Ghost "Opus Eponymous" (2010)

fantasma

Lee Dorian es cantante y fundador de Cathedral y dueño de un sello discográfico...y la tiene más clara que la mierda.

Cada cosa que pasa por su sello (Rise Above) se te incrusta como un proyectil de 7.62 mm en la cabeza, aunque de originalidad haya tanto como en un puré instantáneo.

Esta banda sueca no hace nada nuevo. Es más, hay tanto olor a Mercyful Fate/King Diamond que te podría espantar. Pero no. Las composiciones son simples y certeras, y tienen un clima oscuro sin ser opresivo que te lleva a sonreír al primer estribillo, que aparece rápido en "Ritual". Pero antes, hay una canción que se escuchará dentro de 20 años cuando se busque entender que pasó con la onda retro en el metal del Siglo XXI, "Con Clavi Con Dio", y esa cabalgata de bajo emulando a los viejos (buenos) tiempos del Heavy Clásico made in England (Iron Maiden a la cabeza).

Hay riffs memorables como los de "Elizabeth" o "Satan Prayer", que hacen que chequeés el año de edición del disco, porque podría haber sido a principios de los '80. Sobre todo este último tema tiene una melodía vocal impresionante. Aparte el pie se mueve de forma inconsciente, como si un mensaje subliminal te obligara bajo pena de estar muerto al segundo siguiente.

Por otro lado, el satanismo nostálgico me puede muchachos...cualquier disco que en su primer estrofa tenga la palabra Lucifer a modo de saludo o invocación merece la escucha.

Dejo la cuestión de la imagen para que la busquen en la red...no podría ser mejor, aparte de obvia.

Tal como esa voz en mi cabeza me dijo, "si no movés la patita y hacés air guitar, estás muerto".

Escuchen muertos.

P.D.: ¿Hace falta decir que es uno de los mejores discos que escuché estos últimos dos años?

Fantomas "Delirium Cordia" (2004)

Que Mike patton es un cantante del carajo, no hay ninguna duda. El tipo con su voz es capaz de hacer casi cualquier cosa, borrando los límites y el concepto de lo que uno podría entender como cantar.

La cosa es que dada su capacidad y su gusto por la experimentación misma, a veces nos deja rascándonos la cabeza por mucho tiempo.

Fantomas es (¿fue?) uno de sus proyectos más volados y experimentales del cantante, pasando por esa colección de gritos y exabruptos que representó su primer disco "Fantomas" (1999), para después darle forma a ese homenaje espectacular al cine con "The Director's Cut" (2001), ya reseñado en estas páginas.

Justamente este es el disco siguiente, y dispara la locura inyuída en el anterior a terrenos insospechados, logrando momentos íntimos, tensos, bizarros, experimentales, deformes y climáticos.

El problema es que es todo esto junto, por lo que hay pasajes que son realmente olvidables y muy, muy aburridos. Es que para seguirle el juego al gran Mike en este tipo de viajes hay que estar en un estado mental muy particular, y no siempre es posible.

Los dejo con este manojo de nervios arruinados durante la intervención quirúrgica, que lo disfruten.

Elecciones presidenciales en Argentina, 23 de Octubre de 2011

Los números son aquellos que más nos acercan a la realidad...por lo menos es lo que nos quieren hacer creer ciertos medios cada día más patéticos.

Es verdaderamente sorprendente los porcentajes con los que la actual presidente logró su reelección. Y más sorprendente todavía lo atomizada que está la oposición que no logra encontrar un rumbo siquiera medianamente creíble.  En este punto, aplausos para Binner, que bien podría ser una opción para las próximas elecciones.

Otro punto, es una tranquilidad apabullante la que se siente cuando el responsable político de la Masacre de Avellaneda haya sacado tan pocos votos...parece que estamos aprendiendo que los canallas no dejan de serlo nunca, y que justamente "...saben como hacerlo..."

Sin necesidad de escribir mucho más, dejo el postre para el final como corresponde. Lo de E. Carrió ya dejó de rozar la patología psiquiátrica, para adentrarse de lleno también en lo canallesco y gorilesco. Resulta más peligrosas incluso sus palabras totalmente antirepublicana, sancionando este proceso democrático como régimen, erigiéndose ella y sus seguidores en la resistencia al mismo. Me pregunto: ¿no fue ella una de las trabajadoras del último régimen dictatorial en su provincia? No tengo una respuesta precisa, pero creo que si.

Hay cuatro años más para profundizar aquellas cosas que se hicieron bien, y para hacer las que no se  hicieron. Sobre todo despegarse de algunos impresentables representantes de lo peor de la política.

Es raro, no soy oficialista, pero este Gobierno (y el modelo que lleva adelante desde el año 2003) hicieron mucho más que todos los gobiernos democráticos anteriores, desde el 83 hacia acá (si Raúl Alfonsín viviese, que de patadas en el culo que le daría a su pusilánime hijo).

Si, es raro...pero me puedo dar el lujo, hoy, de estar contento y tranquilo. Los buitres vendepatrias, los mercenarios (¡que diferentes a los militantes!), fueron derrotados.

Pero cuidado, porque les encanta trabajar en las sombras y atacar por la espalda, después de visitar pidiendo consejos alguna embajada "importante". Así que, hay que estar atentos, no nos olvidemos las operaciones a fines de los '80 de parte de Cavallo, Menem y todo el establishment contra Alfonso.

Por hoy, a festejar.

Charly García "Parte de la Religión" (1987)

charly

Siempre es bueno recordar a Charly. Sobre todo para los más chicos, y a modo indicativo: antes de tener el cerebro hecho un consomè de psicofármacos que lo dejan un escalón por debajo -dentro de la escala zoológica- de la babosa, el del bigote bicolor era un compositor del carajo, una máquina de hacer hits, un adelantado, y un letrista respetable, por lo menos.

Es cierto, el tiempo pasa para cualquiera, y cuando se hace evidente en pequeñas cosas intangibles e inabarcables como la música, el efecto es peor.

Yo entiendo a los muchos -aún- seguidores de Charly; por ahí no vivieron esas épocas en las que esperar un disco suyo generaba más ansiedad que nada en el mundo, porque sabíamos que venía algo que nos marcaría y nos sería difícil olvidar. Ejemplos sobran: "Como Conseguir chicas", "Piano Bar", "Filosofía barata y Zapatos de goma"...incluso siendo muy benevolente, podría incluir en una extensa lista a "La hija de la Lágrima".

