Skepticism "Farmakon" (2003)

Si hablamos de Funeral Doom, no podemos evitar mencionar dos nombres: Thergothon y Skepticism. Los dos del frío país de Finlandia, donde el sol parece que no aparece nunca, y si lo hace molesta a sus oscuros moradores, evitando que surjan obras como esta, que lastiman las localizaciones cerebrales encargadas de la audición, y me atrevería a decir que también en donde se realiza la síntesis de la percepción.

Lo mejor que se puede hacer para disfrutar este tipo de agresiones es estar totalmente en tinieblas y si es de noche mejor. Cualquier sonido se magnifica al extremo y te podés llegar a asustar de verdad por el simple sonido de las hojas meciéndose al compás del viento que las acaricia.

Skepticism en cambio no te acaricia para nada. Al contrario, su particular entendimiento de la música los hace prescindir del bajo, reemplazado por macabros colchones de teclados, que por momentos asemejan a los órganos de las viejas iglesias. Y esa particularidad hace que su sonido sea aún más especial e inconfundible. Y tenebroso.

Yo no sé que pasa en Finlandia, pero son pocas las bandas que decepcionan que salen de allí (perdón pero no puedo evitarlo, Nightwish es simplemente una porquería con una cantante-la vieja-genial).

Este es su tercer disco, sin contar los e.p.'s que editaron manteniendo la formación original intacta. Tal vez por eso es que suenen tan ajustados y compactos, aún siendo tan minimalistas.

Más sucio si se quiere, más áspero y menos sutil que otras bandas del estilo, pero tan efectivo que asusta.

Y eso es siempre bueno, tratándose de una banda funeraria. no les voy a decir que lo disfruten...

Súfranlo, que vale la pena.

Acá

Mournful Congregation "The Monad of Creation" (2005)

Esta banda viene dando vueltas desde mediados de los '90 con varios demos.

Su primer disco es del año 1999 y era bastante rústico, comparado con esta maravilla del Funeral Doom. Este disco es su segundo esfuerzo luego de sendos split con Stabat Mater y Worship (banda mala onda como pocas).

Los climas son opresivos a más no poder, aunque no aburren para nada, sino que hasta te puede parecer corto el disco. Y eso que te estoy escribiendo acerca de uno que en un poquito más de una hora tiene solo 4 canciones.

Por momentos suena tan desolador, que si no estás en un estado de ánimo preciso, y ya estás acostumbrado a escuchar y dejarte inundar por estas melodías gigantescas, te puede parecer demasiado abrumador.

También es interesante que en ningún momento dejan de aparecer hermosos pasajes calmos, como para descomprimir tanta angustia contenida, que parece tener una consistencia viscosa que no permite que la banda acelere el ritmo.

El trabajo de las guitarras es simplemente hipnótico, y parecen haber sacado inspiración de muchas bandas del estilo, y algunas más conocidas como My Dying Bride y cosas de lo más viejo de Anathema.

Pero hay algo que hace que uno no pueda dejar de escuchar discos como este. Es cierto que la sensación de desesperanza y la angustia que genera en los "no iniciados" (que término hermético, jeje) puede ser contraproducente...pero una vez que conoces el estilo, no podés dejar de disfrutarlo.

Eso es lo que tiene que producir la música, por lo menos eso creo. Sensaciones y emociones, no importa de que tipo. Si podemos disfrutar sufriendo, por paradójico que suene esto, es porque estamos frente a una obra, por lo menos, interesante.

Y este disco lo es. Así, denso, opresivo, desesperante, angustiante. Como la existencia misma, por momentos desagradable.

Acá

Katatonia "Night is the New Day" (2009)

Simple: uno de los mejores discos del año. Y otro gran disco de los suecos.

Después del descomunal "Last fair deal gone down" (2001) apareció "Viva Emptiness" (2003), y resultó un trago difícil de digerir, no por la calidad en si del disco, sino porque comparado con los lanzamientos anteriores, sonaba demasiado común y monótono. Ojo que aún hoy lo escucho, pero...

Tres años después Katatonia retoma los sonidos más melancólicos con "The great cold distance" (2006), con grandes canciones y unas voces como no se escuchaban desde el 2001 en sus discos.

Hasta ahora. El 2 de Noviembre de 2009 la banda nos entierra nuevamente 12 himnos tan melancólicos y desesperanzadores como los que antaño componía Renkse, Nyström y los hermanos Norrman. Las influencias del Dark volvieron con una presencia superlativa, y lo primero que uno podría decir es que Robert Smith y compañía sigue dando letra a grandes bandas del metal.

Ni pienso en recomendar un tema, escuchen el disco, sufran y terminen esta catarsis con una leve sonrisa de agradecimiento.

Katatonia volvió a entristecer, felizmente, nuestras vidas. Como lo hiciera con muchos de sus discos.

Entonces, a llorar, y a disfrutar.

Acá

Paradise Lost "Faith Divides Us - Death Unites Us" (2009)

Luego de una seguidilla de discos en el que el camino de retorno a las fuentes era más que evidente, ocurrió.

Lo que muchos esperábamos desde hace años golpeó a nuestros (mis) oídos, y casi sin permiso, me despertó de un largo letargo, sacudiendo la tierra que se había posado en estos últimos tiempos sobre la discografía de los ingleses.

Paradise Lost con este disco retoma los sonidos que había abandonado allá por la época de "Draconian Times" (1995), sumándole a esto otra vuelta de tuerca gracias a ciertas pizcas, a modo de decoración diría de la agresividad y la oscuridad que destilaba el genial "Shades of God" (1992).

Así es, Paradise Lost regresó a las fuentes. Y todo suena tan honesto y creíble que hay que festejarlo. Para "colmo", los temas son todos de menos de 5', por lo que en ningún momento te aburren por su duración, sino que las cualidades están condensadas en esos escasos minutos...como dice ese refrán un poco estúpido, "lo bueno, si breve dos veces bueno".

Paradise Lost ya demostró hace años sus bondades, por lo que ahora lo único que está haciendo con este disco es reafirmarlas y mostrarlas a las nuevas generaciones.

Y como siempre, la muerte triunfa de nuevo.

Celebremos su victoria y que sea nuestra.

Acá

Hollenthon "Domus Mundi" (1999)

Originalmente la banda se llamaba Vuzem, y hacía un Black Metal más violento (solo tienen 2 temas registrados en el Compilado "Norici Obscura Pars" (1995) ya reseñado en este blog). Después no se que la pasó a la cabeza de Martin (fundador de esta banda y de Pungent Stench, entre otras), que cambió el nombre y el estilo de su juguete nuevo. Y dejó a todos desconcertados.
Obviamente, las críticas fueron positivas, ya que estábamos frente a una rara mezcla de Black Metal, Thrash, música clásica y melodías orientales que daba como resultado una experiencia de épica violencia difícil de explicar pero tan gratificante como hacía bastante no se escuchaba.
Voces limpias, gritadas, coros raros, instrumentaciones poco convencionales pero tan bien realizadas que incluso los casi 46' te parecían poco, dejándote con la sensación de que el disco era demasiado corto.
Este es el documento que marca la presentación en sociedad de una banda que sigue aún hoy editando grandes discos.
Y mejor aún, sigue sorprendiendo con su arte. Escuchen y disfruten.

Acá

Paradise Lost "Shades of God" (1992)

Impresionante disco, lanzado inmediatamente después del glorioso "Gothic" (1991), en donde progresivamente van abandonando el Death Metal que cultivaran al comienzo de su carrera en pos de sonidos más relacionados con el metal a secas. De todas formas estamos en presencia de uno de los discos más intensos de la banda, con una oscuridad y un abordaje épico de las canciones realmente increíble.

Las guitarras de Gregor Mackintosh y Aaron Aedy están ensambladas de forma tan perfecta que su trabajo destaca por sobre los demás músicos. Es más, los climas están logrados en base a esas guitarras y a las modulaciones de Nick Holmes, que ya no eran solo podridas, sino que tenían más matices, con gruñidos, gritos y algunas voces claras que darían el salto final en el disco siguiente.

Creo que para este disco, la influencia fundamental fue la forma de cantar de James Hetfield de Metallica en sus discos "Master of Puppets" (1986), como el que le sigue, el intenso "...And Justice for All" (1988).

Todos los temas son sólidos y complejos al mismo tiempo, logrando un disco sencillamente inolvidable. El único problema es que quedó eclipsado por el clásico "Icon" (1993).

Otra cosa que me olvidaba: el sonido de este disco servirá años después como una de las brújulas que seguirán los de Yorkshire para editar su último disco, "Faith Divides Us - Death Unites Us" (2009).

Acá

The Beatles "Abbey Road" (1970)

Mitos sobre los Beatles hay por millares. En este disco sobre todo...bah, en los últimos discos de la banda creo, que están llenos de leyendas. De este me acuerdo uno: Paul había muerto, por eso aparecía descalzo y realizando un paso distinto de los otros tres. Había muerto y el mundo no lo sabía.

Si bien "Let it Be" (1970) fue el último disco editado de los Fab Four, "Abbey Road" fue el último en ser grabado, por lo que cabe hacer una aclaración: estos tipos ya no se podían ver entre ellos, eran más enemigos que amigos, y así todo seguían produciendo grandes canciones, inolvidables obras que atravesarían el tiempo para formar parte de la cultura no solo del país de origen (Inglaterra), sino de una época precisa, y de toda la humanidad.

Los Beatles son un patrimonio cultural de la humanidad.

Hace pocos meses se editaron sendos Boxset remasterizados de la obra de estudio completa de estos geniales artistas. Una edición fue en mono, y la otra en estéreo, respetando las características originales de los vinilos.

También se agregaron nuevas versiones de canciones, por lo que se aprovechó al máximo la capacidad de soporte de los compact disc. En esta edición remasterizada hay una lista de 17 preciosas canciones, con un sonido realmente notable, que tira por tierra los característicos curros de nuevas ediciones. Acá si que vale la pena escuchar el nuevo sonido logrado con tecnología de avanzada, con ayuda inclusiva de historiadores, sonidistas especializados, etc.

O sea, luego de décadas de separase, The Beatles sigue dando que hablar, y generando obras maravillosas.

Si, The Beatles lo hicieron otra vez, y para las generaciones por venir. El origen, LA influencia por antonomasia de TODA la música que hoy escuchamos y disfrutamos se encuentra contenida en sus discos.

Y en este en particular. Música pura, emoción pura.

Música

Invisible "El Jardín de los presentes" (1976)

Luego de editar esa bella monstruosidad llamada "Durazno Sangrando" (1975), en el que la banda funcionaba como trío, con Pomo en batería y Machi en bajo y voz, aparte por supuesto del Flaco en guitarra y voces, Invisible se despacha con un disco del carajo, justamente este que reseño ahora, plagado de clásicos y con la emotividad asegurada.

Para este disco el sonido cambia un poco por varias razones, entre ellas un acercamiento más jazzero a las canciones con la hermosa colaboración de otro joven guitarrista llamado Tomás Gubitsch quien tocaría después con el maestro Piazzolla; aparte de esto también se suma como invitado otro gran bandoneonista argentino llamado Rodolfo Mederos, quien interviene en las canciones "Los libros de la buena memoria" y en "Las golondrinas de Plaza de Mayo", junto con Gustavo Moretto, logrando una amalgama perfecta entre Rock, Jazz y Tango.

Tango dije recién. La canción que abre el disco, titulada "El anillo del capitán Beto" es, desde mi punto de vista, un tango moderno, y con una temática de ciencia ficción prácticamente, donde un astronauta maneja un colectivo mientras saltan a a vista las pequeñas cotidaneidades (extraña a su madre, los mates, la foto sobre "el comando" del mítico Carlos Gardel, típica diapositiva porteña/argentina de los choferes de colectivos).

Un disco maravilloso, que dentro de pocos días más podrá ser escuchado en vivo y en directo en la reunión de los tres grandes grupos del Flaco (Almendra, Pescado Rabioso e Invisible), cuando él festeje los 40 años del primer disco de Almendra (ese del payaso con la sopapa en la cabeza).

Así que, adelante, disfruten de esta obra maestra del Maestro.

Acá

Halo "Degree zero point of implosion" (2000)

Banda extremadamente mala onda, tomando lo mejor de las bandas drone noise de la escena. Ellos provienen de Australia, aunque actualmente viven en Londres, donde seguro tienen más posibilidades con su forma de música.

Ni se molesten en preguntarme de que tratan los temas, ya que no lo se. Lo que si se es que a lo largo de los casi 3/4 de hora que dura la tortura logran meterte practicamente en el hospicio a fuerza de distorsión, ruido, gritos, y sonidos ultragraves que te taladran la mente y logran ponerte de tan mal humor como pocas bandas lo hacen.

Así como con la gran mayoría de bandas del estilo, hay que estar en un estado de ánimo muy particular y receptivo para atreverse a ser atravesado por esta implosión, para después poder juntar los pedazos y salir a contar la experiencia a todo el mundo.

Si sienten que la alegría de vivir los está volviendo seres estúpidos y en extremo optimistas, escuchen Halo, y vuelvan a odiar el estado de las cosas.

Porque el odio es una gran pasión para predisponerse a escuchar cosas monstruosas como esta.

Acá

Pink Floyd "The delicate sound of thunder" (1988)

Pink Floyd es la exploración sonora perfecta. Verlos en vivo debe ser un golpe tan tremendo en la subjetividad de uno...una experiencia realmente inolvidable.
Todavía me acuerdo cuando escuché por primera vez esta obra maestra. Y no solo eso. En esa época concurría asiduamente a un boliche, y era amigo del DJ. Entonces la idea era llegar más temprano para poder ver y escuchar en laser disc (¿alguien se acuerdo de esos marmotretos?)el disco doble completo, todo solo dentro del boliche. Y era fuerte la verdad. Porque si escucharlo es una experiencia tremenda,imaginen verlo, con más de 10 músicos en escena, doble set de batería/percusión, todos los chiches...
Aparte es Floyd en vivo, ¿qué pretenden, un Show rolinga? No, para nada. Todo cuidado, perfecto, un sonido de la mierda y las grandes canciones que tenemos guardadas desde el lejano momento en el que nos topamos accidentalmente con estos ingleses geniales.
La versión de "Confortably numb" vale la adquisición del disco. Todos hablan de Black Sabbath como el origen del actual Doom Metal, pero es porque no escucharon esta canción lo suficientemente despiertos. Pink Floyd debería ser obligatorio en toda clase de música en la escuela, desde la primaria en adelante. Y eso solucionaría muchos problemas de educación.
Junto con "Show" de The Cure y "Live evil" de Miles Davis, uno de los discos en vivo más impresionantes que tuve la suerte de escuchar.
Háganlo ustedes entonces.
Acá

Morte Macabre "Symphonic Holocaust" (1998)

Hermoso disco de un grupo de músicos suecos que forman parte de la movida progresiva desde hace bastante años, militando en bandas de la importancia de Landberk y Anekdoten:Reine Fiske (guitarras) y Stefan Dimle(bajo), como también Nicklas Berg (teclados y guitarra) y Peter Nordis(batería).

Si, podría ser una banda màs de las tantas que pululan por la escena. Pero no. Hay un oscuro color rojo sangre que llama la atención al primero que se topa con la portada. Y ni hablar del que se atreve a meterse en los oscuros y opresivos climas que destilan los suecos. Esos climas están casi determinados por instrumentos clàsicos del gènero como el mellotron y el moog, que brindan un color tan característico a la música de la década del '60 y '70.

También hay otro factor fundamental en la explicación del por qué te atrapa tanto esta música. Y es que la relación al cine clásico de terror de los '60 y '70 es ineludible.

Se ve que los suecos tambien son fanáticos de esas películas tan maravillosas realizadas por genios tales como Lucio Fulcci, Roman Polansky, Dario Argento, George Romero, etc.

Son 8 canciones que sabrán reconocer rápidamente los entrenados en esto de ver cine repleto de climas tensos, adornados con grandes bandas de sonido (casi tan importantes como las escenas que decoraban o ayudaban a crear). La primera asociación que llega a mi mente es la de los geniales italianos Goblin , por ejemplo (de quienes hay una versión).

Como cereza final, un tremendo, enorme, descomunal canción de casi 18 minutos compuesta por los músicos en homenaje a esas bandas de sonido que tanto nos asuntaron a quienes rondamos los 35.

Escuchen esto porque es una verdadera maravilla.

Acá

Mastodon "Leviathan" (2004)

No me vengan a preguntar que hacen estos americanos. Porque lo único que se me ocurrió ponerle en la etiqueta fue Death Metal y Progresivo, aunque se que hay muchísimo, pero muchísimo más.

Desde el momento que los escuché por primera vez allá por el 2004, cuando recién salía este disco, no era que sabía, pero intuía que estaba frente a algo realmente grande, monolítico (como algunos llaman a este sonido).

Pienso para buscar referencias. Me cuesta encontrarlas. Lo primero que me viene a la mente es la sensación de estupor cuando me topé con el "Masters of Puppets" de los Metallica, o "Shades of God" de los geniales Paradise Lost. Discos pesados, pesadísimos y oscuros al mismo tiempo, con un groove que era difícil de encontrar en bandas metálicas.

Eso es lo primero que se escucha en este disco de Mastodon. Los riffs son tan increíbles y gigantescos como los de las bandas recién mencionadas. Y las voces destilan rabia, como mínimo.

Recién dije que dentro de Mastodon había mucho más. Luego de escuchar y escuchar casi sin descanso el disco van emergiendo esas raras influencias que superficialmente no se las puede ubicar.

Entre ellas yo pondría cosas como bases relacionadas con el Free Jazz y el Acid Jazz, con un toque de violencia hardcore que te deja un gustito imposible de olvidar.

Y encima las canciones están inspiradas en el Moby Dick de Melville.

Un disco para escuchar dentro de 20 años, y rememorar como era la MÚSICA que se hacía en esta época.

Un disco OBLIGATORIO para todo amante de la música.

Acá

Quilapayún "Santa María de Iquique-Cantata Popular" (1970.)

Descomunal disco de estos chilenos, que se encarga de relatar hechos reales ocurridos a comienzos del Siglo XX en Iquique, al norte de este país sudamericano.

