24 de abril de 2009

Frank Zappa "Jazz From Hell" (1986)

infierno

Frank Zappa es un ser de otro planeta, tal vez de otra galaxia, como tantos otros (Miles Davis, Jimi Hendrix, Piazzolla, John Coltrane, etc.). Todos sus discos son experiencias increíbles, y difíciles de metabolizar, pero una vez que lo hiciste, es como si hubieses estado en un curso intensivo de historia de música contemporánea.
Historia de música que no excluye, obviamente la música clásica contemporánea, con artistas influyentes y determinantes como Stravinsky, ese loco llamado Stockhausen.
Y este disco es una prueba irrefutable de dichas influencias, tan disímiles, que también incluyen el Jazz , el Blues , el Rock ....bueno Zappa era así, era un Genio Musical, capaz de cualquier cosa. Y eso lo encontramos acá.
Un disco realizado exclusivamente por él y su asistente técnico Bob Rice y el ingeniero de grabación Bob Stone, con la Synclavier Digital Music System, un sintetizador muy versátil. puede sonar frío, pero lo logrado en este disco estaría más relacionada con la experimentación contemporánea que con la frialdad propia de los sintetizadores.
Son 7 canciones rarísimas, comenzando por "Night school", que a lo primero que me hizo acordar es a los italianos Goblin y sus bandas de sonido para Darío Argento (genio absoluto del cine). Después las composiciones restantes son un sinfín de texturas atrapantes, locas, extravagantes (escuchen "G-spot Tornado"), que harían parecer a otros delirantes experimentales como John Zorn o Diamanda Galás como simples principiantes. Bueno, alguien que a mediados de los '60 sacó discos como "Freak Out" (1966) o "Absolutly Free" (1967) con una de las bandas más desquiciadas de la historia como los The Mothers of Invention, puede dejar como principiantes o nenes de pecho a cualquiera.
Volviendo a este disco, el único tema en el que toca con una banda "humana" es el Blues "St. Ettiene", en el que intervienen Steve Vai y Ray White en guitarras rítmicas, Tommy Mars en teclados, Ed Mann en percussión, Scott Thunes en bajo y Chad Wakerman en batería. Solo con este tema, el disco es de escucha obligatoria.
Aunque no es el mejor disco de él, entren al mundo Zappa y dejen que las comadrejas les arranquen la piel mientras ustedes sonríen de dolor.

22 de abril de 2009

Opeth "Morningrise" (1996)

leyenda
¡¡¡Terrible pedazo de disco!!! Es una maravilla del Death Metal Melódico.
Y algo realmente importante: no es apto para los que sufren de vértigo, porque Opeth con su música te elevan hasta el tope de esa montaña rusa a la que siempre quisiste subir, y de repente, cuando menos te lo esperás, te arrojan al vacío.
¿Cómo hacen esto? Simplemente con MÚSICA, así, con mayúscula. Porque a los largo de 5 (cinco!!) canciones se presentarán sensaciones increíbles que nunca antes se te presentaron con ninguna otra banda.
"Advent" inaugura la aventura que tardará casi 77' en terminar. "The Night and the Silent Water" presenta un hito inigualable en la discografía de estos suecos, y del metal en general. Las diferentes emociones incluidas en este tema ya vale la adquisición de esta obra maestra, con sus guitarras acústicas y cambios de ritmo constantes.
Ni que hablar de "Nectar" o "Black Rose Immortal", dos gemas imposibles de pasar por alto.
Es que es difícil elegir las canciones, cuando ninguna baja de los 10' ("Black Rose... dura 20') y las cinco son terribles.
No puedo escribir más. Solo decir que desde que lo escuché-hace ya muchos años- siempre, periódicamente, vuelvo a él, como para refrescar los buenos momentos vividos. Y la aventura inaugurada con "Advent" hace tanto tiempo, todavía no terminó, y espero que nunca termine.