Por supuesto que este que reseño también está en mi lista. Y si la memoria no me falla yo estaba en séptimo grado!!! Que disco de la puta madre, por favor!!!

Cada una de las canciones está en el lugar adecuado, cada arreglo parece hecho para pulsar alguna cuerda desconocida en nuestro organismo y provocar sensaciones desconocidas.

Como son todas descomunales, me puedo dar el lujo de elegir las que en este momento me parecen imposibles de dejar de señalar: "Adela en el Carroussel", "El carma de vivir al Sur", "Ella adivinó", y ese hermoso tema que quedó de la colaboración entre Charly y el Flaco: "Rezo por vos".

Si uno chequea el libreto interno del disco, se puede llegar a caer de culo con los músicos involucrados en el mismo: la sección rítmica a cargo de los Fernandos (Lupano en bajo y Samalea en batería) Fabián Quintiero en teclados, Fabi Cantilo en coros (sí, antes Fabi cantaba...o intentaba hacerlo correctamente), Daniel Melingo (saxo), obviamente Charly en teclados, guitarras, efectos, programación, etc. (producción también). Entre los invitados encontramos a David Lebón (los solos de "Adela..." y "Buscando un símbolo de paz") y a Os Paralamas (de Brasil) en "Rap de las Hormigas).

Un disco herrmoso, único, inolvidable...como ninguno de los que editó después del año 93.

The Doors "The Doors" (1967)

30 años antes que los últimos tres discos reseñados, Jim Morrison, Robby Krieger, Ray Manzarek y John Densmore editaban su impresionante debut autotitulado.

Todavía hoy suena impresionante, con tanta agua que ha pasado debajo del puente del Rock. Pero no solo hay Rock en este disco (ni en los otros de la banda): encontramos fácilmente Blues, mucha psicodelia, Jazz y música clásica, dando forma y acompañando las oscuras poesías del gran Morrison.

Si bien de acá salieron infindad de clásicos (todo el mundo incluye "Light my fire"), nunca me pude sacar de la cabeza la cadencia y el tono sureño de "Alabama Song" o "Back Door Man", con esos gritos cargados de sexualidad que tanto asustaban a los blanquitos por aquel entonces.

El comiezno del disco no podría haber sido mejor, con ese temazo titulado "Break on Through", como un claro índice de que con esta banda no se jode. Sobre todo teniendo en cuenta la calidad de sus músicos: la columna vertebral en donde se apoyan las oscuras, so(m)brías poesías de Morrison (enterrado en París, creo, como poeta, no como músico) era el teclado de Manzarek, y el que le dio el sonido distintivo al cuarteto.

Así como arranca de forma acelerada y rockera, el disco termina con ese opus dramático, oscuro y descomunal de 11 minutos, que contrasta con todas las canciones del disco, y porta una sobriedad y una tensión que nunca pudieron volver a capturar, por lo menos en estudio. La canción en cuestión se titula justamente "The End", y en ella se demuestra todas las sutilezas de las que fueron capaces como banda, y de los límites a los que podía llegar ese instrumento privilegiado que eran las cuerdas vocales de Jim.

Lamentablemente, 4 años después moría en París...pero nos dejó discos como éste, que 30 años después sigue sonando tan actual como imprescindible.

Les dejo el boleto para que se suban a este tremendo viaje psicodélico. No lo pierdan.

Sigh "Hail Horror Hail" (1997)

Seguimos con los "raritos" del año 1997. Casi sin darme cuenta los últimos tres posteos son de discos editados en ese año. Y todos distintos entre si.

Estos japoneses vienen dentro de la escena extrema desde el año 1990, cuando se carteaban e intercambiaban demos con Euronymous de los noruegos Mayhem.

Siempre tuvieron un sonido propio y un abordaje lírico distinto de las demás bandas de la escena, algo que comparten con otros artistas japoneses.

Este es el tercer disco de Sigh, y donde arranca el cambio radical en su sonido, metiendo más melodías y colchones de teclados que antes, y estructuras propias del Heavy clásico -indispensables al momento de pensar y escuchar sus producciones posteriores- que paradójicamente transmiten una tensa calma: escuchen el final de "Invitation to die" o "Pathetic"; también pueden escuchar cuan cinematográfico pueden sonar si le prestan atención a "Seed of Eternity", que como muestras son más que suficientes de las capacidades compositivas de este trío (actualmente devenido quinteto): Kawashima (voces, programaciones, teclados y bajo); Ishikawa (guitarras) y Fujinami (batería y percusión).

Es impresionante como al rebajar la velocidad, las canciones se tornan más pesadas y con infinitos matices, realzando cada tema como una entidad distinta  e identificable por si misma.

Un disco verdaderamente sorprendente, de manos de una de las bandas míticas del Black contemporáneo, y con un sonido que no se deja incluir en las vertientes escandinavas, lo cual es muchísimo.

Angizia "Die Kemenaten scharlachroter Lichter" (1997)

En el mismo año que debutaba Solefald, Angizia, luego de un demo y un split (1994/1996, respectivamente) sacaban esta obra igualmente difícil de encasillar. Y eso, dentro del ámbito del metal siempre es bueno, por lo menos para generar una incomodidad que permita escuchar la música sin tantos rótulos y libre de categorías un tanto pelotudas (el "metal argento", por ejemplo).

Lo que acá tenemos es una mezcla cruda si se quiere entre géneros totalmente disímiles, pero que logran atrapar al oyente...con el tiempo.

Y es cierto. Hay que dejar pasar unas cuantas oídas antes de empezar a disfrutar, por eso de la incomodidad de la mixtura entre metal extremo (toques doom, gritos black, entre otras cosas) y música clásica, con varias voces operísticas tanto femeninas como masculinas, e instrumentos propios del género, que le dan un aspecto teatral a la música que en esa época pocas agrupaciones poseían.

La rusticidad también es interesante, y ayuda para despegarlos de bandas que suelen mezclar estos dos polos como Haggard, por ejemplo.

Con el correr de los años, la banda adquirirá un toque más cinematográfico y visual en sus composiciones, dejando de lado esta rusticidad en pos de una escucha más fácil, pero este fue el primer paso, y como nostálgico decidido, hay que volver siempre a ese origen para poder disfrutar de la actualidad y no encontrarla tan sosa o aburrida (miren Morbid Angel si no).

Escuchen.

Solefald "The Linear Scaffold" (1997)

solef

Hace mucho que no posteo algo, y pensé seriamente cual disco sería el elegido, después del bodrio de Morbid Angel del que todavía me estoy arrepintiendo (igual lo etiqueté como basura así que es un pequeño consuelo).

