31 de enero de 2008

Moonspell "Under Satanae" (2007)

robo?
Este comentario va a ser realmente corto. Admiro a esta banda portuguesa desde el aclamado "Wolfheart" de 1995. A partir de éste disco me interesé por sus comienzos, por como sonaban al principio. Así llegué a sus producciones anteriores, "Under The Moonspell" y "Anno Satanae", segundo E.P. y demo respectivamente.
Bien, lo que tenemos aquí son estas dos piezas de colección más un track promocional del año 1992, regrabados para ésta ocasión; casulamente la regrabación se llevó a cabo en los estudios que están utilizando los músicos para grabar el próximo disco "de verdad" de esta banda.
Convengamos que la música no está para nada mal, ya que las composiciones originales, para la época en que salieron ya eran consideradas futuros clásicos, pero hay algo que huele mal: No solo perdieron esa rusticidad y maldad primgenia, sonando en extremo pulcras para lo que fue la banda, sino que esto suena más a estafa que a otra cosa... Vamos, si ni siquiera se molestaron en realizar un arte de tapa nuevo, solo le agregaron una luna llena de fondo al ya de por sí tenebroso arte que tenía el E.P. "Under the Moonspell". Todo suena demasiado lindo y puesto correctamente en su lugar, a diferencia de la honestidad cruda de antaño.
Si hasta los gemidos que se escuchaban en la grabación original de la canción "Tenebrarum Oratorium (Andamento II/Erotic Compendyum)", que daban la impresión de que la mujer estaba realmente gozando dándole un toque de fresco erotismo inédito para cualquier banda de Black Metal de aquella época, ahora parecieran hechos por una actriz porno de cuarta, interesada más en cobrar el cachet que en transmitir siquiera un atisbo de dicho erotismo. Sólo para los fanáticos más acérrimos, que no están interesados en ver la mosca en la leche.

"Masters of misery-The Earache tribute to Black Sabbath" (1997)

Había sentido hablar de este tributo y me propuse encontrarlo. Bueno al final lo encontré y después de escucharlo me quedó un gustito raro. ¿Por qué? Porque tiene versiones realmente increíbles y otras que son un bodrio imposible de escuchar sin tener ganas de matar a los músicos responsables. Entonces, vamos por parte.
Abre el disco Cathedral con una bella versión de "Wheels of confussion", perteneciente al "Vol. IV", y lo cierra interpretando "Solitude" del disco "Master of Reality", con la presencia (en este tema), como en su primer disco, de una flauta traversa que le da un toque melancólico bellísimo; y no hay mucho más para decir, salvo que esta banda no defrauda nunca.
Como segunda canción tenemos "Snowblind" también del "Vol. IV", interpretado de una forma más sucia por Sleep,(aquella banda de Stoner de principios de la década del '90) aunque siguiendo la estructura original de la canción, y con una voz similar a la de Ozzy.
El tercer tema es uno de los platos fuertes de este tributo: Los dioses Godflesh (con Justin Broadrick como líder) realizando "Zero the Hero", que apareciese en "Born Again", aquel oscuro disco de los homenajeados en el que canta Ian Gillan. La versión es pesadísima, con esa pared de sonido tan característica de la banda (Godflesh), que te aplasta y casi no te deja respirar. Gran, brillante interpretación.
Sigue una correcta versión de la banda americana de Doom Clásico Confessor, del tema "Hole in the sky" que abriera el disco "Sabotage" del año 1975.
He aquí el primer bodrio insoportable: "Killing yourself to live" del "Sabbath Bloody Sabbath" perpetrado por los insoportablemente ruidosos y patéticos Anal Cunt, que destrozan la canción escupiendo unos berrinches inentendibles sobre un fondo sucio...(y eso que me encanta la música caótica y ruidosa). Horrendo, total y obligatoriamente olvidable.
El tema siguiente lo pude identificar gracias a los teclados "puestos" al comienzo y final de la canción por Alex Newport, líder de la banda industrial Fudge Tunnel, (y que participara de aquel maravilloso proyecto llamado Nailbomb)que versiona "Changes" del "Vol. IV"; no está nada mal, pero es un tema propio al que le puso Changes como nombre y le puso los conocidos teclados para que creamos que es una versión (JA!!!!).
La siguiente canción pertenece al disco "Sabbath Bloody Sabbath", y es interpretada por una banda que conocí no hace mucho tiempo, unos locos totales, que suenan a una mezcla entre el Drone, el Sludge....bien pesada: Old Lady Drivers haciendo"Who are you?", no está mal, pero es rara y muy oscura.
Acá tenemos dos bodrios seguidos, quedando realmente sorprendido, ya que la primera de estas bandas me gusta mucho: Brutal Truth destrozando "Lord of this world" y Ulraviolence haciendo una versión electrónica de "Paranoid" realmente espantosa y falta de toda gracia, groove, gancho....horrendo es poco.
A continuación se homenajea al primer disco de La Bruja, "Black Sabbath", siendo Pitch Shifter quien interpreta una Rockera e industrial "N.I.B.", que le agrega mucha más agresión de la que originalmente tenía, y le quita casi todo el sentimiento y oscuridad característico de la banda. La otra banda es Scorn tocando una extensa, oscura, lentísima (casi Drone) versión de "The Wizard" de casi 12 '. Muy interesante la verdad, sobre todo ésta última banda.
Por último, la penúltima banda en participar son los Iron Monkey, haciendo una versión musicalmente correcta de "Cornucopia", aunque la terminan arruinando con esas vocalizaciones a mitad de camino entre el Hardcore y el Sluge.
En definitiva, si sos seguidor de estas bandas, (o de las vertientes mas oscuras y sucias del metal) te va a parecer, simplemente, un disco divertido de escuchar. Si tu caso es que sos fanático de La Bruja, solo es rescatable por las versiones de Cathedral, Godflesh y Scorn, todo lo demás es relleno.

