Historia de música que no excluye, obviamente la música clásica contemporánea, con artistas influyentes y determinantes como Stravinsky, ese loco llamado Stockhausen.

Y este disco es una prueba irrefutable de dichas influencias, tan disímiles, que también incluyen el Jazz , el Blues , el Rock ....bueno Zappa era así, era un Genio Musical, capaz de cualquier cosa. Y eso lo encontramos acá.

Un disco realizado exclusivamente por él y su asistente técnico Bob Rice y el ingeniero de grabación Bob Stone, con la Synclavier Digital Music System, un sintetizador muy versátil. puede sonar frío, pero lo logrado en este disco estaría más relacionada con la experimentación contemporánea que con la frialdad propia de los sintetizadores.

Son 7 canciones rarísimas, comenzando por "Night school", que a lo primero que me hizo acordar es a los italianos Goblin y sus bandas de sonido para Darío Argento (genio absoluto del cine). Después las composiciones restantes son un sinfín de texturas atrapantes, locas, extravagantes (escuchen "G-spot Tornado"), que harían parecer a otros delirantes experimentales como John Zorn o Diamanda Galás como simples principiantes. Bueno, alguien que a mediados de los '60 sacó discos como "Freak Out" (1966) o "Absolutly Free" (1967) con una de las bandas más desquiciadas de la historia como los The Mothers of Invention, puede dejar como principiantes o nenes de pecho a cualquiera.

Volviendo a este disco, el único tema en el que toca con una banda "humana" es el Blues "St. Ettiene", en el que intervienen Steve Vai y Ray White en guitarras rítmicas, Tommy Mars en teclados, Ed Mann en percussión, Scott Thunes en bajo y Chad Wakerman en batería. Solo con este tema, el disco es de escucha obligatoria.

Aunque no es el mejor disco de él, entren al mundo Zappa y dejen que las comadrejas les arranquen la piel mientras ustedes sonríen de dolor.

Opeth "Morningrise" (1996)

leyenda

¡¡¡Terrible pedazo de disco!!! Es una maravilla del Death Metal Melódico.

Y algo realmente importante: no es apto para los que sufren de vértigo, porque Opeth con su música te elevan hasta el tope de esa montaña rusa a la que siempre quisiste subir, y de repente, cuando menos te lo esperás, te arrojan al vacío.

¿Cómo hacen esto? Simplemente con MÚSICA, así, con mayúscula. Porque a los largo de 5 (cinco!!) canciones se presentarán sensaciones increíbles que nunca antes se te presentaron con ninguna otra banda.

"Advent" inaugura la aventura que tardará casi 77' en terminar. "The Night and the Silent Water" presenta un hito inigualable en la discografía de estos suecos, y del metal en general. Las diferentes emociones incluidas en este tema ya vale la adquisición de esta obra maestra, con sus guitarras acústicas y cambios de ritmo constantes.

Ni que hablar de "Nectar" o "Black Rose Immortal", dos gemas imposibles de pasar por alto.

Es que es difícil elegir las canciones, cuando ninguna baja de los 10' ("Black Rose... dura 20') y las cinco son terribles.

No puedo escribir más. Solo decir que desde que lo escuché-hace ya muchos años- siempre, periódicamente, vuelvo a él, como para refrescar los buenos momentos vividos. Y la aventura inaugurada con "Advent" hace tanto tiempo, todavía no terminó, y espero que nunca termine.

In The Woods... "A Return to the isle of Men" (1996)

bosques

En realidad este disco es la reedición del primer demo de la banda, del año 1993, llamado "Isle of Men", y que contenía los 5 primeros temas de este disco. Para esta edición, le agregaron dos bonus tracks. De estos temas ya algunos habían aparecido en el majestuoso "HeArt of the Ages" (1995), así que se pueden imaginar cual es el sonido de este disco.

Maravilloso es poco. Inclusive teniendo en cuenta que es una reedición de un demo, lo logrado en calidad musical es superlativo. Hay pocas cosas que se acerquen siquiera a la emotividad, a la expresividad y sentimiento que se esmeran en transmitir estos noruegos, que pocos meses después editaran esa joya melancólica llamada "Omnio".

Bueno, aquí también pueden emocionarte y conmoverte hasta las lágrimas con esas guitarras que te taladran los tímpanos, pero que al mismo tiempo tienen esas melodías tan hermosas y características; también te asombran con la mixtura de voces (gritadas, susurradas, femeninas...) y esos teclados que parecen extraídos de los discos de Pink Floyd.

Escuchen y disfruten.

Cathedral "Forest of Equilibrium" (1991)

equilibrio

Todavía recuerdo cuando escuché por primera vez este disco. Habían pasado unos meses desde que había escuchado "The Ethereal Mirror" (1993), su segundo disco, y quería encontrar el origen de la banda, de donde había salido, etc. Todo eso que a uno le gusta investigar cuando te gusta una banda.

Me sorprendió el hecho que Lee Dorrian haya sido el vocalista de una de las bandas más revolucionarias dentro de la escena extrema mundial como Napalm Death. En los reportajes todos le preguntaban como era pasar de la banda más rápida a la mas lenta...y si...cuesta creer que sea el mismo tipo la verdad.

"The Ethereal Mirror" me parecía (aún me parece) uno de los discos fundacionales del nuevo Doom en la década del '90, que tomaba las influencias de Black Sabbath, junto con las clásicas bandas de los '80 como Candlemass, Saint Vitus, Trouble, etc., y llevaba ese sonido a un nuevo nivel. Pero "Forest..." era (es) otra cosa.

Canciones súper largas y experimentales (para la época), letras muy voladas, voces arrastradas que parecieran estar cantando alguna letanía a la destrucción universal y estar disfrutando de esa destrucción...casi una felicidad apocalíptica, que te transmitía todo ese trip con los riff más retorcidos, embarrados y graves que por esos tiempos nos pudiéramos imaginar.

Todo el disco parecía estar preparándote para un acontecimiento que llegaría irremediablemente, para el que no había escapatoria, y le creíamos a la banda. Hasta el título de la última canción era una declaración de principios, "Buscando felicidad, tocando el dolor", ya con eso nos convencíamos que Cathedral era de verdad, incluso con esas intros lúgubres con flautas traversas, y esas cosas raras para su tiempo.

Y ahí está la cuestión. La banda nunca perdió la credibilidad, porque hacen lo que tienen ganas de hacer, lo hacen hoy y lo hacían hace 20 años. Por eso, vale la pena meterse en su universo tan particular, repleto de seres extraños y pesimistas que te vaticinan el porvenir del mundo con las canciones más pesadas que te puedas imaginar.

Taake "Hordalands Doedskvad" (2005)

black

Monumental tercer disco de estos noruegos. Y el mejor de toda su discografía hasta la actualidad. Todas las características de sus primeros dos discos, acá se encuentran elevados a su máxima expresión.

Las melodías son gélidas, y cumplen su función a la perfección. ¿Cuál es esta función? Transmitir el hostil y frío ambiente de su Noruega natal, junto a la majestuosidad y belleza de su naturaleza, lo que también esta representado en las canciones. La escucha reiterada de este disco te puede transportar rápidamente a los bosques nevados de esas tierras.

Otra cuestión sumamente interesante, sobre todo para los seguidores de la vieja escuela del Black Metal noruego, son las influencias que quedan registradas a modo de sutiles homenajes en esta placa, y que ya se escucharan en "Nattestid Ser Porten Vid " (1999). Aquí se agrega una banda como influencia (a las citadas en la reseña del disco anterior) que se amalgama de forma maravillosa, y que los amantes del Heavy Clásico se arrancarán los pelos de la alegría, Mercyful Fate. En el Track 2 (las canciones no tienen nombres), sabrán reconocer el riff precioso de una gran canción de los daneses. También se puede encontrar, como ya lo hicieran otros noruegos geniales-Emperor- un homenaje en el mismo track a los Metallica de "Ride the Lightning".

