25 de diciembre de 2012

"Sounds Like", dirigida por Brad Anderson, en Masters Of Horror Temporada 2, Episodio 4 (2006)

Volviendo después de mucho tiempo. No es que haya dejado el blog, pero estoy haciendo otras cosas, entre ellas leer mucho y retomando series disfrutadas en su momento.
Entre ellas, esta maravilla norteamericana, de la cual solo hubo 2 temporadas, con capítulos maravillosos, dirigidos por genios de la talla de Carpenter, Takashi Miike, Dario Argento y Tobe Hooper.
La producción disponía aparentemente de bastante plata, y de una libertad absoluta, al nivel de proponerle a los directores que "hagan lo que quieran"...hasta que llegó Miike (ese será otro post).
En este caso una muy interesante historia acerca de un tipo (Larry), que trabaja en una empresa que se encarga de solucionar problemas de software por internet, siendo él un supervisor de las llamadas que atienden el personal, y de su eficacia. Es decir, su trabajo es escuchar los que los demás hacen.
El problema es que, en una primera aproximación, el no puede dejar de escuchar nada, ni siquiera los sonidos que hacen los demás en un restaurant a 5 mesas de distancia. Su vida es literalmente un infierno de ruidos cacofónicos y desquiciantes (el movimiento de los ojos, o los latidos del corazón, o los movimientos que hacen los gusanos en la tierra, todo es ewcuchado por Larry) que no le permiten tener paz ni descansar.
La primera vez que esta capacidad especial se presenta es cuando, jugando con su hijo de 6 años, percibe algo raro en los latidos del corazón del niño, quien llevado al médico, le diagnostican un cáncer terminal.
A partir de allí, lo aplastante de la muerte del hijo lo lleva a un alejamiento del contacto con los demás, incluso su propia esposa (un poquito loca, también).
Lo aterrador de este episodio es lo tremendo que puede ser el mundo y sus ruidos para alguien que decididamente está loco...porque no queda claro si esta habilidad es tal o es simplemente una relación singular de este padre descompensado que está invadido por ruidos que solo le conciernen a él, hasta el punto de llegar a ese desenlace ambiguo, en el que.....
Jejejejeje, no, prefiero que lo vean y comenten. Porque no hay nada aterrador en un buen monstruo, pero en las posibilidades de un loco frente a un mundo sin sentido.....pfff, muy bueno, la verdad.
Visiten la web official

29 de noviembre de 2012

Pan.Thy.Monium "...Dawn" -demo-(1990)

Y entre tanta novedad, no viene mal volver a los míticos inicios, fines de la década del '80, principios de los '90, cuando todo estaba por hacerse, y todo, todo, nos sorprendía y nos volaba la cabeza (que tenía más pelo por supuesto).
En este caso, si hablamos de los orígenes, nos tenemos que dar un paseíto por Suecia, cuna de bandas eternas y clásicas como Edge Of Sanity, Entombed o Therion.
Y en este caso, una banda rara y muy relacionada con los Sanity, ya que aquí tocaban Swäno, Karlsson, Winter, todos muchachos muy Death metal, muy progresivos y muy psicodélicos, que dejan en claro en este breve demo, los pasos a seguir no solo con la mencionada banda, sino también con otros proyectos iniciados por Dan tiempo después, ya sea solista o con -por ejemplo- Nightingale.
Disfruten, que todavía la locura no se había desencadenado.

19 de noviembre de 2012

Cryptopsy "Cryptopsy" (2012)

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Decía en algún post pasado, que este 2012 será recordado como uno de los grandes años para el metal extremo, pudiendo disfrutar de discos descomunales de bandas ya consagradas (como en este caso), y otras no tan conocidas (Aluk Todolo, que disco del carajo por satán!!!).
Luego del traspié que significó para la mayoría de la prensa especializada el anterior "The Unspoken King" (a mi me gustó, algo distinto dentro de la discografía de la banda), retornan a esa violencia cacofónica impresionantemente asfixiante, con una demostración de técnica de todos sus integrantes que dejaría a más de uno con la boca abierta.
Lo de Flo, el baterista, es de otro planeta, y no podría decir hoy por hoy, si alguno se le puede acercar...pienso, y Pete Sandoval está lejos (con sus lesiones), y otros carecen de esos toques percusivos que tiene el canadiense.
Respecto del disco del 2008, hubo un cambio en la formación, que a mi parecer le da mayor fortaleza y versatilidad a las composiciones: obviamente que el baterista siguie, el vocalista Matt McGachy también y el guitarrista Christian Donaldson también. 
El bajista es el Sr. Olivier Pinard, quien reemplaza al histórico Eric Langlois, y también este disco marca el regreso de otro histórico, el violero Jon Levasseur, presente en la banda desde el mítico "Blasphemy Made Flesh" (1994), uno de los discos más brutales que tuve la suerte de "sufrir".
La presencia de Jon se nota, ya que el ensamble es perfecto entre los riffs intrincados y brutales con aspectos más jazzeros. 
Igualmente el vocalista Matt, que si bien en "The Unspoken King" no está mal -aunque comparado con Lord Worm estaba lejos-, hoy demuestra ser un vocalista mucho más versátil y poderoso.
En definitiva, un disco que resume y retoma lo mejor del combo canadiense, correctamente autotitulado, y que será seguramente un hito dentro de los considerados mejores discos del año.

Kauan "Aava Tuulen Maa" (2009)

maaaaa
Tercer disco de los rusos Kauan, y no puedo evitar relacionarlos con la banda posteada el día de ayer, los salteños Diadema Tristis.
El mismo grado de melancolía y de tristeza, los mismos tonos grises que inundan tu mente y la sofocan gratamente.
¿Importa si se te llenan los ojos de lágrimas? Ni un poco, porque si no está presente este tipo de bandas, seguramente la vida sería bastante más insoportable.
La misma idea recorre los extensos 5 temas, una parsimonia que en ningún momento tensa ni rompe el frágil clima en el que te envuelve el dúo, llevándote también a lugares frágiles dónde la presencia nuestra, humanos estúpidos, es una mácula para el paisaje y la naturaleza, que todo lo envuelve, y que nos soporta, hasta que exorciza el sufrimiento poseyéndonos con un helado e hipnótico viento.
Las diversas páginas de la web los ubica actualmente en el Post Rock, pero yo no estaría tan seguro. La cuota de Folk está tan presente como en Diadema Tristis, aunque con un entendimiento más depresivo, y sin la luminosidad actual de los argentinos. El link con los aspectos más pesados apenas afloran (a diferencia de sus primeros lanzamientos), pero nos llevan directamente hacia bandas geniales en esto de hipnotizarte con pinceladas de distorsión oscura, como Agalloch, por ejemplo.
Entonces, predomina la frialdad en un clima de permanente belleza, que de tan cautivadora puede llegar a lastimarte, sin que importe...o sin que te des cuenta, que en definitiva es lo mismo.
Belleza extraída de los sonidos que esporádicamente nos regala la naturaleza. Aprovechemos antes de que sea demasiado tarde.