21 de abril de 2009

In The Woods... "A Return to the isle of Men" (1996)

bosques
En realidad este disco es la reedición del primer demo de la banda, del año 1993, llamado "Isle of Men", y que contenía los 5 primeros temas de este disco. Para esta edición, le agregaron dos bonus tracks. De estos temas ya algunos habían aparecido en el majestuoso "HeArt of the Ages" (1995), así que se pueden imaginar cual es el sonido de este disco.
Maravilloso es poco. Inclusive teniendo en cuenta que es una reedición de un demo, lo logrado en calidad musical es superlativo. Hay pocas cosas que se acerquen siquiera a la emotividad, a la expresividad y sentimiento que se esmeran en transmitir estos noruegos, que pocos meses después editaran esa joya melancólica llamada "Omnio".
Bueno, aquí también pueden emocionarte y conmoverte hasta las lágrimas con esas guitarras que te taladran los tímpanos, pero que al mismo tiempo tienen esas melodías tan hermosas y características; también te asombran con la mixtura de voces (gritadas, susurradas, femeninas...) y esos teclados que parecen extraídos de los discos de Pink Floyd.
Escuchen y disfruten.

20 de abril de 2009

Cathedral "Forest of Equilibrium" (1991)

equilibrio
Todavía recuerdo cuando escuché por primera vez este disco. Habían pasado unos meses desde que había escuchado "The Ethereal Mirror" (1993), su segundo disco, y quería encontrar el origen de la banda, de donde había salido, etc. Todo eso que a uno le gusta investigar cuando te gusta una banda.
Me sorprendió el hecho que Lee Dorrian haya sido el vocalista de una de las bandas más revolucionarias dentro de la escena extrema mundial como Napalm Death. En los reportajes todos le preguntaban como era pasar de la banda más rápida a la mas lenta...y si...cuesta creer que sea el mismo tipo la verdad.
"The Ethereal Mirror" me parecía (aún me parece) uno de los discos fundacionales del nuevo Doom en la década del '90, que tomaba las influencias de Black Sabbath, junto con las clásicas bandas de los '80 como Candlemass, Saint Vitus, Trouble, etc., y llevaba ese sonido a un nuevo nivel. Pero "Forest..." era (es) otra cosa.
Canciones súper largas y experimentales (para la época), letras muy voladas, voces arrastradas que parecieran estar cantando alguna letanía a la destrucción universal y estar disfrutando de esa destrucción...casi una felicidad apocalíptica, que te transmitía todo ese trip con los riff más retorcidos, embarrados y graves que por esos tiempos nos pudiéramos imaginar.
Todo el disco parecía estar preparándote para un acontecimiento que llegaría irremediablemente, para el que no había escapatoria, y le creíamos a la banda. Hasta el título de la última canción era una declaración de principios, "Buscando felicidad, tocando el dolor", ya con eso nos convencíamos que Cathedral era de verdad, incluso con esas intros lúgubres con flautas traversas, y esas cosas raras para su tiempo.
Y ahí está la cuestión. La banda nunca perdió la credibilidad, porque hacen lo que tienen ganas de hacer, lo hacen hoy y lo hacían hace 20 años. Por eso, vale la pena meterse en su universo tan particular, repleto de seres extraños y pesimistas que te vaticinan el porvenir del mundo con las canciones más pesadas que te puedas imaginar.

Taake "Hordalands Doedskvad" (2005)

black
Monumental tercer disco de estos noruegos. Y el mejor de toda su discografía hasta la actualidad. Todas las características de sus primeros dos discos, acá se encuentran elevados a su máxima expresión.
Las melodías son gélidas, y cumplen su función a la perfección. ¿Cuál es esta función? Transmitir el hostil y frío ambiente de su Noruega natal, junto a la majestuosidad y belleza de su naturaleza, lo que también esta representado en las canciones. La escucha reiterada de este disco te puede transportar rápidamente a los bosques nevados de esas tierras.
Otra cuestión sumamente interesante, sobre todo para los seguidores de la vieja escuela del Black Metal noruego, son las influencias que quedan registradas a modo de sutiles homenajes en esta placa, y que ya se escucharan en "Nattestid Ser Porten Vid " (1999). Aquí se agrega una banda como influencia (a las citadas en la reseña del disco anterior) que se amalgama de forma maravillosa, y que los amantes del Heavy Clásico se arrancarán los pelos de la alegría, Mercyful Fate. En el Track 2 (las canciones no tienen nombres), sabrán reconocer el riff precioso de una gran canción de los daneses. También se puede encontrar, como ya lo hicieran otros noruegos geniales-Emperor- un homenaje en el mismo track a los Metallica de "Ride the Lightning".
Un disco descomunal, pletórico de referencias a la vieja escuela, y al mismo tiempo al futuro del género. De acá a 20 años, escucharemos seguramente este obra, y nos provocará los mismos escalofríos que hoy.