La carga emotiva que arrastra el sexteto no de disipó con el paso de los años, y escucharlo aún hoy llega a erizar la piel.

No voy a ahondar en esos hechos, tan solo decir que fue una masacre en la que murieron 3600 obreros.

En el lugar donde ello ocurrió el genocida Pinochet mando construir un shopping, como una forma de borrar sucesos que son congruentes con su posición ideológica.

Escuchen este clásico que vale la pena.

La historia está contenida en las letras de esta cantata que es una de las más increíbles compuestas en toda Latinoamérica. Por lo que, como pide el tema inicial, "...pongan atención..."

Acá

The Atomica Project "Metropolitan" (2005)

Impresionante disco del más refinado Trip Hop que se puede escuchar actualmente. Ni me preocupé todavía de rastrear la historia de este proyecto, aunque creo que son de New York.

Es tan increíble el clima creado y la intensidad transmitida, que a medida que se suceden las escuchas la música se va volviendo más y más compleja, con infinidad de capas de sonidos puestas aquí y allá.

Lo que deslumbra realmente es, aparte de la instrumentación, es la voz de la cantante, Sarah Fimm, aparentemente una figura reconocida dentro de la escena .

Las influencias se pueden rastrear entre el Jazz, la música electrónica más climática, la música clásica (y de películas) y un toque de Blues y Rock que le dan la intensidad necesaria para que te golpee en la cabeza y se te claven en ella las 9 grandes canciones que incluye este disco.

Sin ninguna duda, uno de los discos más intensos y melancólicos que escuché en mucho tiempo.

Hagan la prueba.

Acá

Kari Rueslatten "Pilot" (2002)

Lo único que se me ocurre cada vez que escucho un disco de esta hermosa noruega es apagar las luces, prender una pipa con un buen tabaco y degustar un rico vino, para que el disfrute sea completo.

Es tan maravillosa y simple la forma en que te transporta a lugares que nunca soñaste siquiera que existían con su voz, que la belleza nórdica pasa a un segundo plano, en relación a su increíble y colorido caudal vocal.

Recuerden que comenzó su carrera de la mano de los geniales The 3rd and the Mortal, con su primer e.p. y el primer disco "Tears laid in Earth" del año 1994. Si no tuvieron la suerte de encontrarse con semejante obra de arte, no saben lo que se están perdiendo.

Después de su incursión en el mundo del Doom, pasó a participar en un proyecto oscurísimo con integrantes de Satyricon y Darkthrone titulado Storm, con el cual sacó un disco para después comenzar su carrera solista.

Los dos primeros discos son más influenciados por el Folk del norte de Europa, y después comenzó a incursionar en otros rubros, un poco más ligados al Pop, pero con un dejo de melancolía que te llena el alma de desazón y alegría al mismo tiempo. Si, la música puede producir esos sentimientos encontrados, y sobre todo este tipo de gente que solo le importa crear sin importar el rótulo que los demás le pongan a lo que hacen.

Solo escuchen la preciosa voz de Kari, y comenten.

Acá

Umberto Eco "El péndulo de Foucault" (1988)

Simplemente uno de los mejores libros que leí en mi vida.

Si bien un tanto complejo al comienzo (sobre todo su primer "capítulo"), después su lectura se transforma en algo imposible de dejar, y uno puede pasar horas leyendo sin darse cuenta del paso del tiempo.

Aborda de manera muy satírica y cínica el mundo no solo del ocultismo y esoterismo, sino también el mundo editorial. Y fundamentalmente el poder de la palabra y del lenguaje. Es esto lo que crea la realidad, y no es un mero instrumento del ser humano para comunicarse.

La obra en si es descomunal, y deja en claro la brillantez del autor para escribir (todas sus obras literarias son de una exquisitez impresionante).

Para todos los amantes de Dan "soy un ladrón impresionante y me creo artista" Brown, lean esta obra de arte para entender que se puede ser divertido, erudito, implacable y brillante al mismo tiempo, sin necesidad de escribir estupideces supuestamente oscuras y faltas de toda gracia. (por si no se dieron cuenta, detesto a Brown, uno de los peores ladrones de la historia literaria).

Solo esto, adéntrense y sigan la historia de Casaubon, Jacopo Belbo y Diotallevi dentro de la editorial Garamond, y su afán por construir una teoría conspirativa que incluye templarios, satanistas, ocultistas...en fin...una historia realmente muy buena.

Acá

Patrick Süskind "El Perfume-Historia de un asesino-" (1985)

Hacía mucho que no posteaba algún libro. Y elegí unos cuantos que me volaron la cabeza hace algún tiempo.

Entre ellos, "El perfume" del alemán Süskind, su primera novela, que fue adaptada al cine no hace mucho.

Es tan perturbadora la novela, y está tan bien escrita que la sorpresa es prácticamente instantánea.

Lo más terrible de la historia es que el autor logra que nos identifiquemos con un personaje tan repugnante como maravilloso.

La historia está ambientada en la Francia del Siglo XVIII, repleta de nuevas situaciones y hediondos olores explotando día a día. Una de las cosas nuevas es el nacimiento de un niño.

No es nuevo para la madre, quien trabajaba en un puesto de pescado de la Rue aux Fers, donde había tenido ya 4 hijos, de los que se deshizo con la misma facilidad con que descamaba y destripaba esos pescados, y esos pequeños bebés morían al poco tiempo.

El 17 de Julio de 1738 nace Jean Baptiste Grenouille, y su primer acto como humano es poner al descubierto a su madre-que lo estaba dejando entre restos de pescados para que muera-, lanzando un grito salvador que lo mandó a él con una nodriza que lo alimentó y a la madre al verdugo para que la decapiten por infanticidio múltiple.

¿Pero cuál era la particularidad de este niño? LA característica fundamental es que no poseía olor personal, y a lo largo de su niñez demuestra una capacidad en apariencia paradójica, ya que su sentido del olfato era maravilloso.

Imagínense las situaciones más bizarras, las descripciones más nauseabundas, todas atravesadas por la historia de un niño descripto como un insecto, como "una chinche" insensible.

Disfruten de esta novela que es atrapante como pocas.

Acá

Paul Chambers Sextet "Whims of Chambers" (1956)

No mucho para decir. Me acuerdo cuando lo escuché por primera vez. Andaba buscando algo para escuchar relacionado con sonidos más clásicos dentro del Jazz y este disco cayó en mis manos.

El principio me chocó un poco, porque estaba acostumbrado a otro tipo de Jazz, pero después de la segunda o tercera escucha atenta, no podía creer...era imposible dejar de escuchar y mover el pie al ritmo de los temas.

Después me interioricé de quienes eran los que conformaban el sexteto de Paul. Y no lo pude creer tampoco. Músicos realmente importantes de la escena, por lo que la sorpresa era justificada (teniendo en cuenta que yo no tenía idea quien era Paul Chambers).

Ellos eran Kenny Burrell en guitarra (tocó con todas las grandes figuras del Jazz, debutando con Dizzy Gillespie en 1951); Donald Byrd en trompeta (tambien tocó con unos cuantos nenes, como Max Roach, Art Blakey, Coltrane, Sonny Rollins...); Paul Chambers en contrabajo (busquen en la red los músicos con los cuales tocó este tipo y es impresionante); John Coltrane en saxo tenor (¿alguien no conoce a 'Trane? ); Philly Joe Jones en batería (increíble baterista del Quinteto de Miles desde el '55 al '58) y Horace Silver en piano (quien pasó por incontables formaciones, con grandes como Hawkins, Monk, etc). Dos de las composiciones son del genial saxofonista, "Nita" y "Just for the Love", bastante oscuras por cierto.

Mención aparte para el gran ingeniero que grabara las sesiones, Rudy Van Gelder, encargado de las mismas en el sello Blue Note durante años. El mismo es considerado como uno de los grandes ingenieros de la historia del Jazz. Y ni hablar del sello, que junto con Prestige!, Verve, Columbia fueron, entre otros, los que impulsaron el crecimiento exponencial del género.

Por lo pronto, escuchen este pedazo de disco, que el disfrute está asegurado.

Acá

Branford Marsalis Quartet "Metamorphosen" (2009)

Branford Marsalis es uno de los músicos más impresionantes de los últimos 20 años, dentro del Jazz. Y junto con los músicos que lo acompañan desde hace más de 10 años forman un cuarteto tan ajustado e increíble como la música que hacen.

Este disco es el nuevo esfuerzo de Branford y los suyos por quedar en la memoria de los amantes de la música en general, y del Jazz en particular, y lo logra realmente.

El último disco era del año 2006, y no sorprendía para nada, ya que la formación estaba consolidada, y las composiciones fluían libremente.

Acá también, aunque las influencias son levemente diferentes. Por momentos cercano al be-bop (aquel de Charlie Parker, otro genio indiscutido del Jazz), por momentos relajado y hasta tremendamente melancólico (escuchen "The last goodbye", y si no los emociona es porque están muertos), este disco-como muchos otros de la banda- es un sin fin de texturas, vaivenes, colores y sensaciones que te dejan realmente exhausto pero no cansado. Como frutilla de este postre para exquisitos, tenemos una gran versión del "Rhythm-A-Ning", compuesto por el monstruoso y genial Thelonious Monk, que apareciera en el "Criss-Cross del año 1962. También hay una versión de la misma en los Jazz Messengers de Art Blakey, junto con Monk en el año 1957 (hay muchas versiones más, aunque éstas son las que pude rastrear).

Simplemente un nuevo disco de un músico que sigue dando que hablar, y que como el gran Miles, no se estanca nunca, buscando con cada disco la expansión del Jazz y de la música, y eso no es poco.

Gracias Branford.

Jazz

The Cult "Electric" (1987)

¿Qué diría Pomelo al escuchar este disco?

Gritaría un fuerte "¡Rooocccckkkkannndddrrrooolllnnnnnnnn!. Si señores, puro Rock n' Roll.

La discografía de la banda está plagada de aciertos, con una excepción: "The Cult" de 1994, que para mi es simplemente un bodrio.

Pero con este disco tenemos el deleite asegurado. Y otra cosa, a partir de aquí, el sonido comienza a cambiar buscando un sonido más americanizado, abandonando sus inicios más góticos y darkys.

Y aunque algunos no les gustó ese cambio, pidiendo a gritos el regreso al sonido de "Love". Esta es una de las bandas que influyó en el sonido de bandas como Paradise Lost, por ejemplo.

En este pedazo de historia del Rock inglés hay grandes clásicos, como la inicial "Wild Flower", con ese Riff monstruoso que hace que se te mueva instintivamente la cabeza y el pie siguiendo el ritmo.

Instintos. Todos se pueden desatar acompañados por "Lil' devil", "Electric Ocean"..."Love Removal Machine" (por favor que canción del remilcarajo). Aparte de eso, el cover de Steppenwolf....puf...que disco del carajo, por favor.

Si me preguntan de donde sacan sus influencias, mi respuesta sería que de grandes bandas como Led Zeppelin, The doors, AC/DC...y demás grandes bandas de Rock clásica.

Háganse un favor y destruyan lo poco que les queda de cerebro con este disco.

Culto

Candlemass "Death Magic Doom" (2009)

Y si hablamos de doom, como no mencionar a los dioses suecos, pioneros en esto de aggiornar el sonido sabbático allá a principios de la década del '80.

En este caso tenemos el último disco, editado en abril de este año, y no hace más que confirmar el gran estado compositivo que disfruta la banda desde la partida del increíblemente conflictivo Messiah Marcolin después de su participación como cantante en el disco que marcó el retorno de los suecos en el 2005, titulado "Candlemass".

En "Death Magic Doom" tenemos tremendos mazazos metálicos, con excepción del primer tema "If I Ever Die", de claras raíces punk, pero que queda bien en el contexto del sonido general del disco.

Mazazos. "The Bleeding Baroness" es tremendamente oscura y cautivante con uno de los mejores riffs vomitados por esta banda, que con el paso de los años no nos deja de sorprender continuamente, regalándonos bellos momentos opresivos y melódicos al mismo tiempo. Otro más: "Clouds of Dementia", "My funeral dreams", que con ese título retoma uno de los intereses principales de toda banda doom que se precie de tal.

Escuchen y saquen sus propias conclusiones. Uno de los mejores discos de la discografía de la banda.

Doom

Paradise Lost "Draconian Times" (1995)

Descomunal 5º disco de los ingleses Paradise Lost.

Época dorada no solo del género sino de la banda, con una seguidilla de obras hoy consideradas clásicas e insuperables.

Tengan en cuenta que antes de este "Draconian Times", estos tipos se despacharon con una obra oscura y densa como "Icon". Si nos seguimos yendo para atrás, nos encontramos con "Shades of God", "Gothic" (1991) y "Lost Paradise" (1990) Para este disco, todo lo que ya se encontraba en "Icon " fue multiplicado exponencialmente, dando como resultado esta obra que si bien es menos hermética que aquella y un poco más accesible-para que negarlo- no deja de ser oscura y atrapante.

El detalle que atrapa es que a las influencias metálicas de rigor, ahora se suma la sensualidad de ese estilo que años después inundara el género y a la propia banda (en este caso con resultados menos agradables para quien escribe, o sea, para mi): obviamente me refiero al Gothic Rock de los '80. Gracias a esta influencia las canciones se volvieron también más gancheras y tarareables, como la sutil "Yearn for change". Dentro de la que seguiría en el estilo del Doom Metal está "Shades of god" o la que cierra la placa "Jaded", por ejemplo. A partir de este disco, definitivamente las influencias Death Metal desaparecen.

Es cierto, como dice en esa última canción que "...las palabras pueden significar tantas cosas...", como también la música, y los sentimientos que en ella encontramos los que no podemos dejar de buscar y escuchar y gozar con ella.

Por eso vale la pena intentar descubrir nuevas cosas, por la sorpresa de nuevos significados, o tal vez de ninguno...solo el disfrute mismo.

Prueben

Porcupine tree "The Incident" (2009)

Una de las aplicaciones office mas copadas que tiene windows es el hecho de poder mover archivos de un lugar a otro, y parece que a Steven Wilson le vino al pelo eso, por que sera? Bueno, la respuesta es lisa y llanamente que el nuevo disco de Porcupine Tree es eso básicamente; un PEGAR-COPIAR de retazos que aparentemente le sobraron de algun vestidito.

Como explicar el dolor de la impotencia que tengo de no poder decirle en la cara al maestro (Wilson) que el nuevo disco es eso justamente, como explicar a ustedes, grandes seguidores de este ya consagrado blog, que desde que descubrí a porcupine en 2002, soy un fanatico incodicional de ellos pero que con este disco me bajaron de un tiro¡.

Hace rato que no escribo nada en este blog por una cosa u otra, pero como sea , garfield siempre está, y como verán ya era hora de dar señales de vida, pero en esta ocasión mi crítica de este disco es una desgracia en si misma por lo que tengo que decir, por lo que siento cuando escucho The Incident, y en realidad lo que siento es....Nada; sinceramente este disco no me emociona en absoluto, y lo peor de todo es que ya me cansé de escucharlo y sigo sin sentir Nada.

Algunos ya sabrán que la mano venía por disco doble, lo que me parece más aún una falta total de respeto a los fans , ya que el disco 1 es un popurri de varios mini temas pegaditos unos atrás de otros, dándole forma al mambo metal que el maestro le llamó "The incident". Luego el disco 2 es tan solo un e.p. cortito y todo por 50 pesitos, un robo!
Con una intro tipica de los años '70, Wilson te lleva a pasear por el incidente mas lamentable de la música, pero también te da momentos de alegría en cositas como: "Drawing the line"!!!, un temita poperito muy pedorro no digno de los maestros pero si de Britney Spears, ni hablar de los otros retazos.

Quizás lo mas emotivo sea:"TIME FLIES" un tema que levanta cabeza para caer de nuevo en la torpeza de la liviandad compositiva ejecutada de manera hasta insulsa!.

Y cuidado con el e.p.!!! el tema que abre el disco: "flicker", es un coletazo que le sobró a Wilson de la última parte de la joya: "anesthetize" (fear of a blank planet)

Queridos seguidores del blog, no quiero escribir más, mis lágrimas estan mojando el teclado de mi pc, se que algunos estarán de acuerdo y otros no, pero lo que si se en mi interior es que no estoy renunciando a Los maestros del árbol del puercoespín, sino que al contrario!!! tengo mucho para seguir disfrutando de ellos:"LIGHTBULB SUN", "UP THE DOWNSTAIRS", "THE SKY MOVES SIDEWAYS", "IN ABSENTIA", "DEADWING", "FEAR OF A BLANK PLANET" ETC, hasta que salga el nuevo disco.

Es más amigos, el disco solista del maestro es impresionante (Insurgentes), es bellisimo y yo creía que la onda del nuevo de los puercoespines venía en esa onda. Pero como me equivoqué, el maestro me decepcionó esta vez, por que se está llevando la guita para su molino solista y está dejando las migajas que sobran de un pan duro que los fans de PORCUPINE TREE: NO QUEREMOS COMER!!!!

Miles Davis "Filles de Kilimanjaro" (1968)

Disco realmente raro. Desde el subtítulo el gran trompetista nos avisa, así que cuidado.

Es, creo, el inicio de la etapa más orientada hacia lo eléctrico.

La cuestión es que dentro de cada tema los climas y las variaciones de estructuras se suceden constantemente, y por momentos se complica seguir lo que la banda quiere.

Aunque después de empaparte bien del disco, de que los temas te inunden, la respuesta se presenta. Y llega el momento de concluir.

Es pura experimentación. Las canciones como bien dice el subtítulo del disco: "Direcciones en música". Y es eso. Exploración. Texturas nuevas. Colores diferentes.

Y música. Una enormidad de música ejecutada por músicos tan enormes como Miles, y que lo venían acompañando: Ron Carter en bajo (junto con Dave Holland); Chick Corea y Herbie Hancock en piano y piano eléctrico; Wayne Shorter en saxo tenor y Tony Williams en batería.

Con esta gente, más allá de lo extraño que pueda sonar (aunque no es más experimental que las "Bitches..."), el disco no es menos que genial. Todo Miles hoy por hoy me parece de un nivel tan difícil de encontrar...

Y lo vuelvo a decir. Otra vez vuelvo a escuchar Miles Davis, y lo primero que agarro es algo de este trompetista y músico genial.