Entre todos los discos pendientes que me propongo postear, casi por azar agarré este, el primer esfuerzo de los noruegos experimentales por excelencia.

Todavía recuerdo la impresión que me causó escucharlos por primera vez, creo que con ese pedazo de metal neoimpresionista y casi juglaresco de "Neonism".

Este disco no es más fácil de escuchar que aquel, muy por el contrario, al estar más del lado del Black Metal (todavía), se volvía difícil relacionarlo con alguna vertiente dentro del estilo. Recordemos que ya´estaba Emperor, Arcturus, Mayhem, Cradle of Filth...Immortal, todas bandas únicas y pioneras dentro del espectro más técnico y extremo del metal.

Este dúo llevaba su locura a lugares que ninguna banda había explorado hasta el momento, y lo más distintivo, aparte de los retorcidos riffs jugando enfermizamente con los teclados, eran las voces puestas en juego a lo largo de la placa, que le dan un toque caótico y vanguardista que se acentuaría en discos posteriores.

Otro aspecto también destacable es la extraña coloración psicódélica que atraviesa cada una de las canciones, lo que también se acentuará en producciones posteriores, llegando al pináculo en "In Harmonia Universali" (2003).

Disfruten este disco, y comenten, que no cuesta nada y nos ayuda a seguir teniendo ganas de escribir.

Virus "Superficies de Placer" (1987)

cola

Para sacarme la mufa del horrendo post anterior no me quedaba más que volver al viejo y querido....¿jazz?. No. Pop argentino de la década del '80.

Y una de las bandas insignias del movimiento, con discos impresionantes en su haber, entre los que se cuentan los dos primeros ("Wadu-Wadu" -1981- y "Recrudece" -1982)...y esta maravilla, para mi el último gran disco de la banda, de la mano de su cantante y líder Federico Moura, fallecido el 21/12/88, casi un año exacto después de la muerte de Luca, líder de otro emblema de los '80, Sumo.

Si bien el género dentro del cual se movían era el pop, destilaban una intensidad e ironía que pocos poseían. En este disco se palpa una oscuridad subyacente y un sonido profundo y grave, que incluso se reflejó en las sesiones de grabación, que duraron más de lo previsto por una enfermedad respiratoria que aquejaba al cantante, quien poco tiempo después fue diagnosticado como portador del H.I.V., del que no se conocía practicamente nada en esos años.

Un disco oscuro e hipnótico, con canciones inolvidables como la que dan título al album, o como "Transeúnte sin identidad". Pero son solo elecciones momentáneas, porque con las escuchas repetidas, se torna difícil tomar esto como un todo consistente y sumamente disfrutable.

Así que disfruten.

Morbid Angel "Illud Divinum Insanus" (2011)

puroasco

Fueron muchos años de espera.

Primero, desde el "Domination" (1995) que no estaba el vocalista y bajista David Vincent. Ese disco fue un punto de inflexión en la historia de la banda, que nunca volvió a sonar tan maquiavélica, malvada, oscura y precisa al mismo tiempo.

También pasaron 8 años desde su último esfuerzo en estudio, con el flojísimo "Heretic" (2003) como índice de algún tipo de agotamiento creativo.

Entonces, recurrir a su antiguo frontman era un recurso que a todos los seguidores de los muchachos de Florida nos había hecho ilusionar. Y hablo en pasado, porque el presente es tan patético que sorprende.

Este año 2011 podría ser recordado por los geniales lanzamientos de Primordial, o de Massacre (a nivel nacional), o de ese bello compilado de Anathema...ni hablar de lo último de My Dying Bride (por nombrar algunos habitués del blog)...pero no, va a ser recordado por el retorno más desesperanzador -en el peor sentido del término- y patético del Death Metal.

La formación para este disco además de Vincent (de pobrísima perfomance), consta de su líder y principal compositor, el guitarrista Trey Azagthoth, acompañado por Destructhor también en guitarras y Tim Yeung en batería, con un sonido maquinal espantoso en su instrumento que no hace sino desconcertar más al oyente. Si hubiese estado esa máquina de asesinar parches llamada Pete Sandoval, creo que se hubiese cagado a trompadas antes de que le metan esos sonidos de máquina de coser en el disco.

No es que no me guste la experimentación. De hecho quien siga el blog, se habrá dado cuenta hace rato que no soy un heavy cabeza de tarro, sino que disfruto de muchos estilos y géneros. Lo que no entiendo es como la banda que sacó muchos de los mejores discos del género, incluyendo experimentaciones que no eran lo esperable para la época, hoy no lleguen siquiera a ser una parodia de lo que fueron.

Un verdadero bodrio metalero de uno de los pioneros del Metal de la Muerte...y uno de los peores discos que me tocó escuchar en muchísimos años.

Esperando que vuelvan los días de gloria, me voy a escuchar otra cosa para sacarme de mis oídos la sensación de asco y vergüenza ajena.

Morphine "Like Swimming" (1997)

nadando

Estaba por comentar uno de los mejores discos de Pop argentino de todos los tiempos, pero navegando por la web me entero que aparentemente esta banda se habría reformado, sin su fallecido líder por supuesto.

No se que creer la verdad, pero si encima la noticia viene acompañada con la probabilidad de que en el mes de Noviembre estén en tierras tucumanas, mi incredulidad se confirma y se dispara hacia otro mundo.

¿Será posible? Una banda de este calibre a menos de media hora de mi casa, ya sea en colectivo o taxi?

Ojalá.

Aunque será difícil pasar por alto la ausencia del maravilloso Mark Sandman, bajista, productor y vocalista de esta banda única.

En este caso voy a dejar el que a mi humilde criterio es el más flojo de todos los discos. No quiero que me malinterpreten, lo que pasa es que frente a sus otros lanzamientos, tanto este como "The Night" tienen muy poco que hacer.

El sonido es al que nos tenían acostumbrados, con ese bajo slide de dos cuerdas bien gordo y repleto de groove y melancolía, acompañados por los sonidos mágicos de Dana Colley en el saxofón, y los precisos y austeros golpes de Billy Conway.

Ahora me pregunto, ¿que irá a pasar con Twinemen, aquella banda formada de las cenizas de esta?

Me fijo y les aviso.

Escuchen y comenten, no sean vagos.

John Coltrane "Stellar Regions" (1967)

genial

Otro de los genios que brindó al mundo su arte durante esa década casi perfecta del '60.

