30 de noviembre de 2009

The Beatles "Abbey Road" (1970)

cruzando
Mitos sobre los Beatles hay por millares. En este disco sobre todo...bah, en los últimos discos de la banda creo, que están llenos de leyendas. De este me acuerdo uno: Paul había muerto, por eso aparecía descalzo y realizando un paso distinto de los otros tres. Había muerto y el mundo no lo sabía.
Si bien "Let it Be" (1970) fue el último disco editado de los Fab Four, "Abbey Road" fue el último en ser grabado, por lo que cabe hacer una aclaración: estos tipos ya no se podían ver entre ellos, eran más enemigos que amigos, y así todo seguían produciendo grandes canciones, inolvidables obras que atravesarían el tiempo para formar parte de la cultura no solo del país de origen (Inglaterra), sino de una época precisa, y de toda la humanidad.
Los Beatles son un patrimonio cultural de la humanidad.
Hace pocos meses se editaron sendos Boxset remasterizados de la obra de estudio completa de estos geniales artistas. Una edición fue en mono, y la otra en estéreo, respetando las características originales de los vinilos.
También se agregaron nuevas versiones de canciones, por lo que se aprovechó al máximo la capacidad de soporte de los compact disc. En esta edición remasterizada hay una lista de 17 preciosas canciones, con un sonido realmente notable, que tira por tierra los característicos curros de nuevas ediciones. Acá si que vale la pena escuchar el nuevo sonido logrado con tecnología de avanzada, con ayuda inclusiva de historiadores, sonidistas especializados, etc.
O sea, luego de décadas de separase, The Beatles sigue dando que hablar, y generando obras maravillosas.
Si, The Beatles lo hicieron otra vez, y para las generaciones por venir. El origen, LA influencia por antonomasia de TODA la música que hoy escuchamos y disfrutamos se encuentra contenida en sus discos.
Y en este en particular. Música pura, emoción pura.

24 de noviembre de 2009

Invisible "El Jardín de los presentes" (1976)

jardin
Luego de editar esa bella monstruosidad llamada "Durazno Sangrando" (1975), en el que la banda funcionaba como trío, con Pomo en batería y Machi en bajo y voz, aparte por supuesto del Flaco en guitarra y voces, Invisible se despacha con un disco del carajo, justamente este que reseño ahora, plagado de clásicos y con la emotividad asegurada.
Para este disco el sonido cambia un poco por varias razones, entre ellas un acercamiento más jazzero a las canciones con la hermosa colaboración de otro joven guitarrista llamado Tomás Gubitsch quien tocaría después con el maestro Piazzolla; aparte de esto también se suma como invitado otro gran bandoneonista argentino llamado Rodolfo Mederos, quien interviene en las canciones "Los libros de la buena memoria" y en "Las golondrinas de Plaza de Mayo", junto con Gustavo Moretto, logrando una amalgama perfecta entre Rock, Jazz y Tango.
Tango dije recién. La canción que abre el disco, titulada "El anillo del capitán Beto" es, desde mi punto de vista, un tango moderno, y con una temática de ciencia ficción prácticamente, donde un astronauta maneja un colectivo mientras saltan a a vista las pequeñas cotidaneidades (extraña a su madre, los mates, la foto sobre "el comando" del mítico Carlos Gardel, típica diapositiva porteña/argentina de los choferes de colectivos).
Un disco maravilloso, que dentro de pocos días más podrá ser escuchado en vivo y en directo en la reunión de los tres grandes grupos del Flaco (Almendra, Pescado Rabioso e Invisible), cuando él festeje los 40 años del primer disco de Almendra (ese del payaso con la sopapa en la cabeza).
Así que, adelante, disfruten de esta obra maestra del Maestro.