Acá

Varios "Plegarias del Horror" (1994)

Complicado de conseguir este compilado editado por Sick Boy records allá por el año 1994y que contenía 5 bandas de la movida extrema argentina: Zoofilia, Carnal Scum(más orientados al Death Metal), Terrorist, Crematorio (de corte Grindcore), y la única banda Black Metal, con letras 100 % satánicas (o eso decían ellos), Sartan.

Si bien el nivel logrado no fue tan bueno como en el otro compilado que se editó por aquellos años ("Death Metal Advance" (1994)) , sirvió para presentar en sociedad a bandas que ya llevaban un tiempo dando vueltas por el circuito under y que no habían llegado a debutar discográficamente, como el caso de Crematorio o Carnal Scum.

También me presentó a Sartan, que fuese la primera banda Black en nuestro país, y de la cual no se escuchase nada más luego del demo de 1996.

Un objeto extraño y valioso que durante mucho tiempo fue buscado en góndolas y bateas de usados por diversos lugares.

Se los dejo para que escuchen y conozcan como era por aquella época nuestro under, que tanta satisfacción me diera a lo largo de los años.

Acá

Fito Páez "Giros" (1985)

Otro de los grandes discos de Fito, el segundo. Con la misma idea que en su primer disco, apuntando a canciones recordables aunque no tan alegres.

Este disco destila otro aire, y es mucho más tanguero (y no solo por la inclusón de bandoneón en el tema que le da título, un gran tango), o fusionado con el folklore porteño si se quiere.

También es muy bueno como pasa de algo melancólico a lo más "light".

Clásicos de clásicos es "11 y 6", una breve historia de amor de dos niños de la calle, y que podría ocurrir en cualquier ciudad argentina, no solo en Buenos Aires o Rosario.

"Yo vengo a ofrecer mi corazón" es puro optimismo en tiempo de Zamba, y fue versionado magistralmente por la gran Mercedes Sosa (versionó otras canciones de Fito durante su carrera).

Así discurre el disco, y casi sin darte cuenta llegas a "Cable a tierra",una canción que tiene una de las letras más inspiradas de Fito: "Si estas entre volver y no volver si ya metiste demasiado en tu nariz si estas como cegado de poder tirate un cable a tierra y si tu corazón ya no va mas si ya no existe conexión con los demás si estas igual que un barco en alta mar tirate un cable a tierra y yo estoy acercándome hasta vos bajo la luna, bajo la luna las cosas son así tengo el teléfono del freak que esta deseoso de volarte la cabeza en un par de minutos sale el sol si ya no hay nada que anestesie tu dolor si no llegas, si no alcanzas a verme tirate un cable a tierra no creas que perdió sentido todo no dificultes la llegada del amor no hables de mas, escucha el corazón ese es el cable a tierra."

Hermoso la verdad. Aunque pegado a la densidad tremenda de "Decisiones apresuradas", casi tribal, aparece como una cancioncita pop insoportable.

El disco termina con una especie de mantra darky/gospel/vocal presioso, pleno de luz, en "D.L.G.".

"Giros" es un disco de cambio para Fito, me parece. Un disco más oscuro también, como anunciando lo que vendrá en el '87 de la mano del disco Dark de Páez: "Ciudad de pobres corazones". También hay que decir que está mucho mejor grabado, y los temas parecieran ser más consistentes que los del primero.

En definitiva, otro gran disco de Fito.

Acá

Fito Páez "Del '63 (1984)

Pensando en muchas cosas, de repente quedé paralizado.

El blog lleva desde el año 2007 abierto. Y nunca, pero nunca hice una referencia o una reseña al primer disco que compré. Al que inició la colección.

Y si fue éste, el primer disco de Fito. Yo tenía recién 10 años cumplidos cuando acababa de salir. Ni me pregunten porque lo compré, ni de donde salió la plata. Si les puedo decir que ese cassette (no existía el cd en Argentina en esa época) todavía existe, y lo tiene mi hermana menor.

Lo que si lespuedo decir es que es uno de los discos más honestos y creíbles de la época. Y todas las canciones son maravillosas, y con ellas pase gran parte de mi niñez y adolescencia momentos muy agradables.

Recién dije canciones. Grandiosas. Todas ellas. Empezando por esa especie de historia resumida de los cortos 20 años de Fito en "Del '63" que tiene una letra inspirada que te ubica en lugares jodidos y tristes al mismo tiempo de la historia (llegada del hombre a la luna, Kennedy, Vietnam, los '70 en la Argentina-sobretodo a partir del golpe genocida del '76- la muerte de Lennon). Una canción emocionante, simplemente. Todos atravesamos alguna vez alguna de las situaciones planteadas en este reporte de un pibe de 20 años, o casi: "....el siglo se muere y no cambia más, está agonizando en algún hospital..."Que bueno la verdad.

"Tres agujas" destila un aire tan melanco y dependiente que sirve de respuesta anticipada a la "Rumba del Piano", como si fuera un tango moderno (cosa que repetiría en el disco que lo consagró, "El amor después del amor"): "...cambiar para sentirme vivo...". Frases que van quedando incrustadas en lamente de uno con el constante repetir del disco durante años.

"Viejo Mundo"...ahora mientras lo escucho haciendo la reseña se me llenan los ojos de lágrimas. Es emocionante lo que puede lograr la simple combinación de voces y música (¿más voces?).

Después la divertida "Rumba del Piano"(versionada magistralmente por el gran Caetano Veloso).

Pero Argentina, y nuestro rock, tiene vetas alegres (escuchen Los Twist), y cosas negras (como la historia).

Esa cosa densa y oscura, difícil de tragar después de tanta melodía Pop se presentifica, casi se corporiza en "Cuervos en Casa": Que yo te quiera es casualidad, están chupándome la sangre si usted me quiere es casualidad, están chupándole la sangre Hay en Italia un capital, digitan el comportamiento Hay un país en algún lugar, matar para matar el tiempo Qué flaco estoy, no es casualidad, están chupándome la sangre Qué feo olor, no es casualidad, están chupándole la sangre Hay un rumor en la catedral, están pintando las paredes Hay una música en la ciudad, hoy matarán al presidente ¡Cuervos! Tiene más filo una decisión que una gillette en la espalda ¡Cuervos! Estoy sangrando por algún pulmón Cuervos en Casa Rosada, Cuervos en Casa Rosada. Cría cuervos, la Casa Rosada. Un trompetista se resfrió, están chupándole la sangre Este es el cuadro de situación, prendieron los ventiladores Mi General, qué bien se lo ve, parece que hoy comió traidores. ¡Cuervos! Tiene más filo una decisión que una gillette en la espalda. ¡Cuervos! Estoy sangrando por algún pulmón Cuervos en Casa Rosada, Cuervos en Casa Rosada. Cría cuervos, la Casa Rosada.

Je, je, je. Música Pop inofensiva. Que enojado que se lo escucha en esta canción al rosagarino. Y para la época daba para estar enojado por éstos lugares. Este clima se repetiría a lo largo de todo un disco de Paez, que se editara en el '87, y el más oscuro de toda su discografía: "Ciudad de Pobres corazones".

Me desvíe. Para disolver ese trago áspero y ácido llega un tema calmo y hermoso que si bien corto, lo hace mejor aún: "Sable chino". Para después, así pegado nos inunda otra extraña mezcla tan argentina de tristeza y alegría, de melancolía, bajo el título de "Rojo como un corazón". Y para rematar y dejarte esperando un toquecito de alegría que alumbre el final de esta historia esta esa bella canción llamada "Canción sobre canción".

Si, al final llega esa luz no muy enceguecedora, como para que nos vayamos tranquilos a escuchar otra cosa, o nos genera la pregunta (a mi en su momento me la generó: ¿como será Budapest?): "Un rosarino en Budapest". Siempre hay otra música en el aire. Por lo menos para quienes no nos conformamos con lo habitual y lo esperable, y buscamos nuevos horizontes (en este caso en la música que escuchamos).

De toda forma, para buscar un horizonte es necesario tener un punto de partida, y este disco es el mío. Increíble la verdad. Hace 25 años que lo escucho, y aún así me sigue conmoviendo. Es más, mis hijos pueden diferenciar a Fito, al Flaco, a Floyd y a Piazzolla. Trabajo realizado, no?...

Eso creo que hay que aprovecharlo, porque no suele pasar muy seguido. Digo, que te sigas conmoviendo con algo que conocés de memoria practicamente.

Así que, les muestro, les obsequio mi punto de partida.

Disfruten.

Acá

Morbid Angel "Blessed Are the Sick" (1991)

Otro discazo de aquella época prolífica y maravillosa para el estilo. Las grandes bandas, las hoy consideradas clásicas nacieron por aquellos gloriosos años de resurgimiento de la música extrema.

Y Morbid Angel no solo es considerada uno de los clásicos, sino también como aquellos que le dieron (entre otros como Cynic, Pestilence, Atheist, etc.) distintas texturas al Death, matices que le agregaban un aura de maldad pocas veces escuchada hasta la fecha inclusive. Como ejemplo pueden poner los temas 11, 12 y 13 de corrido, para ver/escuchar /percibir como el mal también puede conducir a estados melancólicos o tristes, pasando por la ira más horrenda y absoluta.

El mal. Siempre con Morbid Angel se trató de él. O de lo que esté relacionado con el. Satanismo desde el punto de vista filosófico y no solo cristiano.

Las letras siempre fueron uno de los puntos fuertes también de la banda. Y los músicos, por supuesto. Ellos supieron tomar influencias de los estilos y géneros más diversos (anoten el Heavy clásico adentro) para darle forma a una de las abominaciones más feroz que pisó la Tierra.

Morbid Angel.

Acá

Carcass "Heartwork" (1993)

Si, vengo escuchando viejos clásicos inolvidables.

Y de estilos variados. Si bien Carcass comenzó allá por mediados de los '80 haciendo un Grindcore realmente podrido y sucio, de la mano de Bill Steer (que venía de Napalm Death), Jeff Walker (bajo y voz) y Ken Owen, las cosas cambiaron cuando se sumó como nuevo guitarrista Mike Amott en "Necroticism-Descanting the Insalubrious" (1991), trayendo con él enormes melodías que implicaban un cambio de dirección musical, abandonando el primitivo grind acercándose al Death Metal.

En este disco esa dirección se profundizó, logrando que el Death Metal tenga melodía, acercándolo a sonidos más accesibles, pero no por eso menos intensos.

Todavía me acuerdo la impresión que me causaba los videos que pasaban por MTv en aquellos años. Realmente música pesada, con una imagen fuerte (en los videos eran súper apocalípticos) y con tanta acidez en las letras como para derretir una fortaleza. A eso, súmenle una de las voces más corrosivas de la época y tendrán una banda que decidió dar un paso hacia la evolución irreversible, y logró un disco pionero dentro del Death Metal Melódico.

Encima el arte de tapa era de uno de los artistas más increíbles de la historia, el genial H.R. Giger, con su "Life Support".

Lamentablemente este sería la última participación de Amott en la banda, quien se marcharía hacia Arch Enemy.

Pensándolo bien, no se si existía ese rótulo antes de este disco.

Acá

In the Woods... "HEart of the Ages" (1995)

Siempre se destacaron dentro de la movida Black Metal, incluso en sus inicios cuando nadie se imaginaba la vuelta de tuerca estilística que darían años después. Siempre generaron más preguntas que respuestas en cuanto al estilo que practicaban. Por eso las fronteras estilísticas siempre fueron extremadamente difusas en In The Woods...

Este disco es el primero de la banda y simplemente es uno de los mejores discos que escuché en mi vida. En serio.

Acá pueden encontrar desde Psicodelia en estado puro, pasando por el Rock Progresivo de los '70, el Black Metal más desesperante y furioso que se les ocurra de aquellos años. A eso agréguenle unas de las voces más personales y reconocibles de la movida extrema, y las letras más inteligentes sobre vikingos y mitos nórdicos.

Aparte en solo 7 canciones lograron cambiar mi concepción sobre la música extrema en aquellos años.

Todas las canciones son increíblemente emotivas y filosas. Pero hay una que destaco, no por su duración ni nada por el estilo. Solo por lo que provocó en mi mente. Es el tema "Mourning the Death of Aase". Casi en el acto y al mismo tiempo, me traslado, me arrojó a un neblinoso bosque noruego al amanecer, y me recordó la maravilla compuesta por los geniales Pink Floyd en "The Dark Side of the Moon" (1973), "The Great gig in the Sky". La idea es la misma, y no creería ni al mismísimo Jan Transit (uno de los fundadores de la banda) si me negara que se inspiró en semejante monstruosidad.

Recién hablaba de los difusos límites en In The Woods... . Eso se ve hasta en el nombre del disco, que solo con una mayúscula puesta en el medio pude adquirir otro sentido.

Bienvenidos al Bosque Noruego por excelencia, de aquí no querrán salir nunca. En buena hora que tomen esa decisión.

Bosques

Luis Alberto Spinetta "Téster de Violencia" (1988)

Si, el Flaco también tiene clásicos dentro de su discografía solista. Y "Téster..." es un de las mejores páginas no solo de él, sino del llamado Rock Nacional (en la Argentina).

Todo el período de la década de los '80 está tapizado de discos geniales del Flaco (y de otras agrupaciones y solistas, hay que decirlo), con canciones tan increíbles e inolvidables como "La pelícana y el Androide" de "Privé" (1986), "Fina ropa blanca" en "Don Lucero" (1989), "No te alejes Tanto de mi" en "Mondo di cromo" (1983) o "Barro tal vez" en el increíble acústico "Kamikaze" (1982)-zamba compuesta por Luis a los 15 años (que pedazo de guacho, la verdad)-.

Todo muy lindo, pero ahora estoy con "Téster...", y bien podría ser un grandes éxitos y nadie se daría cuenta.

Todas las canciones acusan una poesía densa y difícil de soportar, y también nos revela a un Luis crítico de la realidad que le tocaba vivir (a mi también, ya tenía 13 años ahora que lo pienso). Como ejemplo, "La Bengala Perdida", una de las canciones más tremendas escritas por el Flaco (va para vos Cefito): Tu jeep no arranca más, ni siquiera un milagro te haría salir, del barro no volverá. Adentro queda un cuerpo, la bengala perdida se le posó, allí donde se dice gol. Dejaron todo bajo el vendaval y huyendo del lodo no se supo más, bajo la lluvia el chasis se pudrió y allí también la criatura de Dios. Después volvió el amor, al llegar un verano él se enamoró, tuvieron un lindo gordi. Bajo la herencia la inmortalidad, cultura y poder son esta porno bajón, por un color, sólo por un color, no somos tan malos ya la cancha estalla en nada Sin darme cuenta voy cayendo en cruz hacia el cenit, el cielo ya no tiene mis pies. Y la espiral que me habrá de llevar no es mejor que todas esas vueltas que dí, buscando un amanecer, buscando un amanecer, buscando un amanecer. No hay una cuestión que no conduzca al mar, tan solo así de noche puede uno descansar. Dios de probeta de piadosa luz de corderoy, Tití portando un dulce Exocet, que busca de piel en piel, que busca de piel en piel, que busca de piel en piel. De las tribunas se puede regresar, tan solo hace falta ser de masa gris. Las aguas tienen un recurso más, moviendo las olas ya no hay realidad, ondas en aire. Un tibio día se precipitó hasta aquí, aquí donde no hay nada que hacer. Y la mujer que sabe el devenir porque ve mirando con el ojo del sur, el ojo que mira al magma, el ojo que mira al magma, el ojo que mira al magma. Inútilmente no se vuelve aquí y es que algo habrá el cielo sólo quiere jugar. No quiero un valle de catacumbas nunca más, no quiero que me llenen de sal, jugando hasta no poder, jugando hasta no poder, jugando hasta no poder. Bajo la herencia la inmortalidad, cultura y poder son esta porno bajón, por un color, sólo por un color, no somos tan malos todo va a estallar, ondas en aire, ondas en aire, ondas en aire.

Solo esta canción vale el disco. Es impresionante el poder invocante de la palabra. Solo leyendo nuevamente la letra me es difícil no emocionarme. Se encuentra inspirada en un suceso en una cancha de Boca, cuando desde una tribuna alguien disparó una bengala y se le clavó en el cuello a un hincha de Racing que estaba en la tribuna opuesta y lo mató (creo que era un niño). A partir de aquí adquieren sentido frases tremendas y horrorosas de la canción que alcanzan un nivel de emotividad tan tremendo como insoportable. Que grande el Flaco, porque escribir "...la bengala perdida se le posó, allí donde se dice gol..." para describir eso...solo Spinetta puede tener una salida de este tipo. Lo mismo cuando dice "...por un color, sólo por un color, no somos tan malos...", y es cierto en todos los sentidos que podamos darle. Y la frase que terminó de hacerme comprender el porqué de la estupidez de ese circo patético llamado fútbol: "...De las tribunas se puede regresar, tan solo hace falta ser de masa gris...".

Podría estar escribiendo horas solo de esta canción. Prefiero seguir adelante para no aburrir.

Otro punto alto es "El Mono Tremendo", esa cosa deforme y ultra moderna donde participan sus hijos y Lucas Martí (quien formaría A Tirador Láser).

La formación que grabó eldisco no pudo ser menos que impresionante: Luis Alberto Spinetta; en bajo, Carlos Alberto "Machi" Rufino (quien había tocado con Spinetta en Invisible); en teclados Juan Carlos "Mono" Fontana; en guitarra Guillermo Arrom; en batería Jota Morelli.

Solo escuchen el disco y disfruten que el Flaco no te defrauda nunca. (Bueno, cuando lo querés hablar después de un recital es bastante pelotudo, pero eso es otra cosa)

Acá

Canaan "A Calling To Weakness" (2002)

Y si, después de tanta podredumbre tenía que bajar las revoluciones. Y que mejor que con estos oscuros y misantrópicos italianos.

Siguiendo dentro del mismo estilo iniciado en su debut "Blue Fire" (1996) , nos presentan un disco extenso y oscuro, llenos de climas y colores (pero no muchos: rojo, negro, algún toque de gris) y repleto de odas al amor y a la felicidad (siguiendo el consejo de Homero, estoy siendo sarcástico).