Un disco descomunal, pletórico de referencias a la vieja escuela, y al mismo tiempo al futuro del género. De acá a 20 años, escucharemos seguramente este obra, y nos provocará los mismos escalofríos que hoy.

Agalloch "Pale Folklore" (1999)

Pale Folklore

Un hermoso viaje a los bosques, acompañado por uno de los discos más bellos de la historia de la música, no solo del Metal. Y es el único rótulo que cabría ponerle a esta maravilla, ya que trasciende los géneros y los estilos.

Es tan hipnótico el arte generado por estos americanos que es difícil poner en palabras lo que producen. Me acuerdo que en las vacaciones de Enero de este año estuve en un lugar donde lo "único" que se podía hacer era leer y escuchar música, ya que no había T.V ni computadora. Por lo tanto, y sabiéndolo de antemano, me llevé una gran cantidad de discos para poder disfrutar. Entre todos esos discos estaba la discografía de Agalloch.

Mi sorpresa fue mayúscula cuando me di cuenta que, con el correr de los días, no solo era difícil dejar de escuchar Agalloch, sino que al atardecer siempre ponía este disco, y me inundaba una sensación entre melancólica y feliz, mientras que al mismo tiempo los olores y colores del lugar (estaba en el campo) tomaban nuevas dimensiones, y parecían cobrar vida.

Las canciones nunca llegan a ser extremas, sino que transitan por caminos sutiles, con innumerables recursos estilísticos, susurrando, gritando, tocando hermosos acordes o arpegios, y realizando bellos acompañamientos acústicos a medida que se desarrollan las canciones, todas hermosas y memorables.

La banda esta conformada por 3 de los integrantes de otra banda increíble americana, Sculptured: John Haughm en batería, voces y guitarra (ya no está en Sculptured), Don Anderson en guitarra, Jason William Walton en bajo y Shane Breyer en teclados.

Basta entonces de palabras vacías y disfruten

Sarcófago "The Laws of Scourge" (1991)

brasil

Tremendo este disco. Por ahí si lo escuchase por primera vez hoy, también sería una sorpresa.

Es que esta banda brasileña tiene tanta agresión como melodía, y las canciones son "redonditas", no te cansan en ningún momento.

Las voces también están perfectamente balanceadas...y...no se, la verdad que el disco entero es una joyita.

Cuando lo escuché por primera vez allá por el año 1994 no lo podía creer, sobre todo teniendo en cuenta que había un ex-miembro de Sepultura (Wagner) tocando en la banda. Por lo tanto la banda tenía que ser buena.

¿Tenía? Hasta el día de hoy me parece que ninguno de los temas tiene desperdicio, incluyendo los dos bonus tracks incluidos en el cd (que no aparecían en las primeras ediciones): "Krush, Kill, Destroy" y "Little Julie" que aparecieron en el e.p. siguiente. Los teclados le dan una cuota de oscuridad que pocas bandas del estilo tenían en esos años, así como esas melodías punzantes, y esas voces que te hacen acordar a un Tom Araya muy enojado.

Disfruten del disco, no se lo van a poder sacar de la cabeza.

Moonspell "Irreligious" (1996)

mega

No hay demasiado para decir de este disco, solo que es un clásico absoluto, tanto dentro de la discografía de los portugueses, como del estilo.

Hasta el momento en el que salió editado el disco, ninguna banda había logrado fusionar el Doom, el Gothic/Dark e influencias de lo mejor de la música electrónica de forma tan maravillosa, y sin perder originalidad (algo que le paso a Moonspell en discos posteriores).

Todas las canciones son tremendas, desde "Opium", pasando por "For a taste of Eternity" y "Ruin and Misery" (¡¡¡que tema increíble!!!), y esa gema gótica llamada "Raven Claws", hasta "Herr Spiegelmann" basada en la novela "El Perfume" de Patrick Suskind-sobre todo uno de sus últimos capítulos-y que recomiendo leer a todos.....y "Full Moon Madness"...un doom tan tenebroso que asusta.

Entren al mundo gótico de Moonspell, y ya no salgan.

Ecliptic Sunset "...From These Dried Lands" (2003)

Ecliptic Sunset es una banda de la provincia de Salta, al norte de Argentina (de donde también salieron Santuario, Skombros, Pogrom, Descanso Eterno, Diadema Tristis, etc.), enrolada en un Black Metal con claras influencias noruegas, de Satyricon y Emperor de la primera época para ser más preciso.

No me voy a detener en los integrantes de la banda, ya que son muchos, la mayoría sesionista. El único que permanece inamovible es su creador, guitarrista y vocalista Alejandro Medina, quien también forma parte de una maravilla Dark-Folk argentina llamada Diadema Tristis.
Acá van a encontrar teclados a modo de intro, guitarras acústicas, algunas voces claras, guitarras agudas y lacerantes, y baterías.....que creo que son lo más flojo del disco. Su sonido deja bastante que desear, aunque supongo que es por el sonido vieja escuela que le imprimieron a este debut discográfico, como una especie de homenaje a bandas capitales del estilo, como las que mencioné más arriba.

Los climas logrados son muy interesantes, y la pericia de sus músicos quedan de manifiesto sobre todo en los momentos más calmos. Momentos calmos...lo primero que se me viene a la mente es el tema 5 llamado "Tears far Away ", muy triste y melancólico, violines incluidos. A continuación un extraño experimento poético ("Deprimenthia") con la profunda voz de David Esteban Slodky, quien también participa en el último tema.

Las letras son una extraña mezcla de poesía, vampiros, demonios y depresión puesta al servicio de buenas canciones que con el transcurrir del tiempo van gustando más.

El último punto que me gustaría resaltar es la producción del libro interno del cd, que esta presentado a nivel profesional, con papel satinado y todo, y con buenas fotos acordes a los climas que quieren transmitir. ¿Por qué digo esto? Porque semejante producción de gran nivel no llegó a costar los $22 (pesos argentinos, o sea menos de u$s8).

Radiohed "OK Computer" (1997)

Radiohead comenzó siendo una bandita más de la movida Grunge a comienzos de la década del '90, cuando los reyes eran Nirvana y Pearl Jam. Por esos años, la banda salía al ruedo con su primer larga duración "Pablo Honey" (1993), que contenía un tema (fue el primer single del disco) muy bueno, "Creep", que se transformó con los años en un himno del Grunge. Le continuó "The Bends" (1995), mostrando un sonido semejante, pero ya alejándose del estereotipo del estilo.

Cuando todo el mundo pensaba que iban a salir con algo súper comercial, se despacharon con este disco, y sorprendieron a todos. Una extraña mezcla de Rock, más música electrónica, sumado a unas voces despojadas y frías que transmitían una desazón muy particular, sin llegar a la abulia típica del Grunge de sus comienzos.

Y una seguidilla de canciones tan increíbles como melanólicas y -por momentos- furiosas que no te dan respiro, y que se van incrustando subliminalmente en tu mente, hasta quedar totalmente atrapado en este frío mundo tecnológico pergeñado por Tom y los suyos.

Canciones. Experimentos con letras tan hermosas como irónicas y desesperadas. Particularmente distingo "Paranoid Android: Por favor, ¿podrías detener el ruido?Estoy tratando de descansar un poco de las voces de los pollos sin nacer en mi cabeza ¿qué es eso?...(tal vez sea paranóico, pero no soy un androide). Cuando sea rey, serás el primero contra la pared con tu opinión que no le importa a nadie¿qué es eso?...(tal vez sea paranóico, pero no soy un androide). La ambición te hace lucir bastante mal Cerditos Gucci pateando y chillando no recuerdas no recuerdas ¿Por qué no recuerdas mi nombre? Córtenle la cabeza, hombre Córtenle la cabeza, hombre ¿Por qué no recordará mi nombre? yo creo que si lo recuerda. Llueve, llueve vamos, llueve sobre mi desde una gran altura desde una gran altura...altura
Eso es señor estás escapando el crujido del cuero de los cerdos el polvo y los gritos los yuppies trabajando en red el pánico, el vómito Dios ama sus hijos, Dios ama sus hijos, yeah."