17 de abril de 2009

Agalloch "Pale Folklore" (1999)

Pale Folklore
Un hermoso viaje a los bosques, acompañado por uno de los discos más bellos de la historia de la música, no solo del Metal. Y es el único rótulo que cabría ponerle a esta maravilla, ya que trasciende los géneros y los estilos.
Es tan hipnótico el arte generado por estos americanos que es difícil poner en palabras lo que producen. Me acuerdo que en las vacaciones de Enero de este año estuve en un lugar donde lo "único" que se podía hacer era leer y escuchar música, ya que no había T.V ni computadora. Por lo tanto, y sabiéndolo de antemano, me llevé una gran cantidad de discos para poder disfrutar. Entre todos esos discos estaba la discografía de Agalloch.
Mi sorpresa fue mayúscula cuando me di cuenta que, con el correr de los días, no solo era difícil dejar de escuchar Agalloch, sino que al atardecer siempre ponía este disco, y me inundaba una sensación entre melancólica y feliz, mientras que al mismo tiempo los olores y colores del lugar (estaba en el campo) tomaban nuevas dimensiones, y parecían cobrar vida.
Las canciones nunca llegan a ser extremas, sino que transitan por caminos sutiles, con innumerables recursos estilísticos, susurrando, gritando, tocando hermosos acordes o arpegios, y realizando bellos acompañamientos acústicos a medida que se desarrollan las canciones, todas hermosas y memorables.
La banda esta conformada por 3 de los integrantes de otra banda increíble americana, Sculptured: John Haughm en batería, voces y guitarra (ya no está en Sculptured), Don Anderson en guitarra, Jason William Walton en bajo y Shane Breyer en teclados.
Basta entonces de palabras vacías y disfruten

15 de abril de 2009

Sarcófago "The Laws of Scourge" (1991)

brasil
Tremendo este disco. Por ahí si lo escuchase por primera vez hoy, también sería una sorpresa.
Es que esta banda brasileña tiene tanta agresión como melodía, y las canciones son "redonditas", no te cansan en ningún momento.
Las voces también están perfectamente balanceadas...y...no se, la verdad que el disco entero es una joyita.
Cuando lo escuché por primera vez allá por el año 1994 no lo podía creer, sobre todo teniendo en cuenta que había un ex-miembro de Sepultura (Wagner) tocando en la banda. Por lo tanto la banda tenía que ser buena.
¿Tenía? Hasta el día de hoy me parece que ninguno de los temas tiene desperdicio, incluyendo los dos bonus tracks incluidos en el cd (que no aparecían en las primeras ediciones): "Krush, Kill, Destroy" y "Little Julie" que aparecieron en el e.p. siguiente. Los teclados le dan una cuota de oscuridad que pocas bandas del estilo tenían en esos años, así como esas melodías punzantes, y esas voces que te hacen acordar a un Tom Araya muy enojado.
Disfruten del disco, no se lo van a poder sacar de la cabeza.

Moonspell "Irreligious" (1996)

mega
No hay demasiado para decir de este disco, solo que es un clásico absoluto, tanto dentro de la discografía de los portugueses, como del estilo.
Hasta el momento en el que salió editado el disco, ninguna banda había logrado fusionar el Doom, el Gothic/Dark e influencias de lo mejor de la música electrónica de forma tan maravillosa, y sin perder originalidad (algo que le paso a Moonspell en discos posteriores).
Todas las canciones son tremendas, desde "Opium", pasando por "For a taste of Eternity" y "Ruin and Misery" (¡¡¡que tema increíble!!!), y esa gema gótica llamada "Raven Claws", hasta "Herr Spiegelmann" basada en la novela "El Perfume" de Patrick Suskind-sobre todo uno de sus últimos capítulos-y que recomiendo leer a todos.....y "Full Moon Madness"...un doom tan tenebroso que asusta.
Entren al mundo gótico de Moonspell, y ya no salgan.

