25 de noviembre de 2014

Blood Ceremony "The Eldritch Dark" (2013)

ceremonya
Y hoy estamos retro a full. Hay una movida que emergió hace no mucho tiempo que rescata sonidos vintage de fines de la década de los '60 y mediados de los '70, para centrarse en canciones prácticamente perfectas, sin que la novedad del estilo sea algo que importe verdaderamente.
Entre ellas, los canadienses Blood Ceremony se destacan como uno de los pioneros de la movida retro, siendo este ya su tercer disco, repleto de canciones deudoras de aquellas joyas ocultas que nos arrastran más de medio siglo hacia atrás, y por qué no, a otros mundos, en donde la magia (negra) aún flotaba en el aire.
Y la propuesta de la banda es justamente esa, llevarnos a ese mundo extraño donde los sueños se confunden con la realidad y solo importa no perderse en bosques encantados...o mejor aún, perderse para encontrar antiguos dioses de los bosques, que nos conducirán a cambio de algo.
Sonidos antiguos, canciones breves y sumamente simples e hipnóticas, construidas artesanalmente por: Lucas Gadke (bajo, voces -en "Lord Summerisle"-); Alia O'Brien (flauta, órgano, voces); Sean Kennedy (guitarras y letras) y Michael Carrillo (batería), siendo este último el puesto de mayor inestabilidad en la banda.
Referencias para hacerse la idea de frente a que nos enfrentamos cuando pulsamos play: Jethro Tull, Black Sabbath, Lez Zeppelin, Blue Öyster Cult y Uriah Heep....sonidos mágicos señores para los amantes de la música.

24 de noviembre de 2014

Hail Spirit Noir "Pneuma" (2012)

rarooooo
Definitivamente los resultados de la experimentación brindan discos tan perturbadores y zarpados que dan ganas de quedarse eternamente pegados a los formatos más cercanos a la inconsistencia y más abstractos posibles, sobre todo si lo que buscamos es sorprendernos.
Y estos griegos se las traen.
Con influencias tan disímiles como sonidos teatrales, Black Metal del más clásico y la vanguardia musical de gente gente como -por ejemplo- Solefald, asociados a la literatura de horror más clásica, en escasos 37 minutos escupen su deformidad primera al mundo, y nos (me) dejan con la boca abierta pidiendo mayores referencias.
Parece mentira, pero son tan deformes y al mismo tiempo melódicas las canciones, como oscuras las imágenes que invocan casi al descuido, dejando que seres malignos se cuelen e inunden las creencias que hasta ese momento eran inconmovibles.
Guitarras que se pasean desde el frenético black hasta las estructuras hipnótico psicodélicas made in '60, con punteos de esa modernidad infecta que tanto odian los puristas y arreglos por momentos tan cercanos al Jazz que sorprenden y paralizan, sobre todo cuando unos colchones de teclados nos acercan al Pink Floyd de "Meddle", algo que muchas bandas black parecen haber descubierto como fuente inagotable de tensión.
Canciones relativamente breves que desarrollan una idea rápidamente, bajo los signos del vértigo....hasta que aparece esa estrella brillante llamada "Into de Gates of Time", que amerita la escucha del disco por si mismo, y en donde están contenidas todas las ideas, las tensiones opuestas y la capacidad de confrontar diferentes estilos como si se estuviesen sirviendo un café simplemente.
Un trío: Theoharis (guitarras y voz líder); Haris (teclados) y Dim (bajo y guitarra acústica). A ellos se suman dos sesionistas en voces y batería, logrando algo verdaderamente único y...tengo miedo de decirlo...innovador.
Pero...¿qué es lo que hacen? preguntará el incauto y no iniciado.
Muchas veces es mejor no preguntar, sobre todo si no queremos enfrentarnos a la terrible realidad de que las formas estallaron y las etiquetas hace años que dejaron de servir para algo más que para llenar hojas de papel inservibles o postear algo que no hace sino cuestionar la tranquilidad de nuestras mentes al decir "lo mío es el metal".

Blut Aus Nord "The Work Which Tranforms God" (2003)

sindios
Como para variar, de lo nuevo pasamos a lo viejo, y nos vamos casi 12 años para atrás en la historia de los franceses Blut Aus Nord.
Sabemos que en sus orígenes hacían un Black Metal bien a lo noruego, y que hoy por hoy se dan el lujo de hacer lo que les venga en gana. 
Pero ya en "The Mystical beast of Rebellion" (2001), algo pasó en la cabeza de estos muchachos que se tornaron más densos, y empezaron a salirse del molde y lo típico de su arte.
Y es en este disco, que le sigue rápidamente a aquel, que se van literalmente al carajo, metiendo influencias industriales que después explotarían sabiamente en lanzamientos posteriores.
Y no solo eso, las influencias de las corrientes más vanguardistas asociados a lo extremidad blackers, expande los límites exponencialmente generando un arte difícil de interpretar y de engancharlo con algo salvo con una maldad y una oscuridad intrínseca y absoluta.
Los polos se mezclan y generan una tensión que impacta en el cuerpo...adrenalina y taquicardia, incomodidad que puede traducirse en angustia o lo que sea...eso es Blut Aus Nord.
Desde el vamos, un disco que arranca por el final ("End"), algo amorfo y bien ambient, para dejar entrar al coro de los muertos, en lo más parecido a la extremidad primigenia, sin dejar de lado esa sangre negra e infecta, rezumante de petróleo y lodo, que tan común se tornara en sus posteriores lanzamientos.
"Axis" no se queda atrás en eso del vértigo y la violencia, pero se hace evidente, por lo menos para los franceses, que las guitarras chirreantes y filosas no son suficientes para enrostrarnos que la decadencia de este nuevo siglo no sigue los parámetros medievales y/o antiguos, sino que es más amorfo y oscuro, más alejado de lo concreto y más cercano a lo tangible de la angustia por eso que nos atraviesa y nos transforma, por qué no, en un bicho horrible que rechaza toda similitud y empatía con nuestros congéneres.
"Metamorphosis" es en este sentido, tal vez una declaración de principios y un muestreo de los parámetros a seguir por Vindsval y los suyos a lo largo de los años, siendo posiblemente lo más opresivo de la placa juntamente con esa masa de payasos muertos que cierra el disco de la mejor forma.
No solo hay cada vez más disonancias y climas enrarecidos, sino que las voces tortuosas que invitan al rechazo se cuelan en tu cabeza para decirte que nada bueno puede salir de esto, con percusiones acaso tribales, de una raza de extraterrestres que odia a la humanidad.
Es en este punto de desprecio y densidad que veo el lazo que los une a esos monstruos cuyo retorno festejo, esta vez desde Inglaterra, los geniales Godflesh.
Un disco impresionante que abrió la puerta a la experimentación no solo de estos músicos, sino del que escribe, que a partir de aquí busco en este tipo de lanzamientos, en su ética y estética, la forma de disfrutar la decadencia de nuestro mundo, con una banda de sonido acorde.

23 de noviembre de 2014

Behemoth "The Satanist" (2014)

sathan
Mierda con el 2014!
Un año tal vez mejor que el 2012 en lo que respecta a discos increíbles y sorprendentes. Y el de los polacos no se queda atrás para nada.
Recuerdo la reseña del Conde Garfield de aquel "Evangelion" (2009), cuando había sido diagnosticado con leucemia Nergal y no se sabía nada acerca de si la banda continuaría o no. En esa reseña, Conde casi suplicaba que haya más discos de Nergal y compañía.
Y, 5 años después, la súplica parece haber sido escuchada por Lucifer, quien obró en consecuencia, inspirando a esta horda de artistas que le rinden culto.
Se impone, de alguna forma compararlo con ese pedazo de culto eterno que es "Evangelion", acaso una colección de las mejores composiciones de Nergal, y "The Satanist" no se queda atrás...
Pero...siempre hay un pero. El disco me suena a corto, más allá que sea un poquitín más largo que el anterior. Y faltan "hits", si se le pudiese pedir esto a Behemoth, que se te incrusten en la cabeza rápidamente.
El inicio no podría ser mejor, desesperante y blasfemo como pocos, logrando incluso matices que no había antes, de la mano de orquestaciones que si bien parecen a primera oída luminosas, son de una oscuridad inaprensible, que generan tensión por donde se lo mira/escuche.
"Messe Noire" es casi un midtempo donde salen a relucir todas las sutilezas de las que Behemoth es capaz, y la letra una clara declaración de principios...como si acaso hiciera falta que Nergal proclame sus creencias y suena a novedad.
Si queremos más blasfemia, péguenle una escuchada a "Amen" y prepárense para que un nuevo proceso judicial ataque a Nergal en la católica y fascista Polonia.
El tema que le da título al disco creo que es el más rokero y relajado, entendiendo eso desde la óptica de la banda por supuesto, incluyendo hasta un sentido solo bien hard, herencia directa de Eddie Van Halen seguramente.
Si bien sigue sonando súper ajustado y extremo, es a mi parecer, un disco que respira más, más relajado, y por eso mismo, transmite una malignidad más punzante y menos cinematográfica que "Evangelion".
Hasta que llega el cierra del disco, con esa otra joya atemporal titulada "O Father O Satan O Sun!, la más extensa de la placa, la más dramática de las 9 canciones del disco, y que sirve perfectamente para coronar otra obra maestra que nos tendrá disfrutando por años.
Un disco increíble de una banda única.