Otra canción que te deja sin respiración y en un trance del que es difícil salir es "Exit Music (for a Film):Despierta de tu sueño la brevedad de tus lágrimas hoy escapamos, escapamos. Empaca y vístete antes que tu padre nos oiga antes que se desate el infierno. Respira, sigue respirando no pierdas la calma Respira, sigue respirando no puedo hacer esto solo. Cántanos una canción una canción para mantenernos calientes hay una brisa, una brisa. Y puedes echarte a reír pero nadie lo creerá deseamos que tus reglas y sabiduría te ahoguen Y ahora somos uno en paz eterna. Deseamos que te ahogues, que te ahogues".

De todas formas es muy subjetivo, aunque la frase final susurrando lastimosamente ..."deseamos que te ahogues..." es sinceramente terrible.

Todas las canciones son increíbles, pero hoy (como siempre digo) me vuelan la cabeza estas dos...y la que cierra el disco no se queda atrás en cuanto a melancolía musical se refiere.

Una obra a partir de la cual la música de la banda, y el Rock en general se cuestionó muchísimos clichés y formatos que se suponían inamovibles.

Sencillamente hermoso.

Acá

Gentle Giant "Free Hand" (1975)

manos libres

Un clásico del Rock Progresivo de los '70. Simplemente bandas como Dream Theater no existirían de no ser por la influencia de esta banda (entre otras por supuesto).

Tienen un montón de discos editados, y ni hablar de los bootlegs, compilados, etc.

Pero lo que ahora interesa es esta verdadera obra clásica, que tiene una complejidad rítmica y vocal que sorprendería a cualquiera. Sobre todo si nos fijamos en le época en la que fue grabada, en la cual no existía toda la tecnología de la actualidad.

Por otro lado, la banda suena moderna, incluso para para los tiempos que corren, y si sos medio despistado y no te fijás el año de edición del disco, bien puede pasar por alguna banda neo-progresiva, de esas que pululan por todos lados, pero que carecen del sentimiento y de la capacidad para transmitir algo, solo tocan rápido y fríamente.

El sonido de la banda oscila entre el Jazz Fusión y la música progresiva, con unas influencias innegables de música clásica, que le dan el toque de complejidad necesario, pero que no aburre en ningún momento.

El diálogo entre los instrumentos es constante y fluído, y tiene un dejo de frescura que asombra.

Bueno, basta... deja de leer la reseña y disfrutá este hermoso disco.

My Dying Bride "For Lies I Sire" (2009)

sigue

¡¡¡Si señores!!! Volvió la miseria y la depresión hecha música. Volvió la desesperanza absoluta y el romanticismo eterno. Volvieron....¡¡los violines!! a My Dying Bride.

Cuanto se extrañaba ese sonido típico de los ingleses, cargado de depresión y buenas, memorables canciones.

Es cierto que "A line of deathless kings" (2006) era un gran disco, creo que no se podía encontrar canciones que se te clavaran en la mente instantáneamente. No era tan opresivo como el anterior disco de estudio de la banda "Songs of Darkness, words of ligh" (2004), sino que había más melodía. Pero faltaba algo. Algo que nos hiciese olvidar momentáneamente-aunque sea- discos como "The Light at the End of the World" (1999) o "The Angel and the Dark River" (1995), y por qué no "Like Gods of the Sun" (1996)...porque siempre que escuchábamos algún otro disco, siempre terminábamos comparándolo con alguno de éstos.

Eso que faltaba era justamente esas tristes melodías ejecutadas en el violín, que tanto dramatismo le sumaba a la música de la banda. Y volvió, el violín volvió, y espero que no se vaya por mucho tiempo.

La gran mayoría de las canciones tienen algo con violín, aunque se destacan "My Body, a funeral" y "For Lies I Sire"...o "Bring me Victory" que no se queda atrás en cuanto a dramatismo y épico sufrimiento.

¿Épico dije? Escuchen los casi 12 minutos del tema que cierra el disco y cuando se repongan de semejante demostración de poder me avisan.

Otro de los puntos fuertes son las vocalizaciones que está utilizando Aaron, realmente depresivas y terroríficas, una vuelta a las raíces. Y se fue el bajista de toda la vida, entrando en su reemplazo una mujer llamada Lena Abé...veremos que pasa, pero por ahora está ella.

Imaginen una mezcla perfecta entre los discos antes citados, más el sentimiento del increíble "Turn loose the swans" (1993) y se darán una idea de lo que pueden llegar a escuchar y disfrutar.

Señores, de pie que la novia agonizante parió uno de los mejores discos de su carrera. Nueve nuevas canciones para sentirse el ser más miserable del universo, y disfrutar con ello.

Disfrutemos un futuro clásico, para que después podamos decir "yo lo escuché cuando recién salió".

Anneke van Giersbergen and Agua de Annique "Pure Air" (2009)

aire

Anneque es unas de las voces más personales de la música actual, capaz de emocionarte con solo utilizar su privilegiada garganta, y apenas acompañada por algún músico. Y es lo que hace en este disco, donde presenta canciones del disco anterior "Air" (2007) en formato semiacústico, y canciones nuevas, acompañadas por músicos reconocidos y no tanto (por lo menos para mi).

Entre las canciones conocidas encontramos: "Witness" en una versión ultra corta y acústica hermosa, donde la voz de Anneque lastima y emociona hasta las lágrimas. "Beautyful One" también se hace presente nuevamente con el acompañamiento de Niels Geusebroek y una guitarra acústica, simplemente bello. "Yalin" y "Day After Yestarday" también están, en un formato que no puedo dejar de apreciar, en donde a medida que pasan los minutos la presencia de la ex-cantante de The Gathering se va haciendo más increíble. Sobre todo en "Day..." con la presencia de Marike Jager, siendo esta canción una de las más melancólicas del disco. "Come Wonder with me" parecen invitar Anneque y su acompañante Kyteman, en una versión despojada de la canción, que te deja helado junto con el acompañamiento de una trompeta hermosa y tristísima.

Todas las demás son canciones nuevas. La que abre el disco es de una belleza impresionante, y tenemos un plus para disfrutar, con un invitado de lujo, Danny Cavanagh de Anathema. Las otras canciones done encontramos invitados son: "Valley of the Queens" con Arjen Lucassen, que presenta una melodía similar a "Epitaph" del primer disco de King Crimson, y un tratamiento que te hace sentir que estás en presencia de un hada del bosque que le canta a la naturaleza; "To Catch a Thief" con John Wetton-integrante de King Crimson y Asia- en un bello dúo vocal; "What's the reason?" bien podría haber sido escrito en la década del '70. Pero no. Es una canción de Silkstone, una banda cuyo líder participa en este disco en dos oportunidades: aquí y en "Beautyful One". "Somewhere" es una frágil y sentida canción acústica en donde también canta Sharon Del Adel de los holandeses Within Tempation. Las canciones restantes, "Wild Flowers" y "The Power of Love" siguen el sendero de la fragilidad y los tonos melancólicos a los que nos tiene acostumbrados Anneque desde hace unos cuantos años. "Ironic" es una linda versión de la canadiense Alanis Morissete, que no tiene nada que envidiarle a la original.

Gracias Anneque por tanta belleza en formato de música. (y por tu belleza también por supuesto)

Astor Piazzolla y su Orquesta "Pulsación" (2003)

astor

Piazzolla definitivamente es uno de los grandes músicos del S. XX. Después de Astor nada fue igual, ni el el Tango ni en la música popular ciudadana en la Argentina. De hecho el Tango cambió de forma tan dramática que para los nuevos oyentes de hoy, resulta imposible escuchar a los llamados "de la vieja Guardia" sin tener esa sensación de estar asistiendo a un museo con piezas viejas y corroídas por el paso del tiempo.

Esto es lo que no pasa con Don Astor. Escuchando ahora las piezas compuestas hace 40 años, pareciera que lo fueron hace escasos meses. Y eso lo sitúa a años luz de sus contemporáneos.