Créanme cuando les digo que esta es una banda en la cual no van a encontrar ni un solo miligramo de luz o felicidad. Solo desprecio, desgano, depresión...pero en un paquete tan increíblemente maravilloso y melancólico que es difícil dejar de lado el dolor que implica escuchar Canaan.

Para aquellos que sufren y disfrutan del dolor de existir, acá tienen su banda de sonido.

Y ya saben si la debilidad llama a sus oídos, atiendan, puede que se lleven una buena sorpresa.

Acá

Napalm Death "Scum + From Enslavement to Obliteration" (1987/1988)

Este disco es considerado el primer lanzamiento del estilo (Grindcore). Ya eso lo coloca como un clásico. Pero no solo eso.No.

La concepción de esta obra es profundamente revolucionaria. La velocidad, la intensidad y la extremidad hasta esos años no eran ni la mitad de lo que Napalm logró con su primer larga duración, titulada justamente "Scum".

Inclusive el formato elegido fue raro, un split de la banda consigo misma. Esto se debió a que hubo un cambio de formación en el medio, por lo que quedó registrado en el disco ese suceso.

Los integrantes de la primera mitad del disco (hasta el tema 12) son: Mick Harris (participa en todo el disco) en batería, Nik Bullen en voces y bajo; y Justin Broadrick en guitarras. Para la segunda mitad del disco (hasta el tema 28), los integrantes fueron: Lee Dorrian en voces; Bill Steer en guitarras y Jim Whitely en bajo. De esta formación, como verán, no queda nadie. Todos salieron expulsados en direcciones realmente diversas: Broadrick hacia Godflesh (actualmente en Jesu); Lee Dorrian a fines del '89 hacia los Doomsters Cathedral; Bill Steer se fue para formar Carcass (otra banda fundamental para la escena extrema).

Como dato de color, el tema "You suffer" es el más corto registrado por el Libro Guiness de records: 1.316 segundos. Aparte la tapa es una referencia a todas las bandas politizadas de la época, incluyendo los nombres de unas cuantas multinacionales (no las voy a escribir, solo miren la portada).

En el año 1988, cuando sale la primera edición en cd del disco, se incluyó el segundo larga duración titulado "From Enslavement to Obliteration", en donde la formación había cambiado, ya que tenían nuevo bajista, Shane Embury.

Las raíces de Napalm estaban en el Hardcore Punk, escuchándose todavía en estos discos su influencia, aunque el segundo, al tener una mejor producción pudiese sonar más agresivo y compacto que el primero.

Si te gusta el metal melódico y con texturas...no se...yo no escucharía esto. Si lo tuyo va por el lado de la arqueología, adelante.

Así que aquí los dejo con los fundadores de un estilo, con un sonido y una actitud realmente únicas, y una intensidad que se podría encontrar en alguna explosión nuclear.

Acá

Pig Destroyer "Prowler In The Yard" (2001)

Y si hablamos de Grindcore tenemos que reseñar algo de estos chiflados violentos. La reseña va a ser igual de larga que su disco. Casi 37', si. Pero los temas son 22.

Je, linda broma, ¿no?.

Como muchos de los discos del género, es tal la intensidad y violencia de las ejecuciones que los "temas" no duran más de 2'.

En este caso la excepción es la que cierra el disco, "Piss Angel", o la forma en que una banda como Pig Destroyer entienden la experimentación.

Por lo demás, diversión, violencia y velocidad para desparramar lo que quede de tu cerebro.

Acá

Cattle Decapitation "The Harvest Floor " (2009)

Que hijos de puta estos Yankees. No pueden ser tan técnicos y tan violentos, y así todo lograr canciones memorables, con una pizca de melodía que las hace más llevaderas.

La melodía no hace mucho que ingresó a este trío americano, y creo que no se va a ir de ahora en adelante, ya que le agregó matices y texturas que antes no existían en la banda.

Lo mismo con las guitarras, que se volvieron más filosas y concisas, realizando un trabajo de relojería perfecto, en conjunción con esos ataques vocales triples tan típicos dentro del Grindcore.

Y el baterista no se queda atrás para nada, que con el bajista forman una base tan difícil de igualar y con tantos recursos que asustan. Parecen dos máquinas trituradoras de carne.

Y esa es la sensación, la música que llega a tu cerebro lo corrompe y lo destroza en lo que dura el disco, menos de 40'.

Disfruten de este trío de vegetarianos y pro-derechos de los animales. Si fuera por ellos, todos tendríamos que ir a parar a la procesadora de carne industrial de los Pink Floyd en The Wall.

Aunque pensándolo bien, tal vez ya estemos dentro de ella y no nos hallamos dado cuenta.

En ese caso, gracias muchachos por mostrarnos la dura y podrida realidad.

Acá

Moonspell "Wolfheart" (1995)

Luego de un par de e.p.'s en el año 1994, sale el primer disco de estos portugueses. Y fue sencillamente tremendo. ES tremendo.

Aún hoy lo escucho y no puedo creer la intensidad y la emotividad contenida en cada una de las ocho canciones del disco.

Licantropía, paganismo lusitano, erotismo (en altas dosis)...todo acompañado por melodías increíbles, todo envuelto en canciones a medio tiempo y voces entre podridas, limpias y sugerentes susurros. Todo lo que se multiplicaría en el siguiente disco, "Irreligious" (1996).

Pero, obviamente, de una forma distinta, y con una carga un tanto más electrónica y gótica clásica.

Las 8 canciones del disco son todas memorables, y en todas ellas se filtra sutilmente el folklore portugués, tan relacionado por momentos con melodías celtas. Y no pudieron volver a repetir semejante cataratas de emociones en toda su carrera (con excepción de "Irreligious"). Las que mas me gustan son "Vampiria" -nunca me canso de escuchar ese grito del final-, "...Of Dream and Drama (Midnight Ride)", la tribal e hipnótica "Trebaruna", la presencia magistral e imponente de Birgit Zacher en "An erotic alchemy", o EL HIMNO del disco, con su desgarrador grito inicial y esas guitarras que lastiman el alma: "Alma Mater".

Uno se podría imaginar que la presencia de seres sobrenaturales, llamémosle licántropos-hombres lobo- o vampiros está respaldada por innumerables referencias literarias (lean "Drácula" (1897)-Bram Stoker-), y que según algunas películas recientes, la convivencia entre ellos nunca fue buena.

Este disco te va a generar la duda. Los dos tienen una naturaleza nocturna, son referencia obligada en toda literatura oscura, y destilan erotismo por donde se lo busque.

Como Moonspell, los dioses portugueses del metal gótico.

Entren, pero sin hacer ruido.

Acá

Neurosis "Souls At Zero" (1992)

El primer disco que escuché de esta banda fue "Enemy of the Sun" (1993), que es el siguiente a este. Pero lo escuché recién en el año 2002. Y literalmente me voló la cabeza.

Música pesada, intensa, por momentos casi tribal y minimalista, con climas hipnóticos y extremadamente agresivos al mismo tiempo.

Características que se repiten en este disco, al que accedí muchísimo después de editado. Los discos más recientes acentúan la cuestión climática, pero los primeros discos (e.p.'s y 2 primeros discos) estaban más orientados al Hardcore y al Punk.

Es en este disco que comienza el cambio. ¿Qué es lo que hace que una banda cambie? Creo que el interés en la música, en no estancarse y aburrirse, en la necesidad de crear algo...único.

Hoy Neurosis es considerada una de las bandas fundadoras de lo rotulado como Post-metal, con las características recién mencionadas, con otras como Isis o Jesu por ejemplo.

De todas formas creo que el "culpable" de la aparición de este sub-género nunca lo previó. Estoy hablando de uno de los genio musicales de la escena pesada del Siglo XX, Justin Broadrick, creador y fundador de bandas icónicas y de culto-como Napalm Death, Head of David, Jesu, Godflesh-

Justamente es esta la principal influencia de Neurosis. Pero ellos no se dedican al robo, ya que tienen un sonido particular, atrapante, oscuro, de a ratos cercano al Noise más violento.

Escuchen este disco y díganme si realmente suena a uno del año '92, o podría haber sido editado después del 2005.

La canción más increíble es el track 6, titulado "Sterile Vision", o la canción siguiente "A Chronology for Survival". También podría ser "Stripped"....es el disco completo una maravilla.

Me olvidaba el dato curioso: en esta época eran 9 músicos, más el que se encargaba de la parte visual.

Si, así como leen, 10 tipos. Ahora me cierra el porque de la cantidad de capas de sonidos que se puede llegar a encontrar durante una escucha continua.

Sírvanse.

Acá

Primus "Pork Soda" (1993)

Hay un montón de bandas y música deforme. Habría que comenzar por Frank Zappa and The Mothers of Invention para entender esto. Escuchen si no sus primeros discos para tener una cabal dimensión de lo que significa deformidad.

También hay grandes músicos de Free Jazz generando deformidades varias, sobre todo desde la escena de New York (escuchar John Zorn, o Diamanda Galás, por ejemplo).

En los '80 también hubo cultores de la deformidad musical que generaron obras maestras, como Mr. Bungle.

Pero lo que respecta a la conjunción exacta entre deformidad y locura se la puede encontrar en este trío de los '90, con unos cuántos discos a cuestas, y una separación de por medio.

Es su tercer disco, y creo que uno de los mejores de su carrera. Uno de los mejores tríos de la historia: Les Claypool en bajo, mandolina y voces (más que reventadas), Tim "Herb" Alexander en batería y Larry Lalonde en Banjo (¡!) y guitarra. Este último tocaba en una de las bandas pioneras de la escena extrema, Possessed. Según él, no creía que se pudiese llegar mucho más lejos tocando Death Metal. Y pasó a formar Primus. Y llegó lejísimo.

Hoy por hoy, no hay ninguna banda dentro del Rock (excluyendo la escena extrema, por supuesto) que logre el nivel de demencia musical y deformidad que ellos logran.

Por momentos uno cree estar en presencia de tres tipos que le dieron permiso en el hospicio, y se colaron en un estudio para llevar a cabo esta locura.

Y periódicamente ese permiso se renueva para dar a luz a otra bestia deforme que asuste a los chicos de la cuadra.

¿Qué es lo "peor" de todo esto? Que todos los discos de este trío son increíbles, y este es uno de los mejores.

Basta. Escuchen y escriban.

Acá

Kyuss "Kyuss" (1994)

Y claro, esta banda tenía que llegar al blog. Bien podría haber sido a partir de cualquiera de sus otros discos (los 4 restantes). Elegí este solo porque es el que más estuve escuchando en los últimos tiempos.

El disco es impresionante por donde se lo escuche. Iba a decir "se lo mire", pero no daba.

Si querés Rock intenso y furioso, lo tenés. Si pretendés un cuelgue psicodélico que te lleve a algún desierto, también. Por ahí estás buscando relajarte con esos viejos sonidos valvulares tan característicos de los '70, y también Kyuss te puede proveer de esa melancolía y añoranza de los antiguos y cálidos sonidos rockeros.

Porque en realidad, ¿que es el Stoner? Siempre me pareció un rótulo un poco pelotudo (como todos los rótulos, cierto). Digo, en el Stoner no hay nada nuevo, y eso no es malo. Es tomar sonidos que ya parecían olvidados por la escena, y aggiornarlos.

Sino, escuchen el "Master of Reality" o el "Vol. 4" de los gloriosos Black Sabbath. Pero no solo ellos, también estaban los Hawkind, o Pentagram...o tantos otros olvidados. Y en esa época, el término Stoner no había sido aplicado a la música.

Años después fue que a algún iluminado se le ocurrió. Pero para mi sigue siendo Rock. Vintage, pero Rock.

Y en este caso, con Kyuss, una de las mejores bandas que hubo. Y de donde salieron disparados músicos para todos lados. Bandas que dieron que hablar en su momento: Queens of the Stone Age, Slo Burn, Hermano, Unida, Goatsnake, Fu Manchu...etc.

Acérquense al desierto

Acá

Candlemass "Nightfall" (1987)

Y si, si reseñé un disco de The Obsessed , como iban a faltar estos suecos maravillosos. Imposible la verdad.

Imposible no dejarse llevar a aquellos oscuros tiempos donde naciera este estilo (Doom Metal ), en pleno reinado del Metal sobre la Tierra.

Imaginen esos riffs escupidos por la gloriosa mano de Iommi, pero en una banda sueca, con un vocalista más cerca de las técnicas de canto líricas clásicas, con unos climas tan fúnebres que meten miedo (no tanto como los de La Bruja, pero bue...).

La banda estaba formada en este disco por el bajista Leif Edling, el vocalista Messiah Marcolin (aparentemente uno de los tipos más conflictivos dentro de la banda), Mats "Mappe" Björkman en segunda guitarra, Lars Johansson en guitarra líder y Jan Lindh en batería. Esta formación se mantuvo hasta el disco en vivo de 1990, ya que para "Chapter VI"(1992) la formación cambiaría.

Pero lo hecho durante todos esos años fundaría, junto con The Obsessed y Saint Vitus, el Doom Metal clásico tal como lo conocemos hoy, transformándose en la influencia de cientos/miles de bandas que quisieran hacer música oscura y pasional.

Este es su segundo disco,editado un año después del descomunal "Epicus Doomicus Metallicus" (1986). Es impresionante como en tan poco tiempo una banda puede crear dos clásicos absolutos del género sin repetirse, sonando frescos, honestos y con una personalidad comparable a los mejores momentos del Black Sabbath era Ozzy, aunque Marcolin fuera mucho mejor cantante que el Gordo.

Todas las canciones son fantásticas, melódicas-no hay espacio para lo "podrido" en esta agrupación-pero de una oscuridad y densidad pocas veces escuchadas. Los temas que más suscitan la atención (para mi), aunque no los que más me gustan son los instrumentales: "Codex Gigas", el final del disco con "Black Candles"compuesto por el guitarrista de King Diamond y Mercyful Fate Mike Wead, y la alucinante versión de "Marche Funebre" del gran compositor clásico Chopin.

El arte de tapa más las fotos internas son un tema aparte. Tuvieron que pagar 250 dólares para tener los derechos del gran pintor americano Thomas Cole. Se titula "Old Age" y es una parte de la seria "The Journey of Life".

P.D.: Escuchen este clásico mientras anochece.

Hasta el amanecer.

Acá

The Obsessed "The Church Within" (1994)

Por fin me decido a reseñar algún disco de esta banda. Lo que me pasa es que todos los discos que sacó me gustan, entonces se me hacía realmente difícil elegir.

Estamos frente a una de las bandas consideradas clásicas dentro del estilo, que influyeron a la segunda camada -entre las que se cuentan My Dying Bride, Paradise Lost , Anathema, While Heaven Wept, Cathedral, etc.-

The Obsessed se formaron en el '77 siendo su líder uno de los personajes más importantes del Doom americano: Scott "Wino" Weinrich. Importante porque también participó de otra de los grandes clásicos del Doom, Saint Vitus. En este disco el trío se completa con Guy Pinhas en bajo y Greg Rogers en batería, los dos músicos reconocidos dentro del ambiente Stoner Doom, participando en bandas como Goatsnake o Acid King.

El sonido de la banda se caracteriza como hijo directo de Black Sabbath, sobre todo centrado en sus 3 primeros discos. Es como si se hubieran dividido los estilos a influenciar con Saint Vitus y Candlemass: Porque junto con los 'Vitus, The Obsessed es la referencia fundamental de todas las bandas Stoner existentes hoy por hoy, comenzando por Kyuss (otra influencia ineludible).

Por otro lado Candlemass se encargó de la parte más relacionada al metal, influenciando a las bandas propiamente Doom (como las mencionadas más arriba): por ejemplo While Heaven Wept es una reactualización impresionante de su sonido.

Escuchen este sonido repleto de canciones sencillamente geniales, gancheras, rockeras, y no se van a arrepentir.

Eso si, tengan cuidado, porque una vez que te adentrás en el estilo ya no podés dar marcha atrás.

Acá

Buffalo "Temporada de Huracanes" (2003)

¡Qué año el 2003 para el Rock en Argentina!

Sólo hay que fijarse en los discos editados en esa fecha para caerse de culo prácticamente. Dragonauta, Buffalo, Los Natas ...con eso tenés para vomitar Rock por los próximos 5 años.

Y que discos. Este en particular es el primero de la banda que está conformada actualmente por el "Pastor" Filadoro (que tocaba en Vrede), Xoni en bajo y Leandro Salillas en batería.

Y que buen debut la verdad. 14 grandes canciones de puro Rock para disfrutar a gran volumen, con una intensidad difícil de soportar.

Hagan la prueba, después dejo los posteriores.

Acá

Dragonauta "Luciferatu" (2003)

Sigo embalado con bandas argentinas del carajo.

En este caso Dragonauta. Vienen dando vueltas desde el año 1999, y después de un primer y único demo editaron un split con Los Natas (2000) en donde más que influencias parecía (en algunos temas) un robo de ideas pergueñadas por Black Sabbath era Ozzy.

Después de ese debut (que no está para nada mal), llega este primer larga duración que fue el comentario de toda la prensa especializada del mundo.

Canciones con una identidad propia, con influencias que van desde los clásicos del Doom Metal (St. Vitus, The Obssesed, Cathedral , etc.), pasando por la música progresiva y psicodélica de los '70 (Me viene a la memoria Hawkind), o bandas argentinas de aquella época (Vox Dei, por ejemplo), sin dejar de lado sonoridades y yeites propios del Jazz.

Un comienzo bien rutero con "Bruta Vu (Hijo del Diablo)" hasta el grito de Fede Wolman a los 29'', para indicarnos que estamos frente a una banda pesada. Pero a los 2'45'' comienza un viaje distinto y oscuro, y tenemos que entender que no es una banda más. Los matices se multiplican (y la referencia a Vox Dei es más que patente, sobretodo a su disco "La Biblia").

Con "To Megapentagram" arranca bien experimental, como para bajar un cambio respecto de la canción anterior. Y se podría decir que es una de las perlas del disco, con reminiscencias al Jazz y a lo progresivo maravillosas, y que encajan a la perfección en el sonido y concepto de la banda.

Jazz dije recién. Escuchen hasta el 1'23'' y díganme si no parece una banda de Jazz fusión de los '70.Eso nos presentan en "Vidrio Negro", otra de las joyitas del disco.