13 de abril de 2009

Ecliptic Sunset "...From These Dried Lands" (2003)

Ecliptic Sunset es una banda de la provincia de Salta, al norte de Argentina (de donde también salieron Santuario, Skombros, Pogrom, Descanso Eterno, Diadema Tristis, etc.), enrolada en un Black Metal con claras influencias noruegas, de Satyricon y Emperor de la primera época para ser más preciso.
No me voy a detener en los integrantes de la banda, ya que son muchos, la mayoría sesionista. El único que permanece inamovible es su creador, guitarrista y vocalista Alejandro Medina, quien también forma parte de una maravilla Dark-Folk argentina llamada Diadema Tristis.
Acá van a encontrar teclados a modo de intro, guitarras acústicas, algunas voces claras, guitarras agudas y lacerantes, y baterías.....que creo que son lo más flojo del disco. Su sonido deja bastante que desear, aunque supongo que es por el sonido vieja escuela que le imprimieron a este debut discográfico, como una especie de homenaje a bandas capitales del estilo, como las que mencioné más arriba.
Los climas logrados son muy interesantes, y la pericia de sus músicos quedan de manifiesto sobre todo en los momentos más calmos. Momentos calmos...lo primero que se me viene a la mente es el tema 5 llamado "Tears far Away ", muy triste y melancólico, violines incluidos. A continuación un extraño experimento poético ("Deprimenthia") con la profunda voz de David Esteban Slodky, quien también participa en el último tema.
Las letras son una extraña mezcla de poesía, vampiros, demonios y depresión puesta al servicio de buenas canciones que con el transcurrir del tiempo van gustando más.
El último punto que me gustaría resaltar es la producción del libro interno del cd, que esta presentado a nivel profesional, con papel satinado y todo, y con buenas fotos acordes a los climas que quieren transmitir. ¿Por qué digo esto? Porque semejante producción de gran nivel no llegó a costar los $22 (pesos argentinos, o sea menos de u$s8).

12 de abril de 2009

Radiohed "OK Computer" (1997)

Radiohead comenzó siendo una bandita más de la movida Grunge a comienzos de la década del '90, cuando los reyes eran Nirvana y Pearl Jam. Por esos años, la banda salía al ruedo con su primer larga duración "Pablo Honey" (1993), que contenía un tema (fue el primer single del disco) muy bueno, "Creep", que se transformó con los años en un himno del Grunge. Le continuó "The Bends" (1995), mostrando un sonido semejante, pero ya alejándose del estereotipo del estilo.
Cuando todo el mundo pensaba que iban a salir con algo súper comercial, se despacharon con este disco, y sorprendieron a todos. Una extraña mezcla de Rock, más música electrónica, sumado a unas voces despojadas y frías que transmitían una desazón muy particular, sin llegar a la abulia típica del Grunge de sus comienzos.
Y una seguidilla de canciones tan increíbles como melanólicas y -por momentos- furiosas que no te dan respiro, y que se van incrustando subliminalmente en tu mente, hasta quedar totalmente atrapado en este frío mundo tecnológico pergeñado por Tom y los suyos.
Canciones. Experimentos con letras tan hermosas como irónicas y desesperadas. Particularmente distingo "Paranoid Android: Por favor, ¿podrías detener el ruido?Estoy tratando de descansar un poco de las voces de los pollos sin nacer en mi cabeza ¿qué es eso?...(tal vez sea paranóico, pero no soy un androide). Cuando sea rey, serás el primero contra la pared con tu opinión que no le importa a nadie¿qué es eso?...(tal vez sea paranóico, pero no soy un androide). La ambición te hace lucir bastante mal Cerditos Gucci pateando y chillando no recuerdas no recuerdas ¿Por qué no recuerdas mi nombre? Córtenle la cabeza, hombre Córtenle la cabeza, hombre ¿Por qué no recordará mi nombre? yo creo que si lo recuerda. Llueve, llueve vamos, llueve sobre mi desde una gran altura desde una gran altura...altura
Eso es señor estás escapando el crujido del cuero de los cerdos el polvo y los gritos los yuppies trabajando en red el pánico, el vómito Dios ama sus hijos, Dios ama sus hijos, yeah."
Otra canción que te deja sin respiración y en un trance del que es difícil salir es "Exit Music (for a Film):Despierta de tu sueño la brevedad de tus lágrimas hoy escapamos, escapamos. Empaca y vístete antes que tu padre nos oiga antes que se desate el infierno. Respira, sigue respirando no pierdas la calma Respira, sigue respirando no puedo hacer esto solo. Cántanos una canción una canción para mantenernos calientes hay una brisa, una brisa. Y puedes echarte a reír pero nadie lo creerá deseamos que tus reglas y sabiduría te ahoguen Y ahora somos uno en paz eterna. Deseamos que te ahogues, que te ahogues".
De todas formas es muy subjetivo, aunque la frase final susurrando lastimosamente ..."deseamos que te ahogues..." es sinceramente terrible.
Todas las canciones son increíbles, pero hoy (como siempre digo) me vuelan la cabeza estas dos...y la que cierra el disco no se queda atrás en cuanto a melancolía musical se refiere.
Una obra a partir de la cual la música de la banda, y el Rock en general se cuestionó muchísimos clichés y formatos que se suponían inamovibles.
Sencillamente hermoso.
Acá