Lo que dejo acá es un disco que salio en el año 2003, en donde se puede escuchar versiones de Pulsación (nº1, nº2, nº4 y nº5) que aparecieran en "Tanguedia" (1993), acá en nuevas versiones-bah, nuevos arreglos en realidad.

También hay 5 temas/composiciones que estaban en la Operita "María de Buenos Aires" (escrita en colaboración con el poeta y escritor Horacio Ferrer). Entre éstas está "Fuga y Misterio", popular canción en la Argentina, utilizada por diversos programas de televisión, sobre todo de política, sobre todo en aquel en el que intervenían dos personajes nefastos, B. Neustad y Mariano Grondona-quienes apoyaban fervientemente el Golpe de Estado realizado en el país el 24 de Marzo del año 1974-

Otra gran canción es "Tangata del alba", en donde se puede apreciar esa mixtura extraña en la música de Astor entre una inabordable melancolía y una violencia contenida, que se respira en la ciudad.

De todas formas, en todas las composiciones está siempre la tensión entre la fuerza y la delicadeza, entre la tristeza y la violencia...siempre los opuestos atrayéndose y rechazándose constantemente. Y ahí es donde radica la novedad de Astor, su música no es catalogable dentro de un estilo preciso, sino que siempre está en el límite: límite también entre música "culta" o académica y música "popular". La "música límite" como la denominó Carlos Kuri en su libro.

Como siempre digo, escuchen y disfruten que vale la pena.

Dino Saluzzi Group "Juan Condori" (2006)

tango

Siempre es maravilloso escuchar la música de Dino. Siempre. Lo que pasa es que este bandoneonista nacido en la provincia de Salta, en el norte argentino, tiene una sensibilidad especial, casi mágica para transmitir diferentes tipos de sensaciones, siendo siempre el vehículo indispensable la música.

Y su producción musical viene desde hace años dando que hablar. Ya lleva 38 discos editados, posándose a veces en el Folklore, a veces en el Tango, a veces-muchas- en el Jazz...pero casi siempre fusionando todo esto en un sonido tan particular que es imposible no reconocerlo.

El disco que más me llamó la atención de el fue con el cual lo conocí, "Cite de la Musique" (1997). Acá me encuentro con algo mucho más melancólico y triste si se quiere, con una profundidad pocas veces escuchada (en este momento se me viene a la cabeza solo Piazzolla).

Todas las canciones te atrapan y te transmiten una paz abrumadora, de esas que te hacen callar. Y así se disfruta la música de este genio argentino. A un gran volumen, en un nublado atardecer, tratando de estar rodeados por algunas montañas, como para encontrar el clima adecuado. Si tuviera que elegir alguna canción no podría. Por ahí hoy diría "Memoria" o "Milongas de mis amores"...que se yo. En realidad es imposible separar las canciones del concepto del disco, y eso ya es algo para resaltar. Tal vez la semana que viene me sorprenda con "La camposanteña" (Campo Santo es el lugar de Salta donde nació Dino)...no se. Cada día que pasa, los temas van cambiando y te van llegando de diferentes maneras.

Algo que siempre me llama la atención de este músico es la "simpleza" de su arte, no pone 300 notas en 30'', sino que toca lo justo y necesario para que esas notas te lleguen al corazón y no se vayan más.

Una verdadera obra de arte llevada a cabo por la familia Saluzzi, de esas que soportan el paso del tiempo, y cuando las volvés a escuchar te sigue sorprendiendo. Escuchen la belleza hecha música, no se van a arrepentir.

Love Like Blood "Chronology of a Love Affair" (2001)

crnologya

Bellísimo tributo a la música Dark/Gothic desde la década del '80 hasta el 2000. O sea, 20 años de historia resumidos en 16 canciones.
Debo confesar que nunca me enganché demasiado con Love Like Blood, hasta este disco. Y no solo por las versiones, todas realmente increíbles, sino por las bandas versionadas. Repasemos.
Comienza con "Decades" de los geniales y desaparecidos Joy Division. Ahí nomás escuchás "She's in parties" de los no menos geniales Bauhaus (que a mi me gustan mucho más de hecho); "Strange days" de otra de mis bandas favoritas del estilo, The Cure, con una versión tan profunda y sentida que emociona.
Siguen las bandas clásicas del género con "Lucretia, my reflection" de los Sisters of Mercy, otra gran versión que le suma la pesadez del metal a la oscuridad gótica logrando una canción súper ganchera y pesada al mismo tiempo, junto con unas voces que se parecen bastante a las originales. De Christian Death no recuerdo en este momento sus canciones, pero la versión de "Church of no return" esta muy buena, con una sensualidad contagiosa. Y llega una de las versiones más hermosas, la de "Wasteland" de The Mission, una especie de mezcla del sonido gothic, más un aderezo de industrial que le da un toque más pesado que la original, pero que queda muy bueno. ¿Dije buenas versiones? La de "Rain" de The Cult es ¡¡¡increíble!!!. Con "April Skies" de Jesus and The Mary Chain finaliza la primera década de Gothic Rock, citando bandas que serían influencias importantes dentro de la escena del metal a partir, justamente, de 1990.

El tercer ciclo comienza en 1991, finalizando en 1995. Las bandas versionadas son Fields of the Nephilim con "Love under will", una canción de ellos mismos (Love Like Blood) "Injustice"-modestia aparte-. A continuación una de las bandas más influyentes de la historia, y el motivo por el cual la banda que escribió esta novela se llama así: Killing Joke y su "Love like Blood". Ya para entrar en bandas más cercanas al metal, tenemos una versión buenísima de Paradise Lost, "True Belief", que cierra el ciclo/capítulo.

El último llega hasta el 2000, y comienza con una rara versión de "Copycat" de los alemanes Lacrimosa, que estaba en su disco "Inferno". Rara porque es más lenta que la original, y con algunos coros y arreglos que no estaban en la versión original, pero bueno, para eso son las versiones, cada uno le aporta lo que cree conveniente.

La versión de "Black nº 1" de Type O Negative es la que menos me gusta, sobre todo porque le quitan todo el humor (negro) que el original tenía. La versión de Tiamat de "Whatever that hurts" incluida en "Wildhoney" es simplemente maravillosa. Es que semejante canción resiste cualquier formato de versión, y esta le hace honor a la oscuridad inicial, tal como lo planteó Tiamat en su disco.

Cierra el disco "The great white World" de Marylin Manson, y no hay mucho para decir, una versión simple, correcta, ganchera, pero nada más.

Si te interesa ver como suena Love Like Blood es ideal este disco. Si te gustan las canciones incluidas en este, busca las originales que te vas a sorprender con unas cuantas bandas importantes.

Tiamat "Gaia e.p." (1994)

ep

Increíble e.p. de una banda que por aquella época asombraba a cualquiera. Y más increíble si tenemos en cuenta que el disco anterior, "Wildhoney" (1994) es uno de los clásicos del Doom de la década del '90.

Todavía no se encontraban los músicos hipnotizados por la música Dark/Gothic de los '80, aunque si era una de sus influencias principales, asi que lograban justamente canciones pesadas, gancheras e hipnóticas por igual, en lugar de esos discos aburridos e insoportables posteriores a "A Deeper Kind of Slumber" (1997).

La perlita de este e.p. es la versión de "When you're in" de los dioses ingleses Pink Floyd, magistralmente ejecutado con un sentimiento un tanto más pesado y con unos teclados entre progresivos y posicodélicos que me parecen fantásticos.

Obviamente hay otra canción que se distingue y es la obra maestra "Whatever that hurts" incluída en "Wildhoney".

Háganse un favor y disfruten de este hermoso viaje de casi 25'.

Blut Aus Nord "MoRT" (2006)

muerte

Jodido y negro experimento industrial de estos franceses, que están más locos que la mierda.

Sino no se puede entender lo que logran, inclusive apartándose del Black Metal que hacían en un comienzo.

Una verdadera obra de dimensiones tan abstractas y oscuras como fantásticas. Ni se me ocurre de que van las letras, son solo ocho capítulos que lo único que nos dicen es que la realidad esta cambiando, y el resultado no es bueno.