Diadema Tristis "Alone with Nature" (2012)

Y seguimos con las novedades. Y de algo tan denso como Evoken, pasamos a un dúo que sigo desde su primer lanzamiento, el bellísimo "Ways of Reliefs" (2005).
Pasaron 7 años, y hubo decididamente una evolución en el sonido y en la composición, y un cambio de género...¿se podría decir?
Recuerdo ese primer disco, y recuerdo lo que me "molestaba": las partes que linkeaban a la banda con el metal, esas guitarras que si bien le daban un sonido agresivo y te despertaban del letargo, rompían con el clima general del disco.
Hoy ya no están. O, si están, tiene otro color. Antes, la distorsión y las voces gritadas recordaban a bandas más cercanas al Black, y el sentimiento oscuro estaba ahí, presente, latente.
Ahora, los breves momentos relacionados al metal, se acercan a bandas como Katatonia, por ejemplo. Y en buena hora, porque resalta los sencillos y sentidos arreglos de la placa. Y eso es bueno, ya que sonar simple no es fácil, aunque Diadema hace que lo parezca.
Pensaba en el estilo en que se pueden encasillar. No estoy muy seguro que, tal como reza Metal Archives, sea el Folk Metal. Lo de ellos es más un Dark Folk con algunos toques de Rock. E incluso, no puedo dejar de pensar en ciertos matices del Jazz acústico que tanto me gusta.
Pero vamos por parte. El primer tema tiene una tonada a la Sting (en ese disco neoclásico que editó hace un tiempo), sin dejar de remarcar el abanico del Folklore del Norte argentino, con sutilezas que no tienen los artistas que pertenecen al mainstream.
Con "Lasbelin Edlenn", aparece la tristeza y la melancolía que tan bien transmite Diadema Tristis con su arte, de la mano de certeras intervenciones de Carlos Gómez, miembro estable que se encarga de todos los instrumentos de viento. El otro músico estable es Fernando Subelza, encargado del violín y el piano.
Pero rápidamente la luz hace una entrada maravillosa con la hermosa y juguetona "Leilthia Haru", de autoría exclusiva de Fernando Medina.
Las canciones van pasando, y pareciera que tienen bien distribuido el trabajo y la composición, ya que los temas que pertenecen a Fernando, tienen un aura más Folk autóctono, mientras que aquellas en las que interviene Alejandro (de Ecliptic Sunset) son las que tienen la distorsión y la referencia a los sonidos más "europeos", las que acercan a la banda al Metal/Rock. Y las que están firmadas por la banda en su totalidad, tienen la mezcla perfecta de todo eso.
El librito interno es una delicia, con fotos que hacen honor al título del disco, y en una presentación que muchas bandas consagradas ya quisieran para sí.
Los músicos invitados son: Adrián Vitri (voces y arreglos vocales en "Chained Moments"), Adolfo Suárez y José Maldonado (batería y teclados -respectivamente- en el mismo tema), y Osvaldo Carillo (instrumentos de viento en "Held Evendim").
Una grabación balanceada, ideal no solo para escucharla en un buen equipo, sino para saborearla en un mp3 con auriculares, y sorprenderse con el juego hecho en los dos canales. Y definitivamente superior al primer disco, sin lugar a dudas
Si me tengo que poner a pensar en lo "negativo", entendiendo por esto lo que a mi menos me gustó del disco, tengo que decir que por ahí las voces no me terminaron de cerrar, sonando por momentos forzadas (es mi impresión), y, aparte, un pequeño detalle de impresión: en el lomo del cd, donde se puede leer el nombre de la banda y el disco, dice "Alome with Nature", lo que para alguien que -como yo- compra el disco puede ser chocante. 
 Otra vez, un verdadero producto de exportación de la mano del sello argentino Furias Records. Y otra vez un producto excelente salido de las entrañas del Norte Argentino.

18 de noviembre de 2012

Evoken "Atra Mors" (2012)

densooo
Desolador. No se podía esperar otra cosa de los americanos Evoken, luego de 5 años respecto de su anterior lanzamiento.
Y si bien no hay nada nuevo, no puedo dejar de disfrutar de temas tan oscuros y monolíticos como los que componen estos tipos. Cuando aparecen esos punteos solitarios, calmos y densos al mismo tiempo, me transportan a situaciones y momentos difíciles de describir. De la misma forma, cuando todo se vuelve una masa deforme que se te viene encima y te aplasta, la sensación es que el tiempo se detiene y el sufrimiento puede ser eterno.
Es curioso como puede alterar la idea de tiempo este tipo de música. Si me pongo a prestar atención a la duración de las canciones, de movida digo no,prefiero grindcore con temas de -4 segundos. 
Pero cuando te animás a meterte en el mundo Evoken, el tiempo es secundario, o por lo menos lo cronológico no pesa. Todo se hace en tiempos extraños, que no se registran sino que se experimentan, para al final, luego de los casi 68 minutos que dura el disco, respirar profundamente e intentar salir de ese bosque arrasado por esas tenebrosas figuras de la portada.
Respecto de los responsables de esta monolítica obra, hay algunos cambios en la formación: uno de los miembros fundadores, el guitarrista y tecladista Nick Orlando ya no es de la partida, siendo reemplazado por Chris Molinari (guitarras) y Don Zaros (teclados), este último debutando en el split con Beneath the Frozen Soil.
El bajista también es nuevo, y se llama David Wagner, quien reemplaza a Craig Pillard.
Juntos, realizan esa música que tanto nos gusta, esa que te aplasta el corazón y te deja sin aire.
Al igual que discos anteriores, no es una banda para comenzar a bucear por el estilo. Sólo los iniciados pueden acceder al conocimiento hermético que nos brinda el disco.
Anímense.

16 de noviembre de 2012

Primordial "Redemption at Puritan's Hands" (2011)

hands
Venía escribiendo sobre los discos del 2012, y no puedo creer que me olvidé de los dioses irlandeses Primordial.
Cada vez que sacan a la luz su arte es una fiesta para los sentidos, todos ellos.
Es increíble la capacidad ilimitada que tienen para generar la sensación de estar listos para dar batalla, sin dejar la melancolía y el respeto por sus antepasados, que aparecen siempre bajo distintas formas, ya sea invocados desde la muerte, o con la pasión de un grito frente a los caídos en combate.
¿Viking? No, pero no importa. porque el paganismo en el metal más extremo, anclado a lo místico siempre va a estar a tope con bandas como estas.
Como siempre, los temas a destacar dependen del estado de ánimo en el que uno se encuentre, porque si andás medio depre, lo mejor que te puede pasar es encontrarte de frente con las épicos y vertiginosos riffs de "No Grave Deep Enough", que arranca a full y te deja casi sin aire, y con ganas de pintarte para la batalla, esa en la que dignidad, honor, ancestros y sangre se unen para dar lugar a la libertad y formar a los inmortales, esos que no pueden ser enterrados nunca.
"Lain with the Wolf" continúa la misma onda pero con una carga de dramatismo y melancolía que se repite a lo largo de las 8 canciones. Unos rasgueos iniciales, acompañados de una percusión casi tribal, para que entre la gloriosa voz de Nemtheanga y grite sus verdades, para disfrute de los que seguimos a los irlandeses desde hace tanto tiempo.
Con "God's old Snake" me sorprenden por el tratamiento vocal, con unos growls que hace tiempo no se escuchaban en sus discos, y que hacen un juego increíble con las voces épicas y las guitarras, que parecen teclados por lo climáticas.
Climático...y oscuro es ese nuevo himno oscuro titulado "The Mouth of Judas", que consta de escasos elementos, y sin embargo cada nota, cada lamento se clava en el inconsciente y te convence de la profundidad y lo serio que se toman su arte los Primordial.
Por eso vale la pena esperar los años que transcurren entre cada uno de los discos (con el anterior lo separan 4 años). Porque cada lanzamiento es una oda a la música y a la honestidad...lo cual no se puede decir de muchas bandas en la actualidad (teléfono In Flames).
Podría seguir toda la noche, incluso comentando que me parece cada una de las letras; porque si hay algo que los distingue de la violencia musical muchas veces gratuita, es que lo épico, lo pagano y lo místico aparece también en la pluma de Primordial, logrando momentos relevantes en casi todos sus discos.
Mejor, escuchen y disfruten.