Hijo de la Tormenta "Hijo de la Tormenta" (2014)

Nos "relajemos" y viajemos con esta bonita pieza musical a cargo de estos compatriotas, que bajo el clásico formato de trío nos pega un mazazo en las bolas con música volada, melódica, melancólica, mugrienta y psicodélica, con un vuelo compositivo extrañamente contundente para un debut.
Sigo subrayando lo genial del surgimiento de bandas que no dependen para nada de esos iconos de la historia metalera argentina (llámese Iorio, Hermética, V8, Horcas, Logos, Malón y etc), y que hace también que la escena de la música pesada argentina sea bastante saludable y heterogénea.
En este caso, estamos como ya dije frente al debut del trío cordobés...y pavada de debut, hijos de puta.
Se nota que tienen una química impresionante, logrando climas que atraviesan y generan todos los estados de ánimo imaginables.
Desde la calma desértica e hipnótica del arranque del disco, con un hermoso tema de casi 10 minutos, "Viaje de Ida/Viaje de Vuelta", que a la vez recuerda -no copia- a esos cuelgues de Los Natas, pero que no se extiende eternamente, sino que van generando una tensión, pacientemente, con acordes y arpegios, y pequeñas pinceladas percusivas, que de repente explotan en un ataque oscuro y violento, arrastrándose ya no en arenas secas, sino en un lodo deforme que te succiona el alma y la reemplaza por algún ente que disfruta de la podredumbre que parecería no tener que estar allí, y que altera nuestra percepción del entorno y nuestro propio interior: "...el cielo era rojo y purpura, me fui aceptando un perdón que nunca quise...obligado a reflexionar, que dejaremos atrás las imágenes de dolor...y olvidaremos..."
Podredumbre sin concesiones y violencia sludge es lo que nos depara "Dilusiva", que en un mundo radiofónico ideal sería la banda de sonido para algún relato breve pesimista de Philip Dick, esos en donde la metafísica se funde con la ciencia ficción para crear paisajes desoladores y fantásticos al mismo tiempo, en donde todos dudamos de nuestra cordura o disfrutamos de la locura inducida por algún tóxico que bien podría ser estos sonidos: "Sueños raros anoche, hoy no me puedo ni despertar, bañado en sudor y paranoia, duda, frustración no quiero, no puedo, no me interesa...no me acuerdo, deseo que al final no sólo sea diluirme en el mar...espero que al final no sólo sea diluirme en el mar..."
Y si, por momentos la sutileza stoner psicodélica se abre camino entre la mugre sludge, como una poción mágica que dura poco y hay que aprovecharla para respirar sin temor entre el ácido que nos circunda y que nos podría dejar reducido a un polvo inerte y olvidado. En esa suite llamada "Desde la Espesura", pasan de un extremo a otro, y muestran como si hiciese falta a esta altura del disco, que no solo de mugre se alimenta este Hijo de la Tormenta, sino también de esos sonidos arrastrados y tristes/melancólicos, casi floydeanos que tan bien saben usar por ejemplo, Earth y esa camada de bandas experimentales.
"Sierras del Paimán" es, tranquilamente, un blues en clave stoner/psicodélico, y funciona perfectamente a modo de rélax, frente a la segunda "suite" de la obra, contenida en los dos temas siguientes "Alienación" y "Desalienación", en donde hay una recreación de una entrevista a Buenaventura Durruti, anarquista español, que muriera al comienzo de la Guerra Civil Española, luchando en el bando republicano.
El disco cierra con "Postales del Fin del Mundo", con voces a cargo de Laura Dalmasso, y que también oscila entre lo pesado y lo psicodélico, con una carga de angustia que me recuerda a esa pieza descomunal de arte contemporáneo llamada "The great Gig in the Sky", de los Floyd...pero con más violencia, más muerte y más eco y reverb por supuesto.
Un cierre perfecto para un debut perfecto...viva la música argentina la puta que los parió.
P.D.: visiten su bandcamp, y escuchen esta maravilla.

Ophis "Abhorrence in Opulence" (2014)

opu lento
Hace un par de años, reseñamos un split de estos alemanes, y la verdad que había sido una sorpresa para quien esto escribe, por el sonido y los climas logrados, dejando un sabor delicioso y esperando por más.
Luego de un compilado, llegó el esperado nuevo lanzamiento, con una mejora absolutamente imposible de pasar por alto en el sonido, no solo respecto de aquel split, sino de las dos placas anteriores.
Un sonido muchísimo más profundo y opresivo, casi cercano al funeral, pero tan limpio que deja escuchar no solo todos los instrumentos, sino que refuerza los climas, mucho más melancólicos que antes.
¿Eso significa que ya no hay arranques de furia?
Para nada. Lo que pasa es que se toman más tiempo para desarrollar sus ideas, logrando una especie de trance hipnótico, mala onda y bastante hijo de puta, sin escaparle a pasajes calmos y de una belleza inusitada, sobre todo de parte de esos dos violeros que cada vez demuestran más sensibilidad.
Eso si, las partes violentas, son más violentas que antes, sin que se pierda de vista la idea general ni el estilo en particular.
Podría decir que de las canciones mas conmovedoras elijo "Among the falling stones", que tiene una sección intermedia relajada, más cercana a los clásicos como My Dying Bride, que es sencillamente hermosa, con una carga emotiva de tristeza y melancolía que te aplasta y casi no te deja respirar. Pero sería injusto, porque en realidad es un DISCO, compuesto por 5 canciones extensas, que llegan -juntas- a la hora de extensión del disco, y que resulta importante destacarlo, se diferencian entre si.
Un disco oscuro, denso, no adecuado para neófitos, pero sumamente recomendable para los que disfrutamos de los sonidos y las angustias, para los que nos regodeamos en nuestras propias miserias y hacemos alarde de ello.

22 de noviembre de 2014

In Flames "Siren Charms" (2014)

No solo anduve escuchando buena música en sus diversos formatos y estilos (Death, doom, stoner, Heavy, Thrash, Progresivo, Black)...también me topé con basura igualmente descomunal.
Estoy molesto conmigo mismo, sobre todo porque de alguna forma le sigo prestando atención a estos suecos que hace más de una década que no hacen un disco...no digo genial, pero medianamente bueno y que me sorprenda positivamente.
Y eso, cabe aclararlo, es también culpa mia.
Todavía recuerdo la impresión que me causó ese exceso de adrenalina y vértigo en formato musical de esos discos irremplazables: "Lunar Strain" (1994), "The Jester Race" (1996) y "Whoracle" (1997).
¿Que queda de eso?
Nada, absolutamente nada. Nada de ese vértigo, nada de esas melodías clásicas entrelazadas con riffs extremos...nada de esa pesadez melódica y esa montaña rusa de sensaciones que de forma aparentemente tan fácil lograban trasmitir.
Pareciera como si se hubieran enamorado de esas bandas americanas pedorras New Metal (Papa Roach, Disturbed, Limp Bizkit), y en el mismo camino hubiesen regalado todo el talento para componer uno....un solo riff memorable.
Totalmente olvidable...que suerte que volvió At The Gates, Carcass y que Dark Tranquility nunca se fue.
Una basofia descomunal.