"The Superchrist" te refriega por la cara toda la suciedad de las bandas pioneras de este sonido en los '80, con esas voces cavernosas que me remiten en el acto al Venom más sucio y podrido. Por el mismo camino va "Antología de un hombre blanco",por otro lado la canción más larga del disco, con 9' 31''.

"Powerchild" tiene esos climas lisérgicos que hacían a bandas como Goblin una escucha casi obligatoria, para volverse adictiva. Al mismo tiempo, es uno de los temas más duros, y ásperos.

Psicodelia y cuelgue. Ahí tenemos "Funeral Mágico" y toda su influencia blusera para hacernos asustar con la maldad del diablo metiéndose en nuestras mentes. Como si fuera un mal trip de ácido cabalgando la mente de algún chamán en pleno ritual satánico.

Pero el ritual no tiene descanso, porque el disco termina en un arrastrado "Human-Jackal God", que no permite que te relajes ni te despegues de lo que estás escuchando. Todas lascanciones superan los 5' de duración, por lo que la banda tiene suficiente tiempo para hacer crecer y desarrollar las ideas y los sonidos adecuadamente, sin cansar siquiera.

Esto no es solo un disco. Es el mal procesado y envasado para poder ser escuchado, y aprendido.

Recuerden siempre: "El infierno es encantador"

Acá

Taura "Huésped" (2008)

Más música argentina. Más grandes discos editados por bandas relativamente nuevas de nuestro Rock.

Más canciones increíbles de Taura. Ya desprendidos totalmente del sonido stoner de sus comienzos, nos presentan temas cada vez más melancólicos y grises.

Pero no solo eso. Las canciones nuevas son más devastadoras y desalentadoras que las "viejas", con unas letras que no tienen absolutamente nada que envidiarles a, por ejemplo, Katatonia.

Lo mejor de todo es que la música y las letras están tan bien ensambladas que el resultado es un disco desolador como ese ambiente vacío de la portada, con fuertes declaraciones en grandes canciones como "Habitación que oscureció": "...mi único mal soy Yo...".

Otra gran prueba de la madurez compositiva alcanzada por Taura es "Mi Mejor lugar", o la rockera (¡que gran riff por favor!) "Rompevientos", o la climática y darky "Horas como clavos".

Podría darles los nombres entonces de todas las canciones contenidas en este disco...pero no lograría nada, serían solo nombres.

Lo que tienen que hacer es vencer ciertos prejuicios. No todo es Heavy clásico o Thrash en Argentina, ya hay lugar para matices...y desde hace un tiempo. Como escribí en la reseña de "Mil Silencios" (2006) , si te gusta Katatonia o Anathema , acá podés encontrar una cita obligada con esos climas desoladores pero bellos al mismo tiempo.

Aguante Taura, por más música (de la buena)

Acá

Los Natas "El universo perdido de los natas Vol I y II"(2007)

Lo de este trío no tiene nombre la verdad. O si. Se llama Música, así, con mayúsculas.

Es "simplemente" un compilado de viejas canciones...y de covers de canciones inmortales de bandas de igual estatuto.

¿Qué bandas? Pescado Rabioso, Steppenwolf, Black Sabbath, Blue Cheer, Kyuss, Franco Battiato (gran compositor italiano) y Aerosmith.

Yo ya había escuchado la lisérgica versión realizada de "Amame petiribí" en un hermoso disco tributo triple dedicado al Flaco Spinetta, en donde participaban bandas de muchos lugares y de diferentes estilos. También la versión del tema de Kyuss "Allen's Wrench", que aparecía en el tributo argentino a esa banda (uno de los mejores tributos que escuché en mi vida, la verdad). La versión de"Paranoid" de Sabbath ya había aparecido en un simple en en año 2003, junto con "Tormenta mental" de Hawkind, y que también estaba incluido en "Toba trance" (2004)

De los demás al único que no ubicaba era al tano recién mencionado, pero lo pude solucionar rápidamente.

Los temas propios son casi todos viejos, u otras versiones de temas de sus primeros discos. Y para variar, como con cada disco, escuchar algo de Natas, es volver al tiempo en lo que de verdad importaba era la música. Lo demás era verso.

Si nunca recorrieron este vasto universo musical, esta es una buena oportunidad para empezar. Si ya lo conocen, disfruten de otros colores. Vale la pena.

Así que acá tienen una buena dosis de pasado, una especie de sobredosis temporal, para hacer más llevadera su existencia. Y recuerden que hoy hay buen Rock dando vuelta por estos lugares.

Saludos.

Acá1

Acá2

Vibrión "Deseased" (1995)

Si bien el debut discográfico de Vibrion fue con aquel e.p. del '94 ( "Erradicated Life e.p.") , acá dejo su primer disco, una verdadera obra maestra del estilo de una banda infravalorada en la Argentina, pero respetada a lo largo de casi toda Europa.

De ese primer e.p. encontramos algunas canciones. Pero lo que se lleva la atención fundamental en este breve disco, para mi gusto, es cuando bajan las revoluciones, como en "Full of Sickness", con riffs tan incisivos y climáticos que meten miedo de verdad. O en la final "Stranger slow invasion", con pasajes de corte industrial...realmente increíble.

Un gran disco, de una gran banda, y una gran época.

Disfruten.

Acá

Pez "El Porvenir" (2009)

Siempre pasa lo mismo con cada nuevo disco que editan estos argentinos. Al momento de la primera escucha surgen dudas frente a lo que escuchás.

A medida que pasa el tiempo, y con las sucesivas oídas, esas dudas se van disipando. Pero comienzan a surgir preguntas que no tienen respuestas. Por lo menos en este momento.

¿Es un buen disco? ¿Qué influencias tienen? ¿Que quieren/quisieron hacer?.

Todas esas respuestas, y muchas otras que seguramente irán apareciendo se responderán, como siempre pasa con Pez, dentro de algún tiempo.

Hoy por hoy puedo decir que es otro gran disco de la banda, pero me resulta raro comparado con discos anteriores de la banda. Si bien hay cosas progresivas y folkys, la influencia fundamental es el Hardcore y el Punk. Raro. Raro para Pez, a quien me había acostumbrado a escuchar como hipnotizado por las continuas idas y vueltas melódicas y los riffs extraídos de algún cofre antiguo.

Pero Pez tiene esto. Te sorprende y te golpea siempre. No le gusta que te acostumbres.

Igual, lo emotivo sigue incrustado y transmitiéndose en sus letras, como en Roma: "La repetición enferma y el saber tarasca atrás, Fue vaciando de sentido algo que antes era esencial. Las canciones salvadoras, llevadoras de emoción, No se pautan en la radio, explotan en tu habitación, Envenénate en tu roma y no pares de tragar,Porque la uva más dulce es la que aún estas por probar, A mis fantasías de niño yo no quiero renunciar, Siempre supe que para existir tenía que ser real, Y quede clara mi propuesta, mi receta original, Lo que corre por mis venas, para bien o para mal, Envenénate en tu roma y no pares de tragar, Porque la uva más dulce es la que aún estas por probar…y en medio del festín, en medio de esta triste bacanal…prefiero prescindir".

Por ahí los músicos están enojados y encontraron el vehículo necesario para expresar ese enojo.

Bienvenidos a este áspero porvenir(estamos en Argentina, no se olviden) del cual Pez nos deja una buena banda de sonido. Y sobre todo, original.

Acá

Murió la Negra Sosa

Lamentablemente hoy 4 de Octubre de 2009 nos dejó la voz más increíble de Latinoamérica.

Me pongo a pensar el por qué me gustaba tanto lo que Mercedes hacía y no encuentro la respuesta. Porque en realidad nunca me gustó el folklore argentino...Bueno en realidad el kolklore clásico, porque hay/hubo artistas que son imposibles dejar pasar. Atahualpa Yupanki, el Cuchi Leguizamón, Victor Heredia, el Cuarteto Zupay...y la Negra Sosa.

Esos son artistas que, tarde o temprano, si a uno le interesa la música,termina visitando. Y esa visita se prolonga por años y años.

Aún hoy me acuerdo cual fue la primera canción que escuché, y la sensación que me produjo: "Antiguo dueño de las flechas" con músico de otro grande (Ariel Ramírez) y letra de Félix Luna: Indio toba, Sombra errante de la selva, Pobre toba reducido, Dueño antiguo de las flechas. Indio toba, Ya se han ido tus caciques, Tus hermanos chirihuanos, Abipones, mocovies . . .Sombra de kokta y noueto, Viejos brujos de los montes, No abandonen a sus hijos, Gente buena, gente pobre . . .Indio toba, El guazuncho y las corzuelas, La nobleza del quebracho, Todo es tuyo y las estrellas. Indio toba ya viniendo de la cangaye Quitilipi, aviaterai, caguazu, charadai, Guaicuru, tapenaga, pirane, samuhu, Matara, guacara, pinalta, Matara, guacara, pinalta . . . Indio toba no llorando aquel tiempo feliz, Pilcomayos y bermejos llorando por mi, Campamento de mi raza la américa es, De mi raza de yaguarete, Es la america, es . . .Toba dueño como antes del bagre y la miel, Cazador de las charatas, la onza, el tatu, Toba rey de yararas, guazupu y aguaras. El gualamba ya es mio otra vez, Otra vez, otra vez . . .

No sé la edad que tenía, pero si que era muy chico. Al igual que con The Beatles, eran mis viejos los que tenían esos cassettes y los escuchaban en un Technics que sonaba de puta madre. Hasta me acuerdo el disco: Era "Cantata sudamericana" de 1972.

Es cierto. Siempre escuché Rock (es una forma de decir), pero gracias a Mercedes me acerqué al Tango (la versión de "Los Mareados" es increíble), a la Poesía de los artistas latinoamericanos(Eladia Blázquez, Víctor Jara, Violeta Parra y un enorme etc.)-en realidad ella es la que tendió un puente para que yo me pudiera acercar dejando atrás los prejuicios de adolescente-.

Siempre voy a estar agradecido por ese puente en definitiva. Puente que también tendió con artistas de otro palo, más cercano al Rock, al Hip Hop (en su último disco, por ejemplo).

Seguramente estará cantando con otros artistas como el gran Luca Prodan (quien decía que Mercedes tenía mucho más Rock que muchos rockeros), o Miguel Abuelo, Pappo, Federico Moura, Atahualpa Yupanki, Carlos Gardel, Oscar Moro, Domingo Cura, El Polaco Goyeneche, Troilo, Edmundo Rivero, Piazzolla ...tantos que se fueron a enseñarles a los de arriba como se hace música. Los de arriba seguramente aprenderán: Hendrix, Joplin, Jim Morrison, Lennon, Wright, Bonham, Zappa, Coltrane, Miles Davis, Thelonious Monk, Cobain y otro infinito etcétera. Porque siempre hay algo que aprender.

Chau Negra, nos estamos escuchando.

El Festival de los Viajes "El Festival de los Viajes" (2007)

Sigo con bandas argentinas, y con una de la cual no me puedo despegar desde hace mucho tiempo.

En este proyecto hay músicos que tocan en Jesus Martyr, en los Kahunas (una especia de surf rock psicodélico), Poseidótica o Dragonauta, todos exponentes del under argentino.

Es tan extraño y atrapante lo que logra la banda en tan pocos minutos (casi 35'), que si lo escuchás deforma continua a lo largo de las horas, entrás en una especia de trance hipnótico, siendo transportado a algún desierto sudamericano, de esos en los que se pueden ver figuras realizadascon piedras desde las alturas...como una forma de saludar la existencia de vida extraterrestre.

Necesariamente esta gente debe-tiene-que creer en este tipo de vida, sino no se explica los climas logrados, y la diferente paleta de colores utilizadas para engendrar su arte, tan distinta a la utilizada por las bandas de este lado del mundo.

Como referencia, o guía si se quiere, se me ocurre en este momento las bandas de sonido realizadas por la banda italiana Goblin (por lo climático y oscuro), y las bandas de sonido de esos grandes westerns realizados por el genial Ennio Morricone. Pero solo es una torpe referencia.

Para entender de que se trata tienen que escuchar y caer bajo el hipnótico trance desértico de estas 8 canciones, todas destacables e indispensables.

Sigan diciendo que el Rock nacional está muerto, mientras nosotros disfrutamos de este tipo de apariciones fantasmáticas que tanto reconfortan.

Acá

Manal "Manal" (1970)

Manal fue uno de las responsables de generar el movimiento de Rock/Blues más importantes de América en la década de los '60.

En aquellos años por éstas pampas no teníamos mucho que envidiar a la escena de otros lugares realmente importantes en el surgimiento del Rock, como ser Inglaterra o Estados Unidos. Esto se debía a la calidad de las bandas que surgían, como ser Almendra (donde estaba el gran Flaco Spinetta), Los Gatos (monumento a la psicodelía pop donde tocó en su momento Pappo y Oscar Moro), Manal (que ahora reseño), Los Abuelos de la Nada, y un poco después Vox Dei.

Luego de editar dos simples hoy descatalogados, lanzan su primer larga duración por el hoy mítico sello Mandioca.

Los músicos que formaban este trío eran: Javier Martinez (batería y voz); Alejandro Medina(bajo, voz y teclados) y Claudio Gabis (guitarra, armónica, piano). Una formación clásica (como Cream o la Jimi Hendrix experience), con composiciones hoy clásicas que figuran en absolutamente todos los compilados de Rock Argentino existente.

Temas como "Una casa con diez pinos" (versionada por Pappo en su disco "Blues Local"), o "Jugo de Tomate", de una acidez e ironía que roza lo británico: La tierra que te da la vida, da un tiempo para decidir, eligiendo inteligentemente, todo el mundo podrá ser feliz jugo de tomate frío, jugo de tomate frío en las venas, en las venas deberás tener. Si querés ser un terrible vago, todo el día panza arriba y a dormir,o elegiste ser un tipo capo,siempre serio y que da temor. Si querés triunfar con las mujeres,tener muchas que lloren por vos, tendrás que ser un poco inteligente, tener dinero y buena voz.Si querés ser un tipo importante,que se hable todo el día de vos, o querés inmortalizarte como héroe, asesino y semi-dios. Deberás tener: jugo de tomate frío, jugo de tomate frío, en las venas,en las venas deberás tener.

También demuestran una sensibilidad tremenda para entender lo urbano, que no por estar alejado de los orígenes del estilo tenía que perder credibilidad. Sino escuchen ese pedazo de blues titulado "Avellaneda Blues": Vía muerta, calle con asfalto siempre destrozado. Tren de carga, el humo y el hollín están por todos lados. Hoy llovió y todavía está nublado. Sur y aceite, barriles en el barro, galpón abandonado. Charco sucio, el agua va pudriendo un zapato olvidado. Un camión interrumpe el triste descampado. Luz que muere, la fábrica parece un duende de hormigón y la grúa, su lágrima de carga inclina sobre el dock. Un amigo duerme cerca de un barco español. Amanece, la avenida desierta pronto se agitará. Y los obreros, fumando impacientes, a su trabajo van. Sur, un trozo de este siglo, barrio industrial.

Para terminar les aviso que como bonus vienen los cuatro temas que conformaban los dos primeros simples editados por el grupo.

Disfruten de una de las mejores bandas de Blues que escuché en mi vida, y es argentina.

Acá

Taura "Taura e.p." (2002)

Pequeña gema de esta gran banda argentina de Dark Rock. Y con este breve e.p. dan comienzo a su carrera discográfica, que continuaría con el contenido pero hermoso y terriblemente emotivo "Mil Silencios" (2006).

Lo que se presenta en este e.p. es la banda, porque los temas, tres en este caso, volverían a aparecer en el debut larga duración, aunque con un sonido ligeramente distinto, más melancólico y menos Stoner me parece. De los lanzamientos de Taura, creo que es el menos original en cuanto a sonido, ya que las influencias de ese momento quedan más que en evidencia.

Solo escuchen este aperitivo, después pasen al disco propiamente dicho y después me dicen que les pareció.

Acá

Morphine "B-sides and otherwise" (1997)

Sigo con esta banda que no puedo dejar de escuchar ni un segundo. En este caso un compilado muy bueno donde hay versiones de temas en vivo muy interesantes (en vivo en la radio creo), más canciones que no salieron en ninguno de sus discos oficiales, sino que aparecieron en bandas de sonido de películas, o experimentos realmente extraños y amorfos (escuchen "Down love's tributaries") que te puede llegar a quitar el aire.

Lamentablemente esta banda ya no existe-como dije en otra reseña de ellos- pero por suerte podemos seguir disfrutando de su música, intensa, por momentos oscura, siempre fresca e inalterablemente hipnótica y densa.

Tomen su dosis de Morfina, y vuelvan por más.

Acá

Naervaer "Demonstration"-demo-(1995)

A ver...la verdad que no sabría como describir esto. Es realmente extraño pero profundamente atrapante.

Sería una especie de Ambient muy oscuro y al mismo tiempo variado. Para los entendidos, cuando escuchen las voces, al toque van a sacar de donde provienen estos tipos.

Son noruegos y estaban metidos por aquella época en una de las bandas más interesantes que dio la música extrema: In The Woods...

El cantante de hecho es el mismo, el genial y emotivo Jan K. Transeth , quien también colaboró en otra banda para la antología, Green Carnation. Lo acompaña Terje Sagen-también integrante de las 2 bandas-(y comparten voces e instrumentos).

A mi, desde que lo escuché por primera vez, después de buscar proyectos donde participaran los músicos de esa maravilla que fue In The Woods..., me atraparon con esas simples melodías y esas vocalizaciones lastimosas y sufridas.

Acá les dejo su primer y único demo. Dénle una oportunidad.

Acá

Lùnasa "The Merry Sisters of Fate" (2001)

Uno de los mejores discos de una de las mejores, sino la mejor, bandas de música tradicional irlandesa.

Es realmente hermoso y emotivo lo logrado por este conjunto de irlandeses con cada uno de sus discos, y más aún con este, que es el anterior al increíble "Redwood" (2003) .

Solo siéntenese con una tasa de té en hebras, un buen tabaco y a disfrutar de casi 45' de sensaciones y emociones que te llevan a tiempos míticos y remotos.