5 de noviembre de 2012

Aluk Todolo "Occult Rock" (2012)

negro
Año 2012.
Seguro va a ser un año recordadísimo por los amantes del metal más extremo (y del más oscuro y opresivo también). Sólo por citar algunas bandas que sacaron grandes obras: Enslaved (pronta reseña), Anathema, My Dying Bride, Paradise Lost, Anaal Nathrakh, Katatonia, y un larguísimo y próspero etcétera.
Entre todos ellos, también están estos franceses de Aluk Todolo, metiendo una obra descomunalmente pesada y progresiva, al mismo tiempo que oscura y ultrapsicodélica...e instrumental.
Nadie se imagina de que van, porque es difícil pescarles la onda rápidamente, pero una vez que te sentaste con paciencia a descular la hormiga, no podés creer lo que va apareciendo frente a tus oídos.
Amén de las referencias obligadas a lo progresivo oscuro de los '70 (Amon Düül II, Jacula), hay una tensión en la música de este trío que te deja sin aire con el correr de los minutos de este extenso ritual mágico.
Son 8 temas donde el más corto dura 8'35'', sin título, solo denominación con números romanos correspondientes, y atraviesan el espectro del Rock contemporáneo, llegando incluso a rozar de forma evidente y magistral esos climas secos y fríos al mismo tiempo (que tanto nos gustan), de bandas Post-Punk y New Wave europeas (ya, me viene a la cabeza Televisión y Mogwai).
Pero no solo eso, porque el Pink Floyd de "Meddle" se puede cruzar con lo más extravagante de los Goblin, para después dar lugar a un clima que te da la sensación, lejana, de qué resultaría si se cruzara en el híperespacio Frank Zappa, Hawkind y Hendrix, pero con una dosis pequeña pero mortífera de Darkthrone.
Y ahí es donde aparece lo distintivo de este trío. Suenan pesadísimos y oscuros como la puta madre, pero con una frialdad extraída de las isondables profundidades de algún agujero negro.
También resulta profundamente hipnótico el tratamiento a cada instrumento en cada uno de los temas, porque van variando, y si en alguno la guitarra destila vértigo y muestra malabares que los The Mars Volta aplaudirían con lágrimas en los ojos, cuando llega el momento de dar primacía al bajo, este aparece gordísimo y seco al mismo tiempo, acompañando una batería minimalista y por eso mismo, sumamente tenebrosa.
¿Ven? Otra referencia más. El cuelgue stoner, pero sin lo stoner, sin la buena onda y la fumarola, sino proyectando un vacío místico que se refleja en la ausencia de voces...nada que decir, todo por experimentar y dejarse llevar.
Es como si fuera "El Resplandor" (el original, no el bodrio de la remake), pero a 20x de velocidad y después de haber tomado un cóctel lisérgico para elefantes.
Los punteos de guitarra se vuelven mantras lacerantes que te llevan a esa cumbre gris y distante donde seguramente no puede haber nada bueno (y que me recuerda a la portada de aquel mágico "Lugburz" de Summoning).
¿Puede ser Drone pero a velocidad Warp? También, porque hay climas que no quedarían mal en compañía de unos Sunn O))) o unos antiguos Earth, pero más malignos.
Y volvemos de nuevo a lo maligno. ¿Por qué tanta fijación con eso? Tal vez sea porque los músicos de Aluk Todolo tuvieron otra banda antes de neta extracción blacker, y de allí bebieron el néctar con el que impregnan cada uno de estas superlativas exploraciones del estado de la mente.
Ese es otro punto que nunca me canso de señalar. Es impresionante como el pulso lento, repetitivo y casi obsesivo de una cuerda, produce una sensación de violencia mucho mayor que la demostración gratuita de velocidad sin sentimiento. Y el sentimiento, negativo por cierto, es algo que en "Occult Rock" sobra (escuchen "IV" sino, y después me cuentan).
Un disco, que hoy, 05/11/12, podría incluir entre los mejores del año, sin importar lo que venga después.
Un disco difícil de escuchar; casi siguiendo los principios herméticos, y sin los cuales parece imposible entender como un sonido tan opaco y opresivo, tan libre al mismo tiempo, puede contagiar tanta vida al mismo tiempo que insuflar tanta muerte.
Un disco solo para los iniciados...anímense, entren a la cofradía.


4 de noviembre de 2012

Lacrimosa "Einsamkeit" (1992)

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Luego de "Angst" (1991), llega este oscuro y opresivo disco de Tilo, acompañado por algunos amigos, para que la soledad no sea tan evidente.
Siempre que escucho Lacrimosa presto atención no solo a la música, sino al paquete completo, por lo que el arte de tapa se vuelve obligatorio. Y en eso no muchas bandas pueden lograr lo que la banda alemana.
Porque si con su primer disco la sensación que transmitía la música era correlativa al título...por qué en este no? 
Si bien el clima es similar entre los dos, siendo la influencia principal la música clásica, se empieza a escuchar otros colores y matices, gracias a la inclusión de algunos toques 100% rockeros y gothic-dark, que paradójicamente le dan un poco de alegría a esta soledad eterna que te invade a medida que pasan los minutos.
La desesperanza está más presente que nunca ("Reissende Blicke"), teñida en este caso de una oscuridad que se acompaña con esos alaridos impunes de Tilo, que le dan un toque de violencia que no desentona con el clima general.
Y ese es otro de los puntos que me llaman la atención: La voz de Tilo nunca fue sobresaliente, ni siquiera trabajada, pero "sabe hacer" con eso, y es una parte fundamental de su arte, no  se entendería lacrimosa sin el melodrama de esas cuerdas vocales. Aparte, en vivo, la fuerza que tiene tapa toda la falta de color en su voz.
De todas formas, si en sus artes de tapas siempre usaron el blanco y negro, ¿por qué habría que pedirle a Tilo más matices?
Un disco oscuro, lento y dramático por partes iguales. Un disco para disfrutar en esta tarde lluviosa.