Gentle Giant "Free Hand" (1975)

manos libres

Un clásico del Rock Progresivo de los '70. Simplemente bandas como Dream Theater no existirían de no ser por la influencia de esta banda (entre otras por supuesto).

Tienen un montón de discos editados, y ni hablar de los bootlegs, compilados, etc.
Pero lo que ahora interesa es esta verdadera obra clásica, que tiene una complejidad rítmica y vocal que sorprendería a cualquiera. Sobre todo si nos fijamos en le época en la que fue grabada, en la cual no existía toda la tecnología de la actualidad.
Por otro lado, la banda suena moderna, incluso para para los tiempos que corren, y si sos medio despistado y no te fijás el año de edición del disco, bien puede pasar por alguna banda neo-progresiva, de esas que pululan por todos lados, pero que carecen del sentimiento y de la capacidad para transmitir algo, solo tocan rápido y fríamente.
El sonido de la banda oscila entre el Jazz Fusión y la música progresiva, con unas influencias innegables de música clásica, que le dan el toque de complejidad necesario, pero que no aburre en ningún momento.
El diálogo entre los instrumentos es constante y fluído, y tiene un dejo de frescura que asombra.
Bueno, basta... deja de leer la reseña y disfrutá este hermoso disco.

11 de abril de 2009

My Dying Bride "For Lies I Sire" (2009)

sigue
¡¡¡Si señores!!! Volvió la miseria y la depresión hecha música. Volvió la desesperanza absoluta y el romanticismo eterno. Volvieron....¡¡los violines!! a My Dying Bride.
Cuanto se extrañaba ese sonido típico de los ingleses, cargado de depresión y buenas, memorables canciones.
Es cierto que "A line of deathless kings" (2006) era un gran disco, creo que no se podía encontrar canciones que se te clavaran en la mente instantáneamente. No era tan opresivo como el anterior disco de estudio de la banda "Songs of Darkness, words of ligh" (2004), sino que había más melodía. Pero faltaba algo. Algo que nos hiciese olvidar momentáneamente-aunque sea- discos como "The Light at the End of the World" (1999) o "The Angel and the Dark River" (1995), y por qué no "Like Gods of the Sun" (1996)...porque siempre que escuchábamos algún otro disco, siempre terminábamos comparándolo con alguno de éstos.
Eso que faltaba era justamente esas tristes melodías ejecutadas en el violín, que tanto dramatismo le sumaba a la música de la banda. Y volvió, el violín volvió, y espero que no se vaya por mucho tiempo.
La gran mayoría de las canciones tienen algo con violín, aunque se destacan "My Body, a funeral" y "For Lies I Sire"...o "Bring me Victory" que no se queda atrás en cuanto a dramatismo y épico sufrimiento.
¿Épico dije? Escuchen los casi 12 minutos del tema que cierra el disco y cuando se repongan de semejante demostración de poder me avisan.
Otro de los puntos fuertes son las vocalizaciones que está utilizando Aaron, realmente depresivas y terroríficas, una vuelta a las raíces. Y se fue el bajista de toda la vida, entrando en su reemplazo una mujer llamada Lena Abé...veremos que pasa, pero por ahora está ella.
Imaginen una mezcla perfecta entre los discos antes citados, más el sentimiento del increíble "Turn loose the swans" (1993) y se darán una idea de lo que pueden llegar a escuchar y disfrutar.
Señores, de pie que la novia agonizante parió uno de los mejores discos de su carrera. Nueve nuevas canciones para sentirse el ser más miserable del universo, y disfrutar con ello.
Disfrutemos un futuro clásico, para que después podamos decir "yo lo escuché cuando recién salió".