Carcass "Surgical Steel" (2013)

acero
La cantidad descomunal de discos increíbles de bandas que se encontraban separadas o en stand by desde hace años es no solo llamativa, sino auspiciosa.
Una de esas obras descomunales y seguramente atemporales es el "nuevo" de Carcass (y si, ya tiene poco más de un año), que condensa toda su carrera en poco más de 45 minutos y 11 canciones que te patean las encías y las bolas al mismo tiempo.
¿Te gusta la violencia y la melodía de la mano de uno de los violeros que revolucionó el metal extremo en los 80'? ¿Te gusta esa vuelta de tuerca más técnica que apareció con esos dos mazazos titulados "Necroticism: Descanting the Insalubrious" (1991) y "Heartwork" (1993)? ¿O te sentís más cómodo con esos riffs ultrarockeros y repletos de groove de lo que fue el último de estudio hasta ahora?
Bueno, acá vas a encontrar todo eso, en uno de los regresos más esperados de los últimos años, junto con ese mazazo de At the Gates y "13" de La Bruja.
Parece mentira que hayan pasado casi 17 años y sigan tan frescos, violentos y melódicos. Parece mentira que la calidad no haya quedado reducida a una mera parodia de si mismos, pariendo un disco que no solo está a la altura de las circunstancias y de su historia, sino que seguramente va a ser considerado un puto clásico de la música extrema en los próximos años.
Es cierto, no está Ken Owen (por razones obvias) tras los parches...pero hace voces en dos canciones geniales.
Los demás...qué decir: Bill Steer, por si hiciera falta sigue demostrando que lo de él es las música honesta, sea el estilo que sea, y que es uno de los guitarristas más increíbles que dio la historia del metal, con esa mezcla de buen gusto, sutilezas y violencia típica. El "enano" Jeff, sigue estando ahí con su violencia y su sarcasmo tan inglés, demostrando acaso que es el portador del anillo de esta bestia. Y el "nuevo"  Dan Wilding, le hace honor al puesto, demostrando una versatilidad descomunal para llevar adelante una placa que devuelve el sentido que tenía el Death Metal Melódico antes de que aparecieran todos esos clones patéticos...y de que In Flames desbarrancara hacia el largo y profundo abismo de la intrascendencia.
Saludos forenses, valió la pena tanto años de espera.

20 de noviembre de 2014

Nachtmystium "The World We left behind" (2014)

deteneme
Otro disco de la puta madre del loco de mierda de Blake Judd, dejando en claro que las etiquetas están hechas para los imbéciles como nosotros, que necesitamos aparentemente de ellas para poder transmitir en palabras toscas algo de la música que nos gusta, nos interesa o lo que sea.
Lo que pasa cuando el black se mezcla de forma bella y desinteresada con influencias ochentosas es digno de escucharse, sobre todo en estos americanos que no tienen problema en saltar y hacernos viajar con cada canción de década en década.
Un inicio breve e hipnótico, heredero de ese noise de los '80, bien industrialoso y ganchero que condensa rápidamente el alma de la placa, con un riff descomunal que si no se te mueve la cabeza y los pies automáticamente es que tendrías que estar escuchando tan biónica y no a los Nachtmystium.
Riff ganchero + dark wave + retroheavy = "Fireheart", y una declaración de principios que hace honor a la historia de la banda -pero no a su lider-: "...nada en este mundo puede detenerme..."
También hay lugar para el low fi y la magia eterna noruega de las manos de algunas canciones que vienen con unos arpegios limpios ocultos que purifican nuestra renegrida y mísera alma, demostrando que tiene las cosas claras al crear climas que pueden ser corrosivos y violentos, sin verse obligado a abandonar la belleza. Ejemplo: "Into the endless abyss", con teclados que rememoran aquel descomunal "Assassins..." (2008), donde el black y la psicodelia floydeana se daban la mano sin vergüenza alguna y a plena oscuridad del día.
Con "In the abscense of existense" el midtempo y riff inicial remerora al que escribe, aquella canción pseudopop de los dioses noruegos Satyricon, en su última producción, en donde estaban acompañados por Sivert...pero no tan inclinados al pop...solo el aura.
El aura. Algo que Blake siempre tuvo, y del más maligno, en este caso mixado con bases electro extrañas, y guitarras bien disonantes y fáciles de escuchar al mismo tiempo en el tema que le da título al disco y que es una verdadera belleza vertiginosa y épica -tamizado por el sonido de Nachtmystium por supuesto.
Para terminar, un disco que atraviesa y resume de manera perfecta todas las facetas de la banda, dejando la puerta abierta para alguna futura proeza musical.
P.D.: tal vez una de las mejores portadas de la discografía de estos yankees locos.

26 de septiembre de 2014

Earth "Primitive and Deadly" (2014)

viajecito
La puta que lo parió. Volvió Earth, y de una forma que aún no puedo dejar de gritar a los cuatro vientos: ¡Más densos, menos Morricone y menos sonidos de Far West movies!
Volvieron esos sonidos aplastantes, oscuros y áridos como solo ellos saben, pero con un cuelgue blusero que se añoraba desde aquel "The bees made honey in the lion's skull" (2008).
El tremendo viaje empieza con un riff denso, en "Torn by the fox of the crescent moon", un instrumental como los que nos tiene saludablemente acostumbrados Dylan Carlson desde hace años, y con una cadencia que hace que instintivamente cerremos los ojos, la cabeza se empiece a mover...y pum!, de repente estamos en un nocturno y oscuro desierto donde los peligros acechan, y es evidente que no nos importa mientras la banda de sonido de nuestros temores deformes sea Earth...o algo parecido.
Con el segundo tema aparece por primera vez en muchísimos años ("Pentastar: in the style of the demons" (1996)), una voz, y vaya voz! si es el de los mismísimos Screeming Trees Mark Lanegan, que reaparece en el track final del disco. Es verdaderamente impresionante como lo hipnótico de los extensos temas se funden a la perfección con las cuerdas vocales de Lanegan, pareciendo haber estado siempre destinadas a conformar algún tándem esotérico y único, bálsamo para este mundo decadente y peligrosamente soporífero.
Pero lo de este trío va un paso más allá y nos deleita con un mantra descomunal y cuasi circular, con esos drones monolíticos que crea como si nada Dylan Carlson y con la voz de -la para mi desconocida hasta ahora- Rabi Shabeen Qazi de los Rose Windows, banda indie de aquel sello '90 propagador serial del Grunge Subpop...una verdadera hermosura lo hecho en "From the Zodiacal Light"
La mala onda se cuela sutil en el track 4, titulado inteligente y melancólicamente "Even Hell has its heroes", tal vez la más cercana al blues psicodélico e hijo de puta que cultivaron en sus 3 últimos discos.
¿Qué más decir sobre estas bestias? Dylan y los suyos lo hicieron de nuevo...y yo brindo con mi copa en alto porque Earth no detenga nunca su marcha de gliptodonte drogado sobre nuestros oídos.
Gracias por la música.

16 de septiembre de 2014

Crisis Inc. "Profunda sensación distante" (2009)

Estoy encontrando bastante cosas interesantes en esa bendita página Bandcamp, pudiendo disfrutar de sonidos que de otra forma no podría -ya sea por dificultades en la distribución o porque por estos lares no se editan-.
Como podrán ver/escuchar sigo con las bandas argentinas, en este caso algo relativamente tranqui, muy en la onda del Trip Rock que tanto disfrutamos los que seguimos a Anathema, Katatonia, Radiohead y otros similares.
Aparentemente esta es la última muestra de la agrupación (actualmente un sexteto), y debo reconocer que las canciones que más me gustan son aquellas más relajadas y clímáticas, en donde el riff no ataca tanto, como por ejemplo "Lágrimas" o "Frágil", sutiles demostraciones de las capacidades no solo compositivas, sino de la sensibilidad de la que hacen gala.
Lo único que realmente me hace ruido, es que después de estar tan acostumbrado a discos que realmente suenan poderosos -no extremos ni densos-, me sigue sonando a producción amateur. Y no lo digo en el sentido de que hay que poner mucha plata para producir y sonar con fuerza; sino escuchen a Los Random, a  Delphoz o a los mismos Asilo (recientemente posteados): los dos primeros de Tucumán, que pasaron por las manos de Ramiro Rodriguez.
No estaría mal pensar en federalizar también la producción, ya que creo que en manos de Ramiro, las ideas que aparecen en cada una de las canciones y que por ahi suenan un tanto apagadas, cobrarían mayor relevancia.
Pero me fui de tema. Lo importante es que en este disco las canciones son realmente buenas, y que -para mi gusto- les falta un poco de fuerza a la grabación.
Nada Más, disfruten que aquí les dejo, como vengo haciendo, su bandcamp.