21 de noviembre de 2009

Halo "Degree zero point of implosion" (2000)

Banda extremadamente mala onda, tomando lo mejor de las bandas drone noise de la escena. Ellos provienen de Australia, aunque actualmente viven en Londres, donde seguro tienen más posibilidades con su forma de música.
Ni se molesten en preguntarme de que tratan los temas, ya que no lo se. Lo que si se es que a lo largo de los casi 3/4 de hora que dura la tortura logran meterte practicamente en el hospicio a fuerza de distorsión, ruido, gritos, y sonidos ultragraves que te taladran la mente y logran ponerte de tan mal humor como pocas bandas lo hacen.
Así como con la gran mayoría de bandas del estilo, hay que estar en un estado de ánimo muy particular y receptivo para atreverse a ser atravesado por esta implosión, para después poder juntar los pedazos y salir a contar la experiencia a todo el mundo.
Si sienten que la alegría de vivir los está volviendo seres estúpidos y en extremo optimistas, escuchen Halo, y vuelvan a odiar el estado de las cosas.
Porque el odio es una gran pasión para predisponerse a escuchar cosas monstruosas como esta.

17 de noviembre de 2009

Pink Floyd "The delicate sound of thunder" (1988)

leyenda
Pink Floyd es la exploración sonora perfecta. Verlos en vivo debe ser un golpe tan tremendo en la subjetividad de uno...una experiencia realmente inolvidable.
Todavía me acuerdo cuando escuché por primera vez esta obra maestra. Y no solo eso. En esa época concurría asiduamente a un boliche, y era amigo del DJ. Entonces la idea era llegar más temprano para poder ver y escuchar en laser disc (¿alguien se acuerdo de esos marmotretos?)el disco doble completo, todo solo dentro del boliche. Y era fuerte la verdad. Porque si escucharlo es una experiencia tremenda,imaginen verlo, con más de 10 músicos en escena, doble set de batería/percusión, todos los chiches...
Aparte es Floyd en vivo, ¿qué pretenden, un Show rolinga? No, para nada. Todo cuidado, perfecto, un sonido de la mierda y las grandes canciones que tenemos guardadas desde el lejano momento en el que nos topamos accidentalmente con estos ingleses geniales.
La versión de "Confortably numb" vale la adquisición del disco. Todos hablan de Black Sabbath como el origen del actual Doom Metal, pero es porque no escucharon esta canción lo suficientemente despiertos. Pink Floyd debería ser obligatorio en toda clase de música en la escuela, desde la primaria en adelante. Y eso solucionaría muchos problemas de educación.
Junto con "Show" de The Cure y "Live evil" de Miles Davis, uno de los discos en vivo más impresionantes que tuve la suerte de escuchar.
Háganlo ustedes entonces.

Morte Macabre "Symphonic Holocaust" (1998)

tributo
Hermoso disco de un grupo de músicos suecos que forman parte de la movida progresiva desde hace bastante años, militando en bandas de la importancia de Landberk y Anekdoten:Reine Fiske (guitarras) y Stefan Dimle(bajo), como también Nicklas Berg (teclados y guitarra) y Peter Nordis(batería).
Si, podría ser una banda màs de las tantas que pululan por la escena. Pero no. Hay un oscuro color rojo sangre que llama la atención al primero que se topa con la portada. Y ni hablar del que se atreve a meterse en los oscuros y opresivos climas que destilan los suecos. Esos climas están casi determinados por instrumentos clàsicos del gènero como el mellotron y el moog, que brindan un color tan característico a la música de la década del '60 y '70.
También hay otro factor fundamental en la explicación del por qué te atrapa tanto esta música. Y es que la relación al cine clásico de terror de los '60 y '70 es ineludible.
Se ve que los suecos tambien son fanáticos de esas películas tan maravillosas realizadas por genios tales como Lucio Fulcci, Roman Polansky, Dario Argento, George Romero, etc.
Son 8 canciones que sabrán reconocer rápidamente los entrenados en esto de ver cine repleto de climas tensos, adornados con grandes bandas de sonido (casi tan importantes como las escenas que decoraban o ayudaban a crear). La primera asociación que llega a mi mente es la de los geniales italianos Goblin , por ejemplo (de quienes hay una versión).
Como cereza final, un tremendo, enorme, descomunal canción de casi 18 minutos compuesta por los músicos en homenaje a esas bandas de sonido que tanto nos asuntaron a quienes rondamos los 35.
Escuchen esto porque es una verdadera maravilla.

