29 de julio de 2009

The Beatles "The Beatles"(White album) (1968)

blanco
Cuando a alguien le gusta la musica, tarde o temprano termina yendo para atrás en una especie de búsqueda arquelógica para descubrir vaya uno a saber que origen de qué cosa. En esa búsqueda eterna por el origen (¿de qué? ¿de quién?) uno se termina encontrando con grabaciones que parten en dos la historia de la música, y por qué no, funcionan como mojones en nuestra historia.
Por ahí, y viéndolo restrospectivamente resulta más sencillo ir para atrás una vez que uno se inició en ese camino de ida que es disfrutar del arte, sobre todo en la música-que es con la expresion artística que me siento más gusto, junto con la literatura y el cine-.
Y The Beatles es, en mi caso, uno de esos mojones construidos "por obra y gracia" de unas cuantas bandas nacionales que yo venía escuchando. Obviamente que el anclaje en la historia personal (la mía) es la de un tio paterno (el mismo que me hizo escuchar Pink Floyd, Luis Alberto Spinetta-"Tester de Violencia", "Prive" y "La, la, la", para sermás preciso). Y cuando los Beatles se introducen en tu historia, ocupan el lugar de referencia inexcusable/cuchable.
Tuve que pensar muchísimo para decidir cuál disco de los Beatles podía reseñar. Y digo podía porque son muchos, y hay tanta información contenida en cada uno de ellos que se puede escribir enciclopedias enteras tomando como punto de partida cada una de sus obras.
Siempre me gustaron, aunque con el paso del tiempo comencé a distanciarme de sus primeros discos, aquellos que estaban más ceñidos al Pop (al nacimiento del mismo). Me parecía (y lean bien, digo parecía) que sus primeros discos eran demasiado alegres y tontos....me parecía.
Después apareció la psicodelia y los discos que más me gustan de los Genios de Liverpool comenzaron a salir.
Grandes discos, clásicos de la música popular de los últimos dos siglos.
Y llegó el año 1968. En realidad ya venían distanciados entre ellos desde hacía un tiempo, y aquí está plsamado de la mejor forma. Con música. Y un disco tan extraño como adictivo e indescriptible.
¿Como poner en palabras la ambivalencia que me genera este "doble"? En los dos hay canciones increíbles y pedazos de basura que no termino de digerir a lo largo de los años. Porque ahí reside la peculiaridad y lo maravilloso de este disco. Hay canciones para todos los gustos. Y según pude leer en varias revistas (y mirar en unos cuantos archivos) el concepto estético del disco también era/es bastante increíble.
Canciones. "Back in the U.S.S.R.", un gran rock que te hace mover la cabeza casi instintivamente. "Dear Prudence", una balada tan hermosa como irremediablemente evocativa (que grande Lennon!!). Y "Glass onion", una gran canción de alma beatle. Y hace su entrada triunfal el primer bodrio del disco (aún hoy me cuesta encontrarle la veta a la canción, con su estribillo hiper estúpido....pero sigue siendo beatle.).¡¡Jajaja!! "The continuing history of Bungalow Bill" es realmente divertida y contagiosa. Y la parte lenta es simple y sencilla hasta ese estribillo feo, que me llevará hacia tiempos pasados (más aún) para ver de donde vienen esos sonidos, por quién están influenciados.
Todo sirve de marco para un gran clásico, "While my guitar gently weeps", la participación estelar de uno de los grandes guitarristas de todos los tiempos, Eric Clapton, en esas tristes guitarras que lloran gentilmente. Hermoso.
También podemos encontrar ironía en formato inglés en el título "Hapiness is a warm gun", con otro gran clásico que hace que me pregunte acerca del por qué de esos temas tontillos...y esa ran frase drogona de "...necesito otro pico porque me estoy bajoneando..." (que grande los Beatles!!!jajaja).
Después ese hermoso foxtrot meloso para una perra (¿?), seguido de una hermosa balada que te arrulla y te muestra-como si hiciera falta- lo humano que era el gran Lennon; si te gusta el Folk podés emocionarte con "Blackbird", aunque después te enrostren con todas sus ganas esa gran crítica social relajada llamada "Piggies". Y encima después le pegan ese tema, esa especie de bluegrass titulado "Rocky Racoon", y moés automáticamente tu pie siguiendo el ritmo contagioso de la canción. Todo eso más "Don't pass me by".
Y ese arranque sexual con "Why don't we do it in the road", que nos acerca al final, recién, del primer disco. Es cierto que "I Will" es otra balada tonta, pero es hermosa. Aunque queda sepultada frente a la belleza y la melancolía que se desprende de esa maravilla que cierra el primer disco, titulada "Julia", compuesta por Lennon para su madre (creo).
El segundo disco comienza bien arriba con un gran rock n' roll sacado del arón de los recuerdos, desde la negrura de los orígenes del género. ¡Y ese blues incríble!..que músicos del carajo, por dios.
Este disco -el segundo- tiene mejores canciones (hoy creo eso, mañana no se). Muestras: "Mother Nature's son", "Everybody's got something to hide except me and my monkey" (otro gran rock), "Sexie Sadie", tremenda canción.
Y llega el primer mazazo de ira y violencia en The Beatles-para algunos una canción de Heavy Metal, aunque yo no estaría tan seguro- "Helter Skelter". La banda de sonido del asesinato perpetrado por el clan Manson, cuando se cargaron a Sharon Tate por aquellos años. Realmente una canción violenta. ¿No me creen? Escuchen.
Más canciones hermosas: "Long, Long, Long", la versión semiacústica de "Revolution", salvando los coritos podoros de la misma; otro foxtrot en "Honey Pie", que te lleva a algún cabartet de los años '40. Otro gran rockito en "Savoy Truffle", y una gran balada rockera en "Cry Baby Cry", todo de aperitivo del gran delirio en la discografía de los Fab Four: "Revolution nº9", o como la vanguardia se coló en las mentes de Lennon y compañía, con Yoko como catalizador de ese gran pastiche de cintas pegadas al azar. Una revolución demoníaca con un 6 invertido, para asustar al más extremo de los fans.
Y termina con un relajado y apacible "Buenas noches".
Obviamente, esto es solo la enumeración de las canciones incluidas en esta descomunal obra, que atravezó ya 41 años de nuestra historia, y todavía se seguirá escribiendo por muchos años más. Y acá esta la respuesta al por qué mi primer reseña de esta banda es con este disco. Porque sería más fácil hacerlo con otros, pero el Álbum Blanco es un extracto de lo mejor que ofrecieron estos ingleses en toda su discografía.
El Blanco es un disco único, como la portada que lo presenta en sociedad, con solo un número que lo identifica y no se repite en los otros blancos que millones de personas tendrán a lo largo y ancho del planeta.