15 de septiembre de 2014

Volador G "Volador G" (2004)


Para sacarnos de encima el herrumbre y la viscosidad infecta que nos dejó de regalo Asilo, vamos a ir a algo también de Argentina, más tranqui, pero intenso, rockero y oscuro que lo hace muy adictivo.

Estoy hablando de Volador G, otra de las bandas que tuve la desgracia de descubrir bastante tarde, cuando ya habían -por lo que sé- suspendido sus actividades.
Como información que circula por la red, se formaron a mediados del 2000, empezando a grabar este disco en el mes de Abril del 2003. Por ese entonces, la formación incluía a los miembros fundadores Fernando Pécora (en voz guitarra y piano), Guillermo Schurawlew (bajo) y Juan Manuel Negro (guitarras), quedando en el camino Miguel Fogliese, quien es reemplazado por Diego Chamorro, y luego de grabar gran parte del album, deja la banda, ocupando su lugar Miguel Ángel Vaca (batería); también en coros y guitarras está Gabriel Mateos -quien también oficia de productor-
Lo que hay en este debut es una seguidilla de canciones perfectas, que mezclan de forma sublime poesía post-punk de tinte oscuro-romántica, con una esencia de dark-gothic importantísima, sumado por supuesto a un toque industrial que le da fuerza a cada una de las composiciones realmente sorprendente.
Aparte del Rock, lo industrial, lo dark, hay una sensibilidad pop (la del bueno, onda Virus, Soda Stereo) dando vuelta por todo el disco apabullante, sonando fresco y para nada forzado.
La verdad que no puedo destacar una canción por sobre las demás, ya que tienen todas algo destacable, ya sea la letra, o la música que en algunas se torna bastante violenta.
Por supuesto, como no puedo contra mi mismo, me parece que vale la pena prestar atención a la versión oscurísima y pesada (muy en la onda Depeche Mode) de "No te animás a despegar" del loquillo Charly García.
Una banda del carajo, que si bien esta linkeada a bandas clásicas tanto nacionales como internacionales, tienen una identidad propia, algo que en la actualidad escasea o es difícil de encontrar.

10 de septiembre de 2014

Asilo "Comunion" (2014)

La puta madre, vuelvo otra vez a sorprenderme con bandas de mi país, esta vez con el debut larga duración de estos enfermos del orto de Asilo, cuarteto de Buenos Aires que adolece de guitarras y las suple con alguna de las voces más enfermas de la escena, y dos -sí, dos- bajos ultradistorsionados que no te dejan respirar.
Música  muy hija de puta y mala onda, en la vena de esos otros deformes rotos del cráneo de Khanate, pero con una cuota de oscurísima melodía de fondo (ruiditos, teclas etc) que vuelve más sórdido y exasperante el clima que logran en cada una de las 10 canciones, teñidas a su vez de un noise aplastante y una rapidez que por momentos contrasta con una lentitud viscosa y horrenda.
Lo interesante es que, al igual que Dead Rooster y Wolves Winter, se despegan de la escena cabeza para formar parte de otra, under como la puta que los parió, pero con una identidad apabullante que no hace más que alegrarme, ya que no dependemos de las leyendas para disfrutar de música que nos conmueva...y nos perturbe.
Porque, seamos claros, creo que la música tiene que tener esa cuota de molestia, de joder no al que tenés al lado, sino a vos mismo, al punto que te ves obligado a escuchar una y otra vez a ver si no te equivocaste al escuchar lo que escuchaste.
Fascinante, ya que es un disco homogéneo pero no monótono, cada composición tiene su personalidad, y hay momentos ya sea por la música, por las letras o por su conjunción junto con los sampler que son altamente adictivos. ¿Quieren ejemplos? "Arquitectura del Silencio" es como si a Godflesh se uniera un adicto al paco. En el polo opuesto e inmediatamente después de semejante descarga industrial/noise/loquesea, aparece "(Anti voz)", solo con un teclado relajado, que te permite respirar y sorprenderte por la luminosidad y tranquilidad que se te clava en la mente, con este mantra: "El gran silencio ante el ruido inútil".
¿¡Y lo que aparece en "Dinámica del cambio", la puta madre?! Hasta los sampler -como decía- están impresionantes, con esos teclados que van apareciendo en fade in y que provienen del genial Hieronymus Bosch y su "Jardin de las Delicias"
Temas extensos, densos en la mayoría de los casos, logran un disco de casi una hora que se pasa tan rápido que hace falta escucharlo otra vez, y otra vez, y otra vez.
Palabras aparte merece el arte de tapa (no tengo el físico, pero ya lo voy a conseguir), que logra transmitir toda la desesperanza, miseria y podredumbre de una vida gris.
Hace días que no lo saco del reproductor mp3, y cada vez que estoy en casa, lo escucho en mi equipo, a un gran volumen, como se DEBE escuchar esto.
Les dejo para que deleiten sus oídos, y de paso los perviertan su bandcamp.
Saludos Asilo, gracias por semejante martillazo en la cabeza.

26 de agosto de 2014

Opeth "Deliverance" (2002)

deeeethhh
Ahora que Opeth está fuera del metal más extremo desde hace unos añitos (el último en el género data del año 2008: "Watershed"), no está de más re-visitar uno de los más extremos de su discografía, sobre todo teniendo en cuenta que estuvo en serie y por obra del sello no fue un doble con "Damnation" (2003), esa maravilla progresiva que avisaba con años de anticipación el camino a seguir por los sueco-uruguayos.
Porque por estos años todavía estaban los dos Martines, sosteniendo una de las mejores secciones rítmicas de la historia del grupo.
No puedo decir que sea todo extremo, ya que el juego entre los polos "tranquilo" y "extremo" siempre fue la marca registrada de Opeth, con tonalidades y climas oscuros -siempre- y momentos opresivos y muy densos -muchas veces, para bajar las revoluciones y generar más texturas.
Esto se da en una serie de 6 composiciones absolutamente descomunales todas ellas de más de 10 minutos, con excepción de ese tenue arrullo instrumental de un par de minutos titulado "For Abscent Friends".
No podría elegir una representativa, más allá de ese homenaje cuasi explícito de Mikael a su cantante favorito de Death Metal, David Vincent, si el de Morbid Angel hasta "Domination" (porque el último es una verdadera basura). Y si no es un homenaje, que vayan devolviendo la platita, porque "Master's Apprentices" tiene un riff taaan parecido a "Where the slime live" de ese disco del ángel mórbido, y el ritmo que marca la batería es tannn parecido...pero es Opeth que mierda, y no necesitan robarle a nadie para hacer cosas descomunales como esta obra de arte, que es casi como un llamado de atención sobre lo que empezarían "tibiamente" en el disco editado apenas meses después.
Y no es la primera vez que se despachan con un disco "plagado" de temas extensos, ya que unos pocos años antes lanzaron el descomunal "Morningrise" (1996)...pero es como que en este lo extremo es más extremo y lo progresivo se acentúa aún más todavía, transformando cada uno de los temas en una montaña rusa de vértigo, miedo, ira y paz como pocas veces se conjugaran en la obra no solo de los suecos, sino de la música pesada en general.
Un verdadero clásico, acá a la vuelta de la esquina.