29 de enero de 2008

Cathedral "Hopkins (The witchfinder general) (1996) E.P.

ep

"El amor es el pecado que llamamos salvación": una de las frases de este bellísimo e.p. el editado por estos doomsters ingleses, con las consabidas influencias que vienen arrastrando desde hace 15 años, cuando se acercaron al stoner alejándose de sus comienzos doom.

Aquí nos presentan 5 canciones muy rockeras, siendo "Fire"(Track 2) un cover de Arthur Brown editado en el año 1968. La canción 5 "Devil's summit"es un extenso rock de casi 10', en donde musicalmente toman prestadas muchas cosas de la música disco de la década del '70, siendo fundamental el sonido del saxofón dentro de esta canción, y dentro de la banda en general, que le da un toque aún más psicodélico todavía.
Las letras de las canciones siguen también por los conocidos carriles por los que transita la banda: una interesante mezcla entre ciencia ficción, política y crítica social, relatando oscuras historias donde en este caso, aparecen brujas que hacen el amor con el Demonio, cazadores de brujas que empalidecen frente a la belleza de aquellas, máquinas de amor, y el Dios del Infierno quemándolo todo y llevándote al Infierno para que aprendas y para que ....¡¡¡ardaaaassssss!!!!!, todo en un poético, bello y cobre atardecer donde las brujas salen a hacer lo suyo. Dorrian, Jennings, Smee y Dixon lo hicieron de nuevo: Un excelente aperitivo para "Supernatural birth machine".

22 de enero de 2008

Los Natas "Toba trance" (2004)