Hay varios post de este saxofonista único, y llevo mucho tiempo pensando acerca de este disco, el último que grabó antes de morir (5 meses antes de hecho), y en donde está metido de lleno en la experimentación y los sonidos frenéticos y por momentos caóticos del Free.

El disco arranca tranqui, pero con el correr de los minutos se va poniendo cada vez más intenso, y el va dejando caer notas más desesperadas y disonantes sobre sus compañeros de ruta, que son una verdadera aplanadora. El cuarteto: Coltrane (sólo saxo tenor en esta ocasión); Rashied Ali (en batería); Alice Coltrane (piano); Jimmy Garrison (contrabajo). Son cuatro, pero parecen 80. Pura consistencia para generar tanta adrenalina, que algún metalero podría salir sorprendido de tanta intensidad y virulencia.

Esa sensación que se deja oir en casi todos los discos de Trane, la perfecta conjunción y entendimiento entre los músicos aquí queda en evidencia, con batallas campales para ver quien sigue a quien en un esfuerzo casi sobrehumano de destreza y pasión...y los únicos beneficiados en esta loca carrera somos nosotros, quienes nos acercamos cautos, tal vez desconfiados, para salir con la peluca dada vuelta ante semejante viaje por esa montaña rusa mental.

Ante cualquier duda, una llamadita al psiquiatra amigo no está de más.

Sino, a viajar muchachos...

Ornette Coleman "Science Fiction" (1971)

pffffff

Once años antes había dado al mundo ese experimento mayúsculo llamado simplemente "Free Jazz", de la mano de un doble cuarteto.

Aparentemente durante el transcurrir de esa década, no fue muy considerado por la prensa especializada, que mucha bola no le dio. Digo aparentemente porque no soy un conocedor de la extensa obra de este innovador del Jazz.

Sí conozco algunos de sus discos, y este me parece espectacular. Al igual que aquel de 1960, no es fácil de digerir si uno está acostumbrado a sonidos más calmos, o cool, o suaves o como quieran llamarles.

La música de Coleman desafía siempre a aquel que se acerca desprevenido, pero la sorpresa es directamente proporcional a las emociones desconocidas que dispara.

Los dejo en buenas manos...escuchen.

Charles Mingus "Mingus, Mingus, Mingus, Mingus, Mingus" (1963)

mingu

Este tipo no puede dejar de sorprender nunca con lo que hace en cada disco.

Me pongo a revisar algunas notas anteriores y un par de libros, aparte de la bendita web (un invento del Príncipe de las Tinieblas, según el genial Alberto Laiseca), y no puedo creer que en el mismo año haya sacado esa maravilla titulada "The Black Saint and the Sinner Lady", (ya reseñada en nuestro blog) y este intenso e inolvidable disco.

Arrancando con esas pulsaciones en su querido instrumento en "II B.S." que nos lleva rápidamente con un swing tremendo a algún bodegón de esos circuitos exclusivamente para la música negra donde se cocinaba el jazz del bueno -aunque Mingus y varios más ya giraban por Europa en aquellos años-.

La sutileza de la que era capaz este negro cabrón y malumorado (según varias notas) queda demostrada en composiciones como "I X Love", que puede ser acompañado con una buena copa de vino (o licor, o whisky, o lo que se les cante) y un buen tabaco, todo a media luz.

También está el "temita" nuevo del disco en "Celia", en donde la sección rítmica se luce en compañía de ese monstruo del saxo Eric Dolphy.

Mingus se luce en esa versión del Duke acompañado por pinceladas hermosas y melancólicas de metales y piano, para arribar a la alegría descontrolada de "Better Get it in Yo' Soul" y "Hora Decubitus", que termina a toda locura.

El final es como un hermoso recuerdo de su infancia, esa en la que fue inundado de música de iglesia, más precisamente Gospel, con "Freedom", donde da cátedra sobre raíces tribales africanas y todo.

Y eso es lo que te da Mingus: libertad, sobre todo para disfrutar de la música.

Un disco descomunal y hermoso, para escuchar a toda hora.

Astor Piazzolla "57 minutos con la realidad" (1996)

astor

Siempre cambiando de rumbo, de acuerdo a las ganas que tenga de ir escuchando algunas cosillas olvidadas.

Y cuando uno llega cansado del laburo, siempre recurre a lo seguro. El Maestro es al que apelo más seguido para esto de bajar las revoluciones y respirar tranquilo.

Y este disco es simplemente espectacular. Todavía no me puedo sacar de encima la melancolía que derrama dulce o agresivamente ese extraño instrumento llamado bandoneón. Y fue Astor el primero que escuché.

Y fue su quinteto (en alguna de sus encarnaciones, no se cual, tal vez en donde estaba Pablo Ziegler) el que más intenso y monolítico sonaba. Bueno, suena, los discos siguen estando, de hecho.

En este caso no estamos frente al quinteto, sino a la última formación antes de que Don Astor muriera, un sexteto, con dos bandoneones. Y suena mucho más oscuro que el quinteto, y por momentos más violento.

Muestra: escuchen detenidamente la composición que abre la placa, "Imágenes".

También hay versiones de temas del Quinteto, como "Mumuki", o el clásico "Adios Nonino", que adquieren más profundidad todavía.

El tema nuevo que disfrutamos aquí es "Sexteto", ya que los otros son ejecuciones en vivo de composiciones anteriores.

Los músicos que deslumbran aparte de Astor, son Gandini en piano, Binelli en bandoneón, Horacio Malvicino en guitarra eléctrica (aquel del octeto), Bragato en cello, Console en contrabajo. También aparecen Ridolfi (contrabajo en "Buenos Aires Hora Cero"), González en contrabajo ("Imágenes" y "Milonga para Tres") y Nozzi en cello ("Imágenes", "Buenos Aires Hora Cero", "Milonga para Tres" y "Pasajes Obscuras Dos Estrellas").

Una grabación indispensable, sobre todo para escuchar como sonaba esta agrupación que no llegó a grabar en estudio.

Pero que importa, si sigue siendo tan genial y sorprendente como si lo hubiesen editado hoy.

Anorexia Nervosa"Sodomizing the Archangel" e.p. (1999)

No es la gran cosa la verdad esta pequeñez, pero funciona perfectamente como entremés para degustar platos muchísimo más sofisticados de estos franceses, nacidos allá por el año 1995.

Este breve e.p. es como si estuviesen buscando torpemente el nicho donde esconderse y procrear, dar a luz violentamente un Black Metal que suene tan pomposo como agresivo y caótico.