24 de agosto de 2014

Dark Funeral "Vobiscum Satanas (1998)

metalnero
Y si, como para sacarme de encima por un rato a Anathema, tenía que ir hacia Suecia, donde el Black metal discurre por caminos más violentos que en otras latitudes.
Pero que haya violencia musical no significa que no se pueda disfrutar, de una forma un tanto retorcida, de las oscuras melodías y los riffs vertiginosos disparados desde los instrumentos de Lord Ahriman y Typhos, sostenidos en la sección rítmica bestial de Emperor Magus Calígula (bajo y voz) y Alzazmon (batería).
Resulta más sorprendente todavía que si nos fijamos en la formación, el único que quedó de ese seminal "The Secret of the Black Arts" (1996) fue Arhiman, hoy líder indiscutible del quinteto.
Lo que en este disco se aprecia es una mejora notable en la grabación y sonido esgrimido en el debut, gracias a las manitos mágicas de ese enano maligno llamado Peter Tägtgren, dueño de los Abyss Studios, donde se grabaron algunas de las mejores joyitas del metal extremo de los '90.
Todo suena pulcro y límpido, con espacio para que se luzcan cada una de las sangrientas pinceladas anticristianas que escupen odio a lo largo de los casi 36 minutos que dura el LP.
¿Te parece poco? Después de que lo escuches, vas a quedar con tal exceso de adrenalina, que vas a decir "¡que suerte que no llega a los 40'!"
Uno de esos discos que te hace pensar si realmente es necesario tanto teclado y voces femeninas en la música extrema, con el pretexto de sonar más oscuros o fríos.
Desde Suecia con odio anticristiano, llega Dark Funeral, con un clásico absoluto del metal más negro, ideal para acompañar este frío que esta retornando.

22 de agosto de 2014

Anathema "Distant Satellites" (2014)

No podría ser de otra forma, no puedo dejar de escuchar esta putísima obra de arte una y otra vez.
Sencillamente no puedo, nada es comparable a lo que Anathema hace en mi sistema nervioso o como se les ocurra llamarlo...si la música de estos tipos no te provoca algo, es que estás muerto y no te diste cuenta.
Y me tienen las bolas llenas los que se quejan de ese supuesto giro "electrónico" (!?) de la banda, pareciendo que desde hace años no escuchan Anathema.....escuchar, se entiende?
Porque, la verdad, no tiene sentido despotricar, ya que al final del día y habiendo recorrido su amplia discografía, sin dejar de señalar tímidamente que los escucho desde aquel descomunal "The Silent Enigma" (1995), termino gritando a viva voz y con lágrimas en los ojos que este es uno de los grandes discos de la banda, en un historial que no tiene ningún disco que sea tildado de simplemente "bueno".
Hay referencias a muchos momentos increíbles de su historia, y lo que logran con la "relectura electrónica" es simplemente hermosa. Como hermosas son las líricas, un tanto alejadas de la bella oscuridad con la que que tanto nos inundaban antaño, pero sin dejar de lado la intensidad ni la angustia, que ya es la marca registrada de Anathema.
El comienzo no puede ser más esperanzador, y un breve susurro de Lee nos avisa que nada es lo que parece en nuestro mundo, ni siquiera un acontecimiento tan increíble como el enamoramiento: "...y viniste a mi de alguna forma, y mi vida nunca será la misma...el miedo es sólo una ilusión...", con unos arreglos de cuerdas finales que sirven de intro al maravilloso "The Lost Song pt.2", donde Lee demuestra que si bien no tiene los recursos de Anneke o de Kari Rueslatten....pero que importa... si con susurrar un minuto nos (me) compra y me emociona con esa tristeza y desesperanza que transmite tan fácilmente: "...no puedo creer que haya sido sólo una ilusión..."...qué? el miedo, el amor, qué, por Satán que alguien me lo diga o que Lee me lo susurre con su voz de brisa tenue y tibia en el oído.
La música de los de Liverpool siempre fue catártica, siempre fue desesperante, incluso en sus canciones más luminosas, y en "Dusk", el dúo entre Vincent y Lee es descomunal, me atrevería a decir de lo mejor de sus carreras, atravesando todas las emociones en una canción de breves 6 minutos.
Si "Dusk" es genial...que carajo puedo decir de "Ariel"?!: un amor tan fuerte que duele....
Pasan los minutos y las canciones se inscrustan en mi mente como si siempre hubiese estado ahí ese receptor que destila miseria y se regocija en el dolor propio, necesitando sufrir para disfrutar, y así aparece "Anathema" (el tema), lo más cercano a "Judgement" (el disco), tan desesperante y angustiante como antaño, y con más experiencia y con las cosas más claras.
Y como para variar y meter algo a lo que ya nos tienen acostumbrados, tenemos esa joyita punk (a lo Anathema, por supuesto) de "You're not alone", junto con el intrumental del disco.
Supongo que el tema homónimo del disco es el que jode...pero como dicen los españoles: a tomar por culo! Muestran como absorvieron las influencias de bandas de la talla de Radiohead (también en "The Lost song pt.3, que me recuerda mucho a "Paranoid Android"), tamizadas y formateadas por esas mentes maestras que son los hermanitos Cavanagh, quienes no podemos negarlo, dejaron que Cardozo (multiinstrumentista del carajo y de larga trayectoria en infinidad de bandas) metiera mano en las composiciones...y lo bien que hicieron, la puta madre.
"Take Shelter" es una canción relajante, opción inmejorable para finalizar una nueva obra de arte, que de acá a mediados de Siglo, será reinvindicada como uno de los grandes discos de la banda.
Creo que desde "Judgement" no me emociona tanto un disco de Anathema....uno de los mejores discos que escuché en mi vida, y eso no es poco.
Disculpen la demora en postear más reseñas, es que sigo escuchando esto...chau, a soñar con esos satélites distantes que muchas veces pueden estar cerca nuestro y ni nos damos cuenta.
A veces viene bien un poco de oscuridad, entre tanta luz berreta que no nos deja ver bien.

25 de junio de 2014

Taura "El fin del color" (2011)

Día gris y melancólico, lluvioso, ideal para degustar una de las grandes y pocas bandas de Rock argentinas que se salen del molde rolinga, futbolizado y cuadradote cabeza de tacho.
Para que mentir, esta banda me puede realmente, y tiene el formato que hace brillar los oídos de quien escribe: es un puto trío carajo!!!! (está bien, más la voz, pero es un trío, no jodan), bajo, batería y guitarra. 
Todo lo que se insinuaba en aquel primer disco ("Mil silencios"), y que se potenció en el increíble "Huésped", acá te pega en la cabeza casi sin piedad, y se te mete en lo más profundo de la mente, evocando imágenes desoladoras y opresivas sí...pero cálidas al mismo tiempo.
Guitarras más fuertes y más sutiles, arreglos en la batería que por momentos son mantras que inducen visiones desoladas, y un bajo mucho más presente que en lanzamientos anteriores...
Parece contradictorio, pero no, esas sensaciones pueden ir juntas cuando uno tiene ante sus oídos bandas como ésta, que por suerte se hacen cada vez más presentes en nuestro país.
Canciones hay de sobra como para sentirse acompañado en una noche fría de invierno, rodeado de nuestras soledades más preciadas.
Un arranque bien arriba y seco, con "No Luz", que es una franca contradicción con lo que ofrece Taura en este disco. La trampa es que los colores que disparan cada uno de los 13 temas, son opacos, la mayoría...tonalidades de gris tristeza, en donde si se destaca alguna es por una elección puramente arbitraria al momento de escribir.
Todo, todo es dolor, todo es algo fallido que permite escribir y recordar, con una delicadeza maravillosa a algún amor (perdido o no); "Jardín de Cenizas": Una caricia que no llega, que se suspende en el aire. Mirándome, engañándome, creyéndose invisible. Más que un suspiro, mucho más. Más que una hora sin hablar. Dejé de ser y convertí en cenizas nuestro jardín. Una caricia que no llega, que se desvanece en el aire. Más que extrañarte, mucho más. Más que soñarte, mucho más. Dejé de ser y convertí en cenizas nuestro jardín.
Tampoco voy a dejar afuera a "Cántaros", o "200 días"...Parece mentira, pero son canciones esperanzadoras, a su manera, esperanzadoras y profundamente nocturnas.
No voy a seguir escribiendo, solo les dejo el link del bandcamp de Taura para que no se pierdan.
P.D.:escuchen y comenten no sean forros.