28 de julio de 2009

Embodiment "Words like Violence" (2006)

mega
En la Argentina no hay buenos productores de metal, sobre todo este tipo de metal más extremo. Aunque pensándolo bien, si se busca se encuentra. Solo hay que salir de la provincia Buenos Aires, y enfilar para el norte, Tucumán para ser más preciso.
¿Por qué digo esto? Porque el disco tiene unas canciones que son realmente muy buenas y llenas de energía y violencia, de la que se vende desde el título. Pero hay una falla, y es el sonido logrado.
Porque si bien la energía y la intensidad rezuma por todos lados en la placa, falta poder, ese que te da el sonido bien logrado. Entonces, con el correr de los minutos uno termina pidiendo un poco más de variedad en ese sonido, ya que la producción termina aplastando el sonido de las guitarras y, sobre todo, de la batería, que por momentos parece más una máquina de escribir que un instrumento.
Aparte de este aspecto negativo, las canciones son realmente muy buenas y contagiosas, y no me quiero ni imaginar lo que sería este disco con una producción que realce el esfuerzo de la banda por alcanzar un sonido muy cercano a algunas bandas europeas. Y ahí sí, la cabeza te va quedar como la del tipo de la portada.
¿Quien podría lograr esto? El primero que se me ocurre es el "culpable" del sonido logrado en el e.p. de los tucumanos Hate Fusion , Ramiro. Escuchen eso también y avisen a ver si estoy equivocado o no.