Un par de años después nos volarían la cabeza con una propuesta mucho más refinada, y todavía más violenta y melódica.

Dentro de esta rama del Black, fue una de las bandas más interesantes de Europa, mientras Cradle of Filth comenzaba a naufragar en mares sobrecargados de histeria vampírica para adolescentes.

Sírvanse, y comenten.

Elend "Winds Devouring Men" (2003)

vientos

Definitivamente la obra más difícil de estos franceses.

Hago memoria, y me invaden las horribles sensaciones e infernales alucinaciones encriptadas en esa primera trilogía del Officium Tenebrarum, finalizada allá por el año 1998, de la mano de "The Umbersun", tal vez una de las condensaciones más tremenda de Angustia que recuerdo haber experimentado en la música.

Un largo e incomprensible llamado al silencio de 5 años, para dar inicio a una nueva trilogía titulada Winds Cycle.

Justamente este disco es el que la inicia, y se percibe que si bien las voces y climas opresivos son los que predominan, el foco es muchísimo más moderno que en aquella sacra y violenta, luciferina revolución.

Los ritmos e influencias, como decía en otra reseña, los climas...están más ligados a la música marcial e industrial, con toques noise que meten cagazo de a poco.

De todas formas, y al igual que sus anteriores discos, es tan adictiva la desesperanza y el malestar que genera este proyecto, que con el paso del tiempo, se vuelve tan indispensable como los lanzamientos de la primera trilogía.

Disfruten, que con este post cierro la discografía completa (hasta el momento) de Elend.

Elend "Weeping Nights" (1997)

noches

Pfffff.....Elend. Cada vez que escucho algún disco de estos tipos aparezco en otra época y edad. En una en la que la música importa casi tanto como la propia vida, y ni hablar de lo que aquella genera.

Todo el clasisismo a los que nos tiene acostumbrados se enriquecen con marcados toques barrocos y sacros, realzando la oscuridad propia de sus composiciones.

Esta joyita tiene la particularidad de que solo los primeros 4 temas son nuevos, mientras que los restantes son remezclas de composiciones ya aparecidas en ese disco único llamado "Les Ténèbres du Dehors" (1996), pero sin las voces podridas, tal vez el distintivo extremo entre lo clásico de la obra.

A primera oída uno podría decir que se extraña en esas canciones la agresiva y cáustica violencia de los diversos matices vocales. Pero luego de un par de escuchas, surgen pinceladas acaso más negras y sutiles, tornándose perturbadoramente bellas esas canciones que antes servían para auyentar visitas molestas, o sumirse en las profundidades de nuestras miserias, disfrutando el viaje. Incluso las voces femeninas alcanzan un grado de belleza angelical tan suprema... que te puede llegar a faltar la respiración.

Los 4 primeros temas son los que llevan el peso barroco a cuestas, con un tono dramático que no es ajeno a la banda, pero con una extraña calma. Dos de esas composiciones están inspiradas (ya sea la letra o una libre interpretación) en composiciones de un músico inglés barroco de gran renombre, Henry Purcell.

El amor, la devoción por lo clásico se ve plasmada en la portada del disco, cuyo original se creyó durante años que pertenecía al pintor holandés Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669), uno de los mayores pintores del barroco justamente. Años después se descubrió que en realidad era un seguidor del mismo, que habría imitando el estilo temprano del reconocido artista.

Disfruten de esta verdadera obra maestra, antes de que el Regaeton nos vuelva sordos e idiotas.

Agalloch "Marrow of the spirit" (2010)

friiiooo

La verdad que como novedad llega un poco tarde el post, ya que este hermoso disco salió a la luz a fines del mes de Noviembre de 2010. Y todavía no me canso de escucharlo, como si hubiese salido hace 2 horas.

Todo lo expuesto en sus discos anteriores está mejorado exponencialmente en este: el Black es más cáustico, el Neofolk es más hipnótico y cálido que nunca, y esas pinceladas progresivas, menos evidentes, son paradójicamente más certeras.

Los mismos responsables de siempre en este frío pero bello viaje: John Haughm (Voces, Guitarras); Don Anderson (Guitarras, Piano); Jason William Walton (Bajo) y el nuevito Aesop Dekker (batería).

Son pocas las veces que un disco puede ser tan helado como reconfortante para el alma, y ésta es una de esas.

Disfruten y comenten que no cuesta nada. Y es el único precio que tendrían que pagar.

P.D.: esta obra maestra salió elegida entre los 10 mejores discos del año pasado en el importante portal Metal Storm (puesto nº2).

The Beatles "Let it Be" (1970)

dejalo

¿Que se puede decir de los Fabulosos Cuatro que no se haya escrito mil veces?

El final de la banda ya había ocurrido, pero tenían un último abrazo antes de dejarnos, el último beso y nos vamos...el último trago y nos vamos.

Y nos dejaron pavada de disco. Nos vamos a encontrar con Folk, Pop, Rock, Blues y psicodelia en formato de canciones, todas ellas definitivamente clásicas e inmortales: "Dig a Pony", por ejemplo...claro, si me pongo a elegir resultaría estúpido dejar fuera a joyas del calibre de "Across the Universe" o "Let it Be", que aún hoy me emocionan como si recién las escuchara por primera vez.

Con un tratamiento en las grabaciones diferente a sus otros discos (según los entendidos por supuesto) y una mezcla que años después sería cambiada, este disco ya estaba grabado antes incluso que "Abbey Road", y para cuando salió a luz, The Beatles-sus integrantes- ya no se podían ni ver.

Pero cerraron una carrera única, que cambió para siempre la forma en la que se entendía la música popular.

Una verdadera obra de arte, por más que muchos se enojen.

Descanso Eterno "Atisbos de Ayer" (2004)-Demo-

demo

Para despuntar el vicio, voy a dejar este demo de otra banda salteña (norte de Argentina) que es increíble, y a la cual tuve la suerte de ver en vivo en un teatro hace unos años, cuando eran un trio de batería, guitarra y bajo.

La impresión que me causaron esa noche, creo que acompañando a Etnogónica, ni se acerca a lo que logran en este esfuerzo tan oscuro como climático e hipnótico, el primero de sus 3 demos.

No se me ocurren muchas referencias para poder guiarlos hacia ellos. Se me ocurre unos Tool con más depresivos en sangre, más melancólicos...pero no se si estoy en lo cierto la verdad.

Lo que seguro va a pasar cuando escuchen es que se van a sorprender por lo consistente que suenan estos 11 temas.