27 de abril de 2014

Dead Rooster "Witches of Belial" e.p. (2012)

belial
Esto si es jodido, y es uno de los signos que me dicen casi al oído -como una confesión-que no todo está perdido.
No todo está perdido en la escena Argentina, en la extrema, donde se inscribe Dead Rooster, junto por ejemplo a Wolves Winter, banda de Black reseñada por el Conde hace unos días, y varias más. Y eso es genial, sobre todo porque las leyendas siguen siendo tan mediocres y patéticas como siempre (quieren nombres?: Iorio a la cabeza, Malón, Horcas, etc.), ancladas en un pasado tan cabeza de tacho que si te desviás un poquito ya sos un poser.
Es cierto que en el país no hay una movida de Doom tan impresionante como la de Chile, por ejemplo, pero hubo bandas únicas como Pandemia, que antes de pegar el salto se terminaron separando.
Lo de los 'Rooster va por otro lado, mas cercano al costado crudo y "horrible" del doom, ese que supo hacer la gente de Burning Witch o Khanate, con ese bajo bien distorsionado y gordo adelante de la mezcla, acompañando una batería lentísima y sucia...aunque no menos sucia que la guitarra, que se arrastra cual babosa embadurnada en sal, dejando tras de si una mancha de sangre olorosa y pútrida, casi tanto como su música.
Las voces (Lucien Anello) son las que los acercan a esas bandas señaladas, siendo cáustica y corrosiva por igual, destilando asco y podredumbre, como debe ser en este estilo.
Ojalá haya más de estas bandas, ojalá dejemos de ser tan imbéciles creyendo que todo lo que escupe la máquina heavy anquilosada argentina es único y superlativo. Porque así, no vamos a poder disfrutar nunca de la variedad que este tipo de música necesita para sobrevivir.
Por más bandas experimentales, y por una escena más diversa, aguante Dead Rooster (y toda la camada de bandas nuevas).

Sunn O))) & Ulver "Terrestrials" (2014)

solnoruego
Mientras el Conde realiza reseñas magistrales sobre las nuevas bandas extremas de Argentina, retorno con este discazo ultra experimental, producto de la colaboración compositiva de dos bandas imprescindibles, por lo menos para quien escribe: los americanos Sunn O))) y los noruegos Ulver.
No hacen falta demasiadas palabras para dar a conocer a ambas bandas, ni mucho menos dar cuenta de los cambios que fueron metiendo en su arte a lo largo de los años.
Ya desde el inicio hay que prepararse para degustar esta obra, ya que tarda en arrancar, casi como una súplica, "Let there be Light", algo irónico si tenemos en cuenta una de las características principales de la música que estas bandas hacen. Paradójicamente, si bien lo noisy está presente, la luminosidad de este tema inicial es descomunal y casi el más disfrutable de los 3 que componen la placa.
"Western Horn" es el tema más corto, y creo que no solo el más oscuro, sino el que más se acerca al sonido de los americanos, sobre todo a ese increíble "Monoliths & Dimensions", con una oscuridad casi palpable que no te permite respirar y que te atrapa...como el último track de este viaje oscuro pero para nada jodido, en comparación de esfuerzos anteriores tanto de Sunn O))) como de Ulver.
Con "Eternal Return" llegan las voces del genial Rygg, para demostrar, como si hiciera falta, que él posee una de las cuerdas vocales más versátiles de todo el panorama musical actual.
Algo que me llamó la atención cuando recién lo escuché, es la casi ausencia del Drone enfermo de Sunn, ocupando más espacio esos climas ambientales que estamos acostumbrados a escuchar desde hace varios años en los discos de Ulver.
Si bien es cierto que es necesario estar en un estado de ánimo especial para dejarse llevar en este viaje, vale la pena hacer el esfuerzo.

15 de abril de 2014

Wolves Winter "The Spell of Necromancy"-demo- (2011)

Es asombroso ver como las movidas under de música extrema han crecido inexorablemente a lo largo y a lo ancho de país, hoy en día hay más bandas extremas en el norte centro y sur de país que en los 90's y eso demuestra la apertura cerebral de mucha gente que quizás ya tenía alguna idea de black metal o death-grind y todos sus sub-estilos; y por supuesto que nuevas hordas de metaleros sedientos de sangre tanto a nivel audiencia como músicos contemporáneos fueron responsables de tan notable crecimiento en una escena en la que todavía hay que  remarla entre tantos soretes cagadores y gente traidora, pero en fin...      

Gente nueva, bandas nuevas , ese es el caso de Wolves Winter, una banda  de la nueva generación del black metal argentino (del 2000 en adelante), una banda verdaderamente oscura en todo sentido y digo esto porque este demo es el punto de partida de la creación enferma y personal de su líder y alma mater: Beelzebuth Nazgul y su ejército de artillería  distorsionada  venenosa y  macabra.
Es muy gratificante saber que "Spell of necromancy" llegó muy lejos, a tal punto que tuvieron una edición norteamericana en los tan antológicos cassettes, una joya verdaderamente para coleccionistas.
Ahora bien, ¿qué es Spell of necromancy? Es simplemente una descarga desesperante de odio y oscuridad que puede llegar a poseerte a medida que suenan sus temas de principio a fin, una demostración de que en este país hay gente con suficientes neuronas para hacer buena música y por sobre todo buen black (cosa que no solemos escuchar todos los días ya que hay demasiadas bandas que suenan espantosas), sus temas son una mezcla justa de verdadero black de la primera época donde las  guitarras tienen el rol principal, mas una voz estridente cavernosa que parece haber sido grabada en una tumba subterránea de algún viejo cementerio, donde los féretros están tan llenos de podredumbre y bronca despiadada, de tanta mierda desgraciada que les toco vivir en la etapa corpórea de ratas inmundas llamadas seres humanos.
Aceleración, grind, melodías de puro black old school, baterías claras, partes a medio tiempo, cambios de ritmos y velocidades, una pizca de thrash por qué no? pero black metal al fin!!
¿Qué podría citar? Setherial, Beherith, Urgehal, Behemoth y Darkthrone (por supuesto, las primeras épocas), odio las comparaciones pero mucha gente quiere saber...¿que onda la banda? Algo tan trillado y aburrido eso de cuestionar las bandas antes de escucharlas, pero bueno, quizás la banda mas contemporánea que pueda nombrar para referirme a Wolves Winter sea Xasthur, los gritos desesperantes de  Beelzebuth me hacen recordar a esta gente.
Supe de ellos a través de internet y vi sus fotos impactantes de  recientes actuaciones en Salta y Jujuy y el make-up de Beelzebuth me llamó poderosamente la atención, nunca había visto un tipo maquillado de esa forma, es más, muy artístico realmente, así que inmediatamente busque el demo  e información; con respecto a su lírica y convicciones debo decir que Wolves Winter practican: ocultismo, misticismo, nigromancia, espiritismo, magia negra, cultos herméticos y tradición qayinita, una filosofía de vida  y convicciones que raramente encontremos en bandas de metal de hoy en día y que seguramente su líder es un estudioso de ellas.
Por último debo agregar que la banda tiene disponible un material en vivo "A ceremony with darkness" mas una participación en el tributo nacional a los dioses Bathory, y por supuesto están terminando la grabación de lo que será su primer disco oficial, disco que seguro tendremos el placer de disfrutar y postear por medio de nuestro humilde blog en donde posteamos la música que nos gusta; estoy seguro que el material nuevo será una verdadera masacre que hará las delicias de sangrantes oídos de seres inmortales y eternos como nosotros los que escuchamos buena música.

1 de abril de 2014

Luca Prodan "Perdedores Hermosos" (1983)

pelado
Una reliquia de este pelado maestro que le cambió la cara a nuestro Rock.
Todos conocemos su historia, su pasaje por la más cheta institución educativa del Reino Unido, su predilección por las drogas duras y el haber vislumbrado en una postal de las sierras cordobesas el refugio donde escapar de su adicción a la heroína (para reemplazarla por la ginebra).
¿Eso es lo importante? Para nada. En todo proyecto donde intervino Luca, lo importante eran las canciones, con esa sensibilidad descomunal que tenía para capturar el alma de algo que rápidamente transmitía y se te clavaba en la mente, y ya no había forma de sacarlo.
¿Qué es esto entonces? Música señores, y de la más inglesa que pudiera componer el Pelado. Están todas las influencias que le conocemos en Sumo, pero con algunos toques más experimentales y oscuros, y una psicodelia tamizada que hace a cada uno de los 10 temas un viaje sin retorno a los inicios de Luca en nuestras tierras.
Lo acompañan Pettinato, Arnedo en contrabajo, Daffunchio y Sokol.
P.D.: Hay un par de covers verdaderamente geniales de Lou Reed y de Bowie, cerrando con una canción de John Martyn.