26 de julio de 2009

Luis Alberto Spinetta "Artaud en vivo en el Teatro Astral" (1973)-Pirata-

teatro
Hoy les traigo un hermoso pirata de la presentación del mejor disco de la historia del Rock Argentino. Obviamente hablo de "Artaud", aquel que salió bajo el nombre de Pescado Rabioso, pero en realidad fue un emprendimiento solista del Flaco.
En el estudio estuvo acompañado por su hermano Carlos Gustavo Spinetta y por dos ex-Almendra (una de las grandes bandas argentinas): Rodolfo García en batería y Emilio del Guercio en bajo.
En vivo, en esta presentación en particular se encontraba solo Luis en guitarra acústica. Y tiene un plus. Las dos presentaciones en ese Teatro fueron históricas, con un músico hablando más que tocando y en ocasiones peleándose con el público. Es muy gracioso como a veces se escucha a este gritarle a Luis que se calle y toque, y el Flaco no se queda callado.
Así que disfruten esta presentación, que por lo que se escucha que dice el músico arriba del escenario, sigue una especie de concepto (como el disco de estudio).
Esta grabación corresponde a la segunda presentación en el mencionado Teatro, ya que la anterior se llevó a cabo el día 23/10/73(el set list es diferente, y será posteado oportunamente). En ambas se realizan proyecciones de películas mudas expresionistas (como "El Gabinete del Dr. Caligari", por ejemplo), y en los intervalos se pasa música de Pink Floyd ("The Dark Side of The Moon" acababa de salir), Hendrix y músia clásica.
Un hermoso documento histórico para entender a este músico tan especial.

20 de julio de 2009

Pink Floyd "The Dark Side of the Moon" (1973)

clasico
El lado oscuro de la luna. Se encuentran datos fríos por todos lados en la red. Estuvo 14 en la lista de los más vendidos, volviendo a aparecer en el año 2001 nuevamente.
Las ediciones se esparcen como peste a lo largo y ancho del espacio y del tiempo. Distintas tapas, con o sin sellos de Japón, que si un prisma o la pirámide de Keops en la portada....y en definitiva lo que siempre queda es la música.
La música. Eso es lo que siempre caracterizó a Pink Floyd. Y el sonido incluido en su música. Porque de eso se trata cuando escucho a esta banda. Aparte de las canciones, importan los sonidos, esa perfección lograda tan temprano en su carrera. Sus primeros discos rezumaban psicodelia por todos lados, pero en el excéntrico "Ummagumma" ya comenzaron a demostrar el cambio de rumbo.
Una seguidilla de discos realmente imprescindibles desembocan en este "Dark side of the moon", en donde podemos encontrar grandes canciones, hoy ya inmortales.
Hasta la idea detrás de cada canción sorprendente.
Unas cuantas canciones están atravesadas por voces que son la de su road manajer, Roger "The Hat" (padre de la actriz Noami Watts), y estas simples palabras te disparan preguntas profundamente perturbadoras que no te dejan en paz por el resto de la vida.
Cinismo inglés, más ironía del mismo reino, más grandes composiciones, más experimentos sonoros con nuevos instrumentos (en "On the run", por ejemplo), más improvisaciones dan como resultado un disco tan único como inolvidable.
¿Improvisaciones? Escuchen "The Great Gig in the Sky" y la descomunal performance de Clare Torry; ese tema que ustedes escuchan al entrar al blog es el que improvisó esta cantante en el estudio, salió pidiendo disculpas y diciendo que se avergonzaba. Realmente maravilloso. (Y eso que no me pongo a pensar en los temas restantes, porque es demasiado).
Otra cosa queme acabo de acordar: corran a buscar el documental del "Making of..." que encontrarán detalles increíbles y anécdotas emocionantes sobre esta obra de arte.
P.D.: Podría estar escribiendo meses sobre las sensaciones que me producen cada una de las canciones incluidas en este tremendo pedazo de historia, prefiero que uds. escuchen y me digan que es lo que sintieron.
Dejen de leer esto y adéntrense en la pirámide, para no salir más. Ese es el efecto que te produce este disco y, sobre todo, Pink Floyd.

19 de julio de 2009

Thelonious Monk "Brilliant corners" (1956)

genial
Increíble disco de este genial pianista, que la verdad hacía mucho que no escuchaba.
Y con ese paso del tiempo, es como que para mi este disco maduró como un buen vino. Si bien al principio me parecía mucho más alegre que otros discos de él como el "Monk's Dream" (1962), pero como siempre ocurre con los grandes discos, hay que darles tiempo, y volver sobre ellos para escuchar lo que nos dicen.
Y en este disco encontré muchas cosas. Sobre todo mucha música, y de la mejor. No es para menos, con los integrantes de este cuarteto cualquier cosa puede pasar: Monk en piano, Max Roach en batería, Sonny Rollins en saxo tenor, Oscar Pettiford en contrabajo y Ernie Henry en saxo alto. Mientras que en "Bemsha Swing" podemos escuchar al gran contrabajista Paul Chambers, y al trompetista Clark Terry, como para variar un poco, nada más.
Un hermoso disco para compartir mientras charlas con algún amigo que hace muicho que no ves, ahora que estamos pocas horas del día del amigo.
Como en realidad se puede disfrutar cualquier día y a cualquier hora, podés poner como excusa el día del pianista y listo, lo escuchás sin ningún problema.