16 de noviembre de 2009

Mastodon "Leviathan" (2004)

mostruo
No me vengan a preguntar que hacen estos americanos. Porque lo único que se me ocurrió ponerle en la etiqueta fue Death Metal y Progresivo, aunque se que hay muchísimo, pero muchísimo más.
Desde el momento que los escuché por primera vez allá por el 2004, cuando recién salía este disco, no era que sabía, pero intuía que estaba frente a algo realmente grande, monolítico (como algunos llaman a este sonido).
Pienso para buscar referencias. Me cuesta encontrarlas. Lo primero que me viene a la mente es la sensación de estupor cuando me topé con el "Masters of Puppets" de los Metallica, o "Shades of God" de los geniales Paradise Lost. Discos pesados, pesadísimos y oscuros al mismo tiempo, con un groove que era difícil de encontrar en bandas metálicas.
Eso es lo primero que se escucha en este disco de Mastodon. Los riffs son tan increíbles y gigantescos como los de las bandas recién mencionadas. Y las voces destilan rabia, como mínimo.
Recién dije que dentro de Mastodon había mucho más. Luego de escuchar y escuchar casi sin descanso el disco van emergiendo esas raras influencias que superficialmente no se las puede ubicar.
Entre ellas yo pondría cosas como bases relacionadas con el Free Jazz y el Acid Jazz, con un toque de violencia hardcore que te deja un gustito imposible de olvidar.
Y encima las canciones están inspiradas en el Moby Dick de Melville.
Un disco para escuchar dentro de 20 años, y rememorar como era la MÚSICA que se hacía en esta época.
Un disco OBLIGATORIO para todo amante de la música.

Quilapayún "Santa María de Iquique-Cantata Popular" (1970.)

Descomunal disco de estos chilenos, que se encarga de relatar hechos reales ocurridos a comienzos del Siglo XX en Iquique, al norte de este país sudamericano.
La carga emotiva que arrastra el sexteto no de disipó con el paso de los años, y escucharlo aún hoy llega a erizar la piel.
No voy a ahondar en esos hechos, tan solo decir que fue una masacre en la que murieron 3600 obreros.
En el lugar donde ello ocurrió el genocida Pinochet mando construir un shopping, como una forma de borrar sucesos que son congruentes con su posición ideológica.
Escuchen este clásico que vale la pena.
La historia está contenida en las letras de esta cantata que es una de las más increíbles compuestas en toda Latinoamérica. Por lo que, como pide el tema inicial, "...pongan atención..."

The Atomica Project "Metropolitan" (2005)

Impresionante disco del más refinado Trip Hop que se puede escuchar actualmente. Ni me preocupé todavía de rastrear la historia de este proyecto, aunque creo que son de New York.
Es tan increíble el clima creado y la intensidad transmitida, que a medida que se suceden las escuchas la música se va volviendo más y más compleja, con infinidad de capas de sonidos puestas aquí y allá.
Lo que deslumbra realmente es, aparte de la instrumentación, es la voz de la cantante, Sarah Fimm, aparentemente una figura reconocida dentro de la escena .
Las influencias se pueden rastrear entre el Jazz, la música electrónica más climática, la música clásica (y de películas) y un toque de Blues y Rock que le dan la intensidad necesaria para que te golpee en la cabeza y se te claven en ella las 9 grandes canciones que incluye este disco.
Sin ninguna duda, uno de los discos más intensos y melancólicos que escuché en mucho tiempo.
Hagan la prueba.