Acá

Pez "Folklore" (2004)

Simplemente otro maravilloso disco de esta banda única de Argentina que explora los límites entre lo Progresivo y la Psicodelia de los '70 de la mejor forma posible....haciendo buena música.
Acá no esperen encontrar melodías fáciles ni canciones pasajeras, si bien la influencia de lo mejor del Pop está tan palpable como las sensaciones que produce la música (la de Pez).

Canciones que son rockeras y tangueras almismo tiempo, con una melancolía tan bella como hipnótica, y que hace que uno no pueda dejar de escuchar el disco por mucho tiempo.

De hecho yo hace más de 1 mes que escucho este disco initerrumpidamente, y no me cansó para nada, al contrario, cada momento le encuentro nuevas cosas, más referencias, más influencias....más sentido a su sonido.

Y las letras no se quedan atrás, como siempre ocurre con esta prolífica banda. Versos que parecen dictados por lo más lisérgico y poético del gran compositor argentino, Luis Alberto Spinetta.

Palabras aparte para el arte de tapa que me hizo recordar en el acto al disco "Desatormentándonos" de Pescado Rabioso.

Háganse un favor y escuchen esta banda increíble. ¿Que el Rock está muerto? Ja,ja!!, eso es porque no prestan atención a lo que hay dando vueltas por acá desde hace unos años.

Acá

The Beatles "Revolver" (1966)

Hermoso disco de los Fab Four repleto de clásicos, y donde definitivamente se empiezan a alejar de la música de estadios para quinceañeras en celo-en buena hora-.

Es a partir de "Rubber Soul" (1965) que comienzan a experimentar con nuevas formas de componer y nuevas texturas, pero en este disco lo que se asomaba tímidamente 1 año antes se desarrolla rápidamente y cae por su propio peso.

Vamos a las canciones como siempre. El disco arranca con un gran tema titulado "Taxman", y llega el primer tema Dark de la historia del Rock , con "Eleanor Rigby": Ah, mira a toda la gente solitaria. Ah, mira toda la gente solitaria. Eleanor Rigby recoge el arroz de la iglesia donde ha tenido lugar una boda.Vive en un sueño, espera tras la ventana con una expresión que guarda en un jarrón junto a la puerta ¿Para quién es? (ESTRIBILLO)Toda la gente solitaria ¿De dónde viene? Toda la gente solitaria ¿A dónde pertenece? El padre Mc Kenzie escribe las palabras de un sermón que nadie va a escuchar Nadie se acerca, mírenlo trabajando, remendando sus medias de noche cuando no hay nadie ¿De qué se preocupa?(ESTRIBILLO) Eleanor Rigby murió en la iglesia y fue enterrada junto con su nombre Nadie asistió El padre Mc Kenzie sacude la tierra de sus manos mientras se aleja de la tumba Nadie fue bendecido (ESTRIBILLO).

Inluencias hindúes comienzan a entretejr una extraña fusión con un Pop que se vuelve cada vez más oscuro y místico, como en "Love you to", sin los tonos alegras a los que nos tenía acostumbrados la banda pre '65.

La canción "Here, There and anywhere" es sencillamente hermosa y calma, y te relajas de una forma tan pacífica que te deja pensando en todos los lugares que puedas evocar y que provoquen la misma sensación.

Y la psicodelia apagada se hace presente con "Yellos Submarine" que creo que fue la primer canción que escuché de ellos proveniente de un cassette de mis viejos de la vieja compañía RCA (¡que mi viejo todavía tiene!), y aún hoy me sorprende y me alegra como en aquellos viejos tiempos.

El submarino se aleja para dar paso a "She said, she said" otro gran tema con extraños acordes experimentales y efectos al por mayor, y que es una de las más atrapantes del disco. Siguen tres canciones que son simplemente hermosas: "Good day sunshine", "And your bird can sing" y "For no one"....todas tratados de como componer grandes canciones Pop emotivas y sentidas, tal vez alegres pero no estúpidas (tendrían que aprender todas las bandas de Pop actuales, por lo menos las de Argentina).

Hay otros temas, pero el disco termina con "Tomorrow never knows" otro gran experimento sonoro con extractos del libro tibetano de los muertos recitados/cantados por Lennon y acompañado con hipnóticas percusiones del maestro Ringo.

Una obra de arte del siglo XX, que sin ser tan volado y experimental como el "The Beatles"(White album) (1968) de años posteriores, es más homogéneo y digerible.

The Beatles, gracias siempre por tanta música.

Acá

Las Blacanblus "Cuatro mujeres y un maldito piano" (1994)

Disco inicial de este cuarteto de Blues argentino conformado solo por mujeres, y en donde cantan las cuatro, y más que bien resta decir.
Hace tiempo que tenía pendiente esta reseña, y aprovecho ahora, después de tantos discos de música extrema como para bajar un poco los decibeles y disfrutar de esta banda realmente excelente.
Son 13 canciones que van desde el Rock and Roll hasta el Blues, pasando por algunas claras influencias de Góspel.
De hecho Cristina Dall (piano y voz); Débora Dixon y Mona Fraiman (Voz) y Viviana Scaliza (guitarra y voz) integrantes de esta banda se conocieron en un coro de spirituals y formaron la banda en el año 1992.
Sin mucho más que decir, quiero aclarar que blacanblues suenan porteñas y negras al mismo tiempo, y con un swing que difícilmente se encontrara por esa época en nuestras tierras (y no ahora).
Solo destacar un par de temas en donde queda al descubierto la capacidad vocal de estas 4 minas: "Como lo hacía Fred Astaire" y ese tremendo blues "St. Luis Blues"...pero todos los temas son destacables, solo que estos dos son los que ahora me atrapan más.

Blues

1349 "Revelations of the Black Flame" (2009)

1349. El año en el que la peste negra arrasó Noruega cargándose las 2/3 partes de su población.

1349. Una de las mejores bandas actuales de Black Metal que no recurre a teclados, y que destila un odio muy similar al que fluía de los antiguos Satyricon o los primeros Anaal Nathrakh (gran banda británica).

Este disco no es tan caótico como los anteriores "Liberation" (2003) o "Beyond the Apocalypse" (2004), que son sus dos primeros larga duración; y muchísimo mejor que el inmediatamente anterior a este que se titula "Hellfire" (2005).

Como vengo diciendo desde hace algunas reseñas, es impresionante lo tenebroso que puede sonar una banda Black cuando bajan los tempos y le meten otro tipo de influencias-acá por ejemplo aparecen referencias industriales-

Hay canciones que respeta la maldad inherente al estilo pero atravesado por otro tipo de oscuridad, ya no tan violenta sino más angustiante, que dejan abierto un campo de experimentación tan promisorio como negro.

De nuevo las canciones. Las mejores que podrían haber hecho estos músicos. Con nuevos matices y texturas (que antes no tenían), arpegios e infinidad de punteos calmos que generan unos climas similares a los logrados por ciertas bandas francesas (pienso en Blut Aus Nord y Deathspell Omega , aunque no tan experimentales).

Las perlas son varias: por comenzar el cover de los dioses Pink Floyd "Set the Controls for the Heart of the Sun" en formato Black opresivo,que es realmente increíble. Y los instrumentales "Solitude" y Misanthropy", atípicos para el género, y que demuestran que estos tipos no son payasos pintados, sino que saben componer.

Los músicos. ¿Por qué son renombrados estos noruegos? Porque tuvieron un apoyo importante gracias a su baterista, que no es otro que Frost, el de Satyricon , cuya labor resulta aplastante. Los demás no se quedan atrás, y son conocidos dentro de la escena noruega. Ese fue el primer paso, aunque con el correr de los años demostraron que no solo eran los que acompañaban a ese baterista, sino que podían llegar más allá con su música.

Otro dato para tener en cuenta: uno de los invitados, que toca bajo y guitarra en el cover de Pink Floyd es uno de los músicos más influyentes de la historia, Tom Warrior (de Celtic Frost), quien participó en la mezcla del disco.

P.D.: este post es el de la edición limitada, que viene con un bonus cd de la banda en vivo que no tiene desperdicio, titulado "Works of Fire, Forces of Hell - Live Stockholm 2005", sobretodo el tema "I am abomination", de una intensidad pocas veces alcanzada en los últimos años..

Créanme que con este disco 1349 logra revelarnos la llama negra noruega...imperecedera, para nosotros seguirla eternamente.

Acá1

Acá2

Blut Aus Nord "Odinist-The Destruction of Reason by Illumination" (2007)

Luego de ese extracto de residuos tóxicos titulado "MoRT" (2006) , al año siguiente los franceses lanzan otra bomba nuclear cargada de inmundicia neurotóxica, que te asesinará lentamente mientras vas perdiendo la razón.

Es tan denso este disco que en tan solo 37' dudas de la poca cordura que te pueda quedar después de escuchar el disco del año anterior mencionado.

Porque acá vuelven a aparecer ciertas asperezas ligadas al Black Metal tamizadas por la visión de los apocalípticos franceses por excelencia. Si parece que hasta te observan desde ese mítico y oscuro ojo que todo lo ve para que, encima de sentirte atrapado te sientas observado y oprimido aún más.

Los franceses siguen dando cátedra de como perturbarte iluminando tu mente con un disco tan negro y opresivo como la portada, y tan violento que por momentos te asfixia.

Traten de probar y avisen.

Acá

Xasthur "The Funeral of Being" (2003)

La verdades que hay cosas que no tienen explicación. Porque si uno se pone a analizar "objetivamente" las virtudes de un disco (por ejemplo) se podría dar cuenta de que está frente a un pedazo informe de bosta.

Con Xasthur, proyecto unipersonal de uno de los loquitos más "simpáticos" de la movida blacker norteamericana me pasa eso. Si lo escucho así nomás, casi ni reacciono. Ahora si le presto atención, el trance se presenta indefectiblemente.

Y no es que sea algo muy elaborado. Justamente ahí radica su impronta hipnótica, su frío arte te transporta a la mente de este ser (nombre real: Scott Conner) que aparentemente desprecia y odia a todo el mundo.

Y ese desprecio se inscribe, te marca, y terminas deseando, como este oscuro ser humano, que todo termine, y si es de la peor forma mejor.

No hay mucha diferencia con otros lanzamientos. Este en particular fue lanzado en el año 2003, aunque fue grabado entre los años 2001 y 2003. Obviamente que hasta ahora lo más logrado de la "banda" fue ese experimento de gélido metal extremo más Ambient titulado "Subliminal Genocide" (2006) que tenía una producción un poco más decente que este funerario ritual del ser.

Más allá que parezca muy de mentira, logra transmitir una desesperación tan angustiante que por momentos la escucha se vuelve intolerable.

Pero soportá la angustia, vas a descubrir que puede ser muy productivo, sino fijate la cantidad de discos que Malefic lleva editados.

Acá

Lux Occulta "Forever Alone, Immortal" (1996)

Primer disco de esta banda polaca editado justo a continuación de ese increíble demo titulado "The forgotten arts" (1995)".

Se puede decir que lo insinuado en este demo se ve multiplicado por 1000 en cuanto a ideas y climas. Las canciones son realmente extensas pero no aburren, mostrando en todo momento que son capaces de producir el mismo vértigo que produce caer desde un piso 60 sin paracaídas y solo atado a una soga (pero de esas que no se estiran).

Acá pueden encontrar desde Black Metal "puro", pasando por esas influencias Doom Metal que tan bien cuajan en esta banda, como así también música clásica tan correctamente entrelazada con la violencia emanada de estos polacos que no te queda otra que pensar que es la fusión más natural existente.

Un disco hermoso realmente,que solo tiene una contra: la producción, ya que el sonido logrado no es el mejor, siendo superior incluso el de su primer y único demo. Este pequeño problema fue solucionado años después, con una remasterización, que incluyó un gran cover ("Burn") de una banda increíble de la movida Gothic/dark de los '80: The Sisters of Mercy.

Igual, disfruten de esta gema proveniente de Polonia, y cuando se queden sin respiro, pidan los discos que siguen. Quedan unos cuantos.

Acá

Impaled Nazarene "Suomi Finland Perkele" (1994)

El primer disco de esta banda finlandesa (otra más, y van) que escuché fue el descomunalmente violento "Ugra-karma" (1993), allá hacia finales del año 1994, y era realmente de temer lo logrado por estos chiflados probélicos, en términos de agresión musical.

Después me topé con esa cosa rara llamada "Latex Cult" (1996), una mezcla entre punk, industrial y una pequeña dosis de Black que te atrapaba por lo minimalista de la propuesta.

Pero este disco es otra cosa. De hecho lo pude escuchar mucho tiempo después de lanzado a la venta, y luego de leer muchísimas entrevistas a Mika Luttinen, líder y fundador de este monstruo violento. En esas entrevistas Mika despotricaba contra el maricón de su hermano (eran sus propios términos), el otro fundador Kimmo Luttinen-baterista- por la dirección que le estaba dando a la música y el sonido de la banda, con melodías,teclados y demás "mariconadas", con las que el pelado vocalista no estaba para nada de acuerdo...y terminaron echando al baterista.

De hecho es esta la última intervención discográfica del mismo dentro de la banda. Y, para mi, ocurrió en una de las mejores páginas de la historia de la banda-siendo la otra el citado "Ugra-karma"-

Canciones cortas y violentas, con voces que parecen estar aderezadas por un alto nivel de uranio empobrecido, y letras totalmente bélicas o a favor de una destrucción total por la vía nuclear.

No es que sea todo violencia interminable,sino que cuando bajan las revoluciones,como ocurre en todo este tipo de bandas, suenan maravillosamente malignos, y es imposible dejar pasar este tipo de atracciones auditivas.

Ejemplos. "Blood is thicker than water" posee unas melodías hermosas y transmite un desasosiego difícil de igualar, al igual que su maravilloso riff central, que por memorable me lo acuerdo desde la primera vez que lo escuché hace más de 10 años.

También en "Quasb (the burning)" se hace presente esa maldad inherente a las bandas nórdicas, a una velocidad que no despreciaría ninguna banda Doom, sonando al mismo tiempo épica y gloriosa.

Es cierto que hay mucha violencia contenida en los 30' que dura el disco. Pero te deja con un gustito tan particular que te impulsa a repetir la experiencia nuevamente.

Esta banda es una de las que hizo que surgiera mi interés por el metal más extremo (y enfermo) del norte de Europa.

Escuchen y disfruten de la frialdad finlandesa (no todo en Nightwish ni Children of Bodom en esta vida, por suerte)

Let fucking die!!!

Aquí

Hecate Enthroned "Upon Promeathean Shores (Unscriptured Waters) e.p." (1995)

Disco (e.p. en realidad) debut de estos ingleses que con los años abandonarían sus raíces para adentrarse más en un sonido emparentado con el Death Metal.

Lo que acá ofrecían era un sonido relacionado indudablemente con el Black Metal que por esos años componían gente de la talla de Cradle of Filth, con los mismos recursos y casi la misma pintura corporal.

No quiero que malentiendan. Yo por esa época recién andaba descubriendo a aquellos ingleses, y su disco debut me había partido la cabeza-aún lo escucho y me transporta a sitios y parajes helados-,por lo que todo lo que sonara parecido a eso me cautivaba.

Con el correr de los años Hecate Enthroned fueron encontrando su rumbo y estilo propios, al tiempo que abandonaban el Black Metal, aunque antes dejaron dos tremendos discos inscriptos en el estilo que casi lo pasan por arriba a los mismísimos Cradle of Filth. Aquellos discos eran "The Slaughter of Innocence, A Requiem for the Mighty" (1997) y "Dark Requiems..." (1998), y realmente fue impresionante el nivel alcanzado dentro del estilo.

De todas formas, y como ya existía Cradle of Filth, siempre se los comparó y quedaron eclipsados por estos, por lo que no fue una mala idea buscar otro estilo a partir de "Kinf of Chaos" (1999).

Por lo pronto, escuchen el inicio de la discografía oficial de la banda que para la época y los recursos no estaba nada mal.

Acá

Abruptum "Casus Luciferi" (2004)

Hablando de música oscura no podía dejar de reseñar a estos locos suecos que idearan una de las mejores "bromas" de la escena extrema sueca.

Estoy hablando de algunos de los músicos más prolíficos de dicha escena y que participaran en diferentes bandas a lo largo de los años, como ser Ophthalamia, Marduk, Vondur o War, enroladas ya sea en el Black Metal más primitivo (War) y salvaje (Marduk), como en oscuros proyectos ambientales (Vondur) devenidos luego en influencias del Black, o en esa hermosa banda sueca melódica y oscura al mismo tiempo, que puede deleitar al más extremo Blacker, al amante del doom clásico (grandes melodías) y, por qué no, al aficionado al Heavy Metal más '70. Obviamente,hablo de Ophthalamia.

Este disco es el último de la banda, y no podía terminar mejor esta tenebrosa historia de música monótona y agresiva. Si bien sus primeros discos se podrían etiquetar de Black Metal-haciendo parecer a Darkthrone como una banda influenciada por Pink Floyd-, se despiden con un tratado luciferino de noise extremo mezclado perturbadoramente con una gran dosis de electrónica, dando a luz uno de los discos más hipnóticos dentro del estilo, y al mismo tiempo más agresivo, violento y marcial, con unos increíbles cantos sacros de fondo (escuchen el track 2 y me cuentan), que le da un toque tan tenebroso como atrapante.

Y la pregunta final, como en todos estos proyectos es la misma: ¿Qué es lo que buscan estos tipos al hacer esta música?

Mi respuesta es simple, y por lo menos a mi me convence y me sirve. Se divierten un montón, y de paso despuntan un vicio por este tipo de música que no pueden incluir en sus proyectos principales.

Disfruten, dénle una oportunidad, y vean como las huestes del mal lo volvieron a hacer.

Acá

Niden Div. 187 "Impergium " (1997)

Otra violenta banda, en este caso de Suecia.

Es realmente impresionante el odio que llega a transmitir simplemente en temas de menos de 4'. Es otro de los proyectos paralelos de algunos de los músicos más reconocidos de la escena sueca, integrantes de una banda tremenda llamada Dawn, que allá por el año 1998 editó esa maravilla de Black Metal melódico titulada "Slaughtersun (Crown of the Triarchy)".