Así, a lo largo de casi 48 tortuosos y opresivos (tan opresivos como el arte de tapa) minutos Blut Aus Nord nos muestran justamente la metamorfosis de las teorías realistas, y esta banda de sonido posmoderna se te va incrustando de apoco y dolorosamente en tu cabeza, hasta hacerte sentir todo el peso de la muerte. Que seguramente tendrá a este disco como banda de sonido para recibirte.

Oscuro y brillante al mismo tiempo.

Tenhi "Maaaet" (2006)

finland

Siempre los finlandeses dando la nota. Conocí a esta banda allá en el 2000, cuando recién había salido el maxi "Airut: Ciwi", y a los meses conseguí el disco del año 1999 "Kauan". Y quedé totalmente embrujado por los climas melancólicos, tristes y románticos que emanaban de esos discos.

Y este no se queda atrás en cuanto a climas se refiere, si bien me parece que es un poquito más "duro", pero solo es una primera impresión, ya que después de las sucesivas escuchas uno va quedando atrapado en una maraña de sentimientos que, cual tela de araña irresistible, es imposible dejar. No me refiero a las escuchas a lo largo de los días, sino al efecto que produce si nos tomamos la molestia de dejar el disco en el reproductor más de 4 veces seguidas. Es como si de repente comenzara a atardecer, y esa bruma fría que te inundaba el espíritu en el disco de Aghast aquí se encuentra reconfortantemente entibiada por el (supongo) hermoso crepúsculo finlandés.

Simplemente dejate llevar por estos tristes finlandeses y sus bellas canciones crepusculares, no te vas a arrepentir.

Twinemen "Twinetime" (2007)

Después de tanta frialdad y brumosa oscuridad, llega un poco de rélax y delicadeza de la banda heredera de Morphine.

Una joyita hermosa para disfrutar al atardecer o, porqué no, al amanecer junto a una buena copa de licor y un muy buen tabaco en tu pipa preferida.

Todos los instrumentos están ahí para lograr un clima tan precioso y cautivador como estábamos acostumbrados a escuchar en los geniales Morphine, no habiendo ni una nota de más en ninguna de las canciones. Y todas y cada una de ellas son hermosas. Comenzando por la que abre la placa, "The end of my Dreams", sugerente desde el título.

La sensual "Summer Box", con una participación magistral de ese saxofón mágico e hipnótico. Y "Eddie Edison" no se queda atrás, siendo la más rockera del disco. "Come Clean", un susurro de Laurie, acompañada por sutiles notas melódicas, que te llevan directamente a la época de "Yes" de los grandiosos Morphine. Y el baile entre saxofón y bajo que propone "Calamity J." es tan hipnótico que querés que nunca termine, para que el trance continúe.

¿Trance dije? "Wrecking Ball" y "I wouldn't want to" siguen como banda sonora de este trip que va llegando a su fin, lamentablemente.

Como para terminar, se despachan con un fantástico tema de 7' llamado "Oona", plagado de melancolía, sensualidad y cierta tristeza (que recorre todo el disco en realidad) que paradójicamente te deja más feliz que antes de haber empezado a escuchar este disco. Que es tan misterioso y sugerente como el arte de tapa.

Acá

Aghast "Hexerei im Zwielicht der Finsternis" (1995)

negro

Negro debut y despedida de estas dos oscuras noruegas que te agarran y te arrastran hasta lo más oscuro, profundo y miserable que te puedas imaginar.

Nada de romanticismo folklórico, nada de triste melancolía hipnótica en los majestuosos bosques del norte de Europa. Solo, en un lugar tan desolado, oscuro y brumoso como el de la tapa del disco.

Lugar que por otro lado, tal vez sea el sitio donde reside el Señor de la Muerte y Destructor de la Vida que reclama cíclicamente algún sacrificio: "El Señor de la Muerte y Destructor de Vida esta noche tomará un sacrificio. Un sagrado obsequio de ti-su esclavo-el obsequio será tu sangre. Tú le darás con estático placer lo que le debes, tu vida. Comete un suicidio ritual. Dale tu vida. Dale tu sacrificio esta noche. (Sacrifice)"

Las dos niñas encargadas de perpetuar este ritual suicida y desquiciado son: Andrea "Nebelhexë" Haugen (también perteneciente a Hagalaz' Runedance), esposa de Samoth, uno de los fundadores de los Dioses Noruegos, Emperor. Tanja "Nachthexe" Stene es la esposa de Fenriz de Darkthrone, aparte de ser la artista encargada de las portadas de discos de Burzum y Ulver.

Entre las dos, logran un ritual mágico tan oscuro y perturbador que los casi 37' que dura el disco por momentos se vuelve insoportable. Y una declaración de principios en el tema final, Ende: "Esto es solo el comienzo".

"Magia en el crepúsculo de la oscuridad", tal la traducción casi literal del nombre del disco, tal el sentimiento transmitido, tal el monstruo presentado en este extracto de oscuridad de 36'24''.

Detalle: supuestamente, el micrófono utilizado en esta grabación era de Dead, vocalista de Mayhem que se suicidara de un escopetazo, mientras se desangraba luego de haberse cortado las venas. Solo un detalle más que le agrega un poco de color (rojo y negro) a este disco.

Santuario "Demo" (1997)

demo

¡¡¡Por fin pude conseguir este increíble demo de Santuario!!!

Lo tuve en cassette por muchos años hasta que un gil bajo promesas de que me lo iba a pasar a formato digital, me lo robó (junto con un montón de demos de bandas como Funeral, Slow Agony, Skombros, etc.)-no me olvido de vos "Peruano", aparecé y devolvé lo que te llevaste-.

Recuerdos al margen, no se puede creer como suena la banda en este demo, y tampoco se puede creer la madurez que tenían en aquella época, con letras más bien existenciales, que se alejaban del gore y/o la violencia que pregonaban las bandas del estilo.

Simplemente eran (perdón, son) una banda que hace música honesta y con mucho sentimiento, y tenían en esos momentos uno de los vocalistas más versátiles de la escena nacional. Y los demás no se quedan atrás. Tanto el guitarrista, como el bajista y baterista (¡¡grande cuca!!) son profesionales en lo suyo, y ya desde este demo se nota.

Todavía ando dando vueltas buscando ese cover de Edge of Sanity del disco "Purgatory Afterglow", llamado "Blood Tears" que hacían hace unos años. Para salvar las culpas, esta junto a los temas del demo, el tema que salió en el compilado Nahuel.

Todas las canciones son buenísimas, aunque yo me quedo, por una cuestión de elección personal con el tema que inicia el demo, "Ambición, Poder y Muerte", junto con "Rezo" y "Santuario", increíble canción salidas desde las tripas de estos cuatro músicos salteños.

Para los que no saben ya tienen un disco editado llamado "Las Alas De La Libertad Y Nuestro Refugio" que es buenísimo.

Música honesta y creíble, de una banda que ya tiene la madurez que todavía bandas con más años encima ni sueñan en alcanzar. Disfruten de esta pieza de colección, que no tiene desperdicio.

Therion "Theli" (1996)

dragon

Resulta curioso bucear en la historia de la banda y sobre todo de este disco. Resulta que era el último esfuerzo realizado para ver si la banda podía despegar, sino quedaba en la nada, ya que con sus discos anteriores las ventas no eran para nada buenas, y no colmaban las expectativas de la discográfica. "Theli" era el experimento final de una serie de experimentos musicales que habían empezado allá por el año 1993 en "Symphony Masses: Ho Drakon Ho Megas", cuando comenzó a abandonar el Death Metal común y corriente que venían haciendo. En el disco del año 1995 ("Lepaca Kliffoth")se profundizó aún más la cuestión experimental, incluyendo una cantante soprano y un barítono, en donde había un cover de Celtic Frost (Sorrows of the Moon) realmente increíble.

Con este disco las cosas fueron mucho más allá. No solo por la inclusión de Dan Swano como vocalista invitado, amen de varios cantantes de formación clásica, sino que también encontramos el North German Radio Choir, el Siren Choir (14 músicos en total), sino que intervino la Barmbek Symphony Orchestra en los arreglos de orquestación. El experimento generaba dudas en los miembros de la banda, ya que era muy pretencioso y dificilmente vendible...