Leahn "The Requete Tapes" (2011)

Su página de bandcamp dice "Grabaciones caseras en cualquier momento", y si bien tiene ese sonido despojado, no por eso es menos difícil de escuchar.
Confieso que al principio me resultó un poco tedioso, y hasta aburrido, echando de menos ciertos matices que le den identidad a las canciones.
Pero el tiempo fue pasando, y las escuchas se fueron sucediendo, y de repente me encuentro disfrutando de algo que no sé muy bien cómo catalogarlo ni a que estilo linkearlo.
Son breves canciones acústicas, que hasta suenan infantiles, pero que tienen una cuota oculta (muy) de oscuridad...no de malignidad. Aquí los climas son sutiles y luminosos, pero por momentos hay algo que te hace dudar...en definitiva mucha luz también te puede enceguecer.
Para muestra "Aisanowe R.", una bella pieza en piano, que inicia como algo experimental, para meter climas inquietantes y depresivos...para terminar de forma bien luminosa.
Escuchen y opinen, a ver si me desburran.

3 de noviembre de 2012

Brooklyn Funk Essentials "Make 'Em Like it" (2000)

funk
Con un título así, parece más un esfuerzo que otra cosa hacer que a ellos (nosotros) les guste.
Pero nada más alejado de la realidad musical y festiva a la que te empuja casi intespestivamente esta banda de New York (no podía ser de otro lugar, con semejante onda), compuesta por más de 10 músicos (sí, diez) y que mezclan el Hip-Hop, el Acid Jazz y el Funk como nadie.
Es cierto, también hay Ska, pero si me pongo a buscar cada uno de los estilos que van apareciendo, los voy a terminar aburriendo.
Lo que si les puedo adelantar es que es una banda de la puta madre, con un sonido único, y con tanta onda que te den ganas de ponerte cómodo en el mejor sillón de tu casa/depto., prender un buen purito, o algo rico para fumar, y un buen licor/vino, y darle play al disco sin dejar de apretar el repeat all antes  de todo.
Créanme, no se van a arrepentir.

30 de octubre de 2012

"El Espejo" por Malena Gato (2012)

Solo para anticipar este nuevo 31/10 que se avecina, les dejo un hermoso relato de mi amada hija de 13 años.

“El espejo”

Mis vacaciones fueron muy divertidas. Fui a San Pedro,  a Salta e hice nuevas amistades. Todos los días hacía algo cada vez más divertido, excepto cuando, un día, volví a mi casa y se había cortado la luz.
En ese momento, pensé que se había cortado por el calor, así que no le di la menor importancia.
Fui caminando por el pasillo, hacia la pieza de mi hermano, y me detuve frente al espejo. Era muy extraño lo que veía, ya que, no era solo mi reflejo. Éramos mis padres, mi hermano y yo en un accidente de auto.
Pensé que solo estaba alucinando por la falta de luz, así que ni me preocupé.
Esa misma tarde, unas horas después, salimos al centro para distraernos un rato.
Como se había hecho tarde, paramos un taxi, y nos subimos en él.
Entonces ocurrió. Lo que vi en el espejo, la misma imagen.
Por suerte, no fue grave, y pudimos volver a mi casa rápidamente.
Cuando me iba a dormir, volví a detenerme frente al espejo. Una sombra detrás de mío era lo que veía.
“Es pura coincidencia”-pensé, y fui a acostarme, pues estaba agotada.
A la mañana siguiente, no sé por qué, me desperté muy temprano y vi una sombra en mi cuarto. Me levanté de la cama rápidamente y ya no había nada.
Rápidamente, fui al pasillo y observé el espejo. La imagen que vi me derrumbó por completo. Mi familia llorando, sobre una lápida que decía: Malena Gato.

29 de octubre de 2012

Dan Swanö "Moontower" (1999)

ojo
Tal vez uno de los primeros en esto de la música extrema y su exquisito blend con la melodía.
Este sueco se diferencia(ba) de sus contemporáneos porque sabía hacer diversas cosas con ese instrumento único que posee: sus cuerdas vocales.
Podía pasar del rugido más oscuro a la vocalización más etérea y melódica que se les pueda ocurrir...y eso ya por el año 1992 con esa banda que hizo historia, Edge Of Sanity.
Me fijo en los discos que tengo, en cuales me gustan tanto que tengo que escucharlos siempre...son muchas bandas (dentro del metal), diferentes estilos incluso...pero siempre aparece este tipo cantando o tocando la batería, o el cello, o el teclado, un enfermito el muchacho, que encima produjo muchos grandes discos de la última década del Siglo XX.
El tema es que acá, después de mostrarlo sin vergüenza en muchos de sus proyectos, mete toda la carne en el asador, con climas  y colchones de teclados que muchas bandas progresivas de híper músicos matarían por componer.
Es cierto, el muchacho se encarga de todo, y eso al final termina haciendo ruido, porque debe ser bastante insoportable tener a alguien así al lado en una banda.
Hasta en la tapa se muestra esa idea bentamiana del panóptico, ese Ojo que todo lo ve...pero que al mismo es la puerta al vacío más insondable...tal vez la mente de Dan, capaz de metamorfosearse camaleónica y repentinamente en cualquier cosa que le plazca, total, tiene con qué.
Y eso es algo que no muchos pueden decir. Brindo por eso.

Dawnbringer "Nucleus" (2010)

Dentro de la actual cultura globalizada, hay una especie de revival por todo aquello pasado, por todo lo retro o que tome algo de ese pasado sancionado por muchos como glorioso e inalcanzable.
Lo de inalcanzable puede ser cierto, porque salvo en la ciencia ficción, el tiempo es irreversible. También es cierto que mucho de eso retro y el empuje vintage nos proporciona muchas veces, sobre todo en el ámbito de la música, bodrios insoportables y que nunca deberían haber sido siquiera demeados.
No es el caso de Dawnbringer con este disco de la puta madre que lo parió. Y eso que tiene todo lo retro que se puedan imaginar.
Anclados en un pasado que reconoce como fuente de inspiración directa a los primeros discos de la Doncella, y con un vocalista que tranquilamente podría confudirse con un Lemmy con menos alcohol y menos joda encima (menos merca, menos noche, pero no menos onda). O, por qué no, un Ozzy con menos anfetas y un poquitín más ocultista.
También tienen una cuota mínima pero muy interesante de oscuridad y frialdad, esa tan necesaria en toda banda black que se precie de tal. No en vano uno de los principales responsables de esta banda es Chris Black (batería, bajo, teclado y voz líder), invitado/sesionista de forma reiterada en ese descomunal monstruo deforme de Nachtmystium.
De todas formas, no es el único, porque a cargo de las guitarras están también los Scott: Haskitt (acústicas) y Hoffman (rítmicas), y Matt Johnsen (líder).
Si se preguntan a que podría sonar tantas guitarras juntas, la respuesta es más fácil de lo que parece: a diferencia de Iron Maiden , acá se nota las ganas de atiborrarnos de melodías que nos arrastren en el tiempo, y nos lleven a algún paraje desolado, alguna playa abandonada donde nos espere la Parca para compartir un último amanecer.
Pero esto no es black, no quiero que se confundan. Esto es Heavy clásico bien oscurito y ganchero, y con un dejo de depresión que lo hace por momentos desesperantemente maravilloso.
Es cierto, lo de estos yankees no tiene nada de original, pero rezuman mala onda y actitud 100% disfrutable a lo largo de los 40 minutos que dura este hermoso disco, el cuarto de la banda (y con el cual la conocí, aparte).
Obligatorio, de verdad.