Actualmente, por lo que pude ver en la red hay una violinista desde el año 2009. En este demo, los integrantes eran Juan Silva (en batería y segunda voz); Emilio Lombardo (guitarra), y Rubén Minola (en bajo y voz).

¿Parecen pocos instrumentos, no? Escuchen los recursos que tienen.

Vondur "Striðsyfirlýsing" (1996)

caca

Lejos, lejísimo, el peor disco de Black Metal que tuve la desgracia de escuchar...en el caso de que esto se llamara Black Metal.

Perteneciendo a la movida sueca, de donde salieron algunas de las grandes bandas del estilo -Bathory, u Ophthalamia, por ejemplo- no entiendo como alguien puede haber permitido que esto llegue a ser editado. Más difícil de entender se hace si dentro de este proyecto encontramos a dos de los integrantes de Ophthalamia, largamente superiores a este bodrio inescuchable.

Encima ni sentido del humor tienen, poniendo esa tapa ridícula honrando a Darth Vader, que no entiendo que carajo tiene que ver con la aparente oscuridad sifonera que predican estos dos inútiles.

Para que se imaginen, Horna y Burzum, podrían ser los Pink Floyd del estilo al lado de esta porquería. Ninguno de los lanzamientos de este proyecto infame puede ser catalogado de música...y sus integrantes de músicos.

Pero entonces...¿por qué lo posteo? Porque yo sí tengo sentido del humor, y de sobra...porque hay que tenerlo para escuchar esto de un solo tirón y no amargarse en el esfuerzo.

Me olvidaba: el título, en islandés, significaría "Declaración de Guerra". Una guerra al cerebro, a los sentidos, al buen gusto y al mundo de la música.

Atrox "Contentum" (2000)

locura

La verdad que llevo mucho tiempo sin postear algo, y como para romper la mala racha voy a dejar una banda que empezó por caminos más tradicionales, y rápidamente encontraron un nicho tan difícil de explorar que allí se quedaron. Y los resultados no podrían ser mejores.

Atrox provienen de Noruega, una de las sucias y heladas zanjas donde Lucifer escupió su odio anticristiano bajo la forma de Black Metal. Pero ellos (Atrox) no pertenecen al estilo...nunca lo hicieron. Con sus primeros demos y el debut se los podía ubicar en el Doom/Death más melódico.

Pero ahí nomás sacaron este disco asociado a lo más volado de The 3rd and the Mortal (otra joyita noruega), con una cantante más loca todavía que Ann-Marie Edvarsen (de aquella), y pariente seguro, llamada Monika.

Gran parte del clima circense y jazzero logrado en este disco proviene de sus intervenciones. Las que sumadas a sutiles pulsaciones le dan un clima onírico a un disco que no llega a mostrar todo el potencial del que son capaces.

Adelante, escuchen algo distinto, y disfruten del frío, que parece que volvió para quedarse.

Anneke van Giersbergen & Danny Cavanagh "In Parallel" (2009)

Con la calentura que porto, la amargura por un viaje que de no ser por mis amigos, habría naufragado en la más absoluta intrascendencia (y pérdida monetaria), necesito relajarme, buscar la calma para no seguir dándome manija.

Decidí que lo mejor que podía hacer era escuchar algo tranqui, nada de metal...y puse este disco.

El comfort, la calidez y el relax fueron instantáneos, créanme.

Y no podía ser de otra forma, si por tus oídos entra la voz de Anneke y la de Danny Cavanagh acompañados por algunos sutiles arreglos semiacústicos, haciendo temas de Anathema, Agua de Annique, The Gathering y un hermoso cover de Massive Attack.

¿Para que seguir escribiendo, si esto se disfruta en silencio?

Boris with Merzbow "Klatter" (2011)

dronse

Y si, otra de mis debilidades. Los inclasificables Boris, esta vez en compañía de uno de los iconos del Noise oriental, Merzbow.

Cabe aclarar que no es la primera colaboración entre ellos, ya desde el 2002, con "Megatone", un experimento Drone denso y corrosivo como pocos.

Me esperaba la verdad en esta oportunidad, algo tremendamente insoportable, dado la aventura Pop psicodélico-electrónica de "New Album"...y me volvieron a cerrar la boca de la mejor forma, tal vez la única que el trío conozca, con música, y de la mejor.

Desde un stoner repleto de saturación noise (gracias Merzbow, por la magia...negra), hasta acordes y riffs más cercanos al Drone que los viera nacer hace tantos años, pasando por un tamiz psicodélico y mala onda como pocos. Me olvidaba, también hay algún dejo de Blues deforme y horrendo.

"Klatter" sería el reverso perfecto de "New Album", y las sensaciones son siempre inmensas y prontas a inundar tu cerebro.

Es por discos como este (entre la extensísima discografía del grupo), que Boris es una experiencia sonora única, intransmisible, tan bella como horrorosas son las imágenes contradictorias que dispara.

A oscuras, y lo más fuerte posible, surte efectos cuasi-alucinógenos.

The Gathering "Nightime Birds" (1997)

arbol

No falta mucho para que llegue Anathema a Argentina (en realidad, a Buenos Aires, como si eso solo fuese el país-una lástima la verdad). Y viene acompañada por la única y maravillosa Anneke, quien actualmente tiene su banda Agua de Annique, ya reseñada en estas páginas.

Luego del experimental y clásico "Mandylion" (1995), bucearon un poco más en las aristas Pop y progresivas que se dejaban escuchar allí, y tras lanzar algún single  y/o e.p., parieron este hermoso disco, repleto igualmente de clásicos imperecederos.

Ya Radiohead empezaba a meter la cola en los holandeses, sino escuchen "The May Song", y me cuentan.

Y Anneke ya dejaba de ser una revelación para estar en el firmamento como una estrella más, y de esas más relucientes y hermosas.

No voy a decir más nada, solo escuchen y disfruten, que con el frío que hace no pueden dejar de combinarlo con la calidez holandesa.

P.H.O.B.O.S. "Tectonics" (2005)

PLACAS

Estuve en cama por tres días seguidos, sintiéndome bastante mal como hace bastante no me sentía.

Casi ni ganas de escuchar música tenía gracias a mi estado corporal/mental y el desgano generalizado que me había inundado.

Pero siempre hay cosas peores. Miren Japón, por ejemplo.

O estos franceses locos de mierda que se les ocurrió grabar este disco para descomprimir su aletargado cerebro de la hidrocefalia que lo consumía y ahogaba.