Anneke van Giersbergen and Agua de Annique "Pure Air" (2009)

aire
Anneque es unas de las voces más personales de la música actual, capaz de emocionarte con solo utilizar su privilegiada garganta, y apenas acompañada por algún músico. Y es lo que hace en este disco, donde presenta canciones del disco anterior "Air" (2007) en formato semiacústico, y canciones nuevas, acompañadas por músicos reconocidos y no tanto (por lo menos para mi).
Entre las canciones conocidas encontramos: "Witness" en una versión ultra corta y acústica hermosa, donde la voz de Anneque lastima y emociona hasta las lágrimas. "Beautyful One" también se hace presente nuevamente con el acompañamiento de Niels Geusebroek y una guitarra acústica, simplemente bello. "Yalin" y "Day After Yestarday" también están, en un formato que no puedo dejar de apreciar, en donde a medida que pasan los minutos la presencia de la ex-cantante de The Gathering se va haciendo más increíble. Sobre todo en "Day..." con la presencia de Marike Jager, siendo esta canción una de las más melancólicas del disco. "Come Wonder with me" parecen invitar Anneque y su acompañante Kyteman, en una versión despojada de la canción, que te deja helado junto con el acompañamiento de una trompeta hermosa y tristísima.
Todas las demás son canciones nuevas. La que abre el disco es de una belleza impresionante, y tenemos un plus para disfrutar, con un invitado de lujo, Danny Cavanagh de Anathema. Las otras canciones done encontramos invitados son: "Valley of the Queens" con Arjen Lucassen, que presenta una melodía similar a "Epitaph" del primer disco de King Crimson, y un tratamiento que te hace sentir que estás en presencia de un hada del bosque que le canta a la naturaleza; "To Catch a Thief" con John Wetton-integrante de King Crimson y Asia- en un bello dúo vocal; "What's the reason?" bien podría haber sido escrito en la década del '70. Pero no. Es una canción de Silkstone, una banda cuyo líder participa en este disco en dos oportunidades: aquí y en "Beautyful One". "Somewhere" es una frágil y sentida canción acústica en donde también canta Sharon Del Adel de los holandeses Within Tempation. Las canciones restantes, "Wild Flowers" y "The Power of Love" siguen el sendero de la fragilidad y los tonos melancólicos a los que nos tiene acostumbrados Anneque desde hace unos cuantos años. "Ironic" es una linda versión de la canadiense Alanis Morissete, que no tiene nada que envidiarle a la original.
Gracias Anneque por tanta belleza en formato de música. (y por tu belleza también por supuesto)

Astor Piazzolla y su Orquesta "Pulsación" (2003)