19 de octubre de 2012

Opeth "Damnation" (2003)

ufff
Pensaba en esto de los discos clásicos que voy posteando en el blog. Y me preguntaba si un disco lanzado en el año 2003 puede ser considerado clásico, tal como uno lanzado en la década del '60, por ejemplo: Miles Davis.
La respuesta no tardó en llegar, en modo de pregunta: ¿por qué no?
Porque lo de estos tipos hace rato que es digno de admiración y compromiso con la música, no con un estilo en particular. En líneas generales se puede decir que esto es Rock. Dentro del género, todas las variantes aparecen, más con Opeth.
Con el correr de los años fueron puliendo la propuesta y limando ciertas asperezas -que extraño- hasta llegar a este disco, que fue el primero en sorprender a más de uno por lo alejado de la propuesta del grupo.
Como no sorprenderse si justo unos meses antes (6) habían sacado un discazo de Death Metal bien brutal titulado "Deliverance"-casi un homenaje a Morbid Angel-, para meter ahí nomás esta seguidilla de 8 canciones del más puro Rock Progresivo, anclado y rindiendo tributo a aquellas grandes bandas de los '70, como Pink Floyd y Camel, por ejemplo.
Y parece mentira pero logran unas sutilezas impresionantes para una banda que si bien tenía influencias progresivas, estaban bien mezcladas con la música más extrema.
Acá se despachan con acordes calmos, casi acústicos, solos de la mejor extracción gilmouresca y unos mellotrones que te llevan gratis y sin parada a la dorada época de esos monstruos.
Pero aparecen otras influencias, porque escuchando "Clousure", si no registrás ese ritmo de candombe..mmm, deberías estar escuchando Los Nocheros, La Sole o esas porquerías.
Un disco para escuchar repetida e infinitamente, el anuncio -8 años antes- que lo progresivo puede no ser un ablandamiento, sino una búsqueda de nuevos colores.

17 de octubre de 2012

El Festival de los Viajes "La Reserva de los Lieros" (2012)

Que bueno cuando uno sin premeditación alguna, resulta impactado por algún sonido...no importa cual sea su procedencia.
Con El Festival...todo puede ocurrir porque lo principal en las canciones..perdón CANCIONES, (así está mejor) son los climas que se van logrando con el correr del tiempo en tu mente.
Y ese es un problema que deberán asumir Fede Wolman (voces y sintetizadores) y compañía: no saben, no pueden saber lo que provocan y producen en la cabeza de los que nos adentramos en esa máquina del tiempo melancólica que son sus discos, y por lo tanto ni se preocupan por nuestra salud mental...que tal vez ni ellos posean.
Es que no hay otra, las canciones fluyen y te escupen sin violencia alguna, pero con muchísima oscuridad, todas las influencias que te puedas imaginar, pero todas. 
El disco arranca con un riff bien gordo de un tema increíble, que en un mundo ideal sería rotado de forma permanente en cualquier radio, "Disparen", con unas melodías que me hacen acordar a la canción central de aquella serie de los '80, "Fama".
Una cabalgata furiosa con rockabilly y actitud bien kult nos pasa por arriba con "Tambero del Estero", y una percusión de origen afro que invoca los demonios que la voz de Wolman y de Sabina Schapiro se encargan de corporizar.
Si les gusta aquellas bandas de sonido de Morricone de los viejos y queridos westerns que mirábamos cuando niños los sábados, no pueden, no deben dejar pasar ningún lanzamiento de El Festival. Lo loco de todo esto, es que después de tamizar prolija y obsesiiivaaamente, aparecen climas de esas bandas oscuras onda Amon Düül y teclados espaciales progresivos....si, pero con mucho mucho de esos genios italianos de Goblin, que se encargaban de musicalizar las películas de Darío Argento.
No se si con tantas escuchas van surgiendo fantasmales referencias, pero no dejo de escuchar ciertas tonadas y matices folklóricas que me sacan del cómodo lugar que tenía para preguntarme, ¿qué mierda les pasa a estos tipos? 
La respuesta la verdad no vale la pena buscarla muy lejos de la primera asociación que aparezca, y que es esta: El Festival de los Viajes les tapa la boca a todos los imbéciles e infradotados musicales que afirman que no hay nada nuevo, que el Rock murió, mientras que lo único que leen es la Rolling par enterarse de lo nuevo que durará lo que un pedo en la mano.
Gente, dejen de joder y compren este disco...PURA MÚSICA HECHA CON PELOTAS.

VV.AA. "Peaceville X" (1998)-Compilado-

tranqui
Corría el año 1998 y varias bandas daban que hablar -para bien y para mal- con sus cambios musicales, orientándose hacia otro público, casi involuntariamente.
Otras ya se encontraban separadas para el momento de lanzamiento de este inusual compilado de covers.
Pero veamos quienes eran en Peaceville las bandas que merecían una exposición de este tipo.
A la cabeza, tanto en el arranque del disco como en importancia estaban los geniales Anathema, que, recordemos, venían de editar esa obra depresiva y única llamada "Alternative 4". Con tres canciones versionadas increíbles que después serían incluidas en la reedición del año 2003 de dicho disco: "One of the few" y "Goodbye cruel world" de los Pink Floyd, y una "Better off dead" irreconociblemente melancólica de los Bad Religion.
Los progresivos Thine (lo único que conozco de ellos es esto) haciendo una oscura versión de Nick Cave "Song of Joy" que vale la pena escuchar, así como los stoner de Acrimony (hoy separados) haciendo "O Baby" de Status Quo, y una perlita enlentecida homenajeando a los Fab Four ("Don't let me down") de la mano de LID, una especie de grupo estelar: Eric Wagner (ex vocalista de Trouble), Danny Cavanagh (guitarras) y los hermanos Reeves (en bajo y batería), quienes solo editaron "In the mushroom" en el año 1997.
Los ingleses Dominion -otros ya separados- dicen presente con versiones de Tears for Fears ("Shout") y The Rolling Stones ("Paint it black"), las dos con un feeling pesado que les queda a la perfección. Si seguimos con bandas que habían editado bellos discos y que ya se encuentran separadas, no podemos dejar de mencionar los The Blood Divine (reseñados en este blog), haciendo "Crazy Horse" (The Osmonds" y una vampírica "Love will tear us apart" de los suicidas Joy Division.
Aquel proyecto surgido de las cenizas de Carcass llamado Blackstar nos obsequia dos rock punkies de la mano de Hüsker Du y Thin Lizzy, esta última absolutamente gloriosa y que por sí sola vale el disco.
Dejo para el final a los más controversiales del compilado, sobre todo teniendo en cuenta el horrendo disco publicado por los doomsters ese mismo año, el impresentable "34.788%...Complete". Algo verdaderamente imposible de articular en la brillante discografía de My Dying Bride. Puedo aventurar que si hubiesen estado estas dos canciones incluidas en ese disco, se hubiese vendido mucho más, y tendría yo incluso una mejor opinión del mismo. Una versión casi calcada del "Roads" de Portished y "Some Velvet Morning" (Nancy Sinatra & Lee Hazelwood).
Un compiladito para pasar la tarde, esperando que caiga el sol, para poder disfrutar de la oscuridad que se cierne sobre nosotros.....