Las influencias según ellos son bandas como Neurosis (pero con mucho más paco encima), Voivod y Godflesh, más otras cosas seguramente teñidas del negro más impenetrable.

Recuerdo que cuando los escuché por primera vez me parecieron más dañinos y agresivos que un trago de ácido muriático.

Pero ahora, años después, y en el patético estado en el que me encuentro rectifico: hay que estar en un estado de alegría permanente, casi bordeando la imbecilidad clínica, para buscar como antídoto de emergencia estos pedazos de magma incandecente y tirarlos sin previo aviso dentro de tu cabeza.

Cuando vuelvas a tu estado natural, odies un poco más al mundo y detestes la estupidez humana...entonces escondé este disco para otro caso de emergencia subjetiva.

Hasta tanto, no lo toques de nuevo, puede producir un aburrido acostumbramiento.

Boris "New Album" (2011)

japop

Rarísimo si se fijan en las etiquetas la cantidad de referencias que hay para aludir a uno de los nuevos hijos de estos japoneses únicos.

Parece mentira también que no haya confusión tampoco en esas diversas referencias. Recordemos que este trío se despachó con varios de los mejores discos dentro del Drone (la colaboración con Sunn O))), "Altar" es memorable); aunque también metió sus sucias garras en el Stoner Rock más colgado, por ejemplo con "Boris At Last-Feedbaker" (2003), con uno de los mejores solos que recuerde de los últimos años.

Pero se ve que a ellos les gusta viajar tanto como a nosotros los que los escuchamos, porque de sobresaturar hasta casi desconar tus parlantes, pueden pasar a esa obra maestra psicodélica con Michio Kurihara, llamada "Rainbow", que es sencillamente conmovedora.

Para esta ocasión, y como vienen haciendo desde hace 4 o 5 años, arrancaron el 2011 con una nueva colaboración con el rey del noise japonés, Merzbow, y menos de un mes después apareció con algo radicalmente diferente, y un título complicadísimo.

Y no podría haber salido mejor la jugada, porque este "nuevo albim" tiene una dosis de J-pop que hace imposible que puedas despegar de tu mente las melodías dulces e infantiles -pero no por eso menos efectivas-de las canciones...que también tienen unas mágicas pinceladas de sutil música electrónica.

Encima pareciera que se dedican a este género desde siempre, nada suena forzado, y por momentos, es necesario volver al pasado para ubicarse...y si..¡¡¡son los Boris!!!

¿Que pasa cuando a unos rockeros stoners droners quemados de la cabeza se les mete por los poros la música de la infinidad de animés que están dando vueltas por el mundo?

Pasa que aparecen temas como los que están en este hermoso disco, uno de los mejores de la primera mitad del año.

No se lo pierdan porque se van a arrepentir.

Neil Young "Le Noise" (2010)

noise

Y si hablamos de música hipnótica y única no podemos dejar de escuchar la última joya parida por esta leyenda mundial, que creo conocida por todos.

Para los despistados, este tipo (canadiense, para más datos), ya formaba parte de los Folk-Rockers Buffalo Springfield, en los '60. Pero no se quedó hay, porque fundó ese hito en la historia de la música, llamado Crazy Horse; y por si eso fuera poco integro Crosby, Still, Nash & Young. Todos, todos proyectos/bandas recomendables y obligatorias para entender la música de mediados del Siglo pasado.

Pero lo que aquí les traigo es el último esfuerzo de este guitarrista, en donde lo encontramos acompañado por...su guitarra y su amplificador...en una iglesia ¡Y nada más!

No se pueden imaginar lo que logra este tipo solo con eso, y con su voz, sin dejar de lado un carisma descomunal.

Suena todo tan real, y tan honesto y despojado, que es difícil sacarse las melodías que van emergiendo de esta combinación minimalista y sutil, y cargada de sentimiento por supuesto.

Si me tuvuese que poner a resaltar alguna canción por sobre las otras sería profundamente injusto. Mientras escribo esto no me puedo alejar de la furia paradójica de la canción de amor inicial, "Walk with Me", aunque tampoco de ese ejercicio melancólico y Folk titulado "Love and War".

Y por capricho nada más otra pequeña muestra de agresividad musical sorprendente en "Angry World", con una distorsión bien grave, garage casi.

Otro lugar reconfortante para recostarse es ese Folk sureño llamado "Peaceful Vally Boulevard", tan hipnótico como las voces regaladas por el mítico Neil.

El clima que respira el disco es sublime, y se siente cierto misticismo imposible de metabolizar y pasar por alto.

Simplemente, uno de los mejores discos de los últimos años.

Earth "Angels of Darkness, Demons of Lights I" (2011)

angelito

Tal vez alguien me pueda explicar que pasa por la cabeza de un músico que varía tanto su propuesta en tan pocos años, logrando la misma intensidad e hipnotismo con tan distintos sonidos.

Earth comenzó con eso de la música abrasiva y sin sentido allá por el año 1990, con una seria de demos, seguidos por varios discos bien extremos, llenos de acoples y distorsión, superponiendo capaz de saturación tras capas de saturación, y logrando unas texturas tan insoportablemente ásperas y abrasivas, que se volvía muy difícil escuchar un disco entero individualizando las composiciones, que pasaban a ser meras ondas de "ruido".

Pero eso cambió, y de a poco empezó a aparecer una belleza inusitada en sus relajadas composiciones, mixturadas ahora con altas cuotas de Rock y Stoner (otra forma más cool de llamar a este estilo), hasta que Dylan Carlson decidió mostrar su admiración por compositores clásicos, de esos que musicalizaban aquellas películas Westerns llenas de climas desérticos y atardeceres áridos...Morricone, por ejemplo.

Así, apareció ese hermoso e.p. titulado "Hibernaculum" (2007), que ya reseñamos, y donde sorprendían con climas que invitaban a un viaje por las alucinógenas tierras de Castaneda, pasando a esa otra obra fundamental del año siguiente, "The Bees made Honey in the Lion's Skull" (2008), donde ya era evidente el abandono por los tonos cáusticos, para encontrar superficies...no se si más coloridas, más agradables, pero seguro que más hipnóticas y muchísimo menos abrasivas y dolorosas.

Ese es el más reciente camino a través del cual llegaron a este descomunal disco, creo que aunque pronto para aseverarlo, uno de los mejores del año, y uno de los mejores de su extensa discografía.

Dylan Carlson y cía. volvieron a demostrar que a veces (la mayoría) meter 500000 notas en 10 segundos es tan al pedo como poco efectivo (Malmsteen y Timmo Tolki, la tienen recontra adentro giles).