Pero todo explotó, y el mundo comenzó a prestarle atención a esta banda sueca como la gran nueva cosa (aunque ya llevaba 5 discos editados, nada de nueva cosa).

Todavía me acuerdo cuando lo escuchamos con unos amigos. No entendíamos nada, muy pomposo, súper melódico, todavía había voces gritadas, voces femeninas y masculinas de corte clásico...todo junto, y ninguna sensación de pastiche, sino que encajaban a la perfección. Inclusive logrando momentos supremos de épica melodía y teatral dramatismo como en "To Mega Therion", "Cults of the Shadow". O rememorando viejas influencias sumerias como en "In the Desert of Set". O por que no, dejando que afloren influencias más rockeras de la mano del Gran Dan Swano con "Nightside of Eden". "Opus Eclipse" es una de las muchas razones del nombre de este blog (amén de ese gran programa de radio que llevábamos adelante con el Conde Garfield, y un ilustre desaparecido, Miguel).

Si estabas empezando a extrañar la violencia de antaño tenés "Invocation of Naamah", que si bien no es tan podrido como antes, tiene una cuota de adrenalina que te hace muy bien. Ya vamos terminando y aparece una maravilla clásica con todas las letras llamada "The siren of the Woods" que ya había aparecido en el single "Siren of the Woods" del año 1996.

El disco termina bien arriba con su última canción "Grand Finale/Postludium", con las cuerdas de la orquesta entrecruzándose con las guitarras heavys y los teclados más majestuosos, todo adornado por grandes voces, para terminar una de las experiencias más gratificantes de la discografía de Therion.

Después de semajante disco, en donde abandonan definitivamente la música extrema, Therion se pudo dar el lujo de hacer cualquier cosa que tuviera ganas, y Christofer Johnsson (líder absoluto de la banda) sacó a continuación una maravilla neoclásica y metálica llamada "Vovin" en el año 1998.

Pero primero, primero estuvo Theli y su grandilocuencia experimental imposible de pasar por alto.

Entren en el mundo de la magia y de los seres sobrenaturales que rigen nuestro mundo y ya no podrán salir siendo los mismos.

Varios "Death Metal Advance" (1994)

pavada

Compilado del carajo sería poco. Uno de los mejores compilados que escuché en mi vida.

La calidad de las bandas no se puede creer, la intensidad de los temas tampoco, y la actitud de estas bandas que todavía no tenían ningún disco editado es apabullante.

Abre la placa Vibrion con dos canciones que aparecerían en su primer disco. Un clásico del Death/Grindcore argentino, que supo girar por Europa en aquellos años, y ahora creo que está radicada en Bélgica. A continuación dos temas de Necrodaemon, que compardos con la banda que abrió la placa pueden sonar un poco monótonos...pero vamos era 1994!!!! y hoy ya ese sonido ya no se consigue.

El disco (que lo conseguí en cassette por aquel año y lo escuché hasta que la cinta-¡¡¡¡la cinta!!!!-no dio más) sigue con otro clásico del Death Metal latinoamericano con compromiso social: obviamente estoy hablando de Devastación (existe desde 1987), y dos temas que aparecieran en su gran demo del 1993, "Maquinarias de Poder", con una de las mejores letras que pude leer en una banda del estilo, "Vida Lóbrega: Se levanta temprano para ir a trabajar, los niños aun Duermen, toma unos mates y se va... Afuera aun es noche, el viento invernal sopla en su cara Bajo sus pies se quiebra la helada escarcha del nuevo día, Diez cuadra de villa hasta la parada, mientras espera el bondi se fuma impaciente, pues es fin de mes!. Atrás queda el barrio y en el aplastante viaje que día a día transporta a los forzados asalariados, bosteza la tensión del sueño matinal, dura jornada más horas extras para que rinda el mes Rogelio, rasgos indios banca sobre su piel denso yugo. Mientras carga bolsas en la radio dicen que no habrá Aumento, que un jubilado se SUICIDO... Cae el sol y sus entrañas reclaman un trago y se va con sus amigos al bar a tomar unos vinos, cae la noche y allá en la villa lo esperan su mujer e hijos y se va... Una patrulla pasa lentamente, el va silbando una cumbia, En sus oídos resuenan mil propuestas de un país mejor."

Seguidito nomás, Overthrow y un Death Metal super oscuro con un tempo lento,-rozando el Doom por momentos- y con un gancho en sus riffs muy contagiosos.

¿Doom/Death? Lo primero que me viene a la mente es ese demo inquietante de la mejor banda del estilo que hubo en la Argentina: Pandemia, y el mejor tema del compilado con "Disolución y Muerte" con esa intro con teclados que para la época sonaba muy perturbador y oscuro. Después de Pandemia nada me importa. Aunque las bandas que faltan son demasiado buuenas para dejarlas afuera de la reseña. Perpetua, con dos canciones que salieran en su demo del mismo año "Cynic Minds" realmente poderosos. Las dos últimas bandas son las más cercanas al sonido del Grincore, y me vuelan la cabeza: Dilaceration y Mortuary, con dos canciones cada una.

Avance del Death

EL LABERINTO DEL FAUNO (2006)

Cuentan que hace mucho, mucho tiempo, en el reino subterráneo, donde no existe la mentira ni el dolor, vivía una princesa que soñaba con el mundo de los humanos. Soñaba con el cielo azul, la brisa suave y el brillante sol... Un día, burlando toda vigilancia, la princesa escapó. Una vez en el exterior, la luz del sol la cegó y borró de su memoria cualquier indicio del pasado. La princesa olvidó quién era - de dónde venía... Su cuerpo sufrió frío, enfermedad y dolor. Y al correr de los años... murió.Sin embargo, su padre, el Rey, sabía que el alma de la princesa regresaría, quizá en otro cuerpo, en otro tiempo y en otro lugar. Y él la esperaría hasta su último aliento, hasta que el mundo dejara de girar."EL LABERINTO DEL FAUNO ES MAS QUE UNA PELICULA UN MENSAJE DEL ALMA, UN VIAJE DE DIMENSIONES IMPENSADAS,UNA OBRA DE ARTE SUBLIME,UNA PELICULA QUE TE ACARICIA EL CORAZON.DEBO RECONOCER QUE JAMAS SENTI AFINIDAD CON PELICULAS NI ACTORES ESPAÑOLES,DE HECHO EL CINE DE ALMODOBAR NO ES LO QUE CONSUMO NI DISFRUTO(ME RE-ABURRE).