Officium Triste / Ophis "Immersed" -split- (2012)

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hundido
Este año va a quedar en la memoria de varios de los amantes de la música extrema y/u opresiva, porque la cantidad de bandas que editaron discos por lo menos buenos es gigantesca.
Entre los lanzamientos destacables está este hermoso split protagonizado por los ya conocidos (acá en el blog) Officium Triste de Holanda, y los alemanes de Ophis.
Si hacen un poco de memoria, el año pasado reseñé esa hermosa obra titulada "Reason" (2004), que si bien tenía cosillas opresivas, lo que predominaba era un oscuro romanticismo heredero de aquellos dos primeros discos de Celestial Season.
Lo que nos muestran en este split sigue por la misma senda, con una cuota mayor de dramatismo y tristeza absoluta, otorgada principalmente por voces y climas tan, pero tan arrastrados y miserables como hacía mucho que no escuchaba, plasmados en una lírica acorde al doom que perpetran con doloroso rigor: "...sentimientos encontrados acerca de lo que tuvimos y de lo que podríamos haber tenido..."; de eso se trata el doom muchachos, la pena y el dolor de ya no ser: "...lo siento por no haber confesado antes, por favor ayúdame antes de cerrar la puerta de la vida...".
Lo de Ophis sí es más denso y opresivo, como si fueran unos Morgion pasados de rosca, con más ansiolíticos que Charly García.
Es como si al "Among Majestic Ruins" le dieran una vuelta de tuerca, como si ajustaran un tornillo imaginario y todo empezara a sonar más lento y grave...pero eso no es malo, al contrario, estos alemanes saben muy bien lo que hacen, y pueden tanto profundizar sus sonidos, logrando colores bastante tétricos, pero antes de que te des cuenta aceleran a fondo y aparece una agresividad que no tienen los holandeses, ni siquiera en las voces.
Un Split de esos que te hacen buscar más material de las bandas (si no las conocías), o disfrutar del aperitivo, mientras sale lo nuevo en formato larga duración.
Larga vida a la depresión.

14 de octubre de 2012

Blut Aus Nord "Cosmosophy" (2012)

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Siempre son novedad. Ya sea por un regreso inesperado a las fuentes o por lo poco ortodoxo de su arte, los franceses están en la boca de todo aquel que busque sensaciones nuevas dentro de lo extremo.
Y no se si siempre cumplen, pero las expectativas son altísimas cada vez que se acerca el momento de degustar estos sonidos negros.
Eso es una constante, lo negro, lo opaco del arte que periódicamente vomita al mundo Blut Aus Nord. Y si bien este disco no es la excepción, habría que matizar.
Luego de aquel extraño y amorfo "Odinist" (2007), apareció "Memoria Vetusta II" (2009), marcando un regreso a las raíces más blackers, pero no tan rústico sino refinado.
En el 2011 comienza la trilogía que se cierra justamente con este nuevo lanzamiento, y no puedo dejar de pensar la enorme, descomunal influencia que ejercieron los noruegos Ulver en este tipo de bandas (Blut Aus Nord, Deathspell Omega, The Axis of Perdition), sobre todo en su etapa de mayor experimentación con la música electrónica, desde "Themes from William Blake's The Marriage of Heaven and Hell" (1998).
Si nos vamos más atrás en influencias no se puede dejar de apreciar sonidos extraídos de las canteras de Godflesh y todas las elucubraciones de Justin Broadrick.
Y esa es la sensación que atraviesa la trilogía 777 en su totalidad, con mayor  o menor melodía, haciendo más incapié en los climas electrónicos (como es el caso de este lanzamiento propiamente dicho)...pero siempre con la oscuridad de fondo, con un telón que parece hecho para velar la muerte, esa que nos espera al final del recorrido, y que seguramente musicalizaremos con algún temita de la brillante discografía de los franceses.
Dentro de la trilogía, el que menos me gusta...pero no es un disco más, nunca un lanzamiento de Blut Aus Nord es un disco más.

12 de octubre de 2012

Hellige "demo" (2012)

Ya había reseñado a este dúo cuando posteé aquel split que compartieron con Lengua Mortuoria, exoMater y C-Utter.
En este caso, el demo te deja mirando para los cuatro costados, por las dudas aparezca algún ser infernal abominable a cantarte sus loas y herejías nocturnas.
Anclado en esos sonidos cáusticos y rústicos a los que nos tienen acostumbradas bandas como Nortt, por ejemplo, que pasean/arrastran/ensucian su arte en críptas ennegrecidas, donde nos susurran ancestros oscuros que posiblemente nos entreguen la llave de la inmortalidad.
Digo posiblemente, porque no es seguro. Como no es seguro el rótulo de lo que hacen. 
Porque no solo de Nortt se alimentan: en esa especie de sopa primigenia donde nos empujan también hay altas cuotas de aquellos maestros finlandeses llamados Thergothon, con pizcas del genial Lovecraft, como para aligerar el clima y hacerlo más festivo (modo sarcasmo on, por las dudas). Al momento de transpirar, seguro que queda un aroma penetrante a azufre mezclado con Khanate, Leviathan y Bethlehem, y si nos metemos en la composición química de ese sudor, no nos vamos a sorprender encontrar moléculas de Burzum y Darkthrone.
Suena a viejo esa mezcla, ¿no? Parafraseando a Ygritte, la pelirroja salvaje de Juego de Tronos: ustedes no saben nada!.
A eso súmenle justamente la frialdad eterna y mágica del muro en el Norte, y climas opresivos deudores de unos franceses bien modernos dentro del Black, Blut Aus Nord y Deathspell Omega.
Bueno, si pueden imaginarse que resultaría de todo eso...tienen a Hellige, una banda bien argentina, y que me vuelve a hacer creer, y a decir con voz fuerte y segura: no solo de heavy argento, power y thrash vivimos en estas pampas.
Larga vida a la negritud, a la maldad, a la oscuridad que ilumina nuestras miserables vidas.
P.D.: busquen en su página de facebook, ahí lo encuentran a este demo.

10 de octubre de 2012

El Terceto "Tocatangó" (2000)