¿Puede un disco ser relajado y pesado, oscuro y luminoso, todo al mismo tiempo? Suena contradictorio, pero con Earth todo es posible. Un verdadero y refrescante oasis, entre tanta basura dando vuelta.

No hace falta fumar nada ilegal para viajar con este disco, la música cumple la cuota adictiva necesaria para acompañarnos a ese cálido lugar habitado por extraños demonios de luz.

Basta de palabras, una obra maestra.

Astor Piazzolla and Gerry Mulligan "Summit" (1974)

El 11 de Marzo de este año se conmemoró el 90 natalicio del genial Maestro Astor Piazzolla, y para festejarlo, y sin muchas palabras, me gustaría compartir este hermoso disco, que grabara en compañía del saxo barítono Gerry Mulligan, durante la década del '70, su período más festejado, visitado y admirado, sobre todo por los rockeros y la vanguardia, con infinidad de referencias a otras músicas distintas a las de los involucrados, paseando incluso por la música neoclásica, y sonidos "progresivos".

Una verdadera obra maestra, de un tipo que nos tiene acostumbrados a sorprendernos siempre que nos acercamos a algunas de sus tantísimas obras.

Un disco hermoso, relajado, melancólico y moderno...gris y triste, pero lleno de luz al mismo tiempo.

Un disco de Piazzolla, para qué más palabras.

Joy Division "Closer" (1980)

muerto

Una forma de variar después de tanto fuzz y acoples y sonidos ultragraves, es viajar hasta Manchester, Inglaterra, para encontrar una de esas bandas que determinaron un cambio musical radical, creando casi sin darse cuenta una nueva escena.

Joy Division es muchísimo más oscura que infinitas bandas que pregonan una oscuridad lindante con la seguera, y lo que los diferencia del resto es que los músicos sabían componer, y Ian Curtis cantaba como pocos, de forma verdaderamente tortuosa y angustiante, y con una carga de agresión aplastante.

De hecho, la colisión de muchas bandas de metal con estos sonidos Post-Punk y protoindustriales darían resultados auspiciosos muchísimos años después. No solo eso, también derramó su oscura e influyente lírica y estética sobre las bandas que una década después serían tildadas/rotuladas de Alternativas, es decir el Grunge y todo lo que girase a su alrrededor.

Incluso hizo ruido en la cabeza de un italiano que estudiaba en Escocia, y cuando se vino para Argentina, formó una banda netamente influída (entre otras cosas), por Joy Division: los únicos e irrepetibles Sumo.

Lamentablemente la endeblez psíquica de su líder no permitió que este pudiese disfrutar del éxito merecido. Ya para la edición de este disco (póstumo), Ian Curtis ya se había colgado en su cocina.

Los restantes integrantes formaron New Order, pero esa es otra historia.

Si con este disco no se sienten incómodos, o angustiados, si no sucumben a esa exhibición atroz de minimalismo denso y cáustico con el que comienza el disco...no se preocupen por atormentarse de otra forma...siquiera por desear la muerte: uds. ya están muertos.

Celestial Season "Solar Lovers" (1995)

Una verdadera obra de arte, llena de dramatismo y música, como pocas veces se pudo escuchar en los '90.

Una banda de Holanda que venía de editar un par de demos y un buen disco debut, en donde había como instrumento fijo e importante un violín (también lo venía haciendo My Dying Bride, dentro del estilo).

Pero para este disco rompieron con varios esquemas preestablecidos, sumando a los riffs arrastrados propios del Doom, melodías y estructuras mucho más pegadizas, propias del Rock (o de lo que poco tiempo después se empezaría a llamar Stoner).

Nunca algo había escuchado, yo por lo menos, algo tan rockero y melancólico hasta ese momento, producto de la notable intervención de los violines y su brillante articulación con las guitarras, que sonaban muy graves o muy lentas, pero siempre llenas de un groove de las que pocas bandas podían hacer gala.

Otro punto que me sorprende enormemente ahora que vuelvo al disco son esos interludios breves cargados de tristeza que daban paso a las canciones más convencionales, por ejemplo "The Holy Snake" (título más stoner no había para ponerle!), que da paso a una de las joyas rockeras de la placa: "Dancing to a Thousand Symphonies", y que a su vez nos entrega una perla hermosa, el cover de Ultravox "Vienna", adaptado perfectamente al estilo romántico de este período de la banda.

Todas y cada una de las canciones, cuando las escuches, demuestran su poder evocador de lugares y momentos, ya sean estos hermosos o trágicos...o los dos juntos, por qué no...

Escuchen, y enamórense de estos sonidos trascendentales.

Boris "Amplifier Worship" (1998)

sapito

Si, estoy enardecido con los sonidos más lentos e hipnóticos, monótonos si quieren, desde que el mes de Marzo arrancó. Es cierto que voy mezclando de a poco con otras cosas para no quedar enterrado entre tanta pared de guitarras distorsionadas y acoples, pero es un mes que demanda tranquilidad y relax, y a eso lo logro con esta música.

Sí, ya sé, me van a decir por qué no ponés un disco de Jazz, o algo más darky, tipo Canaan...pero no...me relajo con esto y punto, no muchas más explicaciones.

Y acá estoy, escuchando el segundo disco de estos prolíficos japoneses  (péguense una vuelta por su web oficial y van a ver), hipnotizado tanto por los acoples como por las melodías que fluyen de ese ser diminuto y poderoso  que toca la guitarra, y que seguramente está poseída por un antiguo demonio oriental.

Es impresionante la cantidad de texturas que logra esta mujercita con sus deditos pequeños puestos sobre el diapasón, por supuesto que en comunión con sus eternos compañeros de ruta, Takeshi y Atsuo, logrando este último momentos memorables y tortuosos con su garganta acoplada a los sonidos ásperos, rugosos de lo mejor del Drone.

Pero no solo eso, porque también nos topamos con melodías y progresiones provenientes del Rock clásico, hijas directas del Floyd más volado y espacial (o de Hawkind, por qué no).

Ya para esta época había devenido en trío, y sin perder una pizca de fuerza, ganando en sutilezas y climas.

Boris es una banda a la que hay que escuchar tomándose el tiempo necesario, y que vayan emergiendo los variados colores que componen su paleta cromática.

P.D.: ¿Qué se imaginan cuando ven la portada del disco, tan amable y Pop? Bueno, seguro que no es eso.

Entren y adoren los amplificadores usados en este pedazo de disco.