astor
Piazzolla definitivamente es uno de los grandes músicos del S. XX. Después de Astor nada fue igual, ni el el Tango ni en la música popular ciudadana en la Argentina. De hecho el Tango cambió de forma tan dramática que para los nuevos oyentes de hoy, resulta imposible escuchar a los llamados "de la vieja Guardia" sin tener esa sensación de estar asistiendo a un museo con piezas viejas y corroídas por el paso del tiempo.
Esto es lo que no pasa con Don Astor. Escuchando ahora las piezas compuestas hace 40 años, pareciera que lo fueron hace escasos meses. Y eso lo sitúa a años luz de sus contemporáneos.
Lo que dejo acá es un disco que salio en el año 2003, en donde se puede escuchar versiones de Pulsación (nº1, nº2, nº4 y nº5) que aparecieran en "Tanguedia" (1993), acá en nuevas versiones-bah, nuevos arreglos en realidad.
También hay 5 temas/composiciones que estaban en la Operita "María de Buenos Aires" (escrita en colaboración con el poeta y escritor Horacio Ferrer). Entre éstas está "Fuga y Misterio", popular canción en la Argentina, utilizada por diversos programas de televisión, sobre todo de política, sobre todo en aquel en el que intervenían dos personajes nefastos, B. Neustad y Mariano Grondona-quienes apoyaban fervientemente el Golpe de Estado realizado en el país el 24 de Marzo del año 1974-
Otra gran canción es "Tangata del alba", en donde se puede apreciar esa mixtura extraña en la música de Astor entre una inabordable melancolía y una violencia contenida, que se respira en la ciudad.
De todas formas, en todas las composiciones está siempre la tensión entre la fuerza y la delicadeza, entre la tristeza y la violencia...siempre los opuestos atrayéndose y rechazándose constantemente. Y ahí es donde radica la novedad de Astor, su música no es catalogable dentro de un estilo preciso, sino que siempre está en el límite: límite también entre música "culta" o académica y música "popular". La "música límite" como la denominó Carlos Kuri en su libro.
Como siempre digo, escuchen y disfruten que vale la pena.

Dino Saluzzi Group "Juan Condori" (2006)

tango
Siempre es maravilloso escuchar la música de Dino. Siempre. Lo que pasa es que este bandoneonista nacido en la provincia de Salta, en el norte argentino, tiene una sensibilidad especial, casi mágica para transmitir diferentes tipos de sensaciones, siendo siempre el vehículo indispensable la música.
Y su producción musical viene desde hace años dando que hablar. Ya lleva 38 discos editados, posándose a veces en el Folklore, a veces en el Tango, a veces-muchas- en el Jazz...pero casi siempre fusionando todo esto en un sonido tan particular que es imposible no reconocerlo.
El disco que más me llamó la atención de el fue con el cual lo conocí, "Cite de la Musique" (1997). Acá me encuentro con algo mucho más melancólico y triste si se quiere, con una profundidad pocas veces escuchada (en este momento se me viene a la cabeza solo Piazzolla).
Todas las canciones te atrapan y te transmiten una paz abrumadora, de esas que te hacen callar. Y así se disfruta la música de este genio argentino. A un gran volumen, en un nublado atardecer, tratando de estar rodeados por algunas montañas, como para encontrar el clima adecuado. Si tuviera que elegir alguna canción no podría. Por ahí hoy diría "Memoria" o "Milongas de mis amores"...que se yo. En realidad es imposible separar las canciones del concepto del disco, y eso ya es algo para resaltar. Tal vez la semana que viene me sorprenda con "La camposanteña" (Campo Santo es el lugar de Salta donde nació Dino)...no se. Cada día que pasa, los temas van cambiando y te van llegando de diferentes maneras.
Algo que siempre me llama la atención de este músico es la "simpleza" de su arte, no pone 300 notas en 30'', sino que toca lo justo y necesario para que esas notas te lleguen al corazón y no se vayan más.
Una verdadera obra de arte llevada a cabo por la familia Saluzzi, de esas que soportan el paso del tiempo, y cuando las volvés a escuchar te sigue sorprendiendo. Escuchen la belleza hecha música, no se van a arrepentir.

9 de abril de 2009

Love Like Blood "Chronology of a Love Affair" (2001)