18 de julio de 2009

Astor Piazzolla "The Central Park Concert" (1987)

park
Tremendo disco en vivo del genio Astor. La formación no podría ser mejor: aparte de Astor, Pablo Ziegler en piano, Fernando Suarez Paz en violín, Horacio Malvicino en guitarra (ya había tocado con Astor en el Octeto Buenos Aires, y en otros quintetos) y Héctor Console en contrabajo.
Creo que esta fue una de las grandes encarnaciones del Quinteto, acaso la formación definitiva para ejecutar la música compuesta por Piazzolla.
Temas. Grandes clásicos: una enorme y conmovedora versión de "Verano Porteño"; "Lunfardo" te lleva aceleradamente a alguna esquina porteña de principios de S.XX. A continuación, dos grandes composiciones: "Milonga del Ángel" y su eterna melancolía porteña que te llega hasta el fondo del alma, y la "violenta" "Muerte del Ángel", de la que hay infinidad de versiones y variaciones, y en la que siempre queda demostrado que el ensamble y la química entre los músicos era simplemente perfecto, y donde siempre resulta sorprendente escuchar que tan intensa puede llegar a ser la música de Astor tocada en vivo.
¿Intensidad? Escuchá "La Camorra" y no vas a poder creer que esto sea "nuevo tango", porque está más cerca de tener esa actitud rockera que contagia todo lo que se le atraviesa. Después, y para calmarse un poco (y calmar a quien escucha), el Quinteto te ataca con la tristeza y la desolación de "Mumuki", y te vuelve a sorprender; para cuando entra el bandoneón de Astor a los 3'52, ya te falta el aire, y Suarez Paz te termina de dar la estocada final, para que mueras de tristeza con el hermoso sonido de su violín.
Y así, de a poco, me voy quedando sin palabras...pero antes aparece una de las mejores versiones de uno de los grandes clásicos de Astor, compuesto en honor a su padre (que acababa de morir), "Adios Nonino". Después de este tema, el disco podría terminar y no haría falta decir más nada. Porque lo que logra transmitirse gracias a la música en este caso, es algo difícil, y te lleva desde la tristeza por la muerte de un ser querido, hasta la alegría de despedir a esa persona que fue realmente amada, y que por lo que se deja escuchar, vivió intensamente ( o por lo menos así lo percibió su hijo), atravezado por esa eterna sensación de melancolía tan característica de las obras de Astor.
Bueno, a continuación, la oscuridad se hace presente en "Contrabajissimo" para ser dejada atrás en pos de ese frenesí llamado "Miquelángelo", otra demostración de intensidad y poder. El disco cierra con "Concierto para Quinteto", bajando las revoluciones y sumándole cierta experimentación, cosa que por otro lado Piazzolla siempre procuró, explorar y explotar hasta el límite tanto las sonoridades de los instrumentos como la pericia de los ejecutantes de los mismos. El resultado, está en este disco. Y Astor lo hizo de nuevo.

13 de julio de 2009

Miles Davis "Water Babies" (1967)

bebes
Siempre que vuelvo a escuchar algo de Jazz, el disco que sea, termino en algún disco de este extraterrestre que tocaba la trompeta.
Decir tocaba es casi una falta de respeto después de haber quedado durante años conmovido por discos como "Kind of Blue" (1959), o "Nefertiti" (1967) , o las mismas "Bitches Brew-The complete sessions" (1969).
Este disco según la crítica tardó casi 10 años en ser editado, y en él los músicos que intervienen son casi tan increíbles como el mismo Davis: Wayne Shorter en saxofón, Herbie Hancock en piano, Ron Carter en contrabajo y Tony Williams en batería. Esta es la formación de la primera sesión del día 07 de Junio de 1967, de los tres primeros temas.
La segunda sesión data del día 11 de Noviembre de 1968, en donde tocan, aparte de Miles, Shorter, Herbie Hancock y Tony Williams, nos encontramos (o escuchamos) a Chick Corea en piano y piano eléctrico y a Dave Holland en contrabajo, en los temas 4 y 5.
En el año 2002 se reeditó el disco con un bonus, el sexto tema "Splash" en donde toca esta última formación. Es interesante que los músicos que aquí tocan vuelvan a aparecer en las sesiones de las Bitches un par de años más tarde. Y salvo Corea, creo que los demás estuvieron todos en esa maravilla del Jazz llamada "Nefertiti" (1967).
Salvo el tema 5, compuesto por Davis y Tony Williams, y el bonus "Splash" compuesto por Miles exclusivamente, los demás fueron todos compuestos por Shorter.
Un disco a mitad de camino entre las hermosas ejecuciones acústicas de Miles, y las incursiones eléctricas exploradas más tarde en las "Bitches Brew-The complete sessions" (1969).
Lo que si es innegable es la determinación de Miles para adelantarse en décadas a los sonidos por venir, sonando fresco y actual aún después de tantos años.