De todas formas lo que tenemos en esta única placa es violencia, odio, guerra y destrucción por igual, ejecutado a una velocidad sorprendente y con una de las voces más violentas que escuché en los últimos tiempos.

Nada más que decir, solo disfruten de la violencia y el odio en su mejor formato, el Black Metal.

Aquí

Fimbulwinter "Servants of Sorcery" (1994)

Oscura y violenta banda noruega de principios de los '80, cuando todo el movimiento estaba rodeado por más misterio que otras cosa.

Los integrantes de Fimbulwinter luego se hicieron muy conocidos formando parte de bandas muy conocidas: Skoll en bajo (quien tocó en bandas como Ulver, Arcturus y Ved Buens Ende), Shagrath en guitarra y batería (quien aún toca en los increíbles Dimmu Borgir) y un, para mi, desconocido Necronos en voces y guitarra rítmica.

Este primer y único disco tiene un sonido sucio y aspero, perteneciendo al después denominado Raw Black Metal, y tiene el encanto que tenían las bandas de principios de aquella década, en donde todo estaba por descubrirse y aún nos llamaba la atención las locuras realizadas por todos esos noruegos locos que, para nosotros, solo quemaban iglesias como una diversión.

No esperen encontrar melodías, ni cuestiones técnicas increíbles...solo música honesta y repleta de actitud blacker que todavía hoy sigue capturando seguidores.

Acá

Bathory "Hammerheart" (1990)

Dentro de la escena extrema europea hay bandas que son imposibles pasar por alto a la hora de definir el surgimiento de un estilo o de un género. Esas bandas no son muchas. Y a comienzos de los '80 eran menos todavía, teniendo en cuenta que aún estaba tomando forma la escena.

Mercyful Fate, Venom, Celtic Frost, Kreator, y obviamente Bathory.

Comenzó haciendo un tipo de metal que luego sería el fundamento del Black Metal más extremo y menos melódico con sus tres primeros discos, aunque ya en 1987 con "Under the sign of black mar" en donde se suma a sus sonidos lacerantes melodías épicas, y la temática satánica comienza a dar lugar a historias de batallas vikingas y épicos combates, todos relacionados con sus ancestros vikingos.

Así, llega el año 1990, y con él, el cambio definitivo de estilo, donde salen a relucir voces limpias, lo que le suman mayor dramatismo y profundidad a la música de este proyecto (que desde el año 1985 no tocaría más en vivo).

Las canciones son simplemente maravillosas y totalmente creíbles, y realmente extensas, siendo todas de más de 6', con excepción de "Song to hall" de 2'30'' y el outro final de menos de 1'.

A partir de eso, podés disfrutar de bellezas épicas como el que inicia la placa "Shores in Flames" o "Father to son".

El que más me gusta en este momento, mientras escribo la reseña es "One road to Asa Bay" que hasta suena con un dejo de melancolía por aquellas batallas pasadas y ganadas que te deja impregnado del olor a sangre de los combatientes muertos en el campo de batalla, que seguramente se reunirán en el Valhalla.

Si te gusta lo épico aplicado a la música extrema, y todas las bandas de Viking existentes, acá tenés el origen de eso, sin tantos tecnicismos actuales, pero con un sentimiento que pocas agrupaciones actuales tienen.

Acá

Satyricon "Now, diabolical" (2006)

¿Cómo hacer para absorver la escencia de la maldad? ¿Para abandonar toda bondad patética y abrazar el negro odio por la especie humana?

Si con "Volcano" (2002) se insinuaban esos sonidos rockeros y ese gancho inmediato en canciones de un estilo que no debería tener groove (léase bien, no debería), en este se acrecienta y finalmente Satyr te termina de convencer de que es un gran compositor de canciones, y que Satyricon tiene una discografía tan increíble y tan creíble, que incluso frente a su actual Black 'n Roll no puedo dejar de sorprenderme.

La canción que abra la placa y le da el nombre al disco es simplemente DES-CO-MU-NAL. Por no hablar de K.I.N.G., que tiene uno de esos riffs que dentro de 20 años harán que se te mueva sola la cabeza, para levantar la mano con el dedo meñique y el índice automáticamente, con cara de ira gritando. (Ja!).

Otras de las canciones que se destacan sobre el resto es "The Rite of Our Cross", junto con "Delirium", en donde se repite esa cuestión que tanto me gusta, cuando las bandas aceleradas y veloces bajan las revoluciones resaltando los climas más opresivos y malvados.

Entonces, ¿quieren absorver la escencia del mal? Cuando lleguen al final del disco y comience a sonar "To the Mountains" se van a dar cuenta que estos noruegos respiran y destilan maldad, sin hacer referencia incluso a los oscuros tiempos medievales, ni a ancestrales tronos en los bosques, solo con música.

Y eso ya es mucho.

Gracias a Satyricon la oscuridad será eterna, y brindo por eso.

Diabólico

Lord Belial "Kiss The Goat " (1995)

No sabría si catalogarlo como clásico la verdad. Probablemente lo sería para mí.

Todavía me acuerdo la impresión que sentí al escuchar este disco por primera vez, allá a fines del año 1996 o comienzos del '97, poco antes de escuchar el segundo disco de esta banda sueca titulado "Enter the Moonlight Gate".

Era realmente poderoso y violento el sentimiento transmitido y se diferenciaba de lo que había escuchado hasta ese momento. ¿En qué? Y en que sonaban de verdad paganos, y al mismo tiempo te identificabas y te llevaba rápidamente a antiguos bosques plagados de antiguos seres misantrópicos que alababan a dioses malignos que detestaban de igual forma la presencia humana en esos bosques.

El sonido inmenso de esa flauta me parecía entrelazarse de forma tan espectacular con las melodías escupidas con odio por esas guitarras gemelas que parecían ejecutadas por algún amante del metal de los '80.

La canción que más me conmovió en ese momento fue el instrumental "The art of dying", ya que no podía creer que alguien pudiese sonar tan melancólico haciendo música tan extrema.

Hoy por hoy me parece, junto con su segundo disco, lo mejor de su discografía, y que no podrá ser superado ya que en Enero de este año, la banda dejo de existir oficialmente.

P.D.: el arte de tapa, graciosamente rosado, fue un error de impresión que en ediciones posteriores se corrigió. Solo como dato curioso, y que le suma un poco de picante a esta banda.

Acá

Deathspell Omega/Stabat Mater/Musta Surma/Clandestine Blaze/Mgla/Exordium "Crushing The Holy Trinity" -Split- (2005)

Un disco triple del recontramil carajo, tan oscuro y perturbador como hipnotizante en el tratamiento sonoro que las bandas hacen en los espacios de los cuales disponen.

Como se darán cuenta, son 6 bandas. De ellas, en éstas páginas apareció solo Deathspell Omega, esos franceses experimentales que hoy representan la veta más experimental y de vanguardia del Black. Su presencia es la que inicia este split, compartiendo su espacio con los finlandeses Stabat Mater-quienes practican Funeral Doom-, en la primera parte del disco titulada "Father". Dos temas que suman entre ellos casi 41', siendo de los tres discos el que más matices y texturas tiene.

La segunda parte del split-subtitulada "Son"- está compartida por otras dos bandas finlandesas de Black Metal más extremo, Musta Surma y Clandestine Blaze. La primera con muchas influencias roceras y punks en el sonido, mientras que la segunda un poco más orientada hacia el Black con reminiscencias funeral/ambient, sobre todo en las partes más lentas, que logran transmitir un helado terror y una sensación de vacío como pocas bandas lo hacen.

Para terminar, "Holy Spirit" es la tercera parte de esta pieza encargada de transmitir auténtica maldad europea. En este caso repartida en dos bandas: Mgla y Exordium, siendo la primera de Polonia y la segunda, de nuevo, de Finlandia. Para Mgla este sería su debut discográfico y realmente sorprende lo ajustado y desesperante que suenan, sin dejar de tener una sutil melodía que atraviesa los temas aquí presentados. Exordium es la más relacionada con el Black Metal de fines de los 80', sobre todo por su sonido y esas guitarras chirriantes que parecerían escupir navajas de afeitar en las orejas de quienes nos adentramos en este hosco universo sonoro y, por qué no, estético filosófico, donde la única escapatoria es destruir la santa trinidad.

Adelante, entonces, y bienvenidos al satanismo militante.

Padre

Hijo

Espíritu

V.V.A.A."Darkthrone Holy Darkthrone-Eight Norwegian bands paying tribute" (1997)

Tremendo tributo a estos dioses noruegos que no precisan presentación, siendo una de aquellas bandas legendarias y míticas que originaron todo un movimiento.

Y los que están en este compilado forman parte de aquellos oscuros años, donde había ciertas actitudes extra musicales que hacían que la prensa se comenzara a fijar en estos noruegos extremos que mostraban que otra forma de arte estaba naciendo, al mismo tiempo que ciertas iglesias se incendiaban y ciertas personas morían (asesinatos y suicidios de por medio).

¿Quienes son esas bandas? Satyricon nos presenta una espeluznante versión de "Kathaarian Life Code" que daba comienzo a esa pieza hoy de colección titulada "A Blaze in the Northern Sky" (1992), cuando la banda reverenciada comenzó sus pasos por el Black Metal; "The Pagan Winter" de este mismo disco es versionado por los extraños Thorns, con una gran versión industrial, y la más original de todas.

A continuación uno de los pilares del Viking Black Metal, Enslaved, versionando "Natassja In Eternal Sleep" que se encuentra en "Under a Funeral Moon" del año 1993, y también abre dicho disco. De este también es la canción "To Walk the Infernal Fields" que versiona Immortal y cierra este tributo.

Otra de las grandes versiones es la realizada por Emperor del clásico "Cromlech" del no menos clásico "Soulside Journey" (1991). Otra banda experimental dentro de lo más negro del Black, Dødheimsgard hacen una perturbadora versión de "Green Cave Float", presente en esa cosa deforme del año 1996 titulada "Goatlord".

La versión de "Transilvanian Hunger" de Gehenna es híper violenta y hoy por hoy, la que más me gusta.

Para el final queda la peor versión de una banda que tiene mucho de culto y poco de música, los insoportablemente "sifoneros" Gorgoroth, con un sonido espantoso y pedorro tocando Slottet I Det Fjerne (de "Transilvanian Hunger"), que hace pensar en el "Nattens Madrigal - Aatte Hymne til Ulven i Manden" (1997) de Ulver (2) como si fuese una producción de música ambient.

Un gran tributo (excepto lo de Gorgoroth) para una banda legendaria.

Acá

Summoning "Nightshade Forests" e.p. (1997)

A medida que pasaron los años, esta banda austríaca se fue adentrando en sonidos cada vez más épicos, sumando una bella cuota melódica a su ya de por sí extraño arte Black Metal.
Luego de esos oscuros y rústicos demos y de aquel precioso y negro primer disco "Lugburz" (1995), llegó el tiempo para su segundo lanzamiento, titulado "Minas Morgul" (1995) (ya reseñado en estas páginas) y las melodías y los sonidos desgarradores de batallas ancestrales se multiplicaban a lo largo de la placa.

Y un año después ve la luz esa placa llena de gloria y rabia titulada "Dol Guldur" (1996), el mejor disco de la banda hasta ese momento.

Es de las sesiones de este último de donde son extraídas las canciones que harán las delicias de los amantes de los sonidos oscuros, melancólicos, estridentes por momentos y melódicos, climáticos y épicos en todo su esplendor.

Solo 4 canciones distribuidas a lo largo de más de 30', y la calidad siempre presente de esta gran banda austríaca.

Al igual que Finlandia, de Austria también salen grandes bandas de la movida extrema. Porque más allá de las melodías, lo épico, y lo extenso de las canciones y las batallas y demás historias relatadas, Summoning es una banda extrema.

Disfruten, y bienvenidos al mundo Tolkien

Acá

Austrian Black Metal Syndicate "Norici Obscura Pars" (1995)

Seguimos con más Black Metal, en este caso proveniente de Austria, de donde son también los geniales Hollenthon y Pazuzu (incluido en este compilado más que interesante).
¿Quienes integran esta presentación en sociedad de la escena extrema Black de Austria? Golden Dawn, Pervertum, Trifixion, Knechte Des Schreckens, Vuzem y Pazuzu.

En general son todas bastante violentas, aunque no dejan de ser melódicas. Trifixion se destaca por ser la más relacionada al sonido europeo del Thrash Metal de los '80, mientras que Pazuzu da la nota con esos oscuros toques ambientales que tan bien realizan.

LA perla del disco es Vuzem, quien existiera como tal solo en este compilado, siendo la más violenta de todas y al mismo tiempo, la más extraña y melódica. Luego de esto se cambiaron de nombre y estilo, siendo actualmente los Hollenthon, otra recomendable banda austríaca, que nada tiene que ver con sus orígenes.

De todas formas, un gran compilado que termina con un tema de Vuzem de casi 19' (en donde sí se puede ver los sonidos que más tarde aparecería en Hollenthon) que por si solo justifica la adquisición de esta joyita.

Ingresen a la parte oscura, y no salgan.

Oscuridad

Celtic Frost "Morbid Tales" (1984)

Tremendo disco debut de los dioses suizos, no se puede decir otra cosa. Actitud, evolución, pelotas y grandes canciones que 25 años después se siguen escuchando y siguen transmitiendo la misma frescura que entonces.
Si se tiene que ser estricto, en realidad este es el debut, aunque en calidad de e.p. Y es en Estados Unidos que con el "agregado" de dos temas más se transforma en un larga duración.
Grandes canciones que inspiraron al movimiento Black Metal del norte de Europa, sobre todo a las bandas más extremas. También tuvo marcada importancia en los orígenes de una gran banda de Brasil llamada Sepultura, que en sus primeros lanzamientos sonaban similar.
Todo el movimiento extremo actual le deben tributo a esta banda, y en especial a este disco. Lo que les dejo ahora es la reedición del año 1999, que como bonus tracks nos regala el e.p. del año 1995 titulado "Emperor's return".
Entren a las heladas tierras y disfruten de estos mórbidos cuentos, no se van a arrepentir.
Acá

Solefald "Pills Against the Ageless Ills" (2001)

Lanzamiento inmediatamente anterior al maravilloso "In Harmonia Universali"(2003) y, para mi gusto, uno de los discos más difíciles de digerir y escuchar de esta banda noruega, compuesta por dos músicos enormes llamados Cornelius (Voces, guitarras y bajo) y Lazare (voces, sintetizadores y batería).

Si bien sigue los lineamientos de discos anteriores, donde las estructuras de diferentes géneros y estilos se mezclan en un vaivén adrenalínico que no da respiro (Pop, Black Metal, heavy clásico, avant-garde, Death Metal, Blues, Rock, Psicodelia , etc.), es el menos consistente de toda la discografía, ya que no hay canciones memorables, como si hay en sus lanzamientos anteiores y en el disco siguiente.

También es interesante lo politizadas que son las letras de este disco, que debería funcionar como un frasco de "píldoras contra enfermedades sin tiempo".

Aquí es donde está lo fantástico de esta banda, que no tiene ningún problema en declarar practicamente en contra del género al que pertenece, como ocurre por ejemplo en "Hate yourself", aunque no es la única lectura posible.

Las canciones de este disco siguen los parámetros compositivos de estos dos monstruos ( que también participan en bandas como Borknagar, Age of Silence, Sturmgeisto Carpathian Forest), pero un tanto más duras y monotemáticas.

Por ahí puede ser por las pastillas que estaban consumiendo.

De todas formas escuchen que realmente vale la pena, ya que la inteligencia acá no tiene límites.

Acá

Satyricon "Volcano" (2002)

Los primeros discos de estos noruegos ya son clásicos del metal más oscuro y místico que surgiera de aquellas heladas tierras, ambientados en esos oscuros tiempos medievales, e incluso más atrás.

Esa idea y concepto sonoro llegó hasta el año 1996, con la edición del descomunal "Nemesis Divina".

Y a partir de allí, con los e.p.'s de los años 1997 y 1999 se preparó el camino para el nuevo lanzamiento de ese último año, "Rebel Extravaganza", en donde esa primitiva y mítica furia medieval avanzaba unos cuantos siglos para incrustarse en las modernas ciudades del planeta, tornando su propuesta más moderna pero no por ello menos negra y violenta.

Lo expuesto en ese disco (uno de los mejores de ese año), se ve incrementado y modificado en este nuevo lanzamiento, sonando más simple y menos industrial, pero un poco más oscuro.

Y esa es la primera característica que sale a la luz luego de una rápida escucha. Es impresionante como, cuando las bandas de Black Metal bajan las revoluciones, se incrementa la sensación de maldad y odio transmitido. Y si a eso le añadimos que ya de por sí esta banda es bastante "maligna", el resultado es realmente muy bueno. Incluso la participación de algunas voces femeninas en "Angstridden" le dan un tono tan amenazante y perturbador que se hace difícil no resaltar esta canción.

La perla del disco en tanto corte de difusión es ese Rock n' Roll negro lleno de odio y misantropía titulado "Fuel for Hatred", con uno de los riffs más impresionantes y gancheros de toda la discografía de los noruegos. En "Possessed" está el tema más acelerado del disco, justo antes de "Repined Bastard Nation", otro de los clásicos de la banda, con esos riffs repetitivos que no hacen más que ponerte en trance al promediar el disco. En "Mental Mercury" encuentro otro abordaje melódico y de tempo, que no hace sino resaltar las grandes dotes de compositor de Satyr, para terminar con ese terrible himno lleno de maldad y sonidos lacerantes titulado "Black Lava", que con sus casi 15 minutos, cierra el disco de la mejor manera.

Un increíble disco de Black Metal del Siglo XXI, como corresponde a la historia trazada por Satyricon.

Acá

Ulver "Nattens Madrigal - Aatte Hymne til Ulven i Manden" (1997)

¿Te gusta el Black Metal refinado, melódico o sinfónico? ¿Te volvés loco con trabajos de artistas de la talla de Emperor, Cradle of Filth , Borknagar o Dimmu Borgir? ¿Te parece que bandas como Darkthrone, Horna (de Finlandia), y todas las old school no hacen música?

Si la respuesta a estas tres preguntas es si, te recomendaría que sigas de largo y busques otra cosa...tal vez los dos primeros discos de esta misma banda.