I II
La verdad que no tengo palabras. Desde que escuché esta obra de arte allá por finales de 2004, principios de 2005, mi cabeza no es la misma: y no digo que tengo menos pelo ni que esto más cabezón....no. Este disco cambió mi forma de escuchar, de sentir, de percibir la música en general. Son contadas las bandas que pueden lograr eso, y a escala nacional muchas menos: en este momento se me ocurren a nivel nacional Los Redondos con su maravilloso "Oktubre"; Invisible (TODA su discografía), Almendra (bueno, en realidad todo lo dibujado por nuestro gran Spinetta), Pescado Rabioso....en fin...no son tantos artistas....sí son muchos discos.
Acá en Argentina fue editado como disco doble, mientras que en Europa se editaron por separado (por fin un privilegio!!!!!JA). El primer disco tiene tres canciones de 20' aproximadamente: las tres increíbles!!!!!¿Que puedo decir? "La tierra delfín" (del fin......) se extiende por 20 jodidos minutos y aún así se hace corta!!!!!. En el segundo disco tiene seis canciones, entre las que se encuentra una de mis preferidas del disco: "Tomatito", una especie de homenaje a los cantaores flamencos y a este estilo, pero tamizado por la mente de estos tres MÚSICOS. Aparte viene con un regalito para nostálgicos: un cover de la banda Hawkind, "Tormenta mental".
Un viaje hacia los años en que experimentar con la música era todo un arte.....sonidos espaciales, psicodelia, música progresiva entendida en su mas amplio sentido, climas oníricos, arranques rockeros que hace años no se escuchaban por estos lugares (no vale contar a la misma banda)...Que se yo: ya al final del disco me pierdo con la cantidad de influencias que se podría citar: Los natas oficialmente dicen que sus influencias son Black Sabbath, The Doors, Pink Floyd, The Who, Hawkind; yo podría agregar a bandas locales como Pescado Rabioso, Vox Dei, Almendra....
Por cierto casi lo olvidaba, los perpetuadores de esta maravilla son: Sergio Ch. en guitarras , flauta, bombo, laúd, voces y artwork; Walter Brodie en batería (no es un baterista, un amigo lo describió como un pianista que toca la batería), programaciones y percusiones y Gonzalo Villagra en bajo, laúd y charango: Suenan extraños todos esos instrumentos aquí no???? No se imaginan lo que son capaces de hacer estos tres con todo esto!!! Súbanse a este viaje que no se van a arrepentir, va a terminar gritando ¡¡¡otra vuelta, otra vuelta!!!.
P.D.: Me olvidé de agregar el último detalle, unos de los mejores discos de los últimos 15 años, de la mejor banda de rock de la Argentina.

Meshuggah "I" E.P.(2004)

ep
Esta banda no tiene comparación. Desde hace exactamente 18 años que viene haciendo música, y desde el año 1995 que nos sorprende con cada uno de los discos y ep's que fueron editando (precisamente con "Destroy erase improve").
Aquí nos brindan un solo tema de 21', que fue la preparación para la maravilla de "Catch 33" del año 2005. El título del e.p. es un juegos de palabras (que ya había utilizado por la banda sueca Dark Tranquility en su disco de 1997), que hace referencia tanto al Yo(como instancia psíquica), como al ojo de la tapa, que ve el despedazamiento del mundo al que se hace referencia en la letra de la canción que nos ocupa. La formación para el e.p. fue: Thomas Haake en batería; Marten Hagstrom y Fredrik Thordendal en guitarras y Jens Kidman en voces... Se preguntarán ¿dónde está el bajo? Bueno, estos suecos locos como tocan con guitarras de 8 cuerdas, dicen que no lo necesitan, y lo mejor de todo es que parecen tener razón a juzgar por lo que escuchamos en este ep.
Musicalmente la banda recibe influencias de monstruos de la escena más técnica del metal mas agresivo como Cynic, Atheist o Pestilence, como así también influencias de bandas "industrialosas" como Fear Factory.
De todas formas, la influencia más notoria proviene del jazz, sobre todo por las estructuras de las canciones, que son sincopadas y resultan "raras" para los que en su momento estábamos solamente acostumbrados a escuchar Metal u otros subestilos. Esto es metal, pero a la larga va más allá del estilo. Hay que destacar que también se están dejando influenciar (y se verá en el disco que le sigue a este e.p.) por la música ambiental, logrando unos climas realmente hermosos, entre tantos riffs machacantes.
Acá lo que encontramos son unos músicos muy virtuosos, que no tienen temor a experimentar, sonando muy precisos, supertécnicos, pero con muchísimo groove y gancho en sus canciones(en este caso una sola).