11 de julio de 2009

John Coltrane "Impressions" (1961)

jazz
Mucho no puedo decir. Después de mucho tiempo vuelvo con algo de Jazz, y que mejor que con el genial Coltrane, que tantas satisfacciones me dio a lo largo de los años.
Un disco hermoso y complejo al mismo tiempo. Acá hay tomas realizadas a lo largo de los años '61 a '63, más un bonus impresionante compuesto por Stan Getz.
Los músicos que lo acompañan son la elite del momento, tomen nota: Eric Dolphy en clarinete y saxo alto; Jimmy Garrison y Reggie Workman en contrabajo, Coltrane (¿¡en que va a ser?!); Elvin Jones y Roy Haynes en batería; en piano, McCoy Tyner en piano.
De los 5 temas, el que me gusta más (solo por ahora) es "After the rain" con su ritmo tranquilo y melancólico, que transmite esa bella y refrescante calma que sucede a la tormenta, representada en el monumental "Impressions" de casi 16'.
Otro gran disco de un de los mejores músicos de Jazz de la historia.

Electrozombies "Electrozombies" (2005)

zombys
"...los zombies son lentos y podridos como nuestra música". Toda una declaración de principios de esta banda chilena, frente a la cual no queda más remedio que rendirse ante semejante demostración de poder y convicción.
Su música es realmente lenta y podrida como ellos dicen, pero tan atrapante que por momentos te falta el aire.
Es como si todos los zombies de las pelis del gran George Romero formasen una banda, y se dispusiesen a tomar por asalto tu país. En ese caso el país es Chile, de donde provienen grandes bandas de muchos estilos.
La relación directa de Electrozombies es con Yajaira, tremenda banda de Stoner/doom psicodélico chilena, donde tocaba el bajo "Comegato", actual guitarrista de Electrozombies. La baterista y la bajista son hermanas, Paola y Marcela Zamorano, y tocan de la puta madre.
Temas largos y tortuosos, con letras filosóficas y existencialistas, todo con un hermoso tinte oscuro y pesimista, que hará las delicias de todos los amantes de bandas como por ejemplo.....Crowbar (se me acaba de ocurrir, la verdad). Ese es el sonido que tienen, bien embarrado, pero con la actitud necesaria para hundir 13000 transatlánticos.
Pero no todo es actitud, porque también la música ocupa un lugar importante en este poderoso y nauseabundo trío.
P.D.: el cover de "Jeremías pies de plomo"de la gran banda argentina Vox Dei es simplemente descomunal. Gracias Chile por esta excelente banda.

10 de julio de 2009

Celtic Frost "To Mega Therion" (1985)

Hay pocas bandas en la historia del Metal que sean tan importantes e influyentes como esta. Ahora se me ocurre Black Sabbath y Bathory (aunque en pocos minutos más se me ocurrirán otras).
Todas, absolutamente todas las vertientes extremas del metal, y las más oscuras, fueron influenciadas por estos increíbles suizos...(Slayer también fue muy influyente...), que después de dos grandes e.p.'s a modo de debut, llegaron a parir este clásico absoluto de todos los tiempos.
Y encima se dan el lujo de empezar a cambiar su sonido ya en su primer disco, dando muestras de una capacidad de creación descomunal. porque, ¿quien se hubiera imaginado que los mismos músicos que participaron en Hellhammer llegarían a este sonido?
Si bien hubo cambios, el núcleo era el mismo: Tom Warrior y Martin Eric Ain (este último no toca en este disco).
Y en "To Mega Therion" se puede encontrar desde Thrash, pasando por un Death bien sucio, hasta sonidos góticos que después se profundizarán en otra gema de la banda: "Into the Pandemonium" del año 1987, de donde sacaron "inspiración" innumerables bandas de Death Doom de principios de los '90, como Paradise Lost y Anathema, por ejemplo.
Y para cerrar y dar cuenta de la importancia de esta obra, el artista plástico responsable de la estética de Alien, o sea H.R. Giger, da el ok para que una de sus grandes obras sea utilizada en este disco, como portada: "Satan I", descomunal indicador de que el mal siempre tuvo más onda que su contraparte, y que dentro del Rock en general, y el metal en particular, siempre tuvo un papel central, por lo menos desde el punto de vista estético.
Un disco absolutamente indispensable para entender la evolución del género en los próximos 20 años.