Ahora, si querés experimentar como sería recibir un perdigonazo de calibre 16, y que en lugar de perdigones el cartucho estuviera cargado de hojas de afeitar nuevas......dale para adelante, porque el dolor tiene diferentes nombres, y uno de ellos es el de este disco: "La madriguera de la noche: ocho himnos al lobo en el Hombre".

Violento, furioso, irritante, lacerante....pongan los adjetivos que se les ocurra y así todo, no podrán dar nunca en el clavo. Y eso es este disco, una puñalada auditiva noruega en formato de disco, que causó tal sensación cuando salió que nadie lo podía creer. Sobre todo si venía de una banda considerada dentro de las melódicas, las que le daban un lugar a ciertos pasajes acústico/melódicos tan hermosos que te transportaban a los helados bosques del norte europeo.

Y en este disco lo que se destaca es la helada atmósfera que transmite en los ocho himnos. Y no deja de tener ciertos pasajes acústicos que te dejan respirar entre tanta violencia licantrópica.

El inicio parece una broma, pero no, el sonido es ese...Low fi llevado al extremo pero con un encanto tal que es imposible sustraerse al "El Lobo y el Miedo" que grita Garm (quien intervino en muchas bandas, entre ellas Arcturus)....para dar paso a ese calmo pasaje desde el 1'04 hasta 1'50'', donde se desata la furia nuevamente. Bueno el comienzo del segundo himno "El lobo y el Diablo" no se aleja demasiado del primero, con un rústico misticismo que mete miedo y empequeñece al mismísimo Darkthrone de "Transilvanian Hunger".

Y así con los seis himnos restantes. Y me pregunto: ¿de donde proviene ese sonido? La respuesta es sorprendente, casi tanto como la edición de este disco en manos de Century Media: fue grabado al aire libre en esos mismos oscuros bosques noruegos que siempre rodearon a Ulver (Lobos, en noruego). Es este mismo sello quien un año después despide a la banda por otro controversial y al mismo tiempo maravilloso disco conceptual titulado "Themes From William Blake's The Marriage of Heaven and Hell", de corte netamente electroambiental.

Última pregunta. ¿Amás la noche, la oscuridad, la maldad...los ríspidos sonidos de las pesadillas más terroríficas que te puedan atormentar?

Bienvenido a tu banda de sonido ideal.

Lobos

U2 "The Joshua tree" (1987)

Si bien desde sus comienzos supieron sondar ajustados y contundentes, con grandes canciones y una honestidad tremenda, es con el disco anterior a este, "The unforgettable fire", cuando terminan de dar ese salto cualitativo que los lanzarían al estrellato.

Y es a partir de este "The Joshua Tree" que pasarán a ser considerados una banda indispensable para entender el Rock de los '80 y de los '90.

Todas las virtudes expuestas en lanzamientos anteriores acá se encuentran multiplicadas exponencialmente, con tremendas canciones hoy clásicas, que tienen una carga emotiva difícil de lograr. Y todas demuestran tan transparentemente sus influencias que resulta al mismo tiempo un disco variado y entretenido, que va desde el regocijo góspel en "I Still Haven't Found What I'm Looking For" hasta la tremenda "Mothers of the Disappeared". Y ese tema nos toca fundamentalmente en tanto argentinos, ya que por si no lo sabían es este país (Argentina) el que tiene el triste honor de haber introducido este significante en el lenguaje.

También es a partir de este disco que éstos irlandeses (de Dublin) comienzan una escalada creativa casi insultante con "Rattle and Hum", "Achtung Baby" y "Zooropa", y en menor medida "Pop", cubriendo así una década de discos imprescindibles y de una solidez que no volverían a producir sino hasta "No line on the horizons" del año 2009.

Un disco por sobre todas las cosas hermoso e inolvidable. Como los clásicos.

P.D.: y otra vez gracias al que me hizo conocer a esta gran banda, junto con tantas otras que aún hoy sigo disfrutando. Gracias Francisco.

Acá

Pappo's Blues "Vol.4" (1973)

Cuando uno pasado tanto tiempo de la edición de un disco vuelve a él indefectiblemente, es porque ya forma parte del patrimonio cultural de uno. Y mal que les pese a muchos pseudointelectuales, Pappo es tan argentino como Troilo, Goyeneche, Edmundo Rivero, Piazzolla...y su música es tan atemporal como la de ellos.

Si alguien quiere saber de donde sale ese sonido que tantas bandas utilizan actualmente (Los Natas, Buffalo, El Festival de los Viajes, Pez, etc) no tiene más que ir a esos primeros discos de esta banda de Blues argentina que no tiene punto de comparación. O sí, pero fuera del continente americano.

Con solo fijarse en los músicos que lo acompañan en este punto de su ruta se te ponen los pelos de punta: David Lebón y Black Amaya (guitarra y batería, respectivamente) quienes tocaran en Pescado Rabioso con Luis Alberto Spinetta, y Alejandro Medina, de los otros monstruos del Blues /Rock argentino, Manal.

Después de la breve reseña pasemos alas canciones, que son lo que importa. La música. Y en eso el Carpo se destacó siempre, y siempre hizo lo que su corazón le dictó, aunque eso significara vender menos.

Por eso es que Pappo fue quien fue, un músico honesto que amaba la música, y que supo transmitir a quienes escuchábamos sus discos ese amor, casi incondicional por el artista honesto y por momentos, brutal.

Déjense de joder y escuchen música de verdad, el resto está de más.

Acá

Amorphis "Skyforger" (2009)

¡Que gran disco, por favor! Me atrevería a afirmar que va a estar entre los 10 mejores discos del año, y ya está entre los mejores de la extensa discografía de esta banda (otra vez) finlandesa.

Pensar que comenzaron como una banda de Death Metal bastante oscuro allá por el año 1991, con sus primeros demos, y en el año 1992 con ese tremendo álbum debut titulado "The Karelian Isthmus".

Después vinieron grandes discos donde su propuesta fue mutando imperceptiblemente hacia un metal bastante más emotivo y melódico, con estructuras casi doom ("Tales From the Thousand Lakes") para llegar a esa obra de arte llamada "Elegy" del año 1996, logrando un disco tan vertiginoso como espectacular.

Justamente a este disco es al que hay que remitirse dentro de la historia de Amorphis para encontrar canciones tan "redondas" e intensas, y tan melódicas y gancheras al mismo tiempo. Es cierto que "Tuonella" -el que sigue a "Elegy"- era un gran disco...pero "Skyforger" acaba de destronar al mismo para quedar apenas por debajo de "Elegy", a fuerza de grandes composiciones, épicas melodías, y tremendas intervenciones vocales.

Amorphis, con este disco, volvió a ocupar ese lugar en el cielo que habían perdido tras sucesivos y vacilantes lanzamientos, forjando así una nueva marca en su historia, plagada de muy buena música, como casi toda la que sale de ese frío país llamado Finlandia.

Acá

Morphine "Cure for pain" (1993)

Descomunal y maravillosa. Relajante, misteriosa e intensa. Infinidad de calificativos son los que se le podría adosar a esta banda norteamericana.

Lo que logran producir en el que escucha es en primer lugar una pregunta: ¿cómo carajo hacen para hacer Rock sin usar guitarras? Punto importante si tenemos en cuenta que es casi el instrumento que define el sonido del género...bueno Morphine hacen Rock.

Otra pregunta: ¿cómo logran la intensidad sin guitarras? Esta es más fácil. Son tres músicos del carajo que parecen no tener límites al momento de componer. Aparte de Mark Sandman (bajo slide de dos cuerdas y voces), también está Dana Colley en saxo y coros, mientras que hace su debut en el trío Billy Conway en batería, reemplazando a Jerome Deupree.

Absolutamente todas las canciones son fantásticas, y te llevan desde la alegría a una melancolía y tristeza de corte jazzero que impresiona. Sobre todo las notas extraídas al saxo, que te muestran como sería un Coltrane rockero, realmente interesante. Sumado a un brutal free-jazz que haría las delicias de Coleman, por ejemplo.

Obviamente que dentro de todas las influencias también hay Blues, del oscuro y más rústico; y se puede escuchar ciertos sonidos emparentados con el Folk y el bluegrass (en "In spite of me", donde aparece extrañamente esa guitarra).

En definitiva, un hermoso disco (el segundo de la banda), que prepara el camino para esa obra densa y espectacular llamada "Yes".

Por eso, si el dolor te invade y no sabés que hacer, y te cansaste de tomar pastillas para quedar estúpido y no sentir nada, dále una oportunidad a Morphine. Te va a sorprender.

Acá

Samael "Reign of light" (2004)

Comparado con "Above" es un disco del carajo. Ahora si me pongo más quisquilloso y la vara son los discos anteriores, incluso sus dos primeros discos, llega a ser apenas un buen disco.

Ese es el problema cuando una banda nos acostumbra a estar preparados para cualquier cosa y va mutando permanentemente.

No quiero que lo interpreten mal, el disco tiene muy buenos temas, como el que inicia la placa, o "On Earth" tan críptico como de costumbre pero ya lo escuché antes en otros lanzamientos de esta banda suiza.

Encima hay otro problema. La placa doble siguiente del año 2006, titulada "Era One & Lesson in magic #1" fue descomunal, desdibujando lo que se había logrado en esta.

De todas formas, no me hagan demasiado caso, es un disco que se deja disfrutar y que forma parte de ese camino pergeñado por los suizos para alcanzar la sabiduría universal.

Acá

Pescado Rabioso "Artaud" (1973)

Spinetta es un tipo sensible. También bastante insoportable y narciso. Aunque después de componer algo como esto yo le permito cualquier cosa.

Según los entendidos, EL disco definitivo del Rock Nacional, el mejor disco de la historia de nuestro Rock-el argentino-. Y yo no estoy escribiendo para refutar semejante declaración. Sino simplemente para dejar en claro que estoy de acuerdo.

Y encima hay que situarlo históricamente.

A continuación de esa enorme máquina musical llamada Almendra, surge Pescado Rabioso, acompañado con músicos de la talla de "Black" Amaya, Carlos Cutaia y David Lebón (quien formara Serú Girán años después, junto con Charly García, Oscar Moro y Pedro Aznar).

Luego de dos grandes discos el Flaco estaba más cerca de disolver nuevamente un grupo que de seguir adelante. Y es "Artaud" el elegido para dejar atrás este período. Es decir, su edición bajo el nombre del grupo es meramente anecdótico, ya que en realidad es un álbum solista, estando acompañados por músicos muy relacionados con él desde el punto de vista afectivo, y también artístico: dos ex-Almendra como Rodolfo García y Emilio del Guercio (ya habían formado otra gran banda llamada Aquelarre); también estuvo su hermano Carlos Gustavo Spinetta en batería.

El formato es semiacústico, con intervenciones eléctricas esporádicas pero precisas. Y las canciones resultantes son monstruosas e irrepetibles.

Es imposible destacar una canción por encima de las otras. Por lo manos para mi, ya que cada uno de los mismos me llevan a distintos momentos y edades vividas, y no dejan de emocionar aún después de tantísimos años de haberlas escuchado. De hecho, muchos años después de haber experimentado por primera vez "Todas las hojas son del viento" me enteré que estaba en este disco. Esa primera vez fue gracias a un compilado de Rock Nacional que cayó en mis manos en cassette (¡en cassette!)...que sensibilidad la de este tipo la verdad.

"Cementerio Club", por dios!!!!!....un Blues impresionante plagado de ironía y terribles frases que disparan las asociaciones para todos lados: "Justo que pensaba en vos nena...caí muerto.....que solo y triste voy a estar en este cementerio...que calor hará sin vos en verano...". Jajaja, la mina era tan fría como un témpano o un aire acondicionado, que bueno.

Canciones. Tremendas, simples y enormes canciones. "Por", Superchería", "La sed Verdadera"...escucho y no puedo creer la facilidad para componer/conmover de este ser extraño dentro del mundo rockero argentino (todavía no salió nadie comparable).

¿Y "Bajan"?: Tengo tiempo para saber si lo que sueño concluye en algo, no te apures ya más loco, porque es entonces cuando las horas bajan, el día es vidrio sin sol, bajan, la noche te oculta la voz, y además vos querés sol, despacio también podés hallar la luna. Viejo roble del camino, tus hojas siempre se agitan algo. Nena, nena, que bien te vés, cuando en tus ojos no importa si las horas bajan, el día se sienta a morir, bajan la noche se nubla sin fin, y además vos sos el sol, despacio también podés ser la luna."

¿Te preguntaste si lo que soñás concluye en algo? Porque el Flaco ya lo hizo hace muchos años atrás. No se si encontró lo que buscaba, seguro que no, ya que siguió produciendo grandes discos.

También hay un gran experimento llamado "Cantata de puentes amarillos" en donde se encuentra una de las declaraciones de principios más tremendas jamás escritas por un músico: ..."Aunque me fuercen yo nunca voy a decir que todo tiempo por pasado fue mejor, mañana es mejor...".

Grandes poesías, aparte de la música. Ejemplos: "A Starosta, el idiota" (bien oscura, sino escuchen esa sección de piano y teclados, y van a ver), con un sampler de The Beatles hermoso.

Para cerrar el disco tenemos un hermoso preámbulo de lo que sería Invisible, su siguiente grupo, en la canción "Las habladurías del mundo".

Como para que vayan sabiendo, el disco esta inspirado en ese gran poeta maldito del título, así que imaginen.

P.D.: solo a modo de advertencia, desconfíen siempre de las mujeres a las que les guste este disco, ocultan una insondable inteligencia, y te terminan atrapando.

Y basta, solo escuchen este gran disco y no me presten atención que ya estoy viejo y el tiempo sigue pasando.

Acá

Los Natas "Nuevo orden de la libertad" (2009)

Como para cerrarles la boca a todos aquellos quienes dicen que el Rock nacional (el de Argentina) ya no existe. ¡Que lo parió! Si solo escuchan lo que sale en la radio cual bombardeo a Hiroshima, es lógico que crean eso...es más, sería extraño que uno no lo piense, y que no te dé la sensación de estar escuchando la misma canción una y otra vez.

Pero Los Natas, junto con otras agrupaciones ( como Pez, Massacre o Taura , por ejemplo), vienen demostrando desde hace tiempo que se puede hacer rock y del mejor. De hecho eso es lo que hacen en este disco, como para taparle la boca a todos los escépticos.

Un disco tremendo, me atrevería a decir de lo mejor que salió en este 2009 en Argentina. Y es también lo que vienen haciendo Los Natas desde sus comienzos.

Este "Nuevo orden de la libertad" se intuye oscuro, denso, críptico....aunque paradójicamente luminoso, casi esperanzador, como en la portada del disco, toda oscura con esa especia de luz-sol al final del túnel que te apura a seguir, y no caer.

Un disco lleno de ambiguedades, como decía, poderoso y al mismo tiempo sutil, con una extraña y reiterativa presencia iluminadora: el sol, a lo largo de las canciones.

Las canciones son lo que caracterizó a esta banda. Grandes canciones, de esas indelebles una vez que se te incrustan en la mente una vez que las escuchás.

Empieza bien arriba con "Las campanadas" al palo, y ahí nomás el tema título del disco. ¿Los Natas haciendo un disco lleno de metal? Por qué no....otra de sus influencias al desnudo, y sonando tan honestos como siempre.

Una misteriosa y calma guitarra es el preanuncio de uno de los temas más acelerados, "Resistiendo al dolor", con ecos y delays por todos lados, hasta que llega la explosión. Mierda....que bien que lo hacen la verdad.

Después de el ataque sonoro continuado en "Hombre de metal", llega la paz, esa pesada (casi insoportable)paz que solo se logra en momentos de reflexión, de la mano de "Ganar/perder: Seguís sin comprender, seguís sin poder ver, salís a ver el Sol, gritás ante el dolor, que no voy a perder, siento...porque siento que podría perder. Seguí sin comprender, seguí sin poder ver, salí a ver quien sos, gritás ante un dolor que no voy a perder, siento...porque siento que podría perder." Sin decir nada Los Natas te ponen en trance, y cuando tienen algo para decir, te jodés si no te gusta, pero es como un mazazo en tus seguridades. Y en uno de los temas más épicos donde desarrollan aquellos climas increíbles de "Toba trance" (2004) , con resultados hipnóticos. También es increíble lo que se puede lograr al no incluir letras, ya que la atención y la tensión generada en la escucha no te permiten hacer otra cosa. Otro acierto.

Esos climas se extienden, influencias folklóricas mediante, en "El Pastizal", con una gran introducción con peso propio, que casi te asfixia. Luego llega la pesadez de este trío a pura cabalgata....

"David & Goliath" y ese bajo tremendo no se queda atrás en intensidad. Y seguramente David es el que toca ese bajo gordo del comienzo, como trompadas en tu cara y en tu panza (ahí lo escuchan al bajo!!!). Y si, después de todo esto hay que tranquilizarse un poco, y que mejor que esa especie de interludio titulado "Bienvenidos", donde podés llegar a sonreir frente al desenchufe logrado.

Pero esa tranquilidad solo es una ilusión, porque con "10000" repuntan en intensidad. ¿Ese es el número de los que son en el estudio grabando? Porque lo parece.

Terminan el disco con una gran canción donde se repiten las melodías de "Bienvenidos", y el viaje llega a su fin. Lamentablemente.

Así que déjense de joder con que el Rock en Argentina está muerto. Este disco, felizmente, lo desmiente. Y al mismo tiempo confirma lo que muchos sabíamos desde hace un tiempo: Los Natas son una de las mejores bandas de Rock de la historia en la Argentina. De esas que 20 años después te hacen revisar los archivos para ver que pasaba en ese tiempo.

Adéntrense en esta oscura libertad.

Devastación "Maquinarias de Poder"-demo-(1993)

Segundo demo de esta legendaria y mítica banda de Death Metal argentino, y una de las mejores producciones del estilo en la historia de la música extrema de nuestro país.

Ni siquiera me voy a gastar en hacer el recorrid por cada uno de los 6 temas, solo les voy a decir que 2 de las canciones aparecieron en el Death Metal Advance junto con otras grandes bandas argentinas.

Muchachos/as, disfruten de auténtico metal extremo sudamericano made in Argentina, y activos desde el año 1987(!!).

Acá