15 de noviembre de 2009

Kari Rueslatten "Pilot" (2002)

hermosa
Lo único que se me ocurre cada vez que escucho un disco de esta hermosa noruega es apagar las luces, prender una pipa con un buen tabaco y degustar un rico vino, para que el disfrute sea completo.
Es tan maravillosa y simple la forma en que te transporta a lugares que nunca soñaste siquiera que existían con su voz, que la belleza nórdica pasa a un segundo plano, en relación a su increíble y colorido caudal vocal.
Recuerden que comenzó su carrera de la mano de los geniales The 3rd and the Mortal, con su primer e.p. y el primer disco "Tears laid in Earth" del año 1994. Si no tuvieron la suerte de encontrarse con semejante obra de arte, no saben lo que se están perdiendo.
Después de su incursión en el mundo del Doom, pasó a participar en un proyecto oscurísimo con integrantes de Satyricon y Darkthrone titulado Storm, con el cual sacó un disco para después comenzar su carrera solista.
Los dos primeros discos son más influenciados por el Folk del norte de Europa, y después comenzó a incursionar en otros rubros, un poco más ligados al Pop, pero con un dejo de melancolía que te llena el alma de desazón y alegría al mismo tiempo. Si, la música puede producir esos sentimientos encontrados, y sobre todo este tipo de gente que solo le importa crear sin importar el rótulo que los demás le pongan a lo que hacen.
Solo escuchen la preciosa voz de Kari, y comenten.

9 de noviembre de 2009

Umberto Eco "El péndulo de Foucault" (1988)

Simplemente uno de los mejores libros que leí en mi vida.
Si bien un tanto complejo al comienzo (sobre todo su primer "capítulo"), después su lectura se transforma en algo imposible de dejar, y uno puede pasar horas leyendo sin darse cuenta del paso del tiempo.
Aborda de manera muy satírica y cínica el mundo no solo del ocultismo y esoterismo, sino también el mundo editorial. Y fundamentalmente el poder de la palabra y del lenguaje. Es esto lo que crea la realidad, y no es un mero instrumento del ser humano para comunicarse.
La obra en si es descomunal, y deja en claro la brillantez del autor para escribir (todas sus obras literarias son de una exquisitez impresionante).
Para todos los amantes de Dan "soy un ladrón impresionante y me creo artista" Brown, lean esta obra de arte para entender que se puede ser divertido, erudito, implacable y brillante al mismo tiempo, sin necesidad de escribir estupideces supuestamente oscuras y faltas de toda gracia. (por si no se dieron cuenta, detesto a Brown, uno de los peores ladrones de la historia literaria).
Solo esto, adéntrense y sigan la historia de Casaubon, Jacopo Belbo y Diotallevi dentro de la editorial Garamond, y su afán por construir una teoría conspirativa que incluye templarios, satanistas, ocultistas...en fin...una historia realmente muy buena.

Patrick Süskind "El Perfume-Historia de un asesino-" (1985)

Hacía mucho que no posteaba algún libro. Y elegí unos cuantos que me volaron la cabeza hace algún tiempo.
Entre ellos, "El perfume" del alemán Süskind, su primera novela, que fue adaptada al cine no hace mucho.
Es tan perturbadora la novela, y está tan bien escrita que la sorpresa es prácticamente instantánea.
Lo más terrible de la historia es que el autor logra que nos identifiquemos con un personaje tan repugnante como maravilloso.
La historia está ambientada en la Francia del Siglo XVIII, repleta de nuevas situaciones y hediondos olores explotando día a día. Una de las cosas nuevas es el nacimiento de un niño.
No es nuevo para la madre, quien trabajaba en un puesto de pescado de la Rue aux Fers, donde había tenido ya 4 hijos, de los que se deshizo con la misma facilidad con que descamaba y destripaba esos pescados, y esos pequeños bebés morían al poco tiempo.
El 17 de Julio de 1738 nace Jean Baptiste Grenouille, y su primer acto como humano es poner al descubierto a su madre-que lo estaba dejando entre restos de pescados para que muera-, lanzando un grito salvador que lo mandó a él con una nodriza que lo alimentó y a la madre al verdugo para que la decapiten por infanticidio múltiple.
¿Pero cuál era la particularidad de este niño? LA característica fundamental es que no poseía olor personal, y a lo largo de su niñez demuestra una capacidad en apariencia paradójica, ya que su sentido del olfato era maravilloso.
Imagínense las situaciones más bizarras, las descripciones más nauseabundas, todas atravesadas por la historia de un niño descripto como un insecto, como "una chinche" insensible.
Disfruten de esta novela que es atrapante como pocas.