9 de julio de 2009

Die Verbannten Kinder Evas "Dusk and Void became Alive" (2006)

darky
Otro gran proyecto proveniente de Austria, y con grandes y prolíficos músicos. El líder es Richard Lederer-se encarga de la música y las voces femeninas- que no es otro que Protector, quien participa de Summoning, Pazuzu y Iced Ages, entre otros. Las voces femeninas están a cargo de Christina Kroustali, quien sería la nueva cantante del proyecto.
Este es el último disco de estudio de la banda, que ya sorprendiera con el debut autotitulado del año 1995. Y sorprendió porque los involucrados en este proyecto también tocaban en una banda de Black Metal extrema de Austria, los conocidos Abigor.
En esa época estaban más relacionados a la música medieval, mientras que ahora se puede encontrar mucho más de la música clásica contemporánea, tornándose más dramáticas y teatrales las composiciones....por lo que no resulta difícil imaginarse como sería la presentación en vivo de una "banda" como esta, simplemente una delicia para los oídos.
Suena tan honesta y hermosa, a la vez que oscura la música que hacen que se vuelve imposible-una vez que conoces la banda- dejar de escuchar por lo menos uno de sus cuatro discos.
Si querés empezar por alguno en especial, te recomendaría que lo hagas por "In Darkness Let Me Dwell " del año 1999, tal vez el más "accesible. Si ya los conocés.....entonces adelante

Burzum "Hlidskjalf" (1999)


Hablando de minimalismo, acá está el último disco de estudio de este noruego loco.
Todavía recuerdo las entrevistas que daba por aquella época, diciendo que nunca volvería a tocar música heavy ya que provenía de raíces negras, y como él era un ario puro no se podía dar ese lujo....en fin un montón de boludeces que harían parecer a Ricardo Iorio como si fuera Ana Frank.
Evidentemente el estar en prisión le impedía utilizar instrumentos "normales", por lo que utilizó solo teclados en esta ocasión.
Y la música es exclusivamente instrumental, y más allá que hay letras dando vueltas, solo son para entrar en clima de acuerdo a lo que esté sonando en un momento determinado. Por ejemplo, el tema "Der Tod Wuotans", en donde por momentos suena un ritmo marcial, y en otros se presenta un clima apesadumbrado y melancólico que te transporta a algún campo de batalla en el cual la quietud de la muerte se instaló para no irse.
Uno de los temas más hipnóticos es "Die Liebe Nerþus'" y uno de los más minimalistas de todo el disco, en donde una melodía se repite incansablemente a lo largo de los 2'14'' que dura la misma.
Ese es el punto que te atrapa de este disco, esos patrones melódicos que se repiten durante el mismo, y que con la escucha continua, te transporta a ese oscuro bosque de la portada, para estar en presencia de algún espíritu maligno, o por lo menos tan oscuro como el bosque.

Aelia Capitolina "Antichrist e.p." (2007)

Banda rusa de Ambient ultra minimalista y politizada, que aburrirá a muchos, de hecho a mi me llegó a aburrir.
Es una lástima que no haya por ningún lado de la web las letras de estos locos rusos antisionistas, que lo dejan plasmado en cada arte de tapa que pueden.
Incluso no tienen página web oficial, y supongo que será por una cuestión política. Aelia Capitolina fue una ciudad creada por el Emperador Adriano en el año 131 D.C., sobre las ruinas de la antigua Jerusalem, y los judíos tenían prohibido regresar a dicha colonia, para lo cual Adriano había dispuesto una Legion sobre una de las laderas para que eviten el regreso de los mismos.
En base a esto es que supongo de que van las letras y el concepto de la banda.
Una rareza la verdad, que tienen muchos discos e.p.'s y demos, aunque no llegan a alcanzar la profundidad y calidad musical de otras bandas del estilo, como por ejemplo Elend o Dargaard.
Solo si querés probar algo raro.
Acá