Black Bile "Cloacal meditation" (2006)-DEMO-

Para todos aquellos que tienen más de 27 años: Todavía yo disfruto de los demos de bandas que nos muestran a través de ellos lo que son capaces de hacer, por mas que no tengan una discográfica detrás.
En este caso, una banda de la que no poseo más información que son de Cyprus, no se cuántos integrantes tiene la banda ni nada....aunque escuchando se puede decir que por lo menos hay dos vocalistas que se reparten los desgarradores, lacerantes y angustiantes lamentos/gritos/recitados...Se puede decir que Black Bile practica un estilo emparentado tanto con el black metal, como con el drone/ambient/funeral doom...aunque no llega a ser aburrido.
Si alguna vez te imaginaste estar en una alcantarilla atrapado y sin poder moverte, con excrementos que te llegan hasta el cuello, y una persona está al lado tuyo verdugueándote, y diciéndote que sos una reverenda mierda y que merecerías que la bosta que te circunda, en realidad te tape.......ésta es tu banda. Ja!!(Tampoco es para tanto....un solo tema de casi 29'....pasan rápido) Espero que toda esta misantropía se vuelva algo tangible en algún próximo dosco....aunque este demo no suena para nada mal, logrando transmitir esa miseria y misantropía tan característica del estilo.

21 de enero de 2008

George Orwell "1984"(1949)

Son pocos los libros que uno puede llegar a leer y que le cambian la forma de pensar o ver las cosas, y desde mi humilde punto de vista, todas son obras extremadamente pesimistas respecto de lo realizado a lo largo de la Historia por la Humanidad. Anoten entre dichas obras: "Brave new world"(Un mundo feliz) de Aldous Huxley, "Fahrenheit 451" de Ray Bradbury (también del mismo autor, "Crónicas marcianas"), y este 1984.
La acción transcurre en Londres en dicho año, perteneciendo esta ciudad a un superestado llamado Oceanía. El mundo que describe la novela se encuentra dividido en tres superestados: el anteriormente mencionado, Eurasia y Asia Oriental. Oceanía se encuentra bajo un régimen totalitario que se autodenomina El Partido(siendo el líder El Gran Hermano), que dirige el destino de todos los habitantes, así como las formas de pensar consideradas correctas por el mismo, la forma de hablar, el pasado, el presente y el futuro (en forma de predicciones que irreversiblemente se cumplen), gracias a uno de los principios del Ingsoc, el Pasado es reversible: esto se lleva a cabo en uno de los Ministerios de este superestado: el de la Verdad, que se encarga de reescribir constantemente la historia y de tergiversar los sucesos pasados (o simplemente crearlos), para que se lleven a cabo las predicciones realizadas por El Partido.
Esto es solo la punta del iceberg de esta novela monumental, pesimista y profundamente anticipatoria. Se la podría abordar como una crítica al comunismo, sobre todo por el vocabulario utilizado, y por la extracción política de su autor, aunque creo que no sería una lectura completa: Si estamos al tanto de lo que ocurre en "el gran país del norte", capitalista al extremo, vemos que esta ocurriendo practicamente lo mismo que en este "futuro" 1984. Las fuerzas de seguridad están autorizadas por ley a ser de hecho, "policías de pensamiento", que se encargan de vigilar y perseguir a todo miembro del partido, con el fin de controlar el crimental.
Winston y Julia son sus protagonistas que creen pertenecer a una Hermandad fundada por el Enemigo del Partido, E. Goldstein, que busca derrocar al partido, para que los individuos vuelvan a ser libres....pero...... no todo es lo que parece. El Partido, por medio de su ideología,(el Ingsoc), es capaz mediante torturas, lavado de cerebro, el manejo completo de los medios de comunicación-y de la historia- de hacer creer hasta las cosas que contradicen toda la lógica.....y así hacer sucumbir, incluso antes de que comience, cualquier intento de oposición.
Un tratado sociológico acerca del poder y sus mecanismos, más que una simple novela: y que nos devela que en ambos sistemas, los mecanismos son los mismos, solo cambia el Amo: en el capitalismo es el mercado, en el comunismo el Estado, los dos igualmente "omnívoros". Un deber leer este libro.