Podría incluirlo dentro de los considerados clásicos en este blog, pero prefiero reservarme esa etiqueta para otras cosas, y disfrutar de forma no tan secreta el arte de este trío único.
Digo, no tan secreta porque ya estuve esparciendo su nombre en varios videos posteados en mi cuenta de fb, y recomendando a quien tenga ganas de sorprenderse y emocionarse profundamente con estos muchachos. Y les aviso, no va a ser fácil volver a escuchar jazz en la Argentina, después de El Terceto.
De hecho no es nada fácil aceptar el fin de la banda.
Lo que hacen está alejadísimo de cualquier propuesta actual o pasada, y abordan temas de la música popular, experimentando con variados ritmos como el folklore, el tango, la música latinoamericana, todo con  unas sutiles e intensas improvisaciones que te dejan con la boca abierta, los oídos extasiados y una sensación de urgencia e imperiosa voluntad creadora que no te la sacás ni con soda cáustica.
Creado en el año 1993 de la mano de ese genial baterista llamado Norberto Minichillo en el año 1993, lo acompañaban Pablo Tozzi (contrabajo y voz), Norberto (batería y voz) y Hernán Ríos (piano).
Aún recuerdo la impresión que me causó escuchar su primer esfuerzo "Tierra Improvisada" (1997), y versiones impresionantes de "Garúa", "Malena" y el clásico de Carlos Puebla "Hasta Siempre".
Pero este es el tercer disco y arrancan muy arriba con una versión de Mimi Pinsón (la escuché por primera vez en la voz del Polaco Goyeneche), para después pegarle, así, sin anestesia, "Negra María" (que intensidad mama mía!), "Milonga Triste" y "María"...pero eso es solo la muestra de lo que son capaces estas tres bestias.
Entre temas caros a la cultura popular latinoamericana, también están presentes composiciones propias increíbles, como "Te sueño ahora" de Minichillo, "Un mordisco negro" de Ríos o "Me rindo" de Tozzi. Justamemente en este último está como invitado Daniel Bosters (en bandoneón) -también en el último tema del disco que es de Minichillo otra vez-.
Las interpretaciones de cada uno son de no creer. Con una batería chiquita hace tantas cosas, ni hablar de las sutilezas de Tozzi...y de Ríos...pffff, lo vi en varios videos en youtube, y no es un pianista, lamento informarle a él mismo. Hernán Ríos es un pintor, es el que vuelca esa paleta inmensa de colores para generar climas relajados, intensos, locos, progresivos...
Un verdadero deleite para los oídos, y si lo escuchás acompañado de un buen trago, el combo es perfecto.
Busquen, compren que vale la pena (o la alegría).
Agregado al post: un gran agradecimiento al pianista Hernán Ríos, quien le aclara a este humilde blog que El Terceto fue creado en el año 1993 junto con Pablo Tozzi y otro baterista llamado Gustavo Álvarez; la entrada de Minichillo produjo una nueva fundación debido el encuentro único que se dió entre los tres...
Desde ya, muchas gracias Hernán por la aclaración.

8 de octubre de 2012

Anibal Troilo y Roberto Goyeneche "¿Te acordás...Polaco? (1996)

que duo
Siguiendo con el Tango, otra vez esta dupla imbatible: el Gordo Pichuco y su Orquesta Típica, acompañado por, tal vez, la mejor voz que parió y engalanó el género, el genial Polaco Goyeneche.
Es impresionante el dramatismo que logra el Polaco en cada una de las 12 canciones. Es cierto que este tango está alejado por eones del compuesto por Piazzolla, pero no por eso deja de ser bueno.
De hecho es un placer escuchar como cantaba este tipo, antes de que empiece su deterioro y decadencia, cuando el cuerpo le empezó a pasar factura por tantos excesos pasados.
Hay perlitas imposibles de pasar por alto, como "En esta tarde gris": "Que ganas de llorar en esta tarde gris, en su repiquetear la lluvia habla de ti...". O "Fueye", o "Barrio de Tango", un verdadero clásico.
Para estos días nublados, nada mejor que un buen tango (o algo de Black bien Kult y Nekro), como para mantener la tensión bien abajo, jeje.
Saludos y disfruten.

7 de octubre de 2012

Astor Piazzolla y su Quinteto "The Tokio Concert 1982" (2012)

japon
Llueve a cántaros en Tucumán, y me pongo a escuchar Piazzolla, ese genial músico de mi país que revolucionó la forma de componer y de entender no solo el tango, sino la música ciudadana, tal como él la definía.
En este caso, me deleito con la edición 20º aniversario del fallecimiento del bandoneonista, de la presentación que ese quinteto magistral brindase en Tokio, en el Teatro Shibuya Kokai-Do, el 21 de Noviembre de 1982.
Originalmente editado en el año 2004 (con menos temas), esta edición recoge un recital sencillamente perfecto, que te pasea por climas que van desde la melancolía típica de Astor, pasando por interpretaciones casi rockeras por la intensidad y el vértigo que transpiran y un clasicismo mixturado con el Jazz que dejaría boquiabierto a cualquiera que se acerque por primera vez al Quinteto.
Ni hablar de la tristeza que atraviesa todos los temas en mayor o menor medida, y que nos sacude de repente con un aumento de tensión, como vermucito previo al rebaje, para después terminar a todo galope...escuchen sino la versión descomunal, maravillosa de "Adios Nonino", solo como muestra de lo luminosa y melancólica que puede ser una obra de Piazzolla.
La otra perlita es la cantante invitada en el cd2, Rango Fujisawa, quien interpreta "Chiquilín de Bachín", "Ché Bandoneón", "La cumparsita" y "Balada para un loco", sin que nos demos cuenta de su origen.
Los responsables de tamaño e intenso viaje no son otros que: Pablo Ziegler (piano), Fernando Suárez Paz (violín), Oscar López Ruiz (guitarra eléctrica), Héctor Console (contrabajo) y Astor Piazzolla (bandoneón).
Sin palabras la verdad, solo hay que escuchar.

6 de octubre de 2012

Nagelfar "Hünengrab im Herbst" (1997)

Ya por un tiempo no voy a postear cosas Drone, considerando que tengo cubierta la cuota hasta fin de año, a no ser que buceando en mi archivo encuentre algo en lo que valga la pena hundirse hasta la coronilla.
En su lugar, y dado la semana realmente pesada en lo laboral, necesitaba postear algo violento o salir a matar a alguien...así que acá está la obvia elección.
Nagelfar es una banda alemana que se desarmó hace ya casi 10 años, manteniéndose activa durante 10 años justamente, y presentando en este, su primer larga duración.
Y la verdad que sorprende que hayan estado tan ajustados para ser un debut, logrando canciones tan consistentes y certeras, y con influencias tan variadas que parece una fucking montaña rusa de melodías, agresión, vértigo y paisajes calmos y muy depresivos y cuasi paganos que sorprenden de forma permanente a quien se atreve a acercar los sonidos al oído.
Y siempre se trata de los sonidos, en definitiva, eso es lo que nos impacta en el cuerpo, y cada uno responde como puede.
Esa es la única explicación para que aparezcan sensaciones similares a las de tranquilidad y paz mientras escucho esta obra maestra de Black europeo, con una de las voces más melancólica y desesperante al mismo tiempo, que tuve el placer de disfrutar.
P.D.: la tapa no es la original, sino que pertenece a la reedición de este disco. Creo que las dos son igual de buenas y evocadoras...pero prefiero la primera.
Basta de palabras, escuchen.