Solstice "Halcyon e.p." (1996)

Solstice mantiene en alto la calidad de bandas inglesas, con un sonido que recuerda a bandas del Doom más clásico, (de la talla de Candlemass, Saint Vitus, etc.), aquellas que rescatan el sonido de la oscura banda de la que todo lo oscuro en el metal surgió: Black Sabbath.
Este e.p. salió a continuación de su primer larga duración "Lamentation", y realmente es muy bueno, con un sonido claro y con ciertas melodías celtas-en un tema, son bastante claras estas influencias-.
Uno se podría preguntar de donde salió esta banda, y les puedo decir que por acá pasaron músicos que tocaron en bandas como Cradle of Filth, My Dying Bride y Anathema.
Actualmente el guitarrista Tom Phillips toca en otra gloria del Classic Doom épico melódico: While Heaven Wept.
Grandes canciones-4-, más una intro y un cover de Manowar para un disco divertido y fácilmente escuchable.

Wehmut "Wehmut" (2008)

muuuyyy
Si bien está catalogada como una banda de Black Metal, en realidad el sentimiento que destila esta banda tiene otro ingrediente importantísimo, casi fundamental, el Doom, y del más rústico que se puede encontrar.
Este es su primer disco y todos los instrumentos están ejecutados por el único integrante de este proyecto, que se llama Till.
El sonido es más bien apagado y "low fi", con canciones extremadamente lentas y gritos desesperantes, que parecieran estar hechos desde dentro de un féretro, lleno de gusanos que se están comiendo a la persona que grita, y que escucharás si prestás atención.
Por momentos se torna aburrido, pero si estás con el humor adecuado, te parecerá un muy buen disco. Por momentos me sonó parecido a otra banda alemana muy buena, llamada Bethlehem, que utiliza los mismos elementos, aunque tiene un sonido más gordo y pulido.

4 de julio de 2009

Katatonia "Discouraged Ones" (1998)

corazon

Katatonia siempre me pareció una banda especial. Hay bandas en las que se puede ubicar en su discografía el momento preciso en el que cambiaron. Ejemplos hay de sobras. Metallica, Megadeath, Ulver, In The Woods... Pero esta banda no. Porque tiene momentos Black, góticos, Doom....pero fueron mutando de forma tan imperceptible que para cuando llegó este disco, era natural el estar acostumbrados a los continuos cambios en el sonido y estilo. Pero el aura que se desprende de cada canción sigue siendo la misma.
Un punto importante fue que las influencias rockeras se volvieron más evidentes, sobre todo el Dark de las bandas inglesas como The Cure por ejemplo.
Y entonces terminaron abandonando las voces podridas que venían utilizado hasta el disco anterior. Incluso el logo de la banda mutó, dejando atrás el tópico Black Metal para darle un toque más legible y acorde con el nuevo estilo.
Un disco realmente hermoso y atrapante, que después sería mejorado con los siguientes lanzamientos de la banda. Un disco tan melancólico como esa imagen de la tapa del disco, con ese ángel retirándose a las profundidades insondables de algún limbo extraño, o quizá rindiéndose y volviendo al fondo de algún abismo. Con Katatonia las dos opciones son posibles.

2 de julio de 2009

Pappo's Blues "Vol.1" (1971)

carpo
Después de abandonar a Los Gatos, Norberto "Pappo" Napolitano le dio forma a uno de los mejores tríos de la historia del Rock en toda latinoamérica (y nada que envidiarle a los grandes de la historia), formado por Davies-David Lebón- en bajo y Black Amaya en batería.
Recién en la reseña anterior hablaba de los clásicos, y en este disco son absolutamente todos. Ni vale la pena que diga los nombres de las canciones, solo tienen que escuchar el disco completo y ya está.
¿Y si encima de ser un tipo sensible fuese un filósofo oculto en territorios urbanos, en modernas ciudades, tras la apariencia de un genial guitarrista de la Paternal? Es muy probable: "El viejo (Pappo) Qué nos ocurre después de tanto tiempo,reflexionamos al vernos al espejo;qué es lo que pasa, me estoy viniendo viejo,no se ya qué pensar, si ya no se qué es lo que pienso.Yo soy un hombre bueno,lo que pasa es que me estoy viniendo viejo;trataré de hacer las cosas a su tiempo,o sino no le daré importancia al cuerpo, oh no.No puede ser que esto me preocupe,si estoy naciendo, que bueno, que bueno;para qué tantos años de experiencia,si justo ahora me doy cuenta que no tengo.Yo soy un hombre bueno,lo que pasa es que me estoy viniendo viejo;trataré de hacer las cosas a su tiempo,o sino no le daré importancia al cuerpo, oh no."
Genial, absolutamente genial. Y para disfrutar de la ironía a la que nos acostumbraría años después esta el hermoso y cínico "¿A dónde está la Libertad?.
Uno de los mejores discos que escuché en mi vida por lejos.
No sean amargos y escuchen.