Porcupine Tree "Fear of a Blank Planet"(2007)

Porcupinetree
Cómo puedo estar seguro de que estoy aquí?, las pastillas que he tomado me confunden, necesito saber que alguien ve que ya no queda nada, simplemente no estoy aquí........... reza una de las estrofas de ¨Fear of a blank planet¨ del homónimo y tan esperado, prolijo, etéreo y angustiante nuevo trabajo de uno de los referentes más significativos del rock progresivo actual.
El puercoespín sabe cambiar de espinas disco a disco de una manera asombrosa, contundente y por sobre toda las cosas, sorprendente...... tan soprendente que el solo hecho de analizar su riquísima discografía nos provoca cada vez mas admiración.
Miedo a un planeta en blanco: mentes en blanco, sociedad en blanco, individuos en blanco.................... adolescentes en blanco; Steve Wilson emite un juicio mordaz y ácido sobre la actualidad de la juventud de hoy y sus terribles aristas como la violencia adolescente, la despersonalización a través de la tecnología,el uso indiscriminado de las drogas y la intolerancia familiar.
No puedo soportar la mirada y la compasión.... y no quiero preguntas..... como te sientes?, como te va en la escuela?, quieres hablar de eso?..... son las palabras de un atormentado adolescente cuestionado por su padre en la bellísima,moderna,pesada y atmosférica¨Way out here¨ donde el mismísmo Robert Fripp asoma con su colaboración.
Geddy Lee lo hace en ¨Anesthetize¨, una obra compleja y excelente que solo los maestros son capaces de crear. ¨My ashes¨ es un ejemplo claro de que el puercoespín puede sonar retro sin perder frescura en un tema donde el mismísmo Pink Floyd despliega sus alas (influencia importantísima en la banda). ¨Sentimental¨ te calma luego del caos, te hace cerrar los ojos, te hace sentir escalofríos....... te hace llorar.
Fear of a blank planet fue criticado alrededor del mundo como un disco demasiado corto (no supera los 60 minutos), aspecto en el cual podrías o no estar de acuerdo, pero lo importante que el poco o mucho contenido que este álbum contiene es lo suficientemente perfecto para ponerlo en un reproductor y dejar que suene por siempre en tu vida.
Angustia, incertidumbre y por sobretodo miedo, desparrama esta obra de Porcupine Tree, pero supuestamente nada esta perdido todavía.
Quizás las letras de Steve Wilson hagan reflexionar a muchos o a pocos sobre el destino del mundo y sus complicadas sociedades tan llenas de falta de entendimiento, tan intolerantes, tan llenas de odio, tan llenas de miedo..... miedo a un planeta en blanco.
Autor:Luis Mansilla

8 de enero de 2008

Charly Garcia "Piano bar" (1984)

piano
¿Se acuerdan cuando Charly hacía música? ¿Cuando uno esperaba que saliera el nuevo de él para salir corriendo a comprarlo, o en su defecto, por ser niños aún, pedirle a nuestros padres que nos lo compren?
Yo me acuerdo y extraño muchísimo esos años, ya que hoy por hoy, y desde hace exactamente 14 años que no edita un disco inolvidable...si me pongo más quisquilloso, creo que serían 18 los años: con "Filosofía barata y zapatos de goma", ya que "La hija de la lágrima" del año 1994, comparado con todos los discos editados anteriormente podría ser definido como basura, iniciando la decadencia compositiva del que fuera uno de los músicos mas increíbles que diera Argentina.
Este disco es, a mi entender, una de las obras maestras no solo de Charly solista sino de la historia del rock nacional. Sólo ver la lista de las canciones incluidas es una muestra de lo que éste artista era en esos años capaz de hacer, rodeados de una selección de músicos que cualquiera envidiaría: Fito Paez en teclados y coros, Daniel Melingo en saxofón, los G.I.T. en pleno como banda soporte (guitarra, bajo y batería), y Charly en teclados, guitarras y voces.
Un disco increíble, realizado por músicos increíbles, que se podría haber llamado "Grandes éxitos", ya que las canciones son todas clásicas de nuestro rock, cantadas inclusive en cualquier fiesta donde pasen alguna canción de rock nacional: siempre alguna de éste disco entra en la selección.