30 de septiembre de 2012

Drone Sound))) Paranoia "Demo I" (2012)

demo
Pareciera que de a poco el Drone y las vertientes más rústicas y ásperas del Doom se van instalando...o por lo menos se van generando un grupo de seguidores lo suficientemente importante como para generar una escena futura.
Y digo esto porque de una fecha para acá fueron apareciendo bandas que llaman la atención en un país donde parece que lo único que tiene difusión es el Power, el Thrash y el rock "barrial" (Callejeros escoria, Casi Justicia Social canalla, basura).
En este caso tengo el agrado de presentar a Drone Sound))) Paranoia, un proyecto anclado en lo más cáustico y lentificado del Drone, proveniente de Buenos Aires, Argentina, y deudor directo por si alguna duda cabe de lo menos formal de bandas tales como Sunn O))) y Earth, sobre todo sus gemas más antiguas.
También se puede escuchar, como corresponde influencias Ambient que le dan un toque bien tenebroso a lo planteado en este hermoso debut de casi 40 minutos distribuidos a lo largo de 3 temas.
El primero de los temas (sin nombre) es el que te acaricia con algunos riffs más cercanos a la psicodelia hipnótica que muchas de las bandas de Drone actualmente practican, aunque el aura de maldad se deja escuchar en ciertas reverberaciones ocultas, y sólo al alcance de los oídos entrenados.
La deformidad llega con "Hello, I'm Henry", con unos jueguitos bastante enfermos que remiten a las viejas bandas de la vanguardia industrial y ambient de principios de los '80, para dar paso a esos riffs ultragraves y sostenidos que te taladran la cabeza pero que con el correr de los minutos se transforman en esos mantras iniciáticos que transportan tu mente a algún lugar donde seguramente está pasando algo desagradable.
Esa maldad que se dejaba entrever, tímida, en el tema uno, aparece en el riff negro y empetrolado de "Black Wave", y en las psicóticas vocalizaciones que colorean el exasperante y opresivo clima, con el que cierra el demo.
Un proyecto para prestarle atención, y del cual dejo su link en Facebook para que consigan el demo, que vale la pena.

27 de septiembre de 2012

The 3rd and The Mortal "Tears Laid in Earth" (1994)

mortal
Primer disco que escuché de los noruegos, y primer disco de ellos (el otro es un bello e.p.), y no se puede creer los sonidos que regalan a quienes se atreven a meterse en ese caudaloso y relajado torrente de sensaciones.
Y si de sensaciones se trata, el relax y la calma son los fundamentales a la hora de describir lo que va aflorando a medida que entramos en el mundo de este sexteto impresionante. Y si encima nos encontramos con la descomunal y única voz de Kari, el deleite se puede triplicar o llegar a picos casi dolorosos.
Por momentos cercanos al progresivo, siempre emparentados al Dark y a la vertiente más atmosférica del Doom, sin llegar a excesos y extremismos rústicos, sólo pulsaciones sutiles de las cuerdas de los instrumentos que repercuten en esas cuerdas cósmicas que nos atraviesan el cuerpo desde tiempo inmemorables, y nos hacen percibir eso que no podemos decir: somos mortales...pero con discos como éstos, vale la pena disfrutar el camino hacia el inevitable final.
Es tan complejo describir un álbum tan simple y fácil de disfrutar, que voy a ponerlo a consideración de uds. para que se sorprendan y se emocionen.
Nada más por ahora.

26 de septiembre de 2012

Earth "Legacy of Dissolution" (2005)

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tierra
Y si, seguimos con el Drone, y en este caso con uno de los creadores del estilo, Earth.
Acá no vamos a encontrar nada de lo que podemos disfrutar en los lanzamientos posteriores al 2007, donde el Drone está oculto bajo un manto de música sureña, blues y soundtrack a la Morricone, logrando pasajes desérticos pero disfrutables hasta con un vaso de leche fría.
No, acá nos chocamos de frente y a una velocidad Warp -10 con los duros inicios del Drone propiamente dicho, esos de guitarras y bajos hípersaturados que repiten una y otra vez la misma nota y la estiran desde que sale el sol hasta que se pone...y más.
Esto es un compilado que viene con remixes de gente influenciada por los muchachos de Seattle, que toman de algunos de sus discos más cáusticos, los sonidos a emular y remixar. Del "Earth 2" (1993), emerge "Teeth of lions Rule the divine", a cargo de los escoceses Mogwai que meten unos ruiditos típicos del Post Rock en el que se inscriben, y dejando la pregunta planteada: ¿se imaginan una colaboración entre estas dos bandas?, Del "Phase 3" (1995) están tomados los experimentos 2, 3 y 5 de este bello compilado, siendo los responsables del remix en cuestión Rusell Haswell,  Jim O'Rourke y....Justin Broadrick, realzando los graves los dos primeros (si tal cosa es posible con Earth) y dejandome absolutamente petrificado frente a esa guitarra que se retuerce entre tus oídos sin dejar de repetir ese sonido desquiciante pero al mismo tiempo relajante. Palabras aparte para la mente maestra Justin (no Bieber) que se encarga de dar los toques maestros casi imperceptibles a "Harvey". 
Del disco "Pentastar" (1996) toma las riendas en el tema "Coda Maestoso in F (minor)" Autechre, resaltando ese hermoso solo de guitarra y obsequiando tal vez el más relajado y digerible de los 6 experimentos sonoros del disco.
¿Quiénes existen gracias a Earth? Los Sunn O))) por supuesto, y son ellos los que cierran este legado de disolución de las formas, de las estructuras y de el equilibrio mental...ese que se ve alterado al ser tocado por la varita mágica del Drone, para nunca pod/quer-er ser restituído.
Y en buena hora, prefiero este incómodo desequilibrio.

24 de septiembre de 2012

Sunn O))) meets Nurse With Wound "The iron soul of nothing" (2011)

II I II
Hablando de experiencias sonoras complejas, tengo que citar sí o sí a estos americanos, ya asiduos visitantes de nuestro blog.
Desde el año 2005, con aquel cáustico "Black One" que les vengo prestando atención a cada uno de sus lanzamientos, y se fueron despegando de a poco de el Drone puro, para darle cabida a otras formas musicales no menos extremas, como ser el noise, el ambient y el black más nekro.
Y esas influencias se vieron en los discos que fueron editando, siendo imposible dejar de lado esa colaboración infernal con Boris llamada "Altar" (no es un split, es una colaboración) y ese disco inclasificable que sacaron en el 2009 titulado "Monoliths & Dimensions", más cerca del avant-garde y el ambient que del drone, con la perturbadora ayuda de un sinúmero de artistas entre los que se destaca la intervención del vocalista de Mayhem, Attila Csihar.
En este caso la cruza se da con un artista histórico, (que proviene del noise y el industrial) Steve Stapleton, líder y alma mater de Nurse With Wound, proyecto de "música surrealista" de fines de los 70 (tal como el la describe por lo menos).
El resultado es hipnótico y profundamente oscuro, sonidos amorfos y sin un esqueleto preciso que te van comiendo de a poco la cabeza, hasta que emerge ese ruido avisando de que algo se rompió (y no es tu cerebro), acompañado al mismo tiempo de un recitado/mantra que te arroja al vacío más absoluto, retándote a encontrar algo...aunque sea el núcleo de tu propia locura.
Y es con eso con lo que juegan siempre los dos enfermitos de Sunn O))) (Greg Anderson y Stephen O'Malley), buscando los límites de nuestra comprensión y privándonos de forma sistemática de toda referencia que nos pueda tranquilizar por lo menos.
Pero claro, no creo que ellos busquen tranquilizarnos, sino confrontarnos simplemente con lo ridículo de las clasificaciones y los rótulos...mostrándonos que estos sonidos están ahí vaya a saber desde cuándo, y provenientes desde dónde...y el que nosotros tratemos de ponerlos en alguna estructura existente, es un problema nuestro, y no del sonido en si.
Porque el sonido, estos sonidos precisamente están vivos, y poco importa que podamos decir de ellos.
Atrévanse, prueben, franqueen la valla...y cuidado con la caída, el vacío es eterno.