SI BIEN EL DIRECTOR ES MEXICANO,GUILLERMO DEL TORO, YA TIENE VARIOS FILMS EN SU HABER COMO SER:HELLBOY O BLADE 2.PERO MAS ALLA DE SU DIRECCION Y DEL BELLISIMO GUION ORIGINAL;A LO QUE HACIA REFERENCIA ES QUE LA MAYORIA DE LOS ACTORES SON ESPAÑOLES Y CON UN GRAN CURRICULUM EN SUS ESPALDAS EN CUANTO A FILMOGRAFIAS.NO VOY A CONTARLES LA PELICULA, PUESTO QUE CON LO QUE LES DIJE ARRIBA ESTA TODO DICHO;LO UNICO QUE PODRIA DESTACAR ES QUE APARTE DE SER UNICA Y ORIGINAL, ES UNA PELICULA TAN PROLIJAMENTE CUIDADA EN TODO SENTIDO, FOTOGRAFIA, EFECTOS ESPECIALES(IMPRESIONANTES¡¡¡¡),ACTUACIONES COMO POR EJEMPLO LA ACTUACION DEL CAPITAN VIDAL, UN ACTOR ESPAÑOL DE NOMBRE SERGI LOPEZ ,CUYO IMPRESIONANTE PAPEL ES DE UN SANGUINARIO CAPITAN DE LA GUARDIA FRANQUISTA.COMO YA OLFATEARAN, LA TRAMA TRANSCURRE EN ESPAÑA EN LOS ULTIMOS PERIODOS DE LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA Y DONDE SE ENTRELAZAN LA REALIDAD BELICA CON LA FANTASIA Y UN AMBIENTE EPICO DEL CUAL YO JAMAS FUE TESTIGO ANTES, ES DECIR JAMAS VI UN GUION TAN ORIGINAL Y UNA PELICULA TAN BIEN FILMADA Y CUIDADA.POR OTRO LADO, CABE DESTACAR LA PRESENCIA DE DOUG JONES, AQUEL CONOCIDO ACTOR DE PAPELES COMO SILVER SURFER(FANTASTIC 4 PART 2),HELLBOY 2,DOOM ETC.,Y CUYO PAPEL ES POR PARTIDA DOBLE YA QUE INTERPRETA IMPECABLEMENTE A "EL FAUNO",EL DEMONIO DEL LABERINTO Y ES UNO DE LOS PERSONAJES MAS IMPORTANTES DE LA PELI Y CUYO DISEÑO Y MAQUILLAJE ES INCREIBLE, MUY PERO MUY DESARROLLADO;Y EL OTRO PAPEL QUE INTERPRETA JONES ES EL DE UNA BESTIA QUE VIVE POR DEBAJO DE LAS PROFUNDIDADES DE LA CASA DONDE TRANSCURRE MAYORMENTE LA HISTORIA, Y QUE MAS TE PUEDO DECIR,UN SER MACABRO QUE JAMAS HE VISTO ANTES EN NINGUN OTRO FILM, REALMENTE ME HIZO PONER LOS PELOS DE PUNTA,SIN PALABRAS.PERO MAS ALLA DE BESTIAS, DE DICTADORES Y DE DEMONIOS, EXISTE EL PAPEL QUE ES EL EJE DE LA HISTORIA EL CUAL ES PROTAGONIZADO POR UNA NIÑA QUE ES MUY AFICIONADA POR LOS LIBROS DE CUENTOS DE HADAS, Y DE SU DESTINO SE TRATA EN GENERAL EL MAJESTUOSO GUION.A PROPOSITO DEL GUION,DEBO DECIRLES QUE NO ES PARA NIÑOS(MAS DE UNO HABRA PENSADO QUE SI)YA QUE HAY MUCHA SANGRE EN VARIOS MOMENTOS ASI QUE ES TOTALMENTE ADULTA PARA MI GUSTO.POR ULTIMO DEBO DESTACAR QUE LA PELI CUENTA CON LA PARTICIPACION DEL INCAA, Y DEL MAESTRO FEDERICO LUPPI QUIEN APARECE AL FINAL DE LA IMPRESIONANTE HISTORIA.EL LABERINTO DEL FAUNO SE HIZO ACREEDORA DE VARIOS PREMIOS,EN CANNES, EN LOS OSCARS ETC,ETC...,PERO LO QUE MAS ME INTERESO CONTARLES FUE LO QUE QUE LES DIJE HASTA AHORA DESDE LO PROFUNDO DE MI ALMA.REALMENTE QUE JOYA DE PELICULA, UNA POESIA VISUAL ALTAMENTE RECOMEDABLE.

John Coltrane "Blue Train" (1957)

tren

Maravilloso disco de Trane. Cada día que pasa me gusta más este tipo, y su forma de tocar. Y pensar que en tan poco tiempo revolucionó el sonido del Jazz. También es cierto que los que lo acompañaron en sus discos siempre fueron músicos realmente increíbles. En este caso lo acompañan Philly Joe Jones en batería, Paul Chambers en contrabajo, Lee Morgan en trompeta, Curtis Fuller en trombón y Kenny Drew en piano. Entre ellos crean momentos por momentos íntimos, por momentos más cercanos al hard bop, pero siempre mágicos.

El tema inicial "Blue Train" es un hermoso viaje de casi 11' en el que se lucen todos los músicos (la sección de piano cerca del minuto 7, y el acompañamiento de la base rítmica es un manjar para los oídos).

"Moment's Notice" es realmente hermoso, y un poco más acelerado que el anterior, y el juego entre los vientos te deja pensando durante días en la intensidad que despide esta música.

¿Y "Locomotion"? Si no moves las patitas instintivamente al ritmo de la música es porque definitivamente o necesitas un otorrinolaringólogo, o merecés quedar sordo escuchando Ricky Martin o alguien similar.

"I'm Old Fashioned" es una balada del carajo, que debería ser escuchada mientras acompañas el momento con un buen licor, y un buen habano, entrecerrando los ojos e imaginando a estos tipos, que mientras tocan te dicen: somos anticuados, pero de acá a 50 años, este disco va a seguir dando que hablar. Y así pasa con los discos de este saxofonista. Con todos sus discos.

El último tema es "Lazy Bird", una canción bien arriba, con unas melodías tan hermosas en los vientos que te dan ganas de llorar de la emoción. Verdaderamente maravilloso. Y cuando entra el piano promediando el tema, la sonrisa se vuelve a dibujar....y pensar que su carrera "solo duró" 12 años.

Akhenaton "Divine Symphonies" (1995)

leyenda

Extraño proyecto que tiene solo este disco editado. Anteriormente, el mismo músico, Lord V. Akhenaton, tenía otro proyecto (Daemonium), que se podría considerar como la precuela de esta historia, del guerrero de la luz. Este proyecto anterior casi no tenía la parte de música ambiental que acá esta más presente, sino que estaba más centrada en la música extrema en sí misma.

Lo que desarrolla este francés en el disco es una historia conceptual que se continúa a la del proyecto antes citado, centrada en la batalla entre el bien y el mal, pero con una particularidad, el cambio de bando de uno de los guerreros.

Por momentos tremendamente hipnótico, en otros muy extremo, y en pocas ocasiones se vuelve un poco aburrido.

De todas formas, estamos en presencia de una rareza muy difícil de conseguir, y ya fuera de catálogo hace un buen tiempo. Así que bienvenidos a estas "Sinfonías Divinas", y que el camino hacia la luz se cubra prontamente de tinieblas.

Septic Flesh "Ophidian Wheel" (1997)

rueda

Tercer larga duración de esta fantástica banda griega, y para mi gusto, el mejor disco de la misma.

Si bien es cierto que nunca hizo un Death Metal típico, ya que sus primeros dos discos eran bastante variados, y poseían un clima entre hipnótico, soñador y sugerente, sumado a que había canciones a medio tiempo que realzaban estas características, en "Ophidian Wheel" la experimentación es llevada al extremo, incluyendo estructuras pertenecientes al Doom, a la música clásica y al Heavy Metal más clásico, todo eso acompañado por una de las voces femeninas más completas del ambiente, con una clara preparación académica, la de Natalie Rassoulis, tan grandilocuente que por momentos te sorprende.

El disco es realmente complejo en cuanto a las nuevas sonoridades, nuevos juegos de voces y climas logrados, y todas las canciones suenan más que convincentes, resaltando aún más el dramatismo de la música en el momento que bajan las revoluciones y sacan a relucir antológicas melodías, como en "Razor Blades of Guilt", con esas armonías que parecen sacadas de algún disco perdido de Iron Maiden (algo que era bastante común en esos años, todas las bandas extremas empezaban a meter melodías e sus canciones). También hay canciones que se acercan más a la música ambiental que al metal, como "Tartarus" o "Microcosmos", y que después retomaran en el proyecto paralelo de música ambient/neoclásica llamado "Chaostar".

Un disco para disfrutar de principio a fin, y en el cual no encontraran ningún tema de relleno, lo cual es mucho decir. Y una de las mejores bandas de Grecia.

Anathema "Eternity" (1996)

Anathema

Inmediatamente después del maravilloso "The Silent Enigma" esta banda inglesa oriunda de Liverpool (de donde salieron The Beatles) nos obsequia con un extracto de magia que está a la altura de gemas hermosas editadas por bandas tan distintas como The Cure, Pink Floyd, etc.