Pappo's Blues "Vol.2" (1972)

carpo
Según decían muchos Pappo era un cabrón, un tipo con muy pocas pulgas...pero un músico tan sensible y creíble que nadie reparó en todos estos años que su producción discográfica es poco menos que increíble.
Y si hablamos de sus primeros discos, lo único que se me ocurre decir es que estaba al nivel de guitarristas de afuera, de Inglaterra o Estados Unidos, y acá no nos dimos cuenta hasta muchísimos años después.
Muchos decían que el tipo era un insensible, pero teniendo en cuenta lo que escribía, me atrevería a afirmar rotundamente lo contrario: "Ese monstruoso que caminando va,no se da cuenta que no tiene lugar;y con el tiempo desaparecerá,ese monstruoso, desaparecerá.Las facultades y la electricidad,en muy pocas personas las puedo encontrar,y sin tu lamento podría continuar,y en las estrellas podré resucitar;sin pedir nada, sólo poder pensar;que si nos ponemos todos de acuerdo,llegará la paz." ("Llegará la paz")
Este disco está lleno de clásicos, desde el "Desconfío de la vida", versionado innumerable
cantidad de veces, hasta "El Tren de las 16", pasando por ese Blues impresionante titulado "Blues de Santa Fe".
Un trío buenísimo, que no llega a compararse con el de "Vol.1", y que tiene aparte de Pappo, a Black Amaya en Batería (también a Luis Gambolini) y Carlos Piñata en bajo.
Hace un momento escribí sensibilidad. Miren el arte de tapa y díganme si no se les llena la cabeza de recuerdos de su niñez. Cierto que si.
Un clásico absoluto. Gracias Carpo por tanta buena música.

1 de julio de 2009

Astor Piazzolla y el Quinteto Nuevo Tango-Jorge Luis Borges-Edmundo Rivero-Luis Medina Castro "El Tango" (1965)

Tremendo disco que aúna y demuestra la "colaboración" de dos grandes figuras iconográficas de Argentina, como son Piazzolla y Borges, que se destacaron para quienes no los conocen en música y Literatura, respectivamente. De hecho Jorge Luis Borges es uno de los escritores más increíbles de la historia de la literatura universal, con innumerables títulos editados, todos de excepcional calidad.
En este caso, le pone letra a la música escrita por Astor para esta obra considerada capital dentro de la historia de la discografía del músico (por lo menos para mi). Lo que pasa es que la música de Astor pareciera adecuarse a la perfección a los textos de este gran escritor.
La música. Por momentos se torna tan violenta y perturbadoramente maravillosa que se impone detener la reproducción para poder respirar y tranquilizarse.
Las voces son memorables. Está el locutor y actor Luis Medina Castro, casi como un relator que observa la historia o que cuenta lo que a su vez le contaron a él.
Y también está uno de mis cantantes de Tango preferido: Edmundo Rivero, quien hizo del lunfardo su mejor expresión tanguera (todavía me acuerdo la primera vez que escuché el tango "La Gayola", cantado por él, impresionante!), acá está al servicio de la erudición literaria de Borges, y queda realmente más dramático que de costumbre.
No puedo decir mucho más. Todas las canciones son gigantescas e inolvidables, aunque destaco tres: "Jacinto Chiclana" (casi una milonga, hermosa), "Alguien le dice al Tango" y "A Don Nicanor Paredes".
Párrafo aparte para "El Hombre de la esquina rosada", una suite de 7 partes de casi media hora, donde la experimentación dentro del género llega a un extremo jamás alcanzado de nuevo.
Piazzolla lo hizo de nuevo, y la ayuda que tuvo fue inolvidable.
P.D.: El arte de tapa no es el que venía en la edición original, sino en la colección editada por el diario argentino La Nación, referida a Astor Piazzolla.
Escuchen y lean.