Waterclime "The astral factor" (2006)

factor

La verdad que habría que hacerle un mapeo cerebral Andreas Hedlund, Mr. V, Vintersorg o como él quiera llamarse, porque la cantidad de proyectos en los que participa o que lidera lo pueden llegar a marear a uno; debe ser una persona que vive en un mundo paralelo en el que los días tienen 72 horas, porque sino no se explica que pueda estar en tantas bandas al mismo tiempo, y en todas destacarse de una manera increíble, ya sea cantando o componiendo.
Repasemos: Líder y compositor principal de Vintersorg, Cronian, Fission y Otyg (este último está por ahora suspendido), todas estas bandas en actividad. Fue miembro fundador de Cosmic Death y de Havayoth (ya no pertenece a ninguna de éstas bandas) y es el actual vocalista de Borknagar.
Este nuevo proyecto está muy influenciado por el Rock Progresivo y el Jazz Rock de la década del '70. Aquí no van a encontrar voces podridas, ni riffs pertenecientes al gélido universo blackmetalero: Todas las canciones resuman sentimiento progresivo, con un sinfín de teclados, mellotrones, etc, dando rienda suelta a la creatividad de Andreas (quien se encarga de todos los teclados en éste disco), acompañado por un bajo bien gordo (también/tan bien ejecutado por él) y por las guitarras que nos brindan riffs melódicos, técnicos pero sin llegar a la pirotecnia a la que nos tienen acostumbrados bandas mucho mas técnicas, pero que carecen de sentimiento o de la capacidad para transmitir algo entre tanto tecnicismo. Canciones hermosas y, por momentos, melancólicas que nos llevan desde el Rock (que en algún riff me hacen acordar a Deep Purple) a un relajado Jazz (del eléctrico), todo condimentado con el enorme y épico caudal vocal de Vintersorg. Como todos los demás proyectos de éste, no hay que dejarlo pasar, disfrute asegurado.

7 de enero de 2008

The morningside "The Wind, the Trees and the Shadows of the Past" (2007)

arboles

¡¡Que disco increíble, por favor!! Es uno de los mejores discos de Doom que escuché en el último año. Para ser mas preciso, es un doom extremadamente melancólico, con muchísima melodía y temas bien extensos. Las voces por ahí le dan un toque de agresividad que no se relaciona mucho con la música: son mas bien para una banda de black, esas voces tipos gritadas o chillonas, pero después de escuchar el disco un par de veces te acostumbrás y hasta le agarras el gustito.
The Morningside es una banda de Moscú(Rusia), y se podría decir que tiene la épica romántica de Celestial Seasons y la melancolía de While Heaven Wept, solo que las voces no son limpias. Por otro lado, el arte de tapa es hermoso y dispara cientos de imágenes que, para los que soñamos algún día conocer Rusia, nos sirve de aperitivo (Ja!!). Las canciones que componen el disco son 3 más una Intro y un Outro, y salvo estas últimas, son de más de 10 minutos. Así, el disco es apenas de 40 minutos, los que nos deja con ganas de más música de estos melancólicos rusos. Esperemos que no tarden mucho entre disco y disco, sino la espera será terrible.
El viento se halla presente a lo largo del disco en constantes intervenciones de los teclados, los majestuosos árboles de la portada da la sensación de que te están acompañando durante todo el tiempo, llevándote a la gloriosa Rusia de tiempos pasados, a esa sombra que todavía persigue al ex-coloso, hoy desmembrado en muchos países.