20 de marzo de 2014

Santuario "13 golpes en el frío" (2014)

Pasaron 10 años desde "Las Alas de la libertad y nuestro refugio", el primer disco de los salteños que llevan desde el año 1996 dando vueltas, y cuyo demo constituye a mi entender uno de los mejores editados en la Argentina en la década del '90.
Ese primer disco había resultado un golpe de aire fresco para el que esto escribe, y me quedé con las ganas de ese e.p. que aún no consigo.
Para este caso, en uno de mis viajes a la Prov. de Salta, conseguí el disco, y desde ese momento (fines de enero), lo escuché muchísimas veces, dejando de lado la sorpresa que me produjo fundamentalmente la voz femenina, a cargo de Paula Zenzano.
Santuario siempre se caracterizó por una calidad compositiva difícil de encontrar, por lo menos en la Argentina, y cada uno de los músicos a mi entender se destacan en lo suyo, con muestras de sutilezas y ausencias de poses autoindulgentes superfluas y pedorras.
Un arranque a todo Death n'Roll y Death melódico, herencia de lo mejor de Carcass, nos golpea en "Algunos otros".
Con "Perros de la hoguera" nos regalan un estribillo imposible de olvidar, bien clásico, casi tanto como el solo de viola presente, que me lleva no solo a Carcass, sino a esas melodías adictivas post At the Gates, y una de las letras más interesantes del disco, con Andrés Gimenez en voces invitadas.
"Cruzando la marea" me encanta aunque tiene algo que me molesta, y es el groove medio saltarín que me recuerda mucho a ANIMAL (recordemos que Andrés Gimenez está como productor artístico); "Vuelos" suena, si acaso es posible, bien melancólico y tristón, acompañando unas líricas muy interesantes, algo que por otro lado estamos acostumbrados a escuchar proveniente de la pluma de "Cuca" Zenzano, el baterista de la banda.
Sigo escuchando el disco y me doy cuenta que el formato death metal nunca fue aquello a lo que apuntó Santuario, sino que su búsqueda fue/es un ida y vuelta por varios géneros, subgéneros y estilos, con una personalidad única e interesantísima, a la que se suma en este disco las voces femeninas de Paula (que reconozco no me terminan de convencer).
Hernán Bass (guitarras, antes bajista) hace un trabajo genial, con un buen gusto maravilloso, mientras que Fernando Gatto (bajo) tiene una presencia clara. Palabras aparte para Esteban Agüero, una fucking bestia desde todo punto de vista, y uno de los pocos capaces en nuestro país de pudrir y cantar limpio con la misma calidad e intensidad.
Lo de Paula, si bien tengo la idea que le falta a la voz y la técnica (sobre todo al momento de llegar alto), no puedo dejar de señalar que "Sin Vueltas" me parece un tema impresionante, no solo una bisagra en el disco, sino en la carrera de Santuario, indicando que eso podría ser una veta muy interesante a descubrir.
Se me ocurre que si sigo escribiendo, esto va a ser más un ensayo sobre lo que recuerdo de aquella escena salteña de los '90 (Santuario, Skombros, Pogrom, Coprófago, Vae Solis, etc...pavada de escena) que una reseña sobre el disco nuevo de Santuario.
Antes de darle paso al link, me gustaría decir que no hay muchas bandas que puedan darse el lujo de avanzar y mostrar sus cambios sin dejar a alguien desilusionado. Santuario cambian, muestran otras facetas y otras vetas, y de paso, te pegan trece golpes en la cabeza, pero bien calientes, y llenos de sangre e ímpetu por gritar que todavía siguen dando que hablar, por lo menos a quienes nos gusta esta escena norteña, acaso la más saludable de toda Argentina.
Diríjanse al bandcamp de la banda y disfruten, vale la pena de verdad.
P.D.: no puedo dejar de pensar lo tremendo que podría ser una colaboración entre los salteños y Ramiro, de acá de Tucumán.

18 de marzo de 2014

Vox Dei "Jeremías pies de plomo" (1972)

plomo
Ya que venimos hablando de pioneros no puedo dejar este hermoso disco de mis compatriotas Vox Dei, presentes en el blog con dos reseñas anteriores.
Ya como trío, por la salida de Godoy, se despachan con un disco en la vena clásica de ellos, con un sonido bien crudo y un bajo bien gordo que siempre dice presente a lo largo de la placa.
Parece mentira que habiendo sido editado hace ya tantos años, suene no solamemente fresco, sino actual.
Me refiero a que, como con todas las cosas, hay discs que si bien son buenos, las canciones son geniales, etc., el paso del tiempo no les hace bien y terminan sonando apagados y casi sin fuerza...pero claro, era algo que a los de Willy Quiroga y compañía les sobraba, así como talento a la hora de componer.
Lo de siempre, mucho rock, mucho, pero muchísimo blues con toda la onda folky presente en otros lanzamientos y varias gemas históricas de nuestro rock nacional: entre ellas, "Detrás del vidrio" y "Sin separarnos más".
Uno de los indispensables del Rock Nacional Argentino, y de Vox Dei

17 de marzo de 2014

Cynic "Traiced in Air" (2008)

cinicos
Salió hace poco el nuevo de los pioneros del Death técnico, y revisando el blog me doy cuenta que nunca posteé nada de estos verdaderos genios y enfermitos.
Encima este es su segundo disco desde su formación en el año 1987, que salió editado luego de un parate de varios años, sobre todo debido a la incomprensión de la escena allá por el año 1994, luego de la edición de esa obra descomunal, única e irrepetible llamada "Focus".
Canciones donde los riffs vuelan y se entremezclan con arreglos de bajo minuciosos, casi piezas de relojería, sostenidas en un trabajo de percusión y batería salido de otro planeta.
Estamos hablando de músicos que participaron en algunas de las bandas más complejas del ámbito progresivo: en batería y percusión Sean Reinert (Death -tocó en "Human", Gordian Knot); Sean Malone en bajo y stick (también en Gordian Knot, OSI); Tymon Kruidenier (en las voces gritadas y guitarras, es el más nuevito y actualmente no forma parte de la banda) y Paul Masdival en guitarras, voces, sintetizadores (también tocó en el "Human" de Death).
Para los que no conocen la banda, puede que haya un punto que les resulte molesto y/o aburrido: las voces procesadas o robotizadas de Masdival, pero ese detalle cae simplemente por la descomunal calidad de la música y los climas logrados.
Un disco realmente increible, de una banda que marcó un camino a seguir por infinidad de artistas.
P.D.: el artista encargado del diseño de portada y la artística, es el mismo de aquel extraño "Focus".

Theatre of Tragedy "Aegis" (1998)

rosas
Que mejor que salir del último de los holandeses y entrar en esta maravilla noruega que sorprendió a mas de uno con este disco.
Hagamos un poco de memoria. Estos noruegos fueron unos de los primeros en meter una soprano en el estilo que cultivaban en sus inicios, un hermoso y profundo Death Doom con toques de romanticismo clásico que helaba la sangre.
Para este disco, la dupla de guitarristas cambió, y los nuevos trajeron a su vez nuevas influencias, tomadas desde el dark pop más refinado, y logrando lo que para muchos metaleros es una utopía: cambiar el sonido y el estilo y no ser defenestrado en el intento. Es cierto que otras bandas lo lograron (Anathema, por ejemplo) y lo pudieron sostener en el tiempo, pero eso es para otra reseña.
Aquí la profundidad tiene colores más diáfanos y pinceladas que no generan la tensión que había en "Velvet Darkness They Fear", pero que son muchísimo más efectivas en eso de clavarse en la mente y sonar como un mantra repetitivo que relaja aunque uno de oponga.
Las intervenciones dramáticas de Liv (esa belleza noruega que compite con la otra musa, Kari) se tornan más etéreas y profundas, demostrando sus capacidades vocales y sosteniendo un laburo impresionante desde todos los ángulos imaginables.
Otro que se destaca es Raimond, que deja las voces podridas para encaminarse a oscuros y románticos recitados.
No hay ningún tema que se destaque, ya que estamos frente a un clásico que es obligatorio escuchar completo...aunque "Siren" me puede, siendo el más "doom" de la placa.
Una obra de arte, que se volvió inolvidable justo después que salió ese bodrio igualmente insuperable titulado "Musique", un hito de la porquería musical emanado de las entrañas de Noruega.