6 de noviembre de 2009

Paul Chambers Sextet "Whims of Chambers" (1956)

No mucho para decir. Me acuerdo cuando lo escuché por primera vez. Andaba buscando algo para escuchar relacionado con sonidos más clásicos dentro del Jazz y este disco cayó en mis manos.
El principio me chocó un poco, porque estaba acostumbrado a otro tipo de Jazz, pero después de la segunda o tercera escucha atenta, no podía creer...era imposible dejar de escuchar y mover el pie al ritmo de los temas.
Después me interioricé de quienes eran los que conformaban el sexteto de Paul. Y no lo pude creer tampoco. Músicos realmente importantes de la escena, por lo que la sorpresa era justificada (teniendo en cuenta que yo no tenía idea quien era Paul Chambers).
Ellos eran Kenny Burrell en guitarra (tocó con todas las grandes figuras del Jazz, debutando con Dizzy Gillespie en 1951); Donald Byrd en trompeta (tambien tocó con unos cuantos nenes, como Max Roach, Art Blakey, Coltrane, Sonny Rollins...); Paul Chambers en contrabajo (busquen en la red los músicos con los cuales tocó este tipo y es impresionante); John Coltrane en saxo tenor (¿alguien no conoce a 'Trane? ); Philly Joe Jones en batería (increíble baterista del Quinteto de Miles desde el '55 al '58) y Horace Silver en piano (quien pasó por incontables formaciones, con grandes como Hawkins, Monk, etc). Dos de las composiciones son del genial saxofonista, "Nita" y "Just for the Love", bastante oscuras por cierto.
Mención aparte para el gran ingeniero que grabara las sesiones, Rudy Van Gelder, encargado de las mismas en el sello Blue Note durante años. El mismo es considerado como uno de los grandes ingenieros de la historia del Jazz. Y ni hablar del sello, que junto con Prestige!, Verve, Columbia fueron, entre otros, los que impulsaron el crecimiento exponencial del género.
Por lo pronto, escuchen este pedazo de disco, que el disfrute está asegurado.

Branford Marsalis Quartet "Metamorphosen" (2009)

tremendo
Branford Marsalis es uno de los músicos más impresionantes de los últimos 20 años, dentro del Jazz. Y junto con los músicos que lo acompañan desde hace más de 10 años forman un cuarteto tan ajustado e increíble como la música que hacen.
Este disco es el nuevo esfuerzo de Branford y los suyos por quedar en la memoria de los amantes de la música en general, y del Jazz en particular, y lo logra realmente.
El último disco era del año 2006, y no sorprendía para nada, ya que la formación estaba consolidada, y las composiciones fluían libremente.
Acá también, aunque las influencias son levemente diferentes. Por momentos cercano al be-bop (aquel de Charlie Parker, otro genio indiscutido del Jazz), por momentos relajado y hasta tremendamente melancólico (escuchen "The last goodbye", y si no los emociona es porque están muertos), este disco-como muchos otros de la banda- es un sin fin de texturas, vaivenes, colores y sensaciones que te dejan realmente exhausto pero no cansado. Como frutilla de este postre para exquisitos, tenemos una gran versión del "Rhythm-A-Ning", compuesto por el monstruoso y genial Thelonious Monk, que apareciera en el "Criss-Cross del año 1962. También hay una versión de la misma en los Jazz Messengers de Art Blakey, junto con Monk en el año 1957 (hay muchas versiones más, aunque éstas son las que pude rastrear).
Simplemente un nuevo disco de un músico que sigue dando que hablar, y que como el gran Miles, no se estanca nunca, buscando con cada disco la expansión del Jazz y de la música, y eso no es poco.
Gracias Branford.