6 de enero de 2008

Funeralium "Funeralium" (2007)

debut
Álbum editado en Julio del 2007, lo estaba esperando particularmente, ya que el demo de la banda ("Ultra Sick Doom") era interesante sin ser nada nuevo dentro de este estilo (Funneral Doom), dentro del cual surgen cada vez más bandas, sin que ninguna de las más nuevas alcancen la profundidad ni el extremismo logrado por las primeras en surgir, entre las que se pueden/deben mencionar: Skepticism, Evoken, Mournfull Congregation, Shape of Despair, Thergothon, Thorr's Hammer...sólo por mencionar algunas.
Justamente Funeralium es una de las tantas bandas de la escena francesa, las que comparten integrantes entre si: Marquis en voces y guitarras, que también pertenece a Ataraxie (y fue integrante de Despond y de Bethlehem); Berserk en voces y guitarras y que toca en Ataraxie; Toxine en bajo, que toca en Mourning Dawn y Yskithyrwynn en batería. En su página web dicen hacer exclusivamente ultra sick doom metal, sin tonterías románticas, ni voces femeninas, ni teclados, y no podemos hacer otra cosa más que creerles.
Para aquellos que disfrutan del estilo tendrán una nueva banda a la que prestarle atención. Para aquellos que no (esto va para vos Fede), tendrán otro argumento para defenestrar al estilo: puede que les suene muy monótono, con temas muy largos y voces que no hacen mas que regurgitar podredumbre y loas a la muerte (unas de las canciones tiene por título Let the people die) distribuidos en 76'43'' a lo largo de 6 temas. Un disco "divertido" dentro de lo que permite el estilo, de una banda que por ahora no es una luminaria, pero a la que hay que prestarle atención en los próximos años.

5 de enero de 2008

J.R.R.Tolkien "Los hijos de Húrin" (2007)

Acabo de terminar de leer la trágica historia de Húrin y Morwen y sus hijos: Túrin, Urwen y Nienor. Me dejó una sensación contradictoria. La historia ya aparecía en El Silmarillion, aunque aquí el autor se explaya más en algunos puntos. Cabe indicar que en realidad está editado por su hijo Christopher en base a unos escritos perdidos de su padre: o sea que no es de lectura indispensable, aunque esté muy bien escrito. Y es esto lo que me huele mal, la verdad, ya que suena a negocio por parte de este Sr., al que todo el mundo tiene entre ojos. Más allá de esto, la edición es muy prolija y viene con unas increíbles láminas a las que ya nos tiene acostumbrados el artista Alan Lee, que participó, junto con Howe, del diseño artístico de la adaptación al cine de El Señor de los Anillos, realizada por Peter Jackson, hace ya unos años.

Yendo a la historia propiamente dicha, el que haya leído El Silmarillion, sabrá de que va la cuestión. Para los que no lo leyeron les cuento que Húrin y todos sus descendientes son maldecidos por Morgoth (el Señor oscuro), uno de los Valar: éstos eran grandes espíritus que entraron al mundo al principio del Tiempo, y de los cuales aquel era uno de los más poderosos.

Así, la Casa de Hador se ve envuelta en todas las tragedias posibles que le puedan ocurrir, mientras Húrin permanece prisionero en Angband, la fortaleza en donde residía Morgoth al Noroeste de la Tierra Media. Los designios acerca del destino de los hijos de Húrin se van cumpliendo inexorablemente, por más que Túrin Turambar (a lo largo de la historia va teniendo muchos nombres) hace lo imposible por escapar al destino que le fue impuesto por uno de los Poderes (Morgoth).

Hasta aquí llego con esta reseña, sin dejar de indicar que es fundamental la lectura (para todos aquellos que gustan de la literatura épico-fantástica) tanto de El Silmarillion como de El Señor de los Anillos, obras insuperables de Tolkien, que inspiraron a cientos de escritores a continuar con la Historia de Elfos, Enanos, Hombres y Orcos, como así también a muchos músicos a internarse en la Tierra Media y seguir en sus aventuras a algunas de estas razas.