Este disco es realmente una obra de arte, y dentro de 50 años, cuando los antropólogos y musicólogos miren hacia atrás para buscar un punto de inflexión en la historia de la música, se encontrarán indefectiblemente con "Eternity".

Cuando recién lo escuché no podía creer tanta emotividad, tristeza, melancolía y existencialismo contenido en estos 57'58''.

Podría escribir durante días respecto de las canciones del disco. En ellas están impresas las frases que a uno le hubiese gustado escribir pero que por incompetencia nunca lo pudo hacer. Todas y cada una de las letras están hechas para que toquen alguna cuerda sensible de tu alma, aunque esté muy dentro de ella. Sino como se explica la emoción que me embarga cada vez que escucho este disco.

"Sentient" nos introduce a un universo de verdades no afrontadas, y una letra dicha entre hermosos acordes y teclados que te arrastran hasta los propios límites del universo.

"Angelica" te pregunta casi angustiada y te hace implorar por la presencia de tu amada, y en caso de no tenerla, hace que por lo menos te preguntes que tal sería tener una Angelica.

"The Beloved" te enseña lo que es perder a alguien que amás, y recién ahí te das cuenta. Por otra parte es lo suficientemente ambigua la canción como para no darte ninguna pista sobre como esa amada se perdió (¿se murió, se fue, te dejó, la dejaste?). Es el primer golpe a lo más profundo de tu alma con una letra tan sentida y honesta que emociona hasta las lágrimas: "Otro día se despliega, aún existo. Nunca me sentí tan frío, nunca supe que me alejaría. Aunque no puedo explicarlo, solo te amo ahora que desapareciste. Mientras permanezco en la lluvia, déjame que atraviese esto. No creo que pueda enfrentar otra noche de insomnio, si solo pudiese rastrear esa elusiva luz. En la tierra de sueños vuelo hasta tus agonizantes ojos, un vuelo sin fin, mis gritos silenciosos. Aún cierro mis ojos y mi mente se vuelve más clara, aún sueño y ahí estás tu...Como permaneces acostada y como tus ojos devuelven el temor, aún sigo sin poder enfrentar que pasa aquí...Todo lo que alguna vez sentí se ha ido, al fin mi espíritu respira, no veo ningún punto en seguir, así que adiós, es tiempo para mi de partir". Sencillamente sin palabras, inclusive lo leo, sin escuchar la canción y me emociona.

Y "Eternity pt.I", no se queda atrás para nada, transmitiendo más miseria en forma de música y teniendo una de las letras más inspiradas de Duncan Paterson (por ese entonces bajista y letrista principal de la banda), de la que voy solo a citar solo: "...si la verdad lastima, prepárate para el dolor. ¿Piensas que somos para siempre?". Un masazo efectivo al narcisismo en una canción (que tiene tres partes) que teja casi exhausto. ¿Y te das cuenta que recién vamos por la canción 4?

Después de semejante dosis de melancolía, llega una rara especie de descanso: una especia de suite que une "Eternity Pt.II" y "Hope" (un cover de Roy Harper), que es tranquilo pero con una tensión interna transmitida casi con desasosiego.

Luego una seguidilla de tres canciones que te hunden en lo más profundo de tus miserias y te arrastran hasta cansarte: "Suicide Veil", "Radiance" y "Far Away".

¿Será posible que "Eternity pt.III" nos de un respiro, cuando es una de las canciones más ácidas e irónicas del disco? Para mi después de las tres anteriores, no queda otra que pedir este tipo de rescate.

Pero no pude ser todo lindo y bello en la vida, la luz implica que en algún momento se presente la oscuridad. Y esta se hace presente en su más pura materialidad, casi se la puede tocar en "Cries on the wind", para terminar en esa bocanada de luz salvadora y emotiva, casi la banda de sonido para la "Ascension" al cielo, y así encontrarse nuevamente con el ciclo de repeticiones y de amores perdidos eternamente.

Yo dije que después de "The Silent Enigma" tu vida no era la misma...prueben con este pedazo de magia transcripta directamente de los dioses por Anathema, y después me cuentan. Pero me cuentan...dejen sus comentarios, quiero saber si esta banda es solamente para mi una de las 10 mejores bandas de la historia de la música.

Gracias Vincent, Danny, Duncan y John.

Samael "Exodus e.p." (1998)

Un pequeño aperitivo a la espera del nuevo disco editado hace cuatro días, y que es más agresivo de lo esperado, para mi gusto.

Lo que posteo acá es el e.p. que siguió al increíble y revolucionario "Passage" (1996), un disco que abrió muchas cabezas y sirvió de bisagra en la carrera de estos suizos.

El e.p., para no hacerla muy larga a la cosa consta de 7 temas (uno está oculto), que mantienen el sonido presentado en "Passage", aunque dejando entrever lo que podría ser el sonido por venir, en su disco "Eternal", más influenciado por la música electrónica.

De los 7 temas, hay 4 que pertenecen a las sesiones de grabación del citado "Passage" y que fueron dejados aparte para este e.p.; 2 se encuentran en el espectacular y oscuro "Ceremonies of Opposites" pero con un sonido más acorde al que la banda venía buscando, con unos toques experimentales muy buenos; el tema oculto, llamado "Static Journey (hidden track)" ya había aparecido en el e.p. "Rebellion e.p." (1995), siendo el tema que cierra este disco, con un sonido ambiental y sugerente que nos da un respiro frente a la agresividad propia de la banda. Agresividad que por otro lado retomaron en su último disco titulado "Above", que será posteado el fin de semana que viene, para que lo puedan apreciar.

Hasta entonces, se tendrán que conformar con esto, que no es poco.

Acá

Enchained Souls "Silentium Aeternus" (2007)

almas

La verdad que llevo un mes más o menos escuchando este disco, y todavía hay cosas que no me terminan de cerrar. Por otro lado hay por lo menos dos cuestiones que me volaron la cabeza.

Pero empecemos por "lo malo". Creo que falla la producción del disco. ¿Por qué digo esto? Porque si bien todos los instrumentos están en su lugar, suenan como desconectados entre ellos, sobre todo las voces de Carolina Villamayor, una vocalista que me conmovió increíblemente en algunas canciones, logrando una profundidad y emotividad pocas veces escuchadas por estas tierras. A ver, pareciera que la banda grabó la música por un lado, y a continuación se grabaron las voces. Eso en sí no está mal, pero que se note si, por lo menos para mi. Por otra parte, en la introducción del disco me parece que les tomaron prestado mucho a John Williams y su trabajo para Star Wars (sobre todo la sección de percusión), puntualmente de la composición "Imperial March", realmente se nota mucho, y molesta al inicio de un disco que se noten las influencias de esta forma. Esto sería el único punto negativo para mi.

Después si, puedo decir que musicalmente las canciones que más me impactaron son aquellas más relajadas y relacionadas con el Gothic Metal más oscuro y melancólico, y no tanto las emparentadas con el Power más agresivo tipo Children Of Bodom. Simplemente porque la voz de Carolina se luce y emociona profundamente, y porque los matices logrados por todos los músicos son realmente muy buenos y sugerentes. Lo que por ahí me aburre un poco son algunos solos de guitarra que se vuelven un tanto largos para mi gusto, pero esto es una cuestión netamente personal.

Si me preguntan, las canciones que más me impactaron son " Nostalgias, preludio de un suicidio emocional", "Oda a mi Desolación" (increíble canción, muy triste), "Requiem I (Premonición)" no esta nada mal, "Paternidad en Inopìa" tiene uno de los mejores riffs del disco en su parte más acelerada (y tiene una letra muy linda también), las demás canciones no me llamaron tanto la atención justamente por lo que mencionaba más arriba, su estructura más relacionada con influencias del Power, pero no están para nada mal.

P.D.:Algo que me gustó de entrada fueron las voces masculinas gritadas tipo Black Metal, que me remitieron automáticamente a las voces de Esteban Aguero, de los salteños Santuario.

En definitiva, una muy buena banda a la que me gustaría ver mucho en vivo. Y una de las mejores voces femeninas del ambiente.