11 de marzo de 2014

Within Temptation "Hydra" (2014)

Añadir leyenda
Y si, parece mentira que sea la misma banda que a fines de los '90 editaba maravillas tales como "Enter" (1997) o "Mother Earth" (2000). De hecho, mientras escribía esta reseña, tuve que parar de escuchar el disco  basculaba entre un programa de radio que escucho desde hace más de 20 años ("La Venganza será terrible", conducido por Alejandro Dolina), y el increíble "Enter", justamente la puerta de entrada personal a la música de estos holandeses.
Lo que antes sonaba profundo y terrible, y nos dibujaba una sonrisa sufrida ante la belleza y el dolor que transmitían de una forma más rústica pero muchísimo más honesta, hoy no provoca ni siquiera gracia y si mucha vergüencita ajena, esa que se deja ver cuando un músico y/o banda entrega su integridad artística por un puñado de billetes o por un mercado más adolescente y superficial.
Eso es lo que (me) duele y sorprende, la superficialidad de las canciones que no llegan ni a provocar incomodidad. Si me pongo en quisquilloso, tomando el disco "The unforgiving" (del 2011), esto bien podría ser un intento de reencaminar una seguidilla de lanzamientos que apenas despegan del mote de patético, pero emerge en mis oídos esa porquería pseudorapeada de "And we run", y necesito sacudirme esos yea! de la mente, con cualquier cosa, temiendo que esto lleve a una pérdida de mi capacidad sensorial y de disfrute de la música.
Encima no se puede decir que Sharon den Adel tenga una voz fea, por el contrario, es capaz de emocionar con un caudal impresionante...pero no hoy, no ahora. Están evidentemente más preocupados por captar la atención de aquellos chico/as que escuchan a Avril Lavigne o como quiera que se llame, que en hacer música interesante.
Y eso es todo, para mi, que es el que esto escribe, Within Temptation no es interesante, no me genera nada...bueno en realidad si, quiero salir ya de aquí a escuchar esos primeros discos, honestos, sinfónicos y poderosos, para olvidarme que no solo a los suecos (In Flames) les puede pasar, los holandeses también pueden confundir evolución con porquerías difíciles de digerir, casi tanto como un tacho de basura.

8 de marzo de 2014

Divine Heresy "Bringer of Plagues" (2009)

"Aquel que traiga las plagas sera el dueño legítimo de la tierra por los siglos de los siglos"...Sabias palabras de Dino Cazares en alguna cita del músico cuando fue entrevistado en pleno proceso de creación de este disco.
La mayoría de los lectores de nuestro blog conocen  indudablemente quien es Dino Cazares, entonces, para no aburrir resumamos: el gordo dejó Fear Factory por problemas muy densos a nivel personal con la banda y su salida provocó la creación de "Divine Heresy" (ahora bien, de su posterior regreso a  la factoría del miedo no hablo porque es harina de otro costal).
Me gustaría seguir esta entrada con palabras de alabanza al señor de la pulcritud y la limpieza del metal de los 90: Dino sos tan fiero y aun así tenes miles de minas que se te tiran encima porque tu actitud porno garpa y me das bronca por eso (o envidia jeje)!!!, Dino sos tan gordo que podría decir que sos una garrafa de gas con remera negra sobre el escenario, pero lo que nadie puede discutir que sos el tipo mas limpio de la tierra tocando la guitarra, tus riffs son geniales, precisos, matemáticos, quirúrgicos, Dino debo admitir que sos un genio en definitiva.
Haber creado unas banda con el sonido de Divine Heresy no debe ser un soplar y hacer botella de una día para el otro, solo con dos discos en su historial Dino sigue dando cátedra de como tocar la guitarra y sonar limpio y preciso; si bien Divine Heresy tiene una herencia directa y por que no simbiótica con Fear Factory, es una progresión y extensión de ese sonido que tanto nos marco en los '90.
"Bringer of plagues" tiene todo señores: limpieza, podredumbre, precisión quirúrgica, bombas atómicas sedientas de explotar en tus speakers cuando escuches esta obra de arte metalizada.
Si bien Dino es el alma mater de la banda, este disco genial no sería lo mismo si no tuviese ese vocalista versátil (Travis Neal) que juega entre el growling más podrido y las voces limpias de buen gusto, y ni hablar de quien destruye  los parches: Tim Yeung (Aurora Borealis, Hate Eternal, Decrepit Birth y Morbid Angel (grabó esa bazofia llamada "Illud divinum insanus" lamentablemente)): este pedazo de animal merece un párrafo aparte, o sea, me cuesta creer que haya bateristas tan mecanizados como este, pero es así, este tipo realmente no puede ser tan bueno y preciso tocando, en realidad hasta creería que no es humano, es un extraterrestre de la percusión, su participación en el disco es tan imprescindible como la médula espinal en el mismísimo cuerpo humano.
La lírica no trae nada nuevo o innovador, todo se basa en un contexto apocalíptico y de destrucción inminente del planeta, pero que son muy bien desarrolladas y metafóricamente atractivas:..."que suenen las 7 sirenas de la la destrucción, la caída de todo lo que conocemos, que se revelen los 7 símbolos del caos, que suenen las 7 sirenas de la destrucción, traigan las revelaciones, que se levanten los 7 ángeles del infierno, que traigan la devastación..."(Bringer of plagues, track 4).
Realmente entre tanta incertidumbre mundial con esto de la 3º guerra mundial: U.S.A., Rusia, China, Ucrania, etc, bien nos vendría escuchar discos como estos ya que nos queda tan poca vida en esta tierra devastada,y no estaría de mas decir que el mundo mismo y el metal extremo en general necesitan de bandas tan frescas y únicas como Divine Heresy. 

4 de marzo de 2014

Impaled Nazarene "Ugra-Karma" (1993)

karmalo
Si, sigo con el Black Metal a full. Lo que pasa es que buscando en mis archivos encontré esta joyita que tuve la oportunidad de escuchar allá por el año 1994 (no estaba para nada metido en el black metal en esa época), y que rechacé como un estúpido cuando me lo quisieron regalar junto con el "Pure Holocaust" de Immortal, lo cual ya conté en otra reseña creo.
Pocos discos son tan bestiales y violentos como este, y dentro de la discografía de los finlandeses, pocos tienen esta seguidilla que te destroza la cabeza gracias a una mezcla perfecta de Black Metal, música industrial (casi ni se nota...es como un aura que rodea todo el disco), actitud Punk/Crust que está presente a lo largo de los casi 39 minutos.
También es interesante esos teclados que sobrevuelan algunos temas, y le dan un clima muy violento y al mismo tiempo muy oscuro, sino prueben "Hate", una de las joyas del disco, en donde podemos escuchar un sampler extraído del Nombre de la Rosa, la película del 86'.
Las guitarras (Jarno y Kimmo Luttinen) van desde el Death al black más roñoso sin siquiera preocuparse por la salud mental del que se somete a la tortura de Impaled y de esta placa, acompañada de manera casi psicótica por el aporreo violento de los parches (Kimmo otra vez), mientras que un bajo (Taneli Jarva, también miembro por esos años de Sentenced) tremendamente distorsionado juega a las escondidas.
Palabras aparte para la esquizofrenia vocal del jodido desquiciado de Mika Luttinen (hermano de Kimmo y líder de la banda), que debe hacer gárgaras con clavos y ácido muriático todas las mañanas para lograr semejante caos corrosivo en cada intervención.
Ya señalé una de los temas más representativos, pero también escuchen ese grincoroso "Coraxo" o el cuasi tecno marchoso "Gott ist Tot (Antichrist war mix), y "Cyberchrist" (con un riff inicial similar al de "Gott..."), en donde podemos deleitarnos con el sampler sacado de Gremlins 2.
La portada original del disco tuvo que ser eliminada (nunca habían pagado los derechos de autor), y reemplazada por una obra del artista francés Jean Pascal Fournier en la reedición del año 1998.
Asimismo, la banda "sufrió" varias denuncias del Partido Comunista Frances, por lo que muchos de sus discos no podían ser exhibidos en las tiendas especializadas.
Acá está entonces, una banda controversial y violenta como pocas, asesinando desde la gélida y única Finlandia nuestra búsqueda por la melodía perfecta.