Duke Ellington-Charles Mingus-Max Roach "Money Jungle" (1962)


Todavía recuerdo cuando un amigo me ofreció este disco: le dije "no, la cuestión de las Big Bands no me gustan mucho, prefiero otro tipo de Jazz...". Él me dijo " no, llevalo y escuchalo....después hablamos". Llegué a mi casa puse el cd en el reproductor, y hasta el día de hoy no puedo dejar de pensar que si lo hubiese devuelto sería el pelotudo más grande sobre la faz de éste patético mundo.¡Que disco increíble, magnífico, superlativo, irrepetible, elegante, complejo, y que se yo cuántos epítetos calificativos más!.
Claro, yo venía escuchando, efectivamente, otro tipo de Jazz: Branford Marsalis(que es mucho más interesante y divertido que el imbécil de su hermano Wynton), John Coltrane, Charles Mingus, etc.; y tenía escuchado a Ellington en un disco con una Big Band. Pero esto era otra cosa: Un refinamiento....no se, era (es) algo distinto. De inmediato me metí en internet para obtener mas información y mi sorpresa fue mayor: éste disco en el que yo creía que había tocado una orquesta (escúchenlo y después me dicen), "solo" fue grabado por...¡¡tres personas!!, a saber: Duke en piano, Max Roach en batería y Charles Mingus en contrabajo.
La química que se percibe entre estos tres extraterrestres es similar a la que se puede encontrar en los primeros 4 discos (bah!! en realidad en toda su discografía) de los maestros Led Zeppelin: Composiciones brillantes realizadas en el mismo estudio de grabación, una sensación de diversión permanente en los ejecutantes, y un disco que una vez terminada la reproducción, es necesario, imperioso, indispensable volver a pulsar el bendito botón que dice Play para volver a experimentar las mismas sensaciones una y otra vez.
Sin ir más lejos, el primer disco que escuché cuando compré el Home con todos los parlantitos y que se yo, fue Money Jungle. (ahora hay una edición extendida con outakes, discusiones en estudio, etc).
Otro dato a tener en cuenta y que sirve como aperitivo: En unos de los primeros números de LA Revista Fierro, no recuerdo si el 1 o 2, hay una pequeña historia que intenta retratar como vió la luz esta obra de arte que atravesó el tiempo, y llegó a nosotros, habiendo sido grabado hace ya 45 años. Todo fanático del Jazz (y de la música), DEBE tener este disco. (Gracias Vieja por el disco).

3 de enero de 2008

Astor Piazzolla "Octeto Buenos Aires" (1958)

En el mundo de la música hay discos que marcan un antes y un después, que producen un quiebre no solo en la forma de entender el género al que pertenece dicho disco, sino que trascienden al mismo.
A lo largo de toda su carrera, Astor Piazzolla grabó muchísimos de estos discos, revolucionando el Tango como género, y entrando de lleno en la denominada música contemporánea. Los músicos que lo acompañaron en este disco, que es el segundo y último de esta agrupación (como Octeto Buenos Aires)-y grabados los dos el mismo año- son todas figuras reconocidas dentro del Tango y el Jazz: Enrique Francini y Hugo Baralis en violín; Atilio Stampone en piano; Leopoldo Federico en el otro bandoneón; José Bragato en violoncello; Juan Vasallo en bajo y Horacio Malvicino en guitarra eléctrica, quien sería su guitarrista "fetiche" durante muchísimos años, y que en palabras del maestro Astor, "ofrece un timbre no acostumbrado en este tipo de orquesta", y un color distinto en los temas originales gracias a las improvisaciones del mencionado guitarrista.
En este disco encontramos 4 de los 10 temas compuestos por los integrantes del Octeto, mientras que los otros son ya clásicos consagrados del estilo.
Astor Piazzolla dijo que el único propósito del Octeto era renovar el Tango popular, mantener su escencia introducir nuevos ritmos, sacarlo de la monotonía que lo envolvía y jerarquizarlo musicalmente. Más allá de que dicha monotonía sería discutible, ya que no hay que olvidar la presencia de Troilo, donde Piazzolla tocó y fue arreglador durante un tiempo, se puede afirmar que no solo logró lo que se propuso, sino que fue mas allá y creó un estilo reconocible e imposible de imitar (lo lamento por Leopoldo Federico y por Marconi), que es marca registrada y admirada a lo largo del mundo (de hecho el músico japonés Yo Yo Ma es un fanático del maestro, y grabó un lindo disco con temas de Astor ). Hasta el próximo disco de Astor.