crnologya
Bellísimo tributo a la música Dark/Gothic desde la década del '80 hasta el 2000. O sea, 20 años de historia resumidos en 16 canciones.
Debo confesar que nunca me enganché demasiado con Love Like Blood, hasta este disco. Y no solo por las versiones, todas realmente increíbles, sino por las bandas versionadas. Repasemos.
Comienza con "Decades" de los geniales y desaparecidos Joy Division. Ahí nomás escuchás "She's in parties" de los no menos geniales Bauhaus (que a mi me gustan mucho más de hecho); "Strange days" de otra de mis bandas favoritas del estilo, The Cure, con una versión tan profunda y sentida que emociona.
Siguen las bandas clásicas del género con "Lucretia, my reflection" de los Sisters of Mercy, otra gran versión que le suma la pesadez del metal a la oscuridad gótica logrando una canción súper ganchera y pesada al mismo tiempo, junto con unas voces que se parecen bastante a las originales. De Christian Death no recuerdo en este momento sus canciones, pero la versión de "Church of no return" esta muy buena, con una sensualidad contagiosa. Y llega una de las versiones más hermosas, la de "Wasteland" de The Mission, una especie de mezcla del sonido gothic, más un aderezo de industrial que le da un toque más pesado que la original, pero que queda muy bueno. ¿Dije buenas versiones? La de "Rain" de The Cult es ¡¡¡increíble!!!. Con "April Skies" de Jesus and The Mary Chain finaliza la primera década de Gothic Rock, citando bandas que serían influencias importantes dentro de la escena del metal a partir, justamente, de 1990.
El tercer ciclo comienza en 1991, finalizando en 1995. Las bandas versionadas son Fields of the Nephilim con "Love under will", una canción de ellos mismos (Love Like Blood) "Injustice"-modestia aparte-. A continuación una de las bandas más influyentes de la historia, y el motivo por el cual la banda que escribió esta novela se llama así: Killing Joke y su "Love like Blood". Ya para entrar en bandas más cercanas al metal, tenemos una versión buenísima de Paradise Lost, "True Belief", que cierra el ciclo/capítulo.
El último llega hasta el 2000, y comienza con una rara versión de "Copycat" de los alemanes Lacrimosa, que estaba en su disco "Inferno". Rara porque es más lenta que la original, y con algunos coros y arreglos que no estaban en la versión original, pero bueno, para eso son las versiones, cada uno le aporta lo que cree conveniente.
La versión de "Black nº 1" de Type O Negative es la que menos me gusta, sobre todo porque le quitan todo el humor (negro) que el original tenía. La versión de Tiamat de "Whatever that hurts" incluida en "Wildhoney" es simplemente maravillosa. Es que semejante canción resiste cualquier formato de versión, y esta le hace honor a la oscuridad inicial, tal como lo planteó Tiamat en su disco.
Cierra el disco "The great white World" de Marylin Manson, y no hay mucho para decir, una versión simple, correcta, ganchera, pero nada más.
Si te interesa ver como suena Love Like Blood es ideal este disco. Si te gustan las canciones incluidas en este, busca las originales que te vas a sorprender con unas cuantas bandas importantes.

Tiamat "Gaia e.p." (1994)

ep
Increíble e.p. de una banda que por aquella época asombraba a cualquiera. Y más increíble si tenemos en cuenta que el disco anterior, "Wildhoney" (1994) es uno de los clásicos del Doom de la década del '90.
Todavía no se encontraban los músicos hipnotizados por la música Dark/Gothic de los '80, aunque si era una de sus influencias principales, asi que lograban justamente canciones pesadas, gancheras e hipnóticas por igual, en lugar de esos discos aburridos e insoportables posteriores a "A Deeper Kind of Slumber" (1997).
La perlita de este e.p. es la versión de "When you're in" de los dioses ingleses Pink Floyd, magistralmente ejecutado con un sentimiento un tanto más pesado y con unos teclados entre progresivos y posicodélicos que me parecen fantásticos.
Obviamente hay otra canción que se distingue y es la obra maestra "Whatever that hurts" incluída en "Wildhoney".
Háganse un favor y disfruten de este hermoso viaje de casi 25'.

Blut Aus Nord "MoRT" (2006)

muerte
Jodido y negro experimento industrial de estos franceses, que están más locos que la mierda.
Sino no se puede entender lo que logran, inclusive apartándose del Black Metal que hacían en un comienzo.
Una verdadera obra de dimensiones tan abstractas y oscuras como fantásticas. Ni se me ocurre de que van las letras, son solo ocho capítulos que lo único que nos dicen es que la realidad esta cambiando, y el resultado no es bueno.
Así, a lo largo de casi 48 tortuosos y opresivos (tan opresivos como el arte de tapa) minutos Blut Aus Nord nos muestran justamente la metamorfosis de las teorías realistas, y esta banda de sonido posmoderna se te va incrustando de apoco y dolorosamente en tu cabeza, hasta hacerte sentir todo el peso de la muerte. Que seguramente tendrá a este disco como banda de sonido para recibirte.
Oscuro y brillante al mismo tiempo.