3 de noviembre de 2009

The Cult "Electric" (1987)

culto
¿Qué diría Pomelo al escuchar este disco?
Gritaría un fuerte "¡Rooocccckkkkannndddrrrooolllnnnnnnnn!. Si señores, puro Rock n' Roll.
La discografía de la banda está plagada de aciertos, con una excepción: "The Cult" de 1994, que para mi es simplemente un bodrio.
Pero con este disco tenemos el deleite asegurado. Y otra cosa, a partir de aquí, el sonido comienza a cambiar buscando un sonido más americanizado, abandonando sus inicios más góticos y darkys.
Y aunque algunos no les gustó ese cambio, pidiendo a gritos el regreso al sonido de "Love". Esta es una de las bandas que influyó en el sonido de bandas como Paradise Lost, por ejemplo.
En este pedazo de historia del Rock inglés hay grandes clásicos, como la inicial "Wild Flower", con ese Riff monstruoso que hace que se te mueva instintivamente la cabeza y el pie siguiendo el ritmo.
Instintos. Todos se pueden desatar acompañados por "Lil' devil", "Electric Ocean"..."Love Removal Machine" (por favor que canción del remilcarajo). Aparte de eso, el cover de Steppenwolf....puf...que disco del carajo, por favor.
Si me preguntan de donde sacan sus influencias, mi respuesta sería que de grandes bandas como Led Zeppelin, The doors, AC/DC...y demás grandes bandas de Rock clásica.
Háganse un favor y destruyan lo poco que les queda de cerebro con este disco.

Candlemass "Death Magic Doom" (2009)

Y si hablamos de doom, como no mencionar a los dioses suecos, pioneros en esto de aggiornar el sonido sabbático allá a principios de la década del '80.
En este caso tenemos el último disco, editado en abril de este año, y no hace más que confirmar el gran estado compositivo que disfruta la banda desde la partida del increíblemente conflictivo Messiah Marcolin después de su participación como cantante en el disco que marcó el retorno de los suecos en el 2005, titulado "Candlemass".
En "Death Magic Doom" tenemos tremendos mazazos metálicos, con excepción del primer tema "If I Ever Die", de claras raíces punk, pero que queda bien en el contexto del sonido general del disco.
Mazazos. "The Bleeding Baroness" es tremendamente oscura y cautivante con uno de los mejores riffs vomitados por esta banda, que con el paso de los años no nos deja de sorprender continuamente, regalándonos bellos momentos opresivos y melódicos al mismo tiempo. Otro más: "Clouds of Dementia", "My funeral dreams", que con ese título retoma uno de los intereses principales de toda banda doom que se precie de tal.
Escuchen y saquen sus propias conclusiones. Uno de los mejores discos de la discografía de la banda.

Paradise Lost "Draconian Times" (1995)

tiempo
Descomunal 5º disco de los ingleses Paradise Lost.
Época dorada no solo del género sino de la banda, con una seguidilla de obras hoy consideradas clásicas e insuperables.
Tengan en cuenta que antes de este "Draconian Times", estos tipos se despacharon con una obra oscura y densa como "Icon". Si nos seguimos yendo para atrás, nos encontramos con "Shades of God", "Gothic" (1991) y "Lost Paradise" (1990) Para este disco, todo lo que ya se encontraba en "Icon " fue multiplicado exponencialmente, dando como resultado esta obra que si bien es menos hermética que aquella y un poco más accesible-para que negarlo- no deja de ser oscura y atrapante.
El detalle que atrapa es que a las influencias metálicas de rigor, ahora se suma la sensualidad de ese estilo que años después inundara el género y a la propia banda (en este caso con resultados menos agradables para quien escribe, o sea, para mi): obviamente me refiero al Gothic Rock de los '80. Gracias a esta influencia las canciones se volvieron también más gancheras y tarareables, como la sutil "Yearn for change". Dentro de la que seguiría en el estilo del Doom Metal está "Shades of god" o la que cierra la placa "Jaded", por ejemplo. A partir de este disco, definitivamente las influencias Death Metal desaparecen.
Es cierto, como dice en esa última canción que "...las palabras pueden significar tantas cosas...", como también la música, y los sentimientos que en ella encontramos los que no podemos dejar de buscar y escuchar y gozar con ella.
Por eso vale la pena intentar descubrir nuevas cosas, por la sorpresa de nuevos significados, o tal vez de ninguno...solo el